ACIDI/viola - Musica Brutta dal 2006.

Quelli di voi che sono attenti alla scena musicale underground italiana, e soprattutto della capitale, o che semplicemente leggevano l'Acidiviola del primo periodo, ricorderanno sicuramente gli Eildentroeilfuorieilbox84. Come dimenticare una band dal nome così impronunciabile e dalle idee così facilmente complicate? Ora prendete quel nome e semplificatelo. Anzi no, non semplificatelo, rendetelo Super: diventerà così Superbox. La stessa formazione per un'idea musicale elevata al cubo. I dischi del Superbox, e questo è già il secondo, sono semplici raccolte di singoli che la band rilascia gratis tramite il web di tanto in tanto e che poi inscatola in piccoli, ma super, box.

Il secondo episodio delle fantastiche avventure del gruppo romano è, appunto, Due: Electro Hard Quore. Un titolo, ma anche un genere che il trio si è cucito addosso come un abito che veste perfettamente: un vestito fatto d'elettronica e batterismi selvaggi, synth psichedelici e bassi martellanti. Ci sono episodi danzabili (l'iniziale Paradosso) e cose più psichedelico-newage (segue a ruota Matto: dove la voce diventa un vero e proprio strumento in più, ma anche nel finale con Mammuth), cose a metà tra lo space e il post-rock (Alieni, di sicuro uno dei momenti migliori della raccolta, e Diciannove, breve e demenziale come poche altre cose in giro) ed omaggi/reinterpretazioni di cose già viste in passato (Pescanoce e Delle Bestie, rifatte in maniera Super). È musica per nerd, ma anche no. È musica seria, ma anche no, e allo stesso tempo è musica demenziale. Ci sono tastiere che ti entrano nel cervello, che martellano e spingono fino a sfondarti il cranio e farti muovere, decerebrato e senza pensieri. Ci sono batterie che a tratti ti sembrano irreali per quanto veloci e imprevedibili (ascoltate ONU per capire di cosa parlo). Poi c'è il basso, che leggermente srotola il filo su cui tutto si adagia e da cui tutto parte ed esplode in mille e mille direzioni diverse. E tutti e tre, allegramente, camminano minacciosi verso le orecchie dell'ascoltatore che, travolto e stravolto, potrà solo lasciarsi affascinare da ciò che viene messo in atto, dalla semplice e complicata bellezza della tempesta di suoni che comincerà a piovere sulla propria testa.

Fanno musica assolutamente non banale i Superbox, ve la regalano addirittura in free download, sul palco sono tra le formazioni più simpatiche e coinvolgenti d'Italia (e non parlo di simpatia falsa simil-Lo Stato Sociale). Insomma, che volete più? Davvero non v'accontentate mai?

vi consiglio l’ascolto di: Alieni, ONU.

Sangue del tuo sangue by Requiem for Paola

Facciamo che parliamo di un disco che, a tratti suona emocore, ed evitiamo di nominare i soliti Fine Before You Came e Gazebo Penguins? Va bene, facciamolo. Anche perché in Sangue Del Tuo Sangue, terza fermata in studio dei bergamaschi Requiem For Paola P., si sentono altre sonorità, altri richiami, pur rimanendo sull'emocore e sul post-hardcore.

Del nostro parlare moderno, prima traccia, mette in moto caoticamente il disco: rumorismi strumentali che lasciano spazio ad un tappeto di arpeggi su cui si adagia una voce straziata e straziante. La violenza di cui è fatta gran parte del disco partirà solo dopo tre minuti, alla fine del testo. L'attacco di Un'ora d'armi mi ricorda i Meganoidi di Al posto del fuoco: stessa potenza da parte sia della voce che dello strumentale, senza inutili protagonismi. Un brano pieno di tensione, di urla, di belle distorsioni non casuali. Con una buonissima scrittura generale, insomma. Un pezzo che si farà ricordare nel tempo. E così anche la successiva I rami oltre, che per certi aspetti ricorda Il Buio. Riff spigolosi e veloci, l'anima punk di tutto un background musicale molto vario. È questo che fa buon gruppo: non si ferma alle basi del proprio genere d'appartenenza, ma a queste mischia tanti e tanti altri elementi. Ancora punkeggiante è il quarto episodio della serie: Masticando nebbia, in cui troviamo bei movimenti di chitarra e un basso che graffia la schiena e fa male, mentre la voce ti sputa in faccia tutto quello che ha da dire. E i testi sono da leggere come racconti ma anche da interpretare come piccoli sogni. Tutti questi piccoli cavalli è bassa e suona come una lenta marcia funebre: arpeggi lenti, sonorità lontanamente à la Calexico, fiati e una voce che d'improvviso ti fa rabbrividire con “Di tutti i regni inesplorati, questo è certo il più stupido se siamo costretti ad abolire il giorno di festa, mangiandoci come scimmie il cervello a vicenda”. Un bel momento. E dopo la pausa, di nuovo violenza: con Nulla va lasciato (tra i denti) e Alluvioni Cambiò, potenza punk e post-hardcore, distorsioni, corse veloci, cantato a due voci, ci si ritrova davanti ad un nuovo riferimento: qui, infatti, si sentono i Death Of Anna Karina del cantato in italiano. Sarà per la rabbia, calcata ancora di più; sarà per i synth; non so spiegarlo, so solo che il mio cervello mi ha suggerito questo. Così come, ascoltando Il tuo pasto notturno, mi vengono in mente i due gruppi citati all'inizio dell'articolo. Il cantato corale, le distorsioni, i movimenti di batteria… tutte cose che riportano ai tempi di Legna o di Sfortuna. Ma il finale regala altre due piccole chicche di violenza distorta: Nel gorgo, muti e La coda delle nove spingono ancora, fino alla fine, all'ultimo secondo. Perché Sangue Del Tuo Sangue è così: DEVE lasciarti senza fiato, e ci riesce. Fidatevi, ci riesce.

Fatelo vostro, e consumatelo. Fatelo con le orecchie, ma anche con gli occchi, l'artwork sicuramente non vi deluderà.

vi consiglio l’ascolto di: Un’ora d’armi, Masticando nebbia.

Jersey Lily by The Lillie Langtry

Basso, batteria e voce. Non serve nient'altro ai bolognesi The Lillie Langtry per dire la loro. Jersey Lily dura solo venti minuti, parliamo però di venti minuti belli intensi a base di voci taglienti ed ammiccanti allo stesso tempo, batterie martellanti e bassi violenti come martelli pneumatici.

C'è tanta libertà nel disco del trio, a partire dall'intro. Nient'altro che un vinile inceppato su pochi secondi di sonorità vintage, solo una miriade di graffianti e inciampanti ripetizioni. Ma quello che partirà da lì a pochi secondi sarà tutt'altro che ripetitivo: ogni brano è una scheggia che pesca tanto dal garage e dal blues appesantito quanto dal punk'n'roll sporco e cattivo. Nightmares, prima vera traccia dell'album, richiama tanto i primi Wolfmother quanto alcune cose dei Death From Above 1979, e non è solo una questione di formazione. Proseguendo con l'ascolto - in Dance, per esempio - la voce comincia a ricordare da vicino quella degli Arctic Monkeys; ma solo nella successiva You Will Find Me sembra veramente di sentire Alex Turner su uno strumentale dei già citati Death From Above 1979: punk'n'roll basso e veloce, pazzo e pogabile. Vi citerò anche gli Heavy Young Heathens, anche se sono più sconosciuti dei progetti citati in precedenza. C'è tanto punk e tanto stoner, molto garage e tantissima voglia di spingere sull'accelleratore: Chicken Small Bones e Put Me Down sono veloci e, proprio per questo, molto affascinanti. In Fiat 500 poi, il paragone coi DFA1979, è praticamente d'obbligo. Bei movimenti, affrontati in maniera perfetta e il pezzo funziona senza nessun intoppo. Si fa ascoltare, riascoltare e consumare più e più volte. I brani non si dilungano mai oltre i tre minuti, e se lo fanno è solo questione di pochi secondi. Ed è molto meglio così, credetemi. Quando tutta la potenza di un gruppo può accendersi e scoppiare in poco tempo, è meglio. Rendere il tutto più breve ed, allo stesso tempo, intenso è un'ottima pensata. La doppietta finale Roses & Drinks e Don't You (niente a che vedere coi Simple Minds) è una buona combo di brani orecchiabili, con ritornelli che si fanno ricordare e canticchiare con piacere.

Sono solo venti minuti, ma venti minuti di un certo spessore. Ascoltate il disco, sicuramente non ve ne pentirete.

vi consiglio l’ascolto di: Fiat 500

Un disco completamente basato sul colore rosso, questo Red Shot, terzo lavoro degli Incredulous Eyes. Un disco, per tredici tracce, che ad ogni ascolto vi farà arrossire le orecchie: sia nei momenti calmi, sia in quelli più veloci e spinti.

Delle sonorità che riconducono alle atmosfere pulp e noir, dei bei momenti distorti e graffianti ma anche episodi calmi, rilassati, pensati. Il tutto dà al disco una altalenanza molto piacevole. Ascoltando l'iniziale Red Army, solo per voce e piano, non direste mai che da lì a pochi minuti partirà un brano noise'n'roll acido e graffiante. E invece, la successiva Cherry Brandy suona proprio così: un brano che trasuda passione, che graffia e lascia il segno. Continuando, poi, in Scarlett Wall ci si trova davanti ad equlibrismi rumorosi su una tesissima linea di basso. E sono ancora tiratissime Thick Grey e Crimson (e poi ancora più avanti Bushido) che, nonostante le innumerevoli fermate basse, quando ripartono lo fanno in maniera sempre più nervosa. Episodi come I Will, Left Side, Can't Cry, I'm Not Your Knight Anymore, Unrest e la finale Son Of The Sun - praticamente "l'altra" metà del disco - rappresentano l'anima scura del gruppo: quella devota a certe idee dei Karate, con movimenti lenti che però non disprezzano scivolate distorte e nervose, ma solo per spiazzare. Brani in cui tutti gli strumenti camminano di pari passo, senza mai lasciare il tempo a nessuno di affacciarsi troppo.

Tutto scorre bene: parte, accellera, si ferma, poi riparte e corre veloce. Poi ancora pausa e ripartenza. Questo è Red Shot, quaranta minuti di omaggi al colore della passione.

vi consiglio l’ascolto di: Cherry Brandy

2 + 2 = 8 by LeSigarette!!

LeSigarette!! fanno male, dicono, ma sicuramente non alle orecchie. Due più due fa quattro, ma anche otto, secondo il duo romano, e a sentirli suonare potrebbe fare anche sedici, trentadue e via dicendo.

Posso dire con una certa sicurezza che, tra i duo nati in Italia, tra quelli "orecchiabili" almeno, LeSigarette!! sono quelli con più piglio, che più ti scuotono e ti trascinano: chitarra, batteria e due voci che si sovrappongono, s'incrociano, si scavalcano e danno vita a più e più motivetti facilmente ricanticchiabili. Quello che mette in piedi il duo è una sorta di garage pop'n'roll sporco ma allo stesso tempo molto orecchiabile, il che non è assolutamente un difetto: l'iniziale B U L E R I A mette subito sul tavolo tutte le carte che l'orchestrina romana ha a disposizione: batteria martellante, chitarra veloce, divertimenti vocali, spinte distorte e via, il tutto pronto ad entrarti nel cervello. La successiva P R U R I T O è il singolone del gruppo: un brano bello tirato, con movimenti di chitarra distorti e per niente banali, stop'n'go di batteria, un ritornello blueseggiante che funziona senza nessun dubbio, degenerazioni in levare e chi più ne ha, più ne metta. E poi il coretto cantato a due voci, beh, vi sfido a dire che non vi è entrato nel cervello. Provateci. M A R E e M A N D A R I N O ricordano un'altra formazione in cui Lorenzo siede dietro la batteria: un po' per l'arrangiamento, un po' per la scrittura del testo, questi brani ci riportano alla mente gli Eildentroeilfuorieilbox84 de "La Fine Del Potere". Si continua tra momenti calmi e funkeggianti (M E S S A  A  F U O C O) per poi riesplodere in F U N A M B O L O che già dai primi secondi ci riporta a velocità elevate, senza abbandonare il tiro funk: chitarre veloci e cavalcate di batteria, versi dal sapore ska per lavoratori equilibristi. M A N D I B O L A, poi, è pura pazzia: esplosioni distorte, batterie sempre più veloci, linee vocali impazzite, ci si lamenta di non muoversi più tanto ma il pezzo fa l'esatto contrario. Di solito il finale di un album tende sempre a frenare tutto, ma non è questo il caso: A P R I R E  L A  M E N T E è un esercizio velocissimo di autoconvincimento ("fare ciò che fa bene / evitare ciò che fa male" detto fino all sfinimento, fino a crederci seriamente) martellante e ripetitivo che porta dritti dritti alla filastrocca finale A L B E R O in cui le due voci fanno davvero un bel lavoro. Ancora le voci che si intrecciano, collaborano, che si fondono e danno vita all'ultima perla di un album da non perdere di vista.

Prendetevi un momento per voi, sdraiatevi sotto un albero e fermatevi ad ascoltare i grilli e tutto ciò di bello e naturale che c'è intorno a voi, magari - ancora meglio - in compagnia di Jacopo e Lorenzo.

vi consiglio l’ascolto di: P R U R I T O

Six Grills In Six Days by The PepiBand

The PepiBand è un quartetto siciliano dedito ad un noise-rock vecchia scuola da non sottovalutare. La loro ultima fatica, Six Grills in Six Days venuta alla luce dopo cinque anni dal precedente Panic, è una vera dichiarazione d'appartenenza ad un genere preciso.

Un genere, anche se è stupido parlare di generi - lo so, riconoscibile fin dai primi secondi dell'album: movimenti noise-rock con spinte harder e voce graffiante. Distorsioni, riff storti, stop'n'go. Anche momenti di respiro, certo, ma solo come preparazione a future esplosioni. Keep In Touch apre l'album con tutti gli elementi elencati poco fa, con momenti che mi ricordano un po' i liguri CRTVTR. Parlavo di riff storti ed è nella successiva Death Throes che questi assumono in tutto e per tutto un sapore math. La musica dei PepiBand non è fatta solo di influenze del passato, ma anche di partecipazioni/collaborazioni recenti: William Voi ha donato al gruppo il testo del secondo brano (oltre che della traccia finale) di cui abbiamo appena parlato; Dario Serra ha messo penna e voce su Summer Parade Arrived di cui parleremo più avanti e, avanzando con l'ascolto, troviamo la riconoscibilissima voce di Giovanna Cacciola (non vi devo dire chi è, vero?) in quel piccolo gioiellino intitolato A Blue Day: un brano noise-rock scritto alla perfezione. Altro elemento su cui si basa la proposta del quartetto siciliano è la ripetitività, senza che questa - però - diventi un peso. Sentenced To Grace ricorda tanto i Karate di “The Bed Is In The Ocean”: chitarre che si sviluppano rumorosamente e che si abbandonano alla libertà di feedback e riverberi vari. Ma anche strumenti che graffiano e s'incazzano: come accade da Pug in poi: in questa, assistiamo ad una vera e propria cavalcata veloce, breve ed urlata. E da lì, continuando, ci ritroveremo ad ascoltare più e più cose che si faranno ricordare: Summer Parade Arrived, la successiva We Are The Past e poco più avanti What If You'll Still Be Here sono fatte di chitarre taglienti e distorte; partenze, frenate brusche e ripartite il tutto condito da stacchi di batteria semplicemente favolosi. Ed è questo in assoluto il vestito migliore del gruppo: meglio ancora quando poi si alterna piano e forte, calmo e distorto, come accade in Stefanuccio. La finale Feathers & Demons frena un po' e vi dirò che, per chiudere, sta più che bene: è tutto molto pulito, anche quando si spinge un po' di più. Un'uscita di scena praticamente perfetta.

Un buon disco noise-rock deve fare, principalmente, due cose: deve graffiare e deve spingere. E Six Grills In Six Days fa tutte e due le cose molto bene.

vi consiglio l’ascolto di: A blue day, Pug, Stefanuccio.

domanda: perchè i Germanotta Youth si chiamano così?

risponde Fabio: fase N 1: INTRODUZIONE CON GOSSIP: Il progetto è stato fondato da me e Massimo (Pupillo, ndav) doveva chiamarsi "Mongolian Barbeque" e anche questo nome, come tutti i titoli delle canzoni fino al cambio di line up, è tutta farina del suo sacco per feticisti! La cosa incredibile è che siamo addirittura presenti su una compilation curata da Justin dei Locust uscita addirittura per Dim Mak (Steve Aoki) dal nome "All Leather", con un premix di un brano del primo disco come Germanotta Youth!

fase N 2: PRIMA USCITA UFFICIALE: Wallace Records è interessata al primo disco e cambiamo nome in Germanotta Youth applaudito prima e dopo la spiegazione di Massimo; fase N 3: SPIEGAZIONE: Side progect dei Sonic Youth sono i "Ciccone Youth" che rivisitavano con il loro peculiare linguaggio alcuni brani di Veronica "Madonna" Ciccone; il cambio generazionale che promuove Lady Gaga come la nuova "Madonna" ci impone moralmente questo cambio di cognome come riferimento/omaggio alle giovini generazioni, e serve il grind come piatto forte del nostro linguaggio.

Astio by KennyMuoreSempre

Arriva a Gennaio l’Astio dei KennyMuoreSempre: dieci brani in equilibrio tra il grunge e il garage, che non disprezza né scivolate in belle distorsioni punkeggianti (e qui guadagnano punti) né in cose più orecchiabili (e qui, invece, ci rimettono un po').

Il modo in cui si apre (e si chiude, poi vedremo) l'album mi ha fatto storcere un po' il naso: Esoftalmo suona esattamente come un brano grunge, ma diciamo pure alternative, quello anni 90, col cantato in italiano. Suona bene, ma ti lascia sempre sospeso, ad un passo dal piacere. La successiva Odile pure, ma dopo un po' ti lasci prendere dal cantato "scoglionato" e tutto diventa piacevole. Felice è breve, rimane sul garage pop, ma senti che qualcosa freme, senti le distorsioni che non riescono più a trattenersi. E infatti. In In Quanto s'ingrana: un brano di quasi tre minuti veloce come una corsa in bici, col vento che ti accarezza la faccia: piacevole come lo erano i primi dischi dei Tre Allegri Ragazzi Morti. Un misto interessante di coretti e pedalate distorte. Da qui, poi, parte una sequenza affascinante di brani brevi e veloci: Pussanghera convince totalmente col suo atteggiamento punk e il cantato convinto, a proprio agio; Bianca e Luana invece, prendetele come canzoni d'amore per gioventù alternative e vedrete che vi lasceranno piacevolmente scossi. Che M'Importa rallenta un po' le cose, come una sorta di pausa harder: grandi distorsioni, un intermezzo breve che passa dal grunge al punk in poco più di un minuto. Per concludere il disco, una doppietta totalmente diversa che stoppa una trafila piacevole di brani punkeggianti: Solitudine e Arrivo piano piano rallentano fino a spegnersi completamente.

Astio, in conclusione, si dimostra disco totalmente onesto: mette tutte le carte a sua disposizione sul tavolo e poi gli da un calcio per mandare tutto a quel paese e fare come cacchio gli pare.

vi consiglio l’ascolto di: In quanto e Pussanghera.

domanda: Perchè gli Splatterpink si chiamano così?

risponde Diego: Sono sempre stato un appassionato dell'horror in tutte le sue forme e nel '90, quando formai la band, questo genere cinematografico  stava subendo una vera e propria rinascita. Si stava imponendo preponderantemente quello che di lì a breve sarebbe stato identificato come ‘splatter’ (allora il termine ancora non esisteva, al pari di ‘serial killer’); nuovi registi si affacciavano sul settore e spingevano il piede sull'acceleratore a mille, ridefinendo in modo assai radicale  il genere. Inutile dire che mi trovavo al settimo cielo. Tieni inoltre presente che questa rivoluzione di settore coincideva anche con una specie di ‘rinascimento’ musicale vero e proprio; uscivamo infatti da un periodo musicalmente lugubre, deprimente, caratterizzato da una mancanza cronica di idee e di spirito innovativo,  durato almeno sette anni e in cui, da dopo la fine definitiva della new wave (genere che fondamentalmente per me ha sempre rappresentato l’inizio di tutto), garage-beat-psichedelia et similia sembravano infestare ogni angolo del globo e pareva che invece di evolvere il trend fosse quello del conservatorismo più becero e di ripescaggio di generi di cui avremmo fatto volentieri tutti a meno. Ma finalmente anche il garage-beat era morto e soprattutto ciò che lo stava andando a sostituire non era una minestra riscaldata per nostalgici; c’era veramente un ritorno verso la voglia di andare avanti e mettere in soffitta caschetti, camicie paisley, organi hammond, coretti na-na-na e tutto il corollario di gadgets d’ordinanza. Insomma, adesso c’erano film fighissimi da vedere e band fighissime da ascoltare. Quel genere, lo splatter, e soprattutto la filosofia innovativa e brutalmente rivoluzionaria che ne aveva fornito nuova linfa, a mio parere era applicabile anche in un contesto musicale, o perlomeno alla musica che IO volevo fare e che già stavo componendo, quasi come in un allineamento inconscio. Ero abbonato a questa rivista di cinema horror, Fangoria, e spesso i registi di cui sopra venivano definiti ‘splatterpunk’. Mi piaceva splatterpunk, e avrei voluto chiamare la band così, ma era troppo identificabile e l’omaggio mi sembrava troppo infantilmente plateale. Così decisi di sostituire una vocale, e nacque il nome Splatterpink.

Ed eccolo qui, il terzo lavoro dei Progetto Panico: un disco che ritorna - allo stesso tempo - agli inizi del trio (parlo di Maciste In Paranoia, di sicuro il loro lavoro più "libero"), agli esordi in italiano degli Zen Circus, a qualcosa dei Prozac+ e ancora più indietro nel tempo. Cattivi Tutti Quanti conta undici tracce, per quasi quarantacinque minuti, che scorrono in maniera davvero piacevole.

Quando parlo del gruppo di Appino e co. intendo cose come la traccia d'apertura: il brano omonimo ci riporta velocemente alla mente le sonorità e i testi di Andate Tutti Affanculo, una buona e personale riproposizione Panicizzata del folk-rock del trio pisano. Così come, più avanti, Nudi si è ridicoli e la finale Trent'anni: la prima richiama i Zen per l'incedere di batteria e il cantato, soprattutto nel ritornello mentre la traccia finale ci riporta alla mente i dieci anni in meno della collaborazione con Brian Ritchie. Proseguendo con l'ascolto si ritrovano tante altre influenze: in Luca sembra di sentire una versione moderna dei testi dei Prozac+ e delle sonorità, in un certo senso, dei Sick Tamburo. Le tematiche, il descrivere accuratamente una persone e tutti i suoi vari comportamenti, sono tutte cose che ci riportano lì, c'è poco da fare. E anche in La musica non conta quasi niente ritorna il gruppo di GianMaria, anche se in una veste particolare: non ci sono grandi distorsioni (almeno nel verso, e forse è molto meglio così) se non nel ritornello, e il testo funziona tutto. È un brano piacevolmente altalenante, una giostra che si divide tra piano e forte. Altre cose, soprattutto per l'uso della voce, ricordano un certo Ivan Graziani: Stand By è il brano che più fa pensare ai primi Progetto Panico, con il suo non-spingere-tanto, alcuni passaggi vocali Grazian-eggianti e le sonorità che - a volte - assumono un piglio dreamy niente male; ma anche Luna non sa ricorda Ivan, un brano classicheggiante ed acustico, una sorta di dimostrazione d'affetto da parte e nei confronti di una piccola bestiola. Paga è il singolone. Sul serio, pensateci: è leggera, funziona il testo, funziona la musica, grandi distorsioni, il ritornello si fa urlare. È di sicuro il brano del disco che più può funzionare ma a me, boh, dice poco. Sinceramente, i Progetto Panico li apprezzo tanto di più su brani come la successiva Tavor che a me ricorda Smalltown Boy dei Bronski Beat, ma ok, forse con questa c'entra veramente poco. Tralasciata questa piccola parentesi "new wave" fatevi consigliare vivamente questo brano: il gruppo, qui, è perfettamente a proprio agio, non fa tanto, eh, ma lo fa veramente bene. Il testo funziona e lo strumentale che segue, pure, senza dubbio. Si fa cantare, ascoltare, riascoltare, consumare. Rivoluzione richiama ancora i Panico del passato, anche se qualche dettaglio mi fa pensare a Nada, ma non sono sicuro di saper spiegare il perché... mentre Una virgola è il brano che più fa pensare ai tempi di Maciste: puramente punk, con bei passaggi vocali, che funziona per tutti e tre i minuti di durata. Posso dirvi in tutta onestà che, sì, è così che voglio i Progetto Panico, sono un romanticone.

Detto questo, vi posso assicurare che Cattivi tutti quanti scorre senza alcuna difficoltà soprattutto se siete affezionati ad un certo "indipendente orecchiabile" (che poi mi spiegherò che cazzo vuol dire, scusatemi) degli ultimi anni. I miei complimenti al gruppo, che non smette mai di stupirmi piacevolmente.

vi consiglio l’ascolto di: Tavor.

Tuorl by feat. Esserelà

"Che cos'è l'album? è quella cosa che insieme al Tuorl fa l'Uov" direbbe Cattivik. Non so sinceramente se i tre simpatici musicisti bolognesi hanno pensato al ladro nero dei fumetti per il titolo dell'album ma poco importa. A noi interessa solo ascoltare tre giocosi musicanti celati dietro il nome - assurdo, e vedrete i titoli dei pezzi poi - feat. Esserelà.

Un disco interamente strumentale, questo Tuorl, che si apre con Don't leave your dinosauri at home: una folle cavalcata prog fatta di organi, riff tagliati di chitarre, assoloni hard-rock, momenti funkeggianti e chi più ne ha, più ne metta. Anche cotoletta, il brano successivo, gioca le sue carte migliori su pirotecnici giri di piano e martellantemente ripetitivi riff di chitarra, così anche come Canguros de la ventana, poco più avanti, che però dimostra un animo più psichedelico.Quasi attaccata alla precedente, S.r.l.à, mantiene viva l'effettistica visionaria e rumorosa, bassa, ma esplode piano per poi scivolare in un finale pianistico che sconfina nella successiva No ( ): qui prende vita un riff di piano che, tra pennellate di chitarra, ci porta direttamente ad un certo prog di decine di anni fa. Alcune cose di questo disco fanno ritornare alla mente certe idee dei concittadini Confusional Quartet: Il nostro batterista ha un buco nella gamba è iperattiva allo stesso modo, con un organo messo davanti a trascinare e il resto della band a seguire. Continuando, vi chiedo: cosa vi verrebbe da pensare davanti ad un titolo come / ° \ \ ° / / ° \ \ ° / / ° \ \ ° /? Eh, niente, che volete pensare. Perdetevi ad ascoltare la chicca prog-funk schizofrenica che si nasconde dietro un titolo così assurdo, e cercate di sopravvivere alle monumentali distorsioni che affioreranno apparentemente senza motivo. E se vi piace il loro tocco funk schizofrenico, apprezzerete senza dubbio anche la successiva What a (tetra) pack. E poi (ri)prendete fiato - si fa per dire - con Un duettrè qqua: un brano che salta dalla fusion al jazz, da Bollani ad un Satriani a caso, senza mai dimenticare il funk tanto citato in precedenza. Sostituendo, poi, Bollani con i Deep Purple e tenendo sempre tutti gli elementi nominati pochi fa si arriva ad ascoltare Stichituffelpa rampa esserelà tum perugià: premio titolo assurdo duemilaquindici e con buona probabilità anche duemilasedici. Nella traccia finale, Loop o' pool, la band ci porta dal vivo, sul palco, per un'ultima, trascinante, esibizione fusion-prog prima di una traccia nascosta totalmente vocale.

vi consiglio l’ascolto di: / ° \ \ ° / / ° \ \ ° / / ° \ \ ° /.

domanda: Perché i CRTVTR si chiamano così?

risponde Cesare:  Cartavetro nasce come nome esteso di una band del liceo di cui facevo parte, che a genova suonava abbastanza ma non nutriva particolari ambizioni. All'epoca mi piaceva molto un disco dei Primal Scream che si chiamava XTRMNTR, in cui tutte le tracce erano scritte senza vocali. Così feci un loghetto, di quelli che si fanno negli ultimi banchi di scuola per ammazzare il tempo, in cui scrivevo in quella maniera il nome. Quel loghetto divenne, in un impeto di lungimiranza una maglietta. Quando la maglietta venne stampata, poco dopo la band si sciolse. Nell'ultimo periodo Fabio suonava con noi e trovato Giovanni ci mettemmo a risuonare, cose completamente diverse, e con la voglia di fare un po' di più... Potevamo cambiare nome, forse avremmo dovuto, però avevamo appena stampato le magliette, e siamo genovesi. Quindi abbiamo deciso di dimenticarci della parte con le vocali e adottare il nome scritto nel logo così come era.

Quindi volendo possiamo risalire a: perché Cartavetro? beh quello era un ovvio riferimento al fai-da-te e quindi al DIY e poi è un oggetto abrasivo. in seguito ci siamo trovati a dover giustificare perché CRTVTR. Una volta un tizio inglese ci ha detto "ma vuol mica dire Cathode Ray Tube Video Tape Recorder?" e noi abbiamo scritto un pezzo che grida in loop queste cose perché almeno gli stranieri se ne convincessero poi ogni tanto qualcuno se ne salta fuori con qualche spiegazione tipo in svizzera uno ci ha detto che secondo lui voleva dire "creativitor" che non esiste ma è figo... siamo per il vale tutto, gli unici a cui non frega nulla sono i cechi perché tanto loro usano le vocali meno di quanto i liguri usino la panna in cucina.

C'è tra di voi qualcuno che apprezza sonorità toy pop, ma anche cabaret e trip-hop? Bene, fermatevi qui, date un ascolto a questo Believer, primo disco del duo Vale & The Varlet. Due Vale: una Valentina e una Valeria (già con OoopopoiooO e John De Leo). E, allo stesso tempo, a turno, due paggi e due furfanti.

Ci prendono per mano e ci portano alla scoperta di un disco vario ed originale partendo da I Forgot Belgium e il suo giocattolismo teatrale, pop cabarettistico e le sue citazioni colte, fermandosi in Oh Love Me, quasi solo piano e voce, minimale, se non per pochi respiri elettronici. E poi, ancora, in Sunday Morning si scivola in un jazz acustico, rumoroso, zoppicante: una voce graffiante ed accattivante che inciampa in dettagli arty ma che poi si rialza senza nessun tipo di problema. Parte piano, ma quando parte non ce n'è per nessuno. In Alejandro - scritta a quattro mani con Luca Savorani e Lady Gaga c'entra ben poco - poi, ma anche più avanti in Minnie, il duo riesce magistralmente ad impartire una lezione sul cabaret nella sua forma migliore: atmosfere teatrali, un pianoforte puramente tangheggiante e violini che si muovono sinuosamente, due attori che si muovono sulle scene, sbattendosi, discutendo animatamente ma che poi si addolciscono, si fermano e cominciano a ballare al ritmo terzinato della successiva Slight Story. La traccia omonima, scalda i motori e decolla per portarci a spasso sulla luna: parte così un brano che prende tanto dal trip-hop, con atsmofere spaziali, come una camminata sulla luna saltellando tra i crateri. E anche Please Help Me, nonostante l'inizio faccia pensare a qualcosa di acustico e calmo, nasconde un'anima trip-hop appesantita (grazie anche alla partecipazione di Vincenzo Vasi, già negli Ella Guru, che ritroveremo anche nell'episodio finale). Bobe è alquanto minimale, una sorta di ninna-nanna psichedelica e fa quasi da apertura a Technomg che sembra essere un omaggio a tutto il tempo passato ad ascoltare Bjork, sciogliendo la lezione in un bicchiere colmo di liquidi psichedelici, rumorosi ed elettronici. Il tutto prima di fermarsi improvvisamente, e dare la chiusura all'album con quel tocco vintage che in un disco del genere non guasta mai: parte così, la conclusiva Only A Man, una sorta di R&B giocattolesco che rende tutto quello che ci circonda di un grazioso seppia. Lasciate passare questi ultimi due minuti e quaranta secondi e poi decidete se far ripartire il disco o no. Io quasi quasi...

vi consiglio l’ascolto di: Alejandro

How to Erase a Plot by armaud

Armaud è una piccola creatura marina, piccolissima, che si muove lenta tra fondali e onde. Una minuscola figura che si districa tra correnti e mareggiate portandosi dietro una scia di elementi dream-pop, trip-hop e folktronicheggianti. Questo "How to erase a plot" è una sequenza di sonorità eteree e sognanti, primo lavoro del trio romano Armaud (ma non per i musicisti che lo compongono).

Him, la prima traccia dell'album, dà l'inizio alle danze come un lento aprirsi di un sipario oppure come una ripresa a volo d'uccello sull'oceano. Echi di percussioni, un arpeggio lento, tappeti elettronici e una voce angelica: se dovessi rappresentare in musica il significato del termine "dreamy" penserei esattamente ad una cosa del genere (come anche Spoiler, che ritroveremo più avanti). Patterns, invece, mi fa pensare tanto ai Portishead ma anche ai Venus Hum: non c'è bisogno di accelerare, bisogna solo chiudere gli occhi e lasciarsi cullare, arrivare a sentire le onde del mare che piano piano si infrangono sugli scogli. Il brano cresce d'intensità, viene abbracciato da una batteria e si trasforma in un brano pop elettronico che non cerca di strafare e, soprattutto per questo, rimane molto piacevole. Ablaze è martellante, guidata da un riff di chitarra pulsante che fa da giaciglio alla voce. Questa vi si adagia, dolce e sempre angelica, anche quando l'elettronica s'innervosisce ed arriva a sfiorare una sorta di pop-industrial. Il fascino che si nasconde dietro Common prayer, i piccoli dettagli rumorosi, le elettroniche minimali, gli arpeggi volatili completano - in maniera perfetta - il lavoro della voce che qui arriva a ricordare Nina Miranda (Smoke City) o Skye Edwards (Morcheeba). Ancora dreamy, che per il trio romano sembra essere una religione più che una semplice definizione di genere. E tutto tende ad arrestarsi in BK: un brano minimale, fatto di pochi elementi, in cui a farla da protagonista è senza dubbio la cantante. Sembra quasi intenta a confidarci un segreto, a bassa voce, sussurrandocelo nell'orecchio. La title-track è in assoluto il brano che mi ha colpito di più: tutto sembra pulsare... tutti gli strumenti, gli elementi, sembrano battere a tempo come il cuore, rilassato, di chi ascolta e chi si fa ascoltare. Un brano folk che ammalia, ti scuote leggermente, ti fa chiudere gli occhi e spegnere il cervello, facendoti restare solo e in balìa del tuo corpo oscillante. E una volta arrivati su binari dal sapore folk, diventa difficile abbandonarli: è per questo che Lullaby continua a camminare senza abbandonare la strada iniziata prima. Voce e chitarra, loop, pochi dettagli, ma che si combinano perfettamente. Si diventa folktronica, poi, con Song for lovers: quasi ambient, silenzi, arpeggi minimali, poche parole, effetti... e poi si cresce, si sviluppa piano piano, affiora una batteria, ci si distorce, intervengono dettagli quasi al limite del post-rock, ma no, questo disco non va così, se non per pochi secondi. Come quelli che collegano il finale della nona traccia all'inizio di May, l'ennesimo episodio folk, finale, terzinato. La giusta chiusura per un album del genere.

Prendete coraggio e tuffatevi in questo album, è l'ideale per chi cerca sonorità trip-hop, elettroniche e folk ma anche per chi vuole prendersi una pausa da cosa ben più pesanti.

vi consiglio l’ascolto di: How To Erase A Plot.

Nero by The Great Saunites

Nero. Scuro. Basso. Vibrante. Tribale. Ancora più scuro. Ancora più pesante. Tre tracce per trentacinque minuti e nient'altro che due strumenti: una batteria, martellante, e un basso, lento, distorto, isterico.

Momenti che sembrano ambient, e anche drone, ma che poi degenerano in atmosfere psichedeliche, ritmiche tribali, percussioni pulsanti, riff ipnotici. Diciotto minuti di viaggio nel nero più scuro ed avvolgente, tra effetti ed ipnotici riff di basso, adagiati violentemente su un tappeto di percussioni sempre più iperattive. Ripetersi, mutando dettagli impercettibili: questo fanno i The Great Saunites. Martellare per entrare piano piano nella testa di chi ascolta. E, una volta dentro, tenersi bassi, scivolare silenziosamente negli angoli più remoti e nascosti del cervello umano. L'iniziale Nero è tutto questo, una title-track lunga quasi venti minuti, con un finale lungo e diluito, che fa da apripista a Lusitania, traccia in cui il duo vede la partecipazione della romana Cassandra: batterismi tribali che strizzano l'occhio agli OvO e un basso che continua a colpire coi suoi riff psicotici. Su questi si adagia l'opera di Cassandra: i suoi rumorismi e le sue visioni diventano parte integrante del brano, alzando il livello del rumorismo-psichedelico a livelli inimmaginabili. Sonorità che ti cullano e ti disturbano allo stesso tempo, la testa dondola assente ma il cervello e il corpo partecipano attivamente. Forse è questo l'effetto che la psichedelìa Deve avere sugli ascoltatori. E quindi perché cambiare direzioni nella finale Il Quarto Occhio? Le percussioni impazziscono ancora di più, camminando sul fragile filo dell'iperattività, mentre il basso tesse ancora trame ipnotiche, scivolando e disintegrandosi in puro rumorismo. Ma è solo un bluff, basso e batteria ritornano a martellare, o forse è solo una illusione e il nostro cervello si sta abbandonando a ciò che il duo di Lodi ha costruito attorno a noi.

Più che un disco, è un viaggio: lasciatevi andare e perdetevi, la colonna sonora è praticamente perfetta.

vi consiglio l’ascolto di: Lusitania

All You Can Eat by Slivovitz

Prego, accomodatevi. Prendete posto e partecipate senza moderazione alcuna al banchetto "All You Can Eat" dell'ensemble napoletana Slivovitz. Un banchetto in cui sono disponibili portate che vanno dal gipsy-jazz al funk pesante, dal prog ai digestivi a base d'armonica.

L'All You Can Eat dei napoletani si apre con un aperitivo fatto del miglior cibo mediorientale in circolazione: Persian Nights e Yahtzeee sono un inizio delle danze tra melodie orientaleggianti e distorsioni a stravolgere come una giusta nota salata. E al cambio di portata, ci troviamo tra jazz storto e movimenti funky con momenti che addirittura sfioreranno il bluegrass, sempre senza dimenticare la passione gipsy del gruppo: Mani In Faccia è il brano in cui il violino la fa da padrone, mentre il resto della band segue a ruota. Un brano con delle degenerazioni distorte degnissime di nota e un tema principale che resta ben piantato nella memoria, come una manata ben assestata in piena faccia. Passannante scivola su binari quasi da colonna sonora poliziesca, o noir: tromba e chitarra distorta a collaborare e distruggere tutto e interventi di armonica, quasi come prese d'aria tra un pasto abbondante e un'altro. L'accoppiata Barotrauma (La zappa sui piedi) e Hangover mantiene sempre viva la componente gipsy del gruppo, i tocchi prog, i passaggi jazz, ma dà un po' di pace all'ascoltatore. Ci sono scivolate in salsa dreamy, momenti rilassati, colonne sonore ideali per riprendersi da un post-sbornia coi fiocchi. Quindi, approfittate di questi dieci minuti di calma, respirate, magari allargate un po’ la cintura, e preparatevi a quello che - almeno a parere mio - è l'episodio migliore dell'album: in Currywurst l'ensemble dà tutto il suo meglio. Movimenti distorti e funkeggianti di chitarra, fiati pseudopolizieschi, pazzi assoli d'armonica e degenerazioni psichedeliche. Cinque minuti praticamente perfetti, adatti ad ogni pasto o ad ogni cibo di strada. E per finire e ricongiungersi con il prog e il jazz delle tracce iniziali, lasciatevi cullare dalla conclusiva Oblio messa lì come un buon amaro, a fine di un buffet davvero abbondante.

vi consiglio l’ascolto di: Currywurst

DIE by IOSONOUNCANE

Io IOSONOUNCANE lo odio. Lo odio ma gli voglio anche tanto bene. Perchè ha messo al mondo un disco monumentale come DIE. DIE che, sì, in latino e in sardo vuol dire "giorno", ma che in inglese (per i più banali di noi) vuol dire anche e soprattutto "morire". E sarà per questo che, chiunque ascolti questo disco, non può fare a meno di morire un po', dentro. Morire di felicità, ma anche di tristezza, perché dischi di questo livello in Italia non ne escono spesso (e con questo non voglio dire che nel nostro paese non c'è niente di buono, eh, anzi). Il punto è che, non escono dischi così ben elaborati ed equilibrati, Pieni con l'iniziale maiuscola: pieni di così belle atmosfere, sonorità; così pieni di elementi, tutti uniti eppur tutti ugualmente divisi ed unici; così pieni di così poche e, allo stesso tempo tantissime, parole. Rive, sale, sole, vive, e come vive così muore, e poi da capo tra centinaia di altre parole. E poi decine e decine di strumenti, sotto la guida di Jacopo e di Bruno Germano. Jacopo: un'artista solista in mezzo ad un mare di persone, di voci e di strumenti.

Il disco si apre, sorge lentamente, come l'alba di ogni giorno (=Die, in latino, dicevamo prima) con Tanca: questa muove i primi passi tra drones bassi, elettroniche e percussioni in crescendo, che esplodono piano piano seguendo fedelmente la voce. È un disco non facile, DIE, ma allo stesso tempo è un disco orecchiabile, un'ostrica che al suo interno nasconde (ma manco tanto) una perla pop come Stormi: non si abbandona la ricchezza degli arrangiamenti (i richiami alla traccia precedente e tante, tante, tante altre cose) ma la chitarra, l'hand-clap, il coretto "estivo", il testo che si fa ricordare nonostante il suo non essere assolutamente banale sono tutti elementi che faranno entrare (e rimanere) questo brano nella testa e nei ricordi di tutti. Il disco sembra essere una unica traccia, che scorre piacevole, tra alti e bassi, con un andamento che ricorda da vicinissimo il movimento del mare e delle onde in cui Jacopo si lascia trascinare di qua e di là. È questa la sensazione che dà l'inizio della lunghissima Buio: tutti gli elementi, messi insieme, dipingono il mare davanti agli occhi dell'ascoltatore e lo fanno con tutta la calma del mondo. Alcune degenerazioni elettroniche riportano alla mente - direttamente dal passato di IOSONOUNCANE - gli Adharma, ma nel disco si pesca davvero dovunque: al cantautorato, all'elettronica - sfiorando la dubstep -, al funk, al soul, all'R&B. Prendete Carne, che ha un lavoro sui fiati da fare invidia alle migliori brass-band. E degna di tantissima attenzione è anche la brevissima transizione che prende il nome di Paesaggio: una trasformazione da cantautorato-ambient a folk movimentato che esplode e frena bruscamente solo per lasciare posto alla traccia finale del disco, tutto perfettamente collegato. Mandria è la chiusura del cerchio, la fine di un percorso che si conclude esattamente lì dove è iniziato: tra le elettroniche di inizio album, ma con un beat trascinante fatto di tutto (e quando dico tutto intendo veramente Tutto) quello che ci è passato per le orecchie nei trenta minuti passati.

Io IOSONOUNCANE lo odio, dicevo, ma non è vero. È solo che con questo disco rimarrà nel mio cuore (e in quello di tanti e tanti altri appassionati di musica) per tanto e tanto e tanto tempo. Complimenti per un disco da inchino, anche da parte di una persona che, gli inchini, non li ha mai saputi fare.

vi consiglio l’ascolto di: Carne (ma diciamo pure tutto il disco).