Ana Manson

Cuando llega la temporada de premios y nos ponemos a confeccionar los prodes para la última y gran ceremonia que cierra todo (este año casi un mes antes), siempre nos agarra la disyuntiva a la hora de votar con la cabeza o el corazón. Como alguien que se dedica a esto (informalmente desde hace mucho -¿7 años?- pero estricta y exclusivamente desde hace menos de un año) creo que esta etapa es todavía más difícil, porque en general tenemos bien en claro quiénes van a ganar, y no suelen coincidir con quiénes queremos que ganen.

Estamos hablando de los Oscar, por supuesto, los premios de la Academia o como quieran llamarle, esa estatuilla dorada que implica un reconocimiento de la industria en su conjunto, pero en realidad es el resultado de la votación de un grupo muy limitado y exclusivo de integrantes. No nos vamos a meter en detalle en las demográficas de los votantes de la Academia (y ya lo hemos charlado bastante en podcast), pero digamos que hasta hace tres años (previo a la dichosa era #MeToo) estaba integrado por un gran porcentaje de señores blancos bastante grandes y oxidados. Esto no es por sí mismo algo malo, pero si tenemos en cuenta que estos porcentajes no representan ni de cerca la realidad del mundo en que vivimos, se vuelve bastante problemático.

Cuestión que, como estaba diciendo, una tiene que decidir si votar con la cabeza o con el corazón. Y este año, a sabiendas de que seguramente pierda, voté con el corazón. Por ejemplo voté a Klaus como mejor película animada, cuando sé que lo más probable es que no gane (porque Netflix) a pesar de que arrasó en los Annie Awards. Voté por Mejor Guion Adaptado para Mujercitas, porque no puedo ni pensar en lo que me molesta que no vaya a ganar, aunque Jojo Rabbit también me encantó, pero no es el punto. Lo que Greta Gerwig hizo con el guion de Little Women es lo que se llama un verdadero prodigio de la adaptación y acá en mi reseña de Letterboxd pueden leer por qué (y de paso, seguirme). Y encima la dirección es descomunal y no está ni siquiera nominada, con lo cual COMO MÍNIMO se merece este premio. Pero, decía, lo más probable es que tampoco lo gane porque Taika Waititi ya ganó el premio del sindicato de escritores (o guionistas, como prefieran) y la semana pasada el BAFTA. 

En las categorías de actores y actrices es fácil votar porque son números puestos y además no difieren mucho de lo que todos queremos/esperamos que ganen (a excepción de los que ni siquiera fueron nominados, ya me indigné en su momento). Pero las categorías principales (Película, Guion Original, Película Extranjera y Dirección) están más peleadas que nunca. ¿Y por qué? Porque son todas muy buenas películas, algo que no suele ser el caso. Y porque los premios que pavimentan el camino a los Oscar (en realidad no es tan así, pero for the sake of argument digamos que sí) fueron excepcionalmente desparejos e imprevisibles, incluso para los que nos dedicamos a esto. Basta con mirar cualquier prode, comparar dos ó tres, y se van a dar cuenta de que este año no hay favoritas. Las más nominadas perdieron todo, las que llegaron a fin de año se metieron cómodamente en la temporada y las de perfil bajo dieron el batacazo. Es un panorama raro, y muy interesante.

Lo cual nos lleva a la razón de este artículo.

La película más inesperada y outsider de todas, también una de las más celebradas y laureadas, la que viene a romper los prodes: PARASITE. Y por qué creo que va a ganar el premio principal el domingo, contra todos pronóstico y contra la (i)lógica de los Oscar. Si bien a esta altura ya es vox populi que tiene chances de ganar como Mejor Película, los que saben siguen diciendo que no hay ninguna posibilidad de que la Academia le entregue la estatuilla principal a una película extranjera. Simplemente, nunca va a pasar.

Uno de los argumentos más esgrimidos es justamente que hasta ahora, nunca pasó. En los más de 90 años de premiaciones, ninguna película hablada en otro idioma que no sea inglés ganó el premio principal. De todas las nominadas a Mejor Película Internacional, solo siete fueron nominadas también en la categoría de Mejor Película y absolutamente ninguna ganó. Pero que nunca haya pasado no significa que no pueda pasar (de hecho no hay ninguna regla que diga que no puede ganar Mejor Película Internacional Y Mejor Película).

Y tampoco es que no hay NINGÚN antecedente, de hecho una película extranjera ya ganó el premio a Mejor Película. Solo que no era considerada extranjera por un tecnicismo (aunque en realidad sí lo era). En 2012 El Artista estuvo nominada a 10 premios y se llevó 5, incluyendo el de Mejor Película. A pesar de que era una producción francesa, con capitales franceses, un director francés y un elenco francés, se trataba de una película (casi) muda. Con lo cual, la regla de “lengua extranjera” (lo explico en el párrafo siguiente) no aplicaba. Además ser un homenaje al cine hollywoodense, con sus códigos y sus valores, algo que también tiene mucho peso para los votantes.

La categoría de Mejor Película Internacional es complicada, ambigua y cambiante. De hecho, este es el primer año en que se llama así. Desde 1956 y hasta el año pasado se llamó “Mejor Película de Habla no Inglesa” y antes de eso, ni siquiera existía oficialmente como categoría (aunque se entregaban algunos premios especiales). Solo se permite una competidora por país (una regla muy cuestionada) y hasta hace poco, la película en cuestión tenía que estar en el idioma oficial de ese país, aunque en 2006 cambiaron esa controversial regla que dejaba a muchas candidatas afuera. 

De hecho la mutabilidad de reglas (algo que pasa mucho más seguido de lo que se imaginan) es uno de los argumentos a favor de las chances de Parasite. Como dije más arriba, la Academia está cambiando. Adaptándose para sobrevivir. En los últimos años, las audiencias de los premios -al menos por los canales oficiales- cayeron dramáticamente y la institución recurrió a todo tipo de medidas desesperadas para hacerla más atractiva al público general. Desde adelantar la ceremonia un mes y eliminar por completo la figura del anfitrión, hasta convocar a los Avengers para presentar los premios. Pasando por la descabellada propuesta de incluir una categoría a “Mejor Película Popular” #NeverForget.

Bottom line: los Oscar necesitan prensa. Y nada podría darles más prensa que hacer historia, premiando por primera vez a una película extranjera con el galardón más grande de la noche. En definitiva, “Parasite” tiene la mezcla perfecta de popularidad con prestigio, tanto el público general como la crítica la aman, ganó la Palma de Oro en Cannes pero también se convirtió en una de las películas internacionales más taquilleras en Estados Unidos, en pocas semanas. Y varios de los medios especializados más grandes del mundo escribieron artículos a favor de su triunfo en los Oscar.

Además, su director Bong Joon Ho entiende a la perfección las reglas del juego: el Oscar es un concurso de popularidad. Y él se pasea por ahí con su carisma y su celular, registrando todos los momentos importantes en la carrera de Parasite y sacándose fotos con actores, actrices famosos, directores y directoras que se declaran sus fans, dando discursos en coreano y diciendo que se copen y vean películas con subtítulos, así no se pierden de grandes historias. Y una parte de Hollywood ya lo hizo: hace poco el gremio de actores le entregó a “Parasite” el premio a Mejor Elenco, la mayor distinción en los SAG Awards y un gran reconocimiento por parte de sus colegas para un elenco prácticamente desconocido. Y estamos hablando de que competían con monstruos como “The Irishman” (que sacó del retiro a Joe Pesci) y “Once Upon a Time in Hollywood” (que juntó a Brad Pitt y Leo DiCaprio).

Muchos de esos votantes forman parte de la Academia, y tienen el poder de votar por Mejor Película. Y es el momento perfecto para demostrar que sí pueden leer subtítulos y sí pueden reconocer que el cine mundial tiene tan buenos exponentes como el hollywoodense y el británico. Que “Parasite” gane el premio principal no habla tan bien de la película como de la Academia, en un momento en que está más cuestionada que nunca, y esas críticas están sonando alto y llegando lejos. En el mundo globalizado, un sistema como el que plantean los Oscar ya huele a naftalina.

Pero si el año pasado no se lo dieron a Roma, ¿por qué este año se lo darían a Parasite? Por el simple y sencillo motivo de que no es una producción de Netflix. Hay mucha mala sangre entre la industria del cine y el “estudio” intruso (sí, la plataforma de streaming fue la primera en ser reconocida oficialmente como estudio productor) que vino a sacudirles la estantería. Si no miren lo que está pasando con The Irishman, la gran perdedora de esta temporada (que es probable se vaya con las manos vacías este domingo). En vez de quedar en evidencia cambiando las reglas para que Netflix no pueda competir, los nominan igual y después los dejan sin nada.

Otro de los argumentos en contra es que si Parasite no gana a Mejor Director, no le van a dar el premio a Mejor Película. Y todos sabemos que lo más probable es que este año Sam Mendes se lleve la estatuilla. Bueno, esto tampoco es necesariamente cierto. Aunque las probabilidades (y la lógica) indican que el Mejor Director debería ser el que tiene la Mejor Película, el año pasado -sin ir más lejos- le dieron este premio a Alfonso Cuarón, pero (como ya dijimos) ni a palos le daban Mejor Película a Roma, así que se lo dieron a Green Book (el chiste se cuenta solo).

Nada nos preparó para este momento. Ni los once años que venimos siguiendo esta historia ni las veintiún películas previas que componen este universo. Así como nada nunca te prepara para ninguna despedida en la vida, aunque sepas que va a llegar. La conclusión de la Saga del Infinito es conceptualmente la aceptación de que todo tiene un final, todo termina. Pero en la práctica es mucho más que eso. Para quienes nos dedicamos a esto, tal vez más todavía.

De todos modos, fui a ver esta película en calidad de fan. Dejé pasar la privada de prensa y decidí mirarla en el pre-estreno con mis amigos, como venimos haciendo desde hace muchas películas y como sentía que debía ser para cerrar un ciclo que empezó junto con una etapa de mi vida. No figuradamente, de verdad coincidió con el comienzo de cosas muy importantes para mí, que me hicieron crecer y convertirme en la persona que soy hoy. Por eso me tomé el atrevimiento de separar este evento de cualquier cuestión laboral.

Pero no soy la única que tiene una conexión emocional con esta película, de hecho, somos millones. En los corazones de muchísimos fans, Avengers: Endgame marca el fin de una etapa, de una u otra manera. Para algunos el significado que tiene puede ser más fuerte que para otros. Muchos probablemente ni se hayan parado a pensar qué pasó en estos once años de su vida y cómo esta saga los acompañó a lo largo de este tiempo. Para mucha gente, es un estreno más. Pero si ese fuera tu caso, seguramente no estarías leyendo esto.

Como decía, fui a ver esta película con mis amigos y experimentarla como fan. Zafé de los spoilers, traté de ver la menor cantidad de información posible y llegué al cine con las expectativas por los cielos. Aunque podemos discutir hasta qué punto una película debería sostenerse aunque ya sepas de qué se trata e incluso aunque ya estés al tanto de los giros argumentales, este es un caso en que la mayoría de nosotros quería llegar lo más ignorante posible a la sala. De ese tipo de ignorancia que muchas veces se compara con la felicidad.

Me queda corta la palabra “película” para describir a Avengers: Endgame. Más que eso, siento que es una experiencia cinematográfica, diseñada exclusivamente para los fans. Si Avengers: Infinity War se sostenía por sí misma, a pesar de requerir algo de información previa de las dieciocho entregas anteriores, Endgame le suelta completamente la mano al espectador ocasional. No creo que pueda considerarse tanto una película, como la épica conclusión de una saga. Una recompensa a los fans.

Lo cual me deja en un lugar medio complicado, porque si hay algo que venía sosteniendo hasta ahora es que las de Marvel son, antes que nada, buenas películas. Tanto narrativa como visual y técnicamente, casi todas van de buena a excelente. Excepto contadas excepciones, que ahora está clarísimo sirven para entregar información y nada más. Con un plan narrativo tan ambicioso como éste, esas excepciones son evidentemente un mal necesario (sí, Thor 2, te estoy mirando a vos). 

Pero más allá de eso, si hay algo que me enorgullece de este universo es la calidad cinematográfica (en el amplio sentido de la palabra) de cada una de sus entregas. La premisa de que cada película del MCU está enmarcada en un género clásico, dentro de este ambicioso plan. Creo que hablar de ‘cine de superhéroes’ es reduccionista y desconoce un montón de aspectos, pero no estamos acá para hablar de géneros. Lo que quiero decir es que Avengers: Endgame justamente deja de lado esa premisa para abrazar lo de “película de superhéroes” en el sentido de personajes.

Nada mal, visto y considerando que lo encara desde una perspectiva intimista, muy por el lado del drama humano y las relaciones interpersonales, la vulnerabilidad ante el fracaso, la pérdida y la superación. Hubiera sido hermoso ver una película entera así, completamente fuera de registro de lo que estamos acostumbrados a ver. También hubiera sido un riesgo enorme para una superproducción de estas características, ya de por sí fue un riesgo enorme tener un primer acto así, y lo aplaudo de pie.

Pero no se queda ahí, sino que hace una elección que a mí me pareció rarísima: la de abarcar varios géneros. Y si hay algo que nunca me gustó, es una película que no decide lo que quiere ser y es varias cosas a la vez. He detestado otras que perfilaban muy bien por mucho menos, pero por supuesto acá me cuesta ser del todo objetiva. Porque amo a estos personajes y -como establecimos al principio- pasé demasiado tiempo de calidad con ellos. Así y todo, debo admitir que no me termina de cerrar este periplo entre diferentes tonos y estilos, que nos dan como resultado tres actos prácticamente inconexos.

Retomemos un poco: Infinity War nos dejó con gustito a derrota. Nos hizo creer que cualquier cosa podía pasar, que nuestros héroes realmente eran capaces de fracasar, como el mejor de nosotros. Esa plausibilidad le dio siempre cierto realismo al Universo Cinematográfico de Marvel, y creo que todos amamos ver a nuestros héroes vulnerables, heridos, derrotados, pero así y todo siempre motivados. Porque eso es lo que los diferencia de cualquier humano común y corriente: no sus superpoderes, sino su capacidad de seguir adelante a pesar de todo. Y ese siempre fue el gran acierto en el tono del MCU.

Ver un primer acto que no anunciaba redención, sino por el contrario la capacidad -o incapacidad, dependiendo del personaje- de vivir con esa derrota, fue algo hermoso. Podría haber estado las tres horas viendo esos primeros planos intimistas, diálogos bajados a tierra, despliegues magistrales de actuación e interacciones mundanas entre esos personajes que son más humanos que héroes (aunque algunos ni siquiera sean humanos).

Y sin embargo, de repente llegó el segundo acto y estábamos en otra película. Pasamos del drama a la ciencia ficción en pocos minutos, con apenas tiempo para procesar el cambio de registro. Con una batería de referencias a la cultura pop, dos ó tres menciones directas a Volver al Futuro (es raro cómo -no- funcionan las alusiones a otras franquicias dentro de este universo tan particular) e incluso un chivo descarado a la malísima A wrinkle in time, mencionada al lado de otras joyas del género, solo porque es de Disney. 

A partir de ese momento, las relaciones entre los personajes empezaron a fluir de forma poco orgánica, la información se presentaba desordenada y el plan del “atraco al tiempo” comenzaba a sonar descabellado. Parece que toda la estrategia de “filmemos escenas sueltas así nadie entiende un carajo de lo que está pasando y no pueden filtrar spoilers” fue contraproducente.

Ojo, soy amante de todo lo que sea viajes en el tiempo. Con lo cual tengo claro que hay una serie de reglas para introducir una variable tan compleja. El problema es que Endgame decidió abordarlas como si fuera cualquier película del género, no una secuela donde el peso de la trama recae en otro lado. Entre la carga emocional que veníamos manejando, las dos elipsis temporales, la reaparición de ciertos personajes y la desaparición de otros, de repente se volvieron demasiadas aristas para explorar y se sintió desprolijo. Ni que hablar cuando efectivamente llevaron a cabo el plan y el “paseo por la memoria” (palabras del Capi) se convirtió en la versión más literal posible de la expresión.

El exceso de variables introducidas me pareció totalmente injustificado, excepto en el caso de Tony (el único de los seis Avengers originales cuyo arco argumental se sintió totalmente orgánico). Porque si hay una palabra que define a Endgame es esa: exceso. Exceso de emociones, de referencias, de chistes, e personajes, de efectos visuales. De recorrido literal por el pasado, que estira innecesariamente una película de por sí larga. Ya apreciábamos desde mucho antes el gran plan narrativo del MCU, repasarlo una y otra vez es un recurso desperdiciado. De vuelta, el público target de esta película somos los fans. Si no no se entiende que apelen -por ejemplo- a reciclar diálogos que nos conocemos de memoria.

Pero me estoy adelantando. Además de estas referencias algo forzadas, otra cosa que me pareció muy poco orgánica y me sacó bastante de onda fue el desarrollo de los arcos de cada personaje. La película arranca con un prólogo desgarrador con Hawkeye como protagonista. Suficiente para entender por qué se convierte en ‘Ronin’ (guiño a los lectores porque si no hay guiños los prenden fuego) pero no para rehacer todo el camino de vuelta en una sola película. Tuvimos años y años de construcción de personaje, para deshacerlo en esa elipsis temporal de cinco años, y rehacerlo en cinco minutos.

Imaginemos un escenario en el que Clint se sacrifica en lugar de Natasha, redimiéndose así de todos sus crímenes y salvando a su familia. Esa hubiera sido una buena justificación narrativa para introducir a ‘Ronin’. Sin eso, no la hay. Lo que hay es una decisión caprichosa de sacrificar a la única mujer del equipo, en una de las pocas escenas sangrientas de toda la franquicia, que remite obligatoriamente a la muerte de Gamora y crea una especie de patrón repetitivo e innecesario (por no decir otra cosa). ¿Les suena la tesis de Gail Simone sobre mujeres en el refrigerador? Va por ahí.

Volviendo a ver todas las películas del MCU en un auto-impuesto rewatch previo a Avengers: Endgame, llegué a la conclusión de que el personaje de Black Widow es el pegamento que mantenía unido al equipo. Si hay una película en la que queda clarísimo es en Civil War, a pesar de que en Ultron se insinúa -un poco en chiste- que es Barton quien cumple esa función. Acá te tiro otra hipotética justificación narrativa para tomar esta decisión en Endgame: si el equipo hubiera estado a punto de disolverse antes de ejecutar el plan, si por algún motivo había que volver a amigar a Steve, Clint o Banner con el resto de los Avengers, el sacrificio de Natasha hubiera sido la excusa perfecta. Pero ni siquiera hay excusa, más allá de su amistad con Hawkeye y el hecho de que éste podría llegar a tener una familia, si todo sale bien. Otra vez el valor de Black Widow es medido en función a su incapacidad de formar una familia.

Acá me remito de vuelta a Avengers: Age of Ultron y la horrenda escena de diálogo del pasado de Natasha con Bruce Banner, que tanta controversia causó en su momento. Y me disculparán si me pongo más subjetiva que antes, creo que la perspectiva de género me arruinó un poco la vida. Lo cual me recuerda que todavía estamos esperando la película de Black Widow, una década después. Y ni hablar de la casi nula participación de Capitana Marvel en esta guerra universal. Si Thanos no era suficiente razón para tenerla en el equipo, ya no sé si la hay. Ahora sospecho que el único motivo para estrenar su película como preámbulo de ésta, fue la poca fe que le tenían a su desempeño en taquilla.

Cierro paréntesis y vuelvo a donde estábamos. Lo de Natasha es imperdonable, tanto argumentalmente como para la mitad del público de esta bendita saga que durante años tuvo una sola representante femenina en el equipo. Realmente venía disfrutando mucho de la película hasta ese momento, a pesar de sus fallitas. Casi sentí como si me hubieran dicho: “Espabilate flaca, esto no lo hacemos para vos”. Y puede que sea simplemente eso. Puede que volver a ver el estereotipo de héroe clásico dominando la pantalla sea justamente lo que buscaban, que no podría estar más lejos de lo que busco yo.

Sigamos con los demás personajes: le toca a Profesor Hulk. Creo que desde el momento en que apareció en pantalla este híbrido, se prendieron un par de luces de alarma. Apenas pude reconocer los rasgos característicos del tímido Doctor Banner y mucho menos la brutal esencia de Hulk. En todo momento sentí que estaba viendo una especie de Bestia de X-Men, pero versión comic relief. En lugar de cinco años en el futuro, parecíamos haber entrado en otra franquicia. Ni siquiera su publicitado enorme cerebro en funcionamiento rindió resultado, ya que en todo momento la única justificación para sus frustraciones y alivio cómico fue hacernos sentir que necesitábamos a Tony.

Como dije más arriba, el único personaje principal cuyo arco me pareció que estuvo bien desarrollado fue -justamente- Stark. Lo cual se agradece, ya que me gustan los finales circulares y esta era su película, lástima que estuvo bastante diluído entre tanto barroquismo. Que Tony haya elegido arriesgar todo -léase su familia- para ayudar al resto, da cuenta de su crecimiento como personaje a lo largo de la saga, quizás el que más evolucionó (claro que también fue el que más tiempo tuvo). Por supuesto que no tomó semejante decisión sin resistencia, lo cual resultó sumamente creíble y coherente con el desarrollo de su personaje. Además de los elegantes detalles como la banda de Moebius en alusión al concepto de toda la saga, y los momentos emotivos como su miseria inicial y el reencuentro con su padre. Me hubiera gustado una película más sobre Tony y menos sobre TODO.

Lo cual nos lleva a Capitán América, quien hasta hace poco era mi único héroe en este lío. Hubo un punto de la saga en el que el desarrollo del Capi se estancó. Puede que haya sido Civil War, será cuestión de analizarlo en otro momento. Pero el papel que tuvo en esta película me resultó desdibujado y hasta forzado. Más allá de lo espectacular del momento “lo sabía” (sí, Thor, todos lo sabíamos) sentí que no aportó mucho a la trama, o tal vez esperaba mucho de él. Pero lo que menos me convenció fue ese final tan fuera de personaje, a mi entender puro fan service. Y eso que me emocioné hasta las lágrimas. Pero de vuelta, no encuentro justificación narrativa (está abierto a debate).

Con respecto a la elección de dejarle el manto de Capitán América a Sam Wilson, me resultó lo más razonable, pero desprolijamente ejecutado. Por supuesto, para cualquier que entienda al personaje y lo que representa, no había chances de que en este universo el heredero del escudo fuera Bucky. Sin embargo, la relación de Steve con Falcon siempre fue más del orden profesional que personal. Y claramente en esa escena tan íntima tendría que haber estado acompañado por su amigo de toda la vida. Otra vez, poco orgánicas las interacciones entre personajes.

A medida que voy escribiendo esto, me voy poniendo menos objetiva y más personal. Esa es una de las razones por las que decidí publicar esta “reseña” (o descargo?) en mi blog personal, totalmente desligado de mi trabajo en los medios. Ya que mi reacción a esta película es puramente emocional, así como lo fue la espera y toda la experiencia a su alrededor. Esta no es una reseña profesional ni pretende serlo, que quede claro. Y prácticamente todo está abierto a debate, aunque puede que no conteste hasta volver a verla. No los culpo si dejan de leer, pero ya estamos por terminar (creo).

Como ya establecimos más arriba, esta es una película de los seis Avengers originales. Nos falta Thor. Siento que lo más natural hubiera sido darle un cierre a su arco, pero fueron por el golpe de efecto. No es que esté mal ver un Thor miserable, ya hablamos al principio de que los héroes humanizados tienen cierto atractivo adicional. Pero la sobre explotación de este recurso llevó a construir una caricatura del personaje, que no le hizo ningún bien a la trama. A pesar de que Taika Waititi supo sacar a relucir en Thor: Ragnarok el impresionante talento de Hemsworth para la comedia, el tono de esta película exigía otro tipo de tratamiento.

La representación del fracaso no necesita que se esté hablando permanentemente de eso, porque traiciona una de las reglas básicas de la narrativa: show, don’t tell. Si bien el retrato del borracho derrotado estuvo muy bien pintado, el chiste de su gordura como la peor expresión de ese abandono rozó los límites de la chabacanería. Hay decisiones que no sé si atribuirlas al estudio o a los directores, pero le restaron muchísimo peso dramático a esta película. 

Voy a ir redondeando porque es tarde y tengo mil cosa que hacer, pero si después me acuerdo de algo más que valga la pena, volveré para agregarlo.

El tercer acto, como decía al principio, me resultó totalmente inconexo de los otros dos, al igual que estos entre sí. La épica que debía construirse y sostenerse a lo largo del relato, apareció de golpe en un punto de la película en el que deberían haber estado cerrando cabos. Pero el único problema no es narrativo, es también de estilo. Si bien el género bélico le sienta muy bien a los superpoderes de nuestros héroes, la magnitud de esta batalla no se condice con el resto de la película ni de la saga. Como tampoco las fuerzas enfrentadas de los dos ejércitos, que desplegaban su poderío a diestra y siniestra casi sin consecuencias para la trama (cuando ya no había tiempo para eso tampoco).

Acá hago un breve, brevísimo, paréntesis para referirme a una escena en particular que me vino a la cabeza cuando hablé más arriba del problema de la representación femenina. El ensamblaje totalmente forzado de todas las heroínas en pantalla para demostrar alguna especie de “vanguardismo” inclusivo fue de un mal gusto alevoso. Simbólicamente tuvo más fuerza el corte de pelo de Carol o la resiliencia de Natasha, que todo ese despliegue de forma vacía de contenido. Ni siquiera personajes de la talla de Scarlet Witch o Valkyrie estuvieron a la altura del desafío. Juntar en una escena a todos tus personajes femeninos (algunas de las que ni siquiera tuvieron líneas de diálogo o no interactuaron entre sí) es un despropósito. 2019 y todavía tenemos que estar hablando de estas cosas, me agotan.

Dicho todo esto, creo que lo mejor de la película es el primer acto entero, el sacrificio de Iron Man y el cierre circular de la historia. Aunque como espectáculo es alucinante, a nivel narrativo hubiera esperado mucho más para este cierre. No sé bien que esperaba, pero no esto. No sería la primera vez que un final nos decepciona y sin embargo no arruina retroactivamente nada de lo anterior. Fue un camino totalmente disfrutable, volvería a ver las películas mil veces y a pagar todas las entradas. Estoy realmente contenta de haber sido testigo del nacimiento y crecimiento de Marvel Studios y del precedente que sientan a nivel narrativo para la construcción de muchos universos como éste. Ojalá no sean todos del mismo conglomerado.

Al fin estrenó Capitana Marvel, después de mucha polémica innecesaria y mucho hype desde que vimos ESA escena post-créditos en Infinity War. Es una gran precuela de Avengers, una buena película de origen y la antesala perfecta para Endgame, porque la Capi vino a romper todo.

En el link les cuento más (sin spoilers) y quedo a la espera de que la vean todos para debatir como corresponde. 

Empecé el 2019 yendo mucho al cine. Ni siquiera es un propósito, ya es un hábito. Un poco por trabajo y un poco por placer, vi películas muy distintas entre sí y muy interesantes por diversos motivos. Lo que sí es un propósito de año nuevo es escribir sobre cada una de ellas, aunque dudo que logre cumplirlo, pero no por eso voy a dejar de intentarlo.

La primera fue Máquinas Mortales, una adaptación de los productores de El Señor de los Anillos (Peter Jackson incluido, aunque no en la silla de director) sobre una saga de libros juveniles con temática post-apocalíptica. Puede estar un poco desgastado el género, pero hay elementos muy originales en esta historia que hicieron que me interese particularmente: el concepto de las ciudades-imperio-móviles, la estética steampunk y la estructura narrativa de una aventura clásica remixada con personajes modernos y étnicamente diversos.

Si bien tiene algunos giros ex-machina y es altamente predecible, no siempre la impredictibilidad es algo bueno. En este caso, no afecta en nada al desarrollo de la historia, por el contrario, nos hace querer más a los personajes y confiar en ellos. Son arquetipos re-imaginados, con un toque progresista que les queda muy bien y un mensaje algo aleccionador, pero con una moraleja muy acorde a los tiempos que corren. Despegándose del camino del héroe linear, hay más de un protagonista y logra un buen balance entre ellos, reforzado por la química que transmiten. Aunque le falta para encontrar un equilibrio coral, con demasiados personajes y sub-tramas que quedan desdibujadas frente a la historia principal. Pero eso no arruina la experiencia, sólo genera más ganas de conocer el mundo del libro en el que se basó esta película.

Sufre de un agudo caso de crítica versus público, con reseñas profesionales que la destruyen por un lado y audiencia que la ama por el otro. Además de un trailer mediocre que esconde los puntos más fuertes de la trama, en pos de captar cierto público que nunca iría a verla si de verdad supiera lo que están por ver. Porque el mensaje puede pecar de ser muy poco sutil y hasta un poco juvenil, a diferencia de lo que pasaba con -por ejemplo- Mad Max Fury Road, película con la que ya ha sido comparada (y no de forma positiva).

El jueves empezó con la que va a convertirse en una de las peores películas del año y terminó con la que ya es -sin lugar a dudas- una de las mejores. Una combinación curiosa, equilibrada y gratificante.

A primera hora, fui a la función de prensa de Glass, lo nuevo de M. Night Shyamalan. Cabe aclarar que no hubiera ido a verla al cine, si no fuera mi trabajo. No esperaba nada de esta película, dado que no había disfrutado ninguna de sus antecesoras, ni Unbreakable ni Split.

Aprovechando el creciente interés en las producciones comiqueras, Shyamalan decidió crear su propio universo de super-humanos, tomando como punto de partida su película del año 2000, El Protegido (con Bruce Willis y Samuel L. Jackson). Revelando al final de Fragmentado (Split, 2016) que se trataba en realidad de una secuela, la escena dejó abierta la promesa de una continuación, explotando a pleno la nostalgia y cariño de los fans por la -ahora- precuela de principio de milenio.

La cuestión con Shyamalan es que siempre recurre al golpe de efecto. Lo cual sin dudas le funcionó con Sexto Sentido (aunque podemos debatir la originalidad de esa historia, sospechosamente parecida a un episodio de Are you afraid of the dark?) y puede volver a funcionar ahora con algún espectador desprevenido, pero la realidad es que el recurso ya está gastado y resulta por lo menos vago volver a usar las mismas estrategias narrativas que hace dos décadas.

Y esto es lo más curioso. Cuando osé sugerir en redes sociales -basada en la película que había visto ese día y en mi experiencia con todas las anteriores- que Shyamalan no era un buen narrador, hubo indignación colectiva. Algunos me comentaron que MNS utiliza todos los recursos cinematográficos a su disposición para contar sus historias, mientras otros me admitieron que no era buen director pero sí buen guionista.

Acá vamos a aclarar una cosa: un buen guión es mucho más que una buena historia. Un argumento interesante se le puede ocurrir a cualquiera (como en el caso de este señor) pero una correcta ejecución implica tantísimo más. Y acá es donde Shyamalan SIEMPRE falla. Enamorado de sus propias ideas, el tipo tira tanto del hilo principal que termina destejiendo el entramado completo. Esto le deja una cantidad de plot holes espantosa que no se puede compensar ni con buenos personajes (aunque lo fueran). Amén de que necesita mostrar lo obvio, sobreexplicar y volver a contar por las dudas que no hayamos entendido. Y recordemos que esta no es una película destinada a un público nuevo ni joven, sino a todos aquellos que ya vieron Unbreakable hace casi veinte años.

El tipo claramente no confía en la capacidad interpretativa de su audiencia. Disculpen señores, pero a mí me gustan los thrillers que desafían las expectativas, no que son exactamente lo que se supone que deban ser. Porque el género lo pide, no funciona sin eso. De hecho, hubiera sido interesantísimo ver una película que desafiara las dos anteriores. Pero no, es Shyamalan y necesita sus “vueltas de tuerca” (que a esta altura ya están falseadas). Sinceramente los últimos 30 minutos de película se podrían obviar y tendríamos un resultado mucho mejor, más modesto y efectivo.

Creo que el mayor mérito de la película es su elenco. No solo haber vuelto a contratar a los actores originales, que están muy bien, sino además reutilizar metraje de la primera película. Amén de la actuación de James McAvoy, que la descose como siempre porque es una bestia (pun intended) pero llega un punto en el que sinceramente aburre y tiene que sostener todo el peso de la trama solo sobre sus hombros. No olvidemos que la película se llama GLASS y pretende estar destinada al personaje del título, para completar una trilogía supuestamente perfecta. Y sin embargo el mismo no cobra protagonismo hasta bien avanzada la trama (aunque después nos quieran hacer creer que sí).

En fin, así como algunos realizadores deciden seguir reciclando recursos hasta el hartazgo, gracias a la vida existen equipos como los que están detrás de Into the Spider-Verse (Spider-Man: un nuevo universo), una obra maestra de la animación que utiliza todos los medios a su disposición para hacer una película que se destaca del resto.

Nunca vi algo similar a nivel animación. No solo su estilo visual es único, sino que optimiza todos los recursos que le brinda el soporte audiovisual para contar una historia originalmente pensada para el cómic. Además sabe de qué la va y no se toma a sí misma demasiado en serio. Y quizás ahí reside la gracia, en la posibilidad que le brinda al público general de empatizar con un personaje cuya historia de origen ya fue contada demasiadas veces en cine. En este sentido la película se vuelve muy auto-consciente, referencial y meta, apelando al humor y sin perder la cadencia en ningún momento. Este es un buen ejemplo de lo que puede hacer un maravilloso guión.

Además esta proeza audiovisual incluye una mezcla de estilos de animación que rinde homenaje en pantalla a las versiones más heterogéneas del personaje. Desde los bidimensionales cartoon hasta los mechas del anime, cualquier cosa puede pasar en esta aventura multiversal. Lograr esto llevó casi cuatro años de producción e involucró el trabajo de más de cien animadores, además de contar con libertades que ninguna película de Sony Pictures Animation había tenido hasta ahora. Pero no alcanza con presupuesto y talento para hacer una película como ésta, hace falta pasión. 

No sólo la historia en la que está basada es un delirio hermoso, sino que además es apta para todas las edades. Un mérito adicional, en lo que a mí respecta. Creo que es una de las pocas películas que le puedo recomendar prácticamente a cualquiera, confiando que le va a gustar. Ni siquiera hace falta saber algo sobre el personaje, la animación se encarga de mostrar en pantalla lo que no puede (ni debe) ser explicado por enésima vez. Y lo hace al mejor estilo viñetero.

A pocos meses de la muerte del co-creador de SpiderMan, también es emocionalmente intenso -para quienes tienen presente ese detalle- ver uno de los últimos cameos de Stan Lee. Pero como todo en esta película, está perfectamente balanceado para mantener el ritmo impecable de la narrativa. El hombre aportó su talento creativo a la dupla Phil Lord & Chris Miller, los responsables de este éxito (los mismos detrás de la genialidad de The Lego Movie, 2014). En una breve reunión de brainstorming, les tiró ideas para llenar libretas. Teniendo muy presente el concepto principal de la franquicia (que cualquiera puede ser un superhéroe) se las arreglaron para contar una historia con muchos Spider-Man que mantiene el espíritu original, a la vez que introduce a su nuevo protagonista Miles Morales y le asigna un rol a medida al viejo y querido Peter Parker.

El primer clavo en el ataúd de Daredevil hizo tan poco ruido, que casi nadie lo escuchó. En octubre de este año, previo al estreno de la tercera temporada de la serie, la página oficial de The Defenders en Facebook cambió radicalmente su nombre a NX. Esta es una nueva división de Netflix dedicada a la parte fantástica de sus producciones (tanto originales como distribuídas). Lo raro fue el descarado reciclaje de la fanbase construída hasta el momento en torno a la serie de Los Defensores, cuya primera temporada tuvo una recepción bastante floja. Los fans hicieron escuchar sus quejas, pero -como todo en internet- pronto cayó en el olvido.

Aunque ya se sabía que The Defenders no iba a volver para una segunda temporada, fue una movida extraña. Aproximadamente una semana después, se anunció la cancelación de Iron Fist. A pesar de una segunda temporada levemente superior a la primera (tampoco es que hiciera falta mucho) y un cliffhanger que dejaba el final servido para una continuación, algo implosionó dentro de Marvel Television, y el gigante de streaming decidió ponerle fin oficialmente a la serie, marcando un precedente sospechoso.

El comunicado publicado por Deadline decía lo siguiente: “Marvel’s Iron Fist no regresará para una tercera temporada en Netflix. Todos en Marvel Television y Netflix estamos orgullosos de la serie y agradecidos por todo el arduo trabajo de nuestro increíble elenco, equipo y showrunners. Estamos agradecidos con los fans que han visto estas dos temporadas, y por la sociedad que hemos compartido. Mientras que la serie en Netflix ha terminado, el inmortal Puño de Hierro seguirá viviendo.”

Al principio se le atribuyó el abrupto final a la bochornosa primera temporada, que no había alcanzado a redimirse con la segunda. Pero a medida que iban cayendo las fichas, algo empezó a hacer ruido. No es normal que Netflix cancele tan abruptamente sus series originales, especialmente teniendo en cuenta que Iron Fist era parte de un plan mayor. Y por sus reacciones en las redes sociales, los actores y guionistas de la serie tampoco se esperaban la cancelación.

Recordemos que esto fue exactamente un mes después del estreno de su segunda temporada, algo que hoy suena dolorosamente familiar. Faltaba poco para enterarnos de que Luke Cage correría con la misma suerte, pero todavía teníamos en el medio el estreno de la esperadísima tercera temporada de Daredevil. Que fue perfecta en todo sentido. Y los remito a mi nota de La Cosa Cine #259, donde pude escribir sobre lo que mejor funcionó del universo televisivo de Marflix y tirar un par de predicciones que hacen eco en lo que pasó hoy.

Pero en ese momento, la gente todavía estaba especulando con la cancelación de Iron Fist y qué podía significar, y un montón de predicciones más que se quedaron cortas con la magnitud del asunto. ¿Quiénes nos la vimos venir? Los que estábamos siguiendo de cerca las noticias del nuevo servicio de streaming de Disney. Pero no nos adelantemos. 

Entre el estreno de la segunda temporada de Iron Fist y la sorpresiva cancelación de la misma, cae de golpe la noticia del estreno de la tercera temporada de Daredevil. De la nada. Hubo un par de trailers y pósters muy cercanos a la fecha, seguidos de paneles en New York Comic Con, y ya teníamos la nueva temporada encima. Ni siquiera los medios fueron avisados. Posta.

Todo muy raro. Pero con la calurosa recepción de la tercera temporada de Daredevil, aclamada por la crítica, los fans y el público por igual, las aguas parecían calmarse. ¿No? No. Apenas un día después del estreno, cuando todavía nos estábamos dando una panzada bingewatchera con la excelente tercera temporada del Hombre sin Miedo, anuncian la cancelación de Luke Cage. Y ya se volvió evidente que ninguna serie de Marflix estaba a salvo.

Si bien la recepción de ambas temporadas de Luke Cage fue tibia, la tercera ya estaba en plena producción. Su protagonista Mike Colter había adelantado un montón sobre cómo íbamos a poder ver el lado más oscuro del héroe, salían entrevistas con los diseñadores de vestuario, el resto del equipo y elenco. Pero claramente algo no estaba funcionando bien. Y ese algo eran las relaciones entre Marvel Television (que operaba independientemente de Disney hasta hace poco) y Netflix.

Ya a principio de año, Bob Iger (el mandamás de Disney) había adelantado que la cosa con Netflix estaba tensa, después de que Disney anunciara su propia plataforma de streaming para 2019. Todo esto se dijo en el marco de las negociaciones para la compra de Fox por parte de Disney, que se viene dilatando desde que se anunció en 2017 (por cuestiones de índole judicial en Estados Unidos, leyes anti-monopolio y otras regulaciones por el estilo)

O sea que todo tiene que ver con todo y la cancelación de Daredevil es el resultado de un efecto dominó que empezó hace un montón. No tiene nada que ver con la calidad de la serie y ni siquiera con la audiencia (que -aunque Netflix no libera datos- se sabe que fue buena) sino que responde a intereses puramente corporativos. Nada más y nada menos.

Volviendo al orden cronológico de las cosas, se anuncia la cancelación de Luke Cage y ahí todos empezamos a especular con Jessica Jones y The Punisher, que también están en plena producción. Parece que nadie está a salvo en este Juego de Tronos versión Marvel. Lo único que se sabía a ciencia cierta en esta instancia, era que las cancelaciones dependían pura y exclusivamente de Netflix. Ni siquiera Jeph Loeb, el capo de Marvel Television, sabía qué iba a pasar con sus productos. 

Mucho menos los guionistas y showrunners de cada serie en particular. De hecho, un mes después del estreno de Daredevil y envalentonado por su excelente repercusión, Erik Oleson tuiteó que ya había presentado el proyecto para una cuarta temporada. Y hoy -tras la noticia de la cancelación- uno de los guionistas confirmó que ya tenían todo planeado. Una tristeza enorme.

Hay que tener en cuenta que hace apenas tres semanas, Disney confirmó oficialmente el nombre de su plataforma de streaming Disney+ y su fecha de lanzamiento para finales de 2019 (al menos en Estados Unidos). Junto con la bomba que ya se había anticipado en algunos reportes: una serie de Loki ambientada en el Universo Cinematográfico de Marvel, con el mismísimo Tom Hiddleston como la estrella. 

Esta es la triste historia de cómo llegamos a donde estamos hoy: es como si el maldito de Thanos hubiera chasqueado los dedos de verdad. Con este comunicado, Netflix anunciaba hoy que Daredevil no sería renovada por una cuarta temporada, a pesar de que todavía albergábamos una luz de esperanza para la mejor serie de Marvel:

“Marvel’s Daredevil no regresará para una cuarta temporada en Netflix”, declaraban a Deadline. “Estamos tremendamente orgullosos de la última temporada y aunque sea doloroso para los fans, sentimos mejor cerrar este capítulo en lo alto. Estamos agradecidos a nuestros socios de Marvel, el showrunner Erik Oleson, los guionistas, equipo estelar e increíble elenco de la serie, incluyendo a Charlie Cox como el mismísimo Daredevil, y estamos agradecidos con los fans que le han dado su apoyo estos años.” Después de dejarnos tirados en el piso sangrando, agregaron: “Mientras que la serie en Netflix ha terminado, las tres temporadas existentes permanecerán en la plataforma por años, y el personaje de Daredevil vivirá en futuros proyectos de Marvel”.

Con el estreno de su tercera temporada el pasado octubre y la segunda ya disponible en Netflix, el fenómeno de Riverdale sigue creciendo a pasos agigantados. Aunque apenas debutó en enero del año pasado, es una de las series más consolidadas del panorama teenager televisivo. Ahora, con el éxito de su serie hermana The Chilling Adventures of Sabrina, nos sumamos a las filas de seguidores de este universo compartido.

En el local venían preguntando por Riverdale desde que se estrenó, y nos llamó bastante la atención porque desde hace rato no veíamos un fandom tan nuevo y tan apasionado. Además cada pieza de merchandising que encontrábamos se destacaba por su diseño, con una estética impecable que te impulsaba a querer saber más. Cuando me enteré que Greg Berlanti era uno de los productores ejecutivos de la serie y también estaría involucrado en la producción de Sabrina, terminó de captar mi interés.

A pesar de pertenecer a empresas separadas (Netflix y el canal The CW), Berlanti se las ingenió para construir un universo compartido, algo que ya había hecho antes con Supergirl y The Flash. Pero esta vez no lo hizo solo, sino que tiene al jefe creativo de Archie Cómics al mando de ambas series: Roberto Aguirre-Sacasa. Claramente influenciado por el cine de género y el terror de los setenta, su impronta se refleja en el estilo de ambas series, una especie de coming of age con matices muy oscuros.

Mientras que Sabrina construye su propia mítica terrorífica con marcas de autor, Riverdale ya fue apodada como la “Twin Peaks millennial”. Además de compartir la premisa de un misterioso asesinato en un pequeño pueblo, donde todos son sospechosos, las comparaciones con la obra de David Lynch se refuerzan con algunos easter eggs de la primera temporada. Pero Riverdale tiene muchísimas influencias y Twin Peaks es solo una de ellas.

Como un licuado de frutas de todas las estaciones, en cada capítulo de la serie van apareciendo nuevas notas de sabor que nos dejan con la sensación de que ya probamos esto pero a la vez no, es algo completamente nuevo, que combina todo lo que nos gusta. A pesar de mezclar tantas influencias, tiene una estética propia muy bien lograda. Con un estilo cinematográfico de tomas simétricas, un excelente diseño de producción y detalles muy cuidados, termina de completar la experiencia.

Basada en los cómics de Archie, los personajes están inspirados en los arquetípicos protagonistas de esas historias que se hicieron tan populares en los cuarenta y cincuenta en Estados Unidos, y más tarde en Latinoamérica. Y de ahí es también de donde extrae su estética, tan característica de los años dorados americanos posguerra. Aunque los personajes están aggiornados y sumergidos en otro contexto, dejan ver las similitudes con sus orígenes retro y de vez en cuando caen en los estereotipos más comunes de la clásica historia de secundaria americana.

Pero a la vez, cuenta con un elenco bastante diverso, que incluye algunos actores y actrices salidos de otras ficciones juveniles exitosas como Stranger Things o 13 Reasons Why. Y de alguna manera se las ingenia para mantener un balance entre el material original y lo que necesitamos ver en pleno siglo XXI. Parte de la magia para lograr ese equilibrio es situar la acción en un espacio atemporal, que podría ser tranquilamente ahora o hace unos cuantos años. Hay algunas marcas de época, como los constantes hashtags de Cheryl, las referencias o la música, pero en general se mantiene en un limbo al margen del tiempo. 

Los clichés del género policial también están por todos lados, ya que la premisa de la primera temporada tranquilamente podría ser “Everyone killed Jason Blossom”. Lo cual recuerda bastante a otras series recientes de corte teen como Pretty Little Liars. Eso sumado al clásico tópico “pueblo chico, infierno grande” con esos aires de soap opera que emanaba Gilmore Girls. Entonces ¿qué es lo que la hace tan única y atractiva? Precisamente eso. Riverdale no sólo es consciente de sus influencias, sino que las vuelve su marca registrada, homenajeando constantemente a la cultura pop, desde la televisión hasta la literatura.

Ya en el trailer hay referencias explícitas a Donnie Darko, A Sangre Fría y Breakfast at Tiffany’s. Las más sutiles están desparramadas por cada episodio y si se presta la suficiente atención, se pueden captar en cantidades generosas. Lo mejor es que no se limitan a una sola generación, sino que le hablan a todo tipo de públicos.

Otra de las series con la que fue comparada es Dawson’s Creek, una sensación reforzada por detalles que remiten a ésta y otras ficciones teenagers de fines del milenio pasado. Tanto, que se siente como si en cualquier momento fueran a aparecer Joshua Jackson o Katie Holmes en algún papel secundario. Sin ir más lejos, dos de los protagonistas del elenco adulto regular cumplen esa función nostálgica para enganchar a la generación de jóvenes noventeros: Luke Perry de 90210 como el padre de Archie (K.J. Apa) y Skeet Ulrich de Scream, como el de Jughead (Cole Sprouse).

A principios de la década, Ryan Murphy puso de moda esto de rescatar estrellas de cine caídas en el olvido para protagonizar series que de alguna manera remiten a las ficciones que las inspiraron. Desde Kathy Bates y Jessica Lange en American Horror Story hasta Jamie Lee Curtis con Scream Queens, el tipo agarró todo lo que había aprendido en Glee (y el consiguiente prestigio y presupuesto que le dio el éxito de la serie) para ponerlo al servicio del terror en la TV. Luego vinieron los hermanos Duffer e hicieron lo propio con Winona Ryder y Matthew Modine en Stranger Things. Para la segunda temporada trajeron a Sean Astin y para la tercera ya ficharon a Cary Elwes. Los adolescentes y el horror siempre fueron una excelente combinación, pero lo que entendieron tanto Murphy como Berlanti (y ahora Aguirre-Sacasa) es que pueden hablarle a varias generaciones al mismo tiempo.

Cuando empecé a ver Riverdale, el personaje de Jughead me llamó poderosamente la atención. No porque lo conozca por alguna de esas series de la generación Disney Channel donde se hizo tan popular, un hecho que ignoraba por completo. Sino porque me recordó a esos rebeldes facheros y desaliñados de mi adolescencia, como Skeet Ulrich o Ethan Hawke. Que a su vez bebieron de las influencias de los galanes marginales que los precedieron generación tras otra. Y por eso quedaron en la memoria colectiva, gracias al innegable poder de la nostalgia. Además, su personaje es uno de los más complejos de la serie y el que mejor evoluciona hasta ahora, opacando por completo al bastante chato y arquetípico Archie.

Otra mención aparte va para Betty, que rompe con el estereotipo de la chica de al lado, perfectita y abnegada, para darle más dimensiones a su personaje de las que inicialmente parece. Si bien el resto de los protagonistas caen en bastante lugares comunes y son hasta predecibles, la gracia de la primera temporada es mostrarte sólo la superficie y hacerte creer cosas que no son, para darlas vuelta por completo al siguiente capítulo o dejarte con la intriga. Pero no por mucho tiempo, y ese es otro de los puntos fuertes de la serie: si bien la temporada tiene un hilo conductor, el foco del conflicto va cambiando y evolucionando en cada episodio, y resuelve las subtramas sin estirarlas innecesariamente.

Este fin de semana en el Centro Cultural Recoleta se reúnen varias disciplinas para darle un espacio a los jóvenes artistas de todo el país. Hay recitales, danza, teatro, literatura juvenil, charlas, stands editoriales y mucho más!

Me convocaron para dar una charla sobre superhéroes y heroínas, con sus respectivas adaptaciones a la pantalla grande y chica. Voy a estar junto a booktubers el Domingo 25/11 a las 14hs en el Paseo de la Paz, debatiendo sobre estos temas ¡Vengan con ganas de participar! Es con entrada libre y gratuita.

Si no sos fan de Harry Potter, es muy difícil que esta película tenga algo para decirte. Si en cambio, disfrutás de cada historia, personaje y elemento que aparece en el Mundo Mágico, es perfecta para vos.

A veces sentimos que el hype está matando la experiencia de ver películas en el cine con una campaña publicitaria tan grande como ésta. Pero así y todo, Animales Fantásticos: Los Crímenes de Grindelwald se vive como una revelación constante de novedades y personajes, incluso un poco en detrimento de la historia. Nos enteramos de grandes secretos del mundo mágico, nuevos hechizos, criaturas mágicas, elementos que sólo aparecieron sugeridos en la saga original y otros guiños. Pero la línea argumental principal avanza muy poco, por dedicarle tanto tiempo a los detalles.

Si Animales Fantásticos y dónde encontrarlos (2016) fue apenas una introducción, esta entrega es muy de transición. Lo cual puede ser genial cuando vemos el rompecabezas totalmente armado, pero es necesario considerarla como parte de un todo. Y sin embargo, en sus más de dos horas de duración no te suelta la mano en ningún momento. Pocas cosas se sienten sobrantes y, al contrario, sólo queremos saber más y más. Si por mí fuera, podría mirar diez horas seguidas de esto sin aburrirme. Pero está clarísimo que es una experiencia diseñada para los fans, no para cualquiera.

Lo mismo que pasa cuando una adaptación no se sostiene por sí misma, sino que necesita del respaldo de los libros para comprender la historia (como ocurría con la mayoría de las de Harry Potter), estas películas sufren los vicios de un guión que quiere ser novela. En su debut como guionista, J.K. Rowling recae demasiado en nuestro conocimiento previo del Mundo Mágico, en las pistas desparramadas entre los siete libros de la saga, los manuales de Hogwarts y las fábulas de magos y brujas, así como los capítulos publicados en Pottermore y todo lo que hace al canon oficial potterhead. Lo cual funciona perfectamente como serie de precuelas, pero no se sostiene como película en sí misma. Sabiendo esto, Animales Fantásticos 2: Los Crímenes de Grindelwald es una experiencia mucho más disfrutable.

Ahora, hablemos del elefante en la habitación: la verdad es que Johnny Depp la descose como el protagonista del título, hasta casi nos hace olvidar de quién es en realidad. Pero no quiero olvidarme de quién es, no caigamos en esa trampa de separar al artista de la persona. Por algo no apareció en ninguna de las avant premieres, ni eventos o entrevistas previas al estreno de la película. Si albergábamos la falsa esperanza de que Gellert Grindelwald iba a tener mucho menos tiempo en pantalla, la podemos ir abandonando. La película, como el título lo indica, es suya. Ya no es la película de Newt Scamander.

Sin embargo, la historia se detiene bastante en el bando opuesto, los que van a tener que defender el Mundo Mágico de la amenaza fascista que se les viene encima. Revisando las guías oficiales de merchandising de Animales Fantásticos, descubrimos que el slogan de toda la saga es “Pick a side” (Elige un bando) así que nuestro querido Newt, le guste o no, va a tener que elegir un lado eventualmente. Esto lo sabemos desde el final de la primera película, desde que vinimos al cine para conocer la historia del ascenso de Grindelwald al poder (cuando todavía ni sabíamos que era Johnny Depp) y se viene reforzando con cada trailer y póster promocional de esta segunda entrega. Y, por supuesto, no será sólo Newt el que tenga que elegir un bando.

Pero no nos olvidemos que los otros grandes protagonistas de esta historia son los Animales Fantásticos. En este aspecto tampoco decepciona y presenta más de una nueva criatura mágica que va a ser de crucial importancia para el desarrollo de la historia. El CGI con el que les dan vida es impresionante, totalmente a la altura de las circunstancias y de los millones de dólares de producción. Ni por un momento dudamos de que estos bichos existen dentro del Mundo Mágico, son perfectos desde el diseño hasta la ejecución. También vuelven algunos de los animales que vimos en la primera película y se robaron nuestros corazones con tanta ternura. Ellos son los que le brindan además el alivio cómico al dramatismo y oscuridad de esta nueva entrega, con mucho mejor timing que cualquier otro personaje.

Y si hay algo que le sobra a esta entrega, son personajes. Con sus historias individuales desdibujadas en medio de una incipiente Guerra Mágica, cada uno de los secundarios de Animales Fantásticos 2: Los Crímenes de Grindelwald tiene sus 15 minutos de pantalla que no alcanzan a contarnos lo que deberíamos saber sobre ellos para llegar a entender qué los motiva o preocuparnos más por sus destinos. Conocemos un poquito de la sociedad mágica francesa (no mucho) y los nuevos personajes hacen acto de presencia para aportar información clave y darle más contexto a nuestros protagonistas. El gran esperado de esta entrega, el joven Albus Dumbledore (Jude Law) hace un magnífico trabajo pareciéndose al siempre secretista y poderoso director de Hogwarts, pero nos quedamos con la sensación de que falta muchísima info y la tercera parte de esta saga no puede llegar los suficientemente rápido.

Por fin estrenó la 11va temporada de Doctor Who y pudimos ver a Jodie Whittaker en acción.

Hace poco me dijeron algo muy cierto sobre la serie: no hay nadie que la mire y no sea whovian. Con Doctor Who no hay medias tintas, o no la querés o la amás. Pero si no te engancha de entrada (créanme, me pasó) es muy probable que debas darle una segunda oportunidad. Y hasta una tercera. Incluso si la ciencia ficción no es lo tuyo (aunque es requisito indispensable que te gusten los viajes en el tiempo). Si además te gustan:

Los acentos británicos

Los personajes históricos

Las historias de misterio

Entonces, definitivamente, Doctor Who es para vos.

Esta nueva temporada, se supone, es para enganchar a todos los no-whovians. Como cada “reboot” de Doctor Who: cada vez que el Doctor se regenera y cambia de cuerpo, y por lo tanto de actor. Y a veces ese cambio también implica un cambio de rumbo en la serie, un nuevo showrunner, nuevos companions, un rediseño de la estética. Y es como si todo volviera a empezar.

Como si nosotros fuéramos esos companions que no tienen ni idea de quién es el Doctor y lo descubren todo de golpe. Por eso, este es un buen momento para arrancar con la serie. Y una vez que te enganches, vas a tener muchísimas temporadas para elegir por dónde seguir.

Dicho todo esto, les dejo acá una lista de links útiles con notas introductorias y al final un link para ver legal y gratis la nueva temporada:

>> La despedida del 12vo Doctor

>> Las regeneraciones anteriores

>> La importancia de l@s companions

>> La primera regeneración femenina

>> Lxs companions de 13th

>> El nuevo capítulo en HD

Ahora sí, voy a hacer un breve repaso por el primer episodio, con mis impresiones generales. Así que spoiler alert: si no lo vieron, vayan a verlo y después vuelven acá y leen esto.

Aunque recién pudimos verla en acción, hace tiempo que Jodie Whittaker es ya la Doctor para todos los (y especialmente las) whovians. Creo que nunca me fue más fácil aceptar una regeneración, algo que suele costarnos bastante a los seguidores de la serie, especialmente cuando se va un actor que nos gustaba mucho. Pero desde el primer momento que la vi, incluso desde que la anunciaron, ya acepté que era la Doctor.

Al principio me emocionó el hecho de que fuera mujer, por fin, en toda la historia de la serie. Pero eventualmente eso pasó a segundo plano. Quería verla en acción, sus gestos, cómo conectaba con los Doctors anteriores, todo lo que le pedimos siempre a cada nuevo protagonista de la serie.

El primer capítulo no fue tan introductorio como hubiera esperado. Chris Chibnall, el nuevo guionista y showrunner de la serie, dijo que era el momento perfecto para que los nuevos fans se engancharan. Yo dije lo mismo. Pero sin embargo, le faltaron algunas de las cosas fundamentales de la serie (como la TARDIS, ejem) y le sobraron otras que tal vez fueran demasiado para alguien que la veía por primera vez.

Así y todo, fue un excelente comienzo de temporada. La escena de presentación de la Doctor trascurre unos segundos después del final de la 10ma temporada (ese es un buen capítulo para empezar!) cuando cae a la Tierra y ya está salvando gente. No sabe por qué, ni siquiera se acuerda de quién es, pero su instinto le dice que siempre tiene que ayudar a los que lo necesitan. De esa manera, va recuperando muy de a poco y a lo largo de todo el episodio, su sentido de la identidad, lo que va explicando tanto a los nuevos companions como a los nuevos televidentes, en qué consiste la regeneración y quién es este personaje.

Hay una frase casi al final del episodio, que resume a la perfección esta nueva etapa: 

“Todos somos capaces de increíbles cambios. Podemos evolucionar y a la vez mantenernos fieles a quienes somos. Podemos honrar quienes fuimos y elegir quién queremos ser en adelante.”

Cuando finalmente recuerda quién es y dice “I’m the Doctah” le creí más que a cualquiera de sus antecesores (excepto Tennant, claro). Muchos la compararon con la regeneración del 11th Doctor, alguien que también tenía que cumplir demasiadas expectativas. Si bien tuvo sus similitudes, creo que se despega de todos los anteriores para forjar su propia personalidad pero con muchísima fidelidad al rol. Otra vez, siento que es la Doctor desde siempre.

En cuanto a la estética y detalles del capítulo, algunas observaciones. Me pareció demasiado oscuro visualmente y disfruté mucho más las escenas de día. Un gran acierto comenzar la temporada hablando de la abuela de Ryan, haciendo ese juego ambiguo con el género de la nueva Doctor. Una tristeza escribir un personaje tan genial para que dure tan poco, y saber de antemano lo que va a pasar por los adelantos (ya que era la única que no formaba parte de los nuevos companions).

Me gustó esta Doctor mucho más física, que no solo corre sino que también salta y arriesga su vida sin medir las consecuencias. Espero que no sea solo por la energía de su cuerpo recién regenerado y podamos ver más escenas de acción como esa en los próximos episodios. El outfit destruído de 12th le quedaba perfecto, pero la elección de su traje me parece excelente. Muy cómodo antes que nada y llamativo hasta ahí no más, con ese sobretodo largo de capucha y bolsillos enormes. No sé si lo hicieron a propósito, pero lo de los bolsillos es un guiño feminista.

Que no haya intro tiene sentido si no hay TARDIS, mal que nos pese. La secuencia final con la presentación del elenco a lo largo de la temporada es algo rara, pero sirve a los fines de mostrar la diversidad de la que va a gozar. Además de los desconocidos de siempre, que después vamos a terminar queriendo y buscando en cada serie inglesa, están Mark Addy y Alan Cumming (de quien se dice, rechazó un par de veces el rol de Doctor).

Colgué un poco en escribir esto y ya salió el segundo episodio, que también se puede ver gratis por Crackle (gracias, plataforma del bien). Así que acá van un par más de observaciones:

Además de construir su propio sonic screwdriver (o navaja suiza?) porque no tenía la TARDIS para que le pueda dar uno, su forma de usarlo es muy única. Probablemente por el orgullo de haberlo hecho ella misma, lo consulta a cada rato y lo apunta de una forma muy pomposa, como dando un paso adelante y estirando el brazo a más no poder, muy erguida y elegante.

Esa soberbia tan propia del Doctor está muy presente desde el principio, casi como en la era Tennant. Me gusta verlo en una mujer. Sin embargo, creo que también tiene gestos muy cómicos y que la mezcla entre ambas características le da su toque personal. 

A pesar de que ambos capítulos funcionan bastante bien como standalone, en el segundo ya se van revelando puntos importantes de la trama, a medida que ella recupera la memoria. Sus miedos que valen por doce vidas y la mención de un/a “timeless child” que la pone a la defensiva y promete ser el misterio principal de la temporada.

Hay algo que celebro en todos los guionistas de Doctor Who (y Moffat hacía muy bien, nos guste o no) y es la creatividad para los nombres grandilocuentes. “The ghost monument” como nuevo apodo para la TARDIS, me parece perfecto. Hasta ahora las tramas del primer y segundo episodio fueron bastante similares: cacería y carrera interespacial. Dos competencias galácticas con reglas bastante crueles. Que estén los Stanza detrás de ambas tiene mucho sentido, evidentemente esta raza alienígena va a tener bastante protagonismo en la temporada.

Aunque las posibilidades son infinitas como el universo, la verdad es que espero ver a la Doctor enfrentarse a los Dalek y otros enemigos familiares. Me intriga muchísimo también cómo sería la dinámica con la gente que ya conoció, si en algún momento se vuelven a cruzar. Definitivamente quiero invitados especiales.

La nueva intro nos dejó con gusto a poco, aunque creo que es probable que, ahora que apareció la TARDIS, se sume en el siguiente episodio. Está bueno esto de las cuotitas para ir asimilando los cambios, aunque no soy precisamente la clase de público a la que está apuntado. También me gustó la vuelta de tuerca al “it’s bigger on the inside” que ya se venía ensayando desde temporadas anteriores. En este caso, le preguntan cómo hizo para meter todo eso ahí adentro.

Los companions más jóvenes estuvieron brillantes en el primer episodio, mientras que el segundo episodio fue para que se pueda lucir más Graham y su dinámica con el nieto, dejando a la carismática Yaz bastante de lado. Hace rato que no teníamos tantos companions a bordo de la TARDIS y espero que se queden todos, porque me interesa mucho ver cómo se ajustan a los viajes en el tiempo y creo que ya demostraron ser un grupo humano hermoso.

Dicho todo esto, creo que si algo le faltaba a la TARDIS para ser la nave perfecta, eran galletitas.

Resulta que escribiendo sobre la nueva versión de She-Ra, me enteré que su showrunner es una artista muy joven que se hizo conocida online hace unos años por una serie de viñetas sobre los personajes de Tolkien reinterpretados como hipsters modernos.

Me gustó tanto el concepto que los busqué y recopilé algunos acá abajo, porque es una de esas joyas de internet que vale la pena rescatar.

La comunidad entera

En un agujero en el suelo vivía Frodo.

Con su tío Bilbo

Hipster Arwen

Papi Elrond no aprueba que salga con mortales como Aragorn

Los hombres de Gondor se bancan 

Obvio que los Rohirim son una banda de motoqueros

Eowyn siempre es todo lo que está bien

Faramir en la friendzone

Y Boromir un banana

Saruman es el seguidor número 1 de Sauron

Grima igual de stalker.

La dinámica entre Legolas y Gimli es perfecta.

Merry & Pippin (y Barbol)

Los Nazgul siempre tan siniestros

Sam peleando con Gollum

Galadriel y Celeborn son el rey y la reina hippies

Y también hay de “El Hobbit” (especialmente con Thranduil)

Excursión a las Montañas Nubladas (Legolas no se hunde en la nieve)

Legolas, ¿qué ve tu iPhone? (Atenti al detalle de la van)

Pueden ver algunos más en su blog, que ya no actualiza porque ahora trabaja en las grandes ligas, pero quedaron archivados (tiene incluso toda la secuencia de Gandalf luchando con el Balrog en Moria, es brillante).

En su nueva película, Tamae Garateguy pone la técnica al servicio de las sensaciones.

El cine argentino, al igual que el país, está en crisis. Y sin embargo, somos expertos (y expertas) a la hora de sacar nuestros mejores recursos en momentos como este. Talento, pasión y perseverancia son cualidades que, tanto en la vida como en el arte, nos impulsan a seguir adelante y crear de la nada, superar obstáculos y dejar una huella.

Eso es precisamente lo que hace Tamae Garateguy con su cine, siempre visceral, fuerte y con una identidad muy propia. Charlando con ella, me di cuenta de que es una fuerza de la naturaleza y no hay nada que pueda impedir que siga creando y haciendo arte, a pesar de que el mundo mire para otro lado. Es una persona comprometida con su visión, con la búsqueda de una verdad que parece determinada a permanecer oculta, pero ella está ahí para revelarla.

Así es el cine de autor, en este caso, de autora. Sin grandes capitales ni intereses corporativos detrás, Garateguy logra que su propuesta fusione ese espíritu indie con una producción que da la impresión de tener todo lo que necesita para hacer una buena película. Como si la lógica de mercado no aplicara a la hora de crear, de contar, de tener un producto bien terminado.

Con las actuaciones de Rodrigo Guirao (que nació para estar frente a una cámara) y Martina Garello, cuyo personaje se va transformando hasta lo irreconocible, la película es un thriller erótico dotado de una gran sensibilidad. Una mujer decidida a morir contacta a un cirujano para que la ayude con su deseo, y de a poco se van revelando los motivos que guían las acciones de cada uno. A medida que se van conociendo, transforman lo que podría haber sido una pesadilla en una historia de amor.

Hay escenas muy fuertes y una tensión constante que augura todo lo que puede salir mal, sin embargo la mirada de Garateguy está puesta en evitar el exceso, aliviar en los momentos justos y transmitir los claroscuros de las relaciones humanas. Los peores miedos y dolores están representados sin llegar a agobiar, dejando el espacio necesario para la esperanza y la redención. Mientras la ciudad de Buenos Aires oficia como un personaje más, bajo una mirada enamorada de la geografía porteña, sin su ajetreo diario, estrés y suciedad, convertida en una ciudad límpida y reluciente, donde hay lugar para las grandes pasiones y todo puede pasar.

Con virtuosismo técnico pero sin grandes pretensiones, Garateguy hace gala de sus dotes como directora con la intención de transmitir emociones al espectador y generar sensaciones. Y -aunque ella no lo sepa- proyecta una mirada femenina detrás de cámara, donde el foco no está puesto en la sexualización de la protagonista, sino en su profundo dolor.

La película también se presentó en el marco del festival La Mujer y el Cine, el cual va por su 30º edición y no tiene tanta difusión como cabría esperar en un momento de profundos cambios sociales. Queda en nosotrEs defender estos espacios y hacer lo que podamos para darle más visibilidad a nuestro cine, a artistas que tienen un potencial tan enorme que supera la cuota de pantallas que se les brinda.

Si quieren verla, se estrena este jueves a las 20hs en BAMA: Av. Pres. Roque Sáenz Peña 1145 (a media cuadra del Obelisco).

Trailer: