#frasq

Samedi 9 octobre

Tintamarre

Lecture-action

Cyril Jarton

Texte - Randolph St Cosmo

Tintamarre de Cyril Jarton est une lecture interactive (artiste/public) extraite du roman-partition du même nom, et opérant l’idée d’une réappropriation physique des mots et de la fiction, par les spectateurs. A travers cette proposition l’artiste emmène le public dans l’univers insulaire de Tintamarre et déroule la toile d’une narration boursouflée profondément nourrie par le surréalisme et le dadaïsme, tapissée d’une multitude de collages protéiformes (mots, phrases) en tout genre (répétitions saccadées, accélérations impromptues, injonctions absurdes), et matérialisée dans l’espace par une corde d’une longueur inouïe à laquelle est rattachée un foutoir d’objets divers et incalculables.

Une fois rentré dans l’espace du Générateur, le public se place instinctivement sur les côtés de la salle, le centre étant occupé par du matériel technique laissé volontairement à terre par l’artiste. Ce dernier, pénètre l’arène : son texte-partition dans une main, la corde bien serrée dans l’autre. L’artiste avance dans l’espace parcimonieusement en lisant son texte dont la taille une fois déroulée égale presque celle de la corde elle même.

Régulièrement, ce dernier tire violemment la corde (« Oh hisse ! ») et apparaissent de nouveaux objets restés encore invisibles (map-monde, boîte en carton, vêtements, jouets d’enfants). Comme une ponctuation dans le récit, les objets grincent et traînent par terre provoquant un brouhaha sonore. Puis l’artiste lâche la corde et récupère le fil de son histoire, et ainsi de suite.

L’histoire de Tintamarre est aussi cryptique que son dispositif (objets sans rapports flagrant), mais le processus opère distinctement, berçant les spectateurs pendant une heure. Cependant, le but est tout autre, et Cyril Jarton nous le fait bien savoir lorsqu’il propose subtilement au public de venir attacher à la corde un objet de son choix. Plusieurs participants moins timides que les autres viendront compléter la liste des objets divers avec une chaussure, une femme se déshabille pour y accrocher son pantalon. Le récit prend fin avec une outro sonore violente et bruitiste aux accents aquatique et chamanique, faisant écho à l’île de Tintamarre et mise en forme par Thierry Balasse et Wilfried Wendling (musiciens que l’on retrouve dans la performance précédant tout juste Tintamarre, Feedback – le larsen dans tous ses états).

L’effort de l’artiste est celui d’un déploiement combiné du récit dans un espace-temps particulier (celui du Générateur et de cette après-midi précise), et de son incarnation dans la corde et des objets y étant rattachés (débordement du récit : de la page vers la matière). En effet, si le récit est une corde et que l’on peut modifier cette corde, alors le récit peut être transformé à loisir par les visiteurs. C’est cette notion d’interactivité, ce déploiement vers le public, que l’on retrouve dans le travail de l’artiste, décidé à placer au cœur de son dispositif artistique la pratique du jeu (agir et remodeler le récit mais aussi la matière) comme condition nécessaire à la conception d’un art équivoque, ludique et participatif.

Vendredi 15 octobre / 19.00 à 22.00 / Le Générateur

GROUPE ICONOGRAMME

Avec Bruno Trocoli, Karim Rouillon et Nicolas Guillemin

Conversation

Texte - Randolph St Cosmo

En tant que forme artistique, la performance engendre son propre « discours » et ses propres « définitions ». Se pose ainsi à celui qui en prend acte la question : que me communique-t-on et qu’est-ce que je comprends ? De quelle manière puis-je l’interpréter, le transmettre ? Qu’est-ce qui précède et motive mon interprétation ? Proposée par le groupe ICONOGRAMME, la soirée du 15 octobre 2010 au Générateur est consacrée à un échange public autour de la notion de performance (« Qu’est ce que la performance ? »), et de sa définition, et réunit une vingtaine de convives.

ICONOGRAMME se présente comme un groupe de réflexion, de discussions et d’analyse des problématiques contemporaines. Il composé de trois membres actifs : Bruno Trocoli, Karim Rouillon et Nicolas Guillemin. Ces derniers travaillent sur trois pôles, trois laboratoires : « Logique et langage », « Définition de l’Art », et « La nouvelle économie affective ». C’est dans le cadre de ce dispositif qu’est né le SGRAM, une forme de discussion publique qui vise à analyser les opinions avancées par les participants au cours des échanges. Lorsque quelqu’une personne formule une opinion, on appelle cela un GRAM,  le but étant de passer du GRAM au SGRAM, c’est-à-dire de passer d’une opinion personnelle à l’analyse et à la compréhension collective de cette opinion : c’est une GRAMATURGE (et toute personne participant : un SGRAMMEUR). S’adressant aussi bien aux amateurs qu’aux professionnels – aux curieux en général – chaque session de SGRAM recoupe ainsi un vaste et riche éventail de définitions, de ressentis, de notions, de remarques plus ou moins pertinentes.

 Le parcours réflexif de la session SGRAM au Générateur s’oriente autour de plusieurs problématiques liées à une interrogation de départ : « Qu’est-ce que la performance ? » L’on se demande entres autres s’il est possible ou non de définir la performance, et si cela s’avère pertinent.  « La performance constitue davantage une manière d’exister », entend-on rapidement. « Naissance », « essence », « manière de s’exprimer », « geste dans le sens d’acter » sont les premières notions à apparaître. Pour certains, chercher à identifier la performance n’est rien d’autre qu’une « tentative de se rassurer », et permet de se situer par rapport à la chose définie. Ainsi, « la définition tue », « annihile ».

Il est vrai, il est encore aujourd’hui difficile de parvenir à une définition univoque de la performance, néanmoins on peut lui trouver des attributs, et tenter de la circonscrire : « La performance est dans le mouvement, dans l’espace, de l’existence, elle est directe ou différée », entend-t-on. « Un noyau peut être décrit, mais ses électrons seront toujours insaisissables ».

On discutera ensuite de son origine, puis de sa commercialisation. Ramenée à un plan plus pragmatique, on soumet l’idée que « la performance ne peut se commercialiser, sauf depuis très récemment, où la juridiction s’est mise en place petit à petit ». L’exemple de Tino Sehgal, « qui ne veut pas qu’il y ait d’acte », ne souhaitant pas que la transaction laisse quelconque trace, est mentionné. « La performance comme acte artistique est induite par la loi en 2004 ».

La conversation introduit aussi la notion de public, quelle part active-t-il dans le cadre d’une performance peut ou doit-il avoir ? Plutôt que des réponses c’est principalement un nouveau corpus de questions qui ne cesse d’émerger. « La performance doit-elle être vue ? En directe ou en différée ? ». L’acte artistique peut pour l’un n’ « exister que dans un cadre social », c’est-à-dire qu’elle doit s’offrir à des récepteurs avertis (dans le sens, être conscient de la performance). On cite par exemple un artiste chinois ayant vécu une année complète à New York dehors, dans la rue. Pas de témoins, uniquement quelques photos de proches réalisées de temps en temps. D’où : « La performance peut-elle être un acte gratuit ? » « L’artiste peut-il être son propre spectateur ? ».

La dernière problématique abordée concerne celle de l’art fonctionnel (ou non). « L’art ne doit pas être fonctionnel, ni utile. Il appartient au monde. Il ne peut être considéré comme un besoin ». Un autre complète subtilement par le fait que « l’art provoque forcément une réaction. Ce n’est pas de la propriété privée mais une véritable interaction/relation ».

Samedi 9 octobre / 16.00 / Le Générateur

Feedback – Le larsen dans tous ses états

Thierry Balasse, Sylvain Kassap, Nicole Piazzon, Wilfried Wendling,

Cré-action sonore et visuelle

Texte - Randolph St Cosmo

Comme le présume son titre cette performance propose un dispositif sonore autour des principes du larsen et du feedback – deux modélisation basiques et omniprésentes du son, que l’on retrouve particulièrement dans les œuvres de musiciens issus des scènes expérimentale et bruitiste ; mais aussi visuel et chorégraphique. La mécanique de la performance s’articule autour de la combinaison originale entre ces trois propositions imbriquées les unes aux autres. Ainsi, le public peut observer la présence de quatre performers : Thierry Balasse (aux pendules et aux gants-micros), Sylvain Kassap (à clarinette et aux machines) et Wilfried Wendling (aux machines et à la vidéo) et la danseuse/chorégraphe Nicole Piazzon.

Le dispositif est très sophistiqué et offre une nouvelle spatialisation du lieu.  Au centre et plongé dans l’obscurité, le public distingue un ensemble de machines-instruments (laptops, pad électroniques, wii-motes détournées, générateurs de bruits et de fréquences inédites home made) contrôlé subtilement (parfois aléatoirement) par Wendling, s’approchant musicalement plus de l’ambient que de la noise ; ainsi que deux projecteurs vidéo, toujours maîtrisés par le même, et recouvrant les deux murs latéraux du Générateur de figures géométriques, cosmiques et hallucinatoires. Devant cette dune cybernétique, une allée de lumière symbolique est parcourue de manière violente mais réfrénée, minutieusement, par Kassap et Piazzon en pleine procession chorégraphique. Tout en maniant sa clarinette, les deux corps se maintiennent frénétiquement dans un halo à demi teinté, et s’emboîtent tout au long de ce rituel d’ombres et de lumières (l’ombre des corps est projetée derrière eux sur un mur, formant une masse obscure en perpétuelle mutation). La scénographie éclatée remplie l’espace sans pour autant le saturer, jusqu’à ce qu’intervienne Balasse à l’origine des larsens. En véritable sculpteur de sons, l’artiste, équipé de gants agrémentés de microphones, manie les ondes à sa guise et produit des larsens (bruits saturés) à travers un mouvement incessant de feedbacks (boucle sonore qui se répète à l’infini, partant des micros – qui captent un son diffusé par les enceintes – et arrivant aux enceintes qui retransmettent ce même son – et ainsi de suite).

Dimanche 17 octobre

Performance day

Emilio Fantin et Sophie Lapalu

Texte - Randolph St Cosmo

Performance Day d’Emilio Fantin présente plusieurs particularités : il s’agit d’abord d’une performance collective élaborée dans le cadre d’un atelier de quatre jours avec un groupe de participants volontaires, sans critère de sélection distinctif (tous âges, amateurs et artistes professionnels). C’est ensuite une performance qui repose sur un dispositif alimenté par les notions de participation et de compétitivité (sur le plan artistique, terme plutôt rare dans la discipline performative -> Oui, mais à la fois, il y a quelque chose de cet ordre qui sous-tend la notion de performance !). Au risque de froisser certaines personnes, Performance Day est en fait un tournoi de performances à élimination directe, où les participants s’affrontent un à un à travers les performances qu’ils ont élaborés collectivement lors des ateliers avec l’artiste. Le public à un rôle actif car il est jury du tournoi. Le vote repose sur le volume sonore émit par ce dernier à la fin de chaque présentation. Le concurrent qui remporte un challenge est celui pour lequel le public aura fait le plus de bruit. Une seule contrainte pour les concurrents : la durée des performances ne doit pas excéder une minute.

Dans cette parodie de jeu de plateau télévisé, le public est accueilli cette fois-ci à Anis Gras le lieu de l’autre, ancienne distillerie du XIXème siècle et lieu de création contemporaine situé à Arcueil. Emilio Fantin supervise le déroulement des matchs sur scène, assisté de Sophie Lapalu qui prend le rôle de présentatrice. Neuf concurrents s’affrontent au cours de ce tournoi. Après l’introduction au règlement, Sophie tirera systématiquement au hasard deux challengers qui se défieront simultanément. Chaque match démarre et se termine  par un son de gong. Le premier match oppose deux jeunes filles : Tania Elisabeth avec Classique Indie et Anne-Charlotte Bellini avec Appel. La première combine un phrasé onomatopéique avec une chorégraphie bondissante ; la seconde invisible au départ, surgit de derrière un rideau après avoir élevé sa voix d’opéra soprano graduellement, répétant maintes fois « Où es-tu ? Où es-tu ? ». La seconde l’emportera suite au tumulte du public. Le second match oppose deux jeunes hommes : Audrey avec Toutes les routes mènent à et Xiuhcoatl avec A Broken Scooter Can Sing a Little. Le premier est vêtu de blanc, porte des bottes de femme noires à talons, un masque de protection respiratoire et concocte un milkshake à la banane qu’il sert au public en un temps record ; le second, masqué à la manière d’un catcheur de lucha libre, pénètre l’arène en scooter et repique le son du moteur à travers un dispositif sonore sophistiqué (pédales d’effets en série) et l’emporte haut la main. La troisième rencontre voit la victoire écrasante de Luce Masano avec Restaurant (une très jeune fille équipé d’un poireau récitant un texte vindicatif à l’encontre du chef cuisinier français Gusteau) sur José Masano avec Stratégie domestique n°1 (l’homme s’enveloppe le visage puis le corps d’un plastique ménager), et Alexandro Boignot avec Le feu (debout face au public en position christique, le jeune homme fait couler un liquide vert de sa bouche le long de son corps). Viennent ensuite Franck Moret avec Performance n°1 (un joueur de gong) et Le théâtre de l’Enchantier (un binôme) avec Poupée n°1 (deux performers, un garçon et une fille, au sol deux espaces carrés délimités, racontant le début d’une relation entre deux êtres aux attitudes étranges).

Deuxième tour pour les concurrents qualifiés : Anne Charlotte accompagnée de Franck au saxophone entame un dialogue vocal/instrumental improvisé ; face à eux Luce Masano revient avec une nouvelle récitation orale relatant les déboires d’une princesse. Cette dernière remportera la victoire. Face à Xiuhcoatl et son scooter amplifié, c’est le Théâtre de l’Enchantier qui trouvera victoire (Poupée n°2 donnant suite à leur performance précédente). En final nous retrouvons logiquement Luce avec un nouveau texte (Trésor, feu, poison) et à nouveau le Théâtre de l’Enchantier (Poupée n°3 suite et fin). Gagnant du tournoi : le Théâtre de l’Enchantier. Ceux-ci se verront ainsi remettre un lot de cadeaux en guise de trophée.

Dimanche 17 octobre / 14.30 et 16.00

Dans le bus 57 – départ Le Générateur, arrivée Anis gras le lieu de l’autre

Samedi 23 octobre / 11.00 et 11.30

Place du 8 mai 1945 – Marché de Gentilly

Dimanche 24 octobre / 18.00

Le Générateur – Gentilly

Texte - Randolphe St Cosmo

Complaint Choir

Chorale de plainte

Direction : Aurélien Rotterdam

 « Je n’aime pas les chorales avec leur petit air coincé à la croix de bois endimanchée », telle est la sentence scandée ouvrant la chorale de plainte Complaint Choir dirigée par Aurélien Rotterdam, et dont les quatre représentations auront marquées les esprits des visiteurs les deux dernières semaines de la rencontre. Complaint Choir est un projet singulier de chorale éphémère, réunissant un groupe de volontaires (amateurs et professionnels), dont le désir d’exprimer au monde ses pires problèmes existentiels et/ou matériels sous forme de plaintes, fait office de leitmotiv.

Il a été initié à Helsinki par Olivier Kotcha-Kalleinen et Tellervo Kalleinen, et est à entrevoir comme un détournement humoristique et littéral du terme valituskuoro qui en Finlandais désigne un groupe de gens qui se plaignent. Le projet Complaint Choir est un projet global (une vingtaine de pays ayant déjà participé) et réticulaire (une des finalités étant de réunir via la plateforme officielle online Complaint Choir, un répertoire de plaintes universel).

La France réputée pour ses coups de gueules et son peuple de râleurs, brillait encore récemment par son absence, jusqu’à ce que, dans le cadre de Frasq, naisse la première chorale de plainte française libertaire, fantaisiste, vindicative, parfois absurde, mais toujours drôle et divertissante. Cette version est donc l’aboutissement d’une série d’ateliers menés au mois de septembre au Générateur avec une quinzaine de volontaires (Irène, Anne, Amandine, Anny, Katia, Daria, Martine, Françoise, Annie, Benoit, Clément, Jean-Yves, Alice, Florian Olivier) et mise en chanson à l’accordéon par Aurélien Rotterdam. Quatre sessions ont été mises en place : la première au cours d’un voyage en bus entre Le Générateur et Anis gras le lieu de l’autre, donnant des situations inattendues (jeunes du quartier surpris par ce happening musical) et réenchantant un lieu du quotidien. La seconde fois, la quinzaine de vocalistes prenant d’assaut le marché de la ville de Gentilly (infiltration puis happening au milieu des commerçants), et déroutant un bon nombre d’habitués (familles et petits vendeurs). Les deux autres représentations ayant lieu à Anis gras le lieu de l’autre puis au Générateur à l’occasion de la soirée de clôture de frasq.

Samedi 23 octobre

Le score était presque parfait

Ludovic Burel

Performance

 Texte - Randolph St Cosmo

« Le score était presque parfait » de Ludovic Burel est une présentation académique de ses recherches concernant la partition (score en anglais) et la notation en performance et en danse contemporaine. Le dispositif déroulé au cours de cette intervention est simple et similaire à celui observé dans amphithéâtre à l’occasion d’un cours magistral. Le performer prend place devant son public, il dispose d’un pupitre sur lequel repose un ordinateur à partir duquel est projeté un corpus de visuels évoquant la partition (moderne et contemporaine), mais également une sélection d’éléments issus de la culture populaire. Pendant plus d’une heure et demi, le public assiste à un cheminement intellectuel complexe, proposant un discours-jeu conceptuel autour des notions du plan, de la ligne et du point. Ces notions font directement échos au livre manifeste de Kandinsky Points, lignes et plans, et sont explorées tour à tour à travers une multitude de références historiques, littéraires, visuelles, musicales et plastiques.

Ces notions sont la base d’une trame, espace d’exploration fractale et éclatée, dont le spectateur doit réussir à relier les points, petit à petit, par étapes successives. Car il est difficile de suivre le performer tout au long de sa démarche tant foisonnent les mots décortiqués, les images et partitions dévoilées les unes à la suite des autres, parfois des contradictions (entrainant un nombre incalculable de digressions) et ce dans un rythme effréné.

Son analyse démarre sur la notion de ligne, où il est question de John Harvey Kellogs, médecin hygiéniste du XIXème siècle qui, en plus de prôner l’injonction de céréales au petit-déjeuner, préconisait le port de la ceinture de chasteté afin d’éviter toute dépense d’énergie superflue. Burel fait mention suite à cela d’une ‘exégèse biologique’ arbitraire de la masturbation (dont est l’origine le médecin), et fait le lien avec la ligne en proposant un extrait oral d’un film de Fassbinder, dans lequel Petra Von Kant, jouant le rôle d’une célèbre styliste, maintien que « la silhouette, c’est ton capital » (sous-entendu donc, « ta ligne est essentielle »). L’écho se poursuit en faisant appel à un passage de Pierrot le fou où Ana Karina et Belmondo, entamant une danse, chantent amoureusement « ta ligne de chance – ta ligne de hanche ». Finalement, « Avec fermeté, il faut refuser la ligne qui est front » : Burel conclut avec cette citation d’Heiner Müller (1985) précisant la nature injonctive et autoritariste de la ligne.

L’artiste aborde aussi le thème de la nomination : de la difficulté pour l’homme de nommer les choses. Il cite Gilles Deleuze « il existe dans le langage une sorte de distance essentielle, de déplacement, de dislocation ou d’accroc. C’est que les mots sont moins nombreux que les choses et que chaque mots a plusieurs sens (…) ce qui manque ce sont les signes ». Entamant une transition vers l’idée de partition comme un partage et un accouchement (étymologie latine), constitué de signes et de symboles destinés à l’interprétation du lecteur.

Dimanche 10 octobre / 16.00 / Le Générateur

MINIATURE GRANDEUR NATURE

Marie Laure Colrat

Installation / Performance

Texte - Randolph St Cosmo

Lorsqu’il pénètre dans l’espace du Générateur, le spectateur découvre tout d’abord un mur régulier, formé de boîtes en carton neuves empilées les unes sur les autres sur une longueur de douze mètres, soit huit boîtes, et sur une hauteur maximale de deux mètres, soit quatre boîtes. Dans l’alignement du mur sont également installées à chaque extrémité deux autres boîtes en carton qui, contrairement à celles du mur, sont scellées au sol, faisant ainsi office de piliers.

Dans ce décor, une femme vêtue d’une robe de couleur beige fait son apparition et s’installe au sol sous les feux d’une lumière à demi teinte. Après un court moment, elle se lève et entame une course effrénée autour du rempart immobile. Son mouvement entraîne le déploiement de sa robe dont la traîne démesurée, d’une longueur de vingt mètres, finit par s’accrocher au mur de cartons, interrompant la régularité de sa course et demandant à la femme un effort de plus en plus ténu. Son souffle se fait plus bruyant tandis que la vitesse de sa course diminue considérablement, jusqu’à ce qu’elle finisse par couper le poids qui la retient, sa robe, puis se mette également à démonter le mur.

La première partie de la performance de ML Colrat prend fin lorsque surgissent du public cinq performeurs (ML Colrat n’apparaît à aucun moment) qui viennent un à un s’emparer d’une des boîtes en carton du mur. A ce moment précis, une musique baroque (clavecins railleurs et allegro retravaillés par ordinateur), envahit l’espace. Chacun des cinq performeurs vient alors installer son support de carton au milieu de l’assemblée, et dévoile sur sa surface une série de vignettes (format 5x10cm) composées de dessins miniatures, et dont chaque séquence forme une courte histoire, sorte de chronique visuelle onirique. Chaque chronique est constituée de trois à sept vignettes préalablement réalisées par l’artiste. L’une de ces chroniques évoque par exemple la transformation d’une jeune femme en particules de lumière ; dans une autre, un personnage féminin se désincarne progressivement pour laisser apparaître un squelette aux allures de la mort.

FRASQ 2010 est un peu à l’image de cette collaboration fructueuse et tentaculaire entamée quelques mois avant l’inauguration de la manifestation avec l’entité ‘ovni’ NoGallery. Se définissant non pas comme des curateurs – ce qu’ils sont malgré eux, mais plutôt comme des noyaux de connexions percevant plusieurs flux d’informations (œuvres et artistes contemporains), et les (ré)oriantant dans une direction particulière afin de les faire se croiser, se chevaucher les uns les autres et générer au final un nouveaux noyau dur, centre d’une galaxie où graviteraient de façon autonome artistes et idées. C’est dans cette optique méthodologique mobile, en perpétuel mouvement que la nouvelle édition de FRASQ – Rencontre de la performance 2010 s’est éveillée.

 Le temps d’une nuit, Le Générateur ouvrait donc ses portes à une vingtaine d’artistes performers, plasticiens et musiciens : occasion rêvée pour la NoGallery d’investir le lieu sous la forme d’un gigantesque campement imaginé et fantasmé par une collaboration de longue haleine (dans le cadre d’un triptyque initié en janvier 2010 au Générateur – Allons coucher le soleil - pour prendre fin l’année prochaine avec Allons nous coucher).

Se prêtant tout à fait au lieu, un campement inédit et dérivatif de onze tentes, installations et sculpture (Yazid Oulab), éparpillées aux quatre recoins de ce grand hangar de 600 m2, accueillait les 400 personnes venues tenter l’expérience. Parcours déambulatoire entre des tentes de toutes tailles, scènes imprévues et tribales – caché dans l’ombre d’une sombre tente, une chorégraphie collective intense et répétitive proposée par Christine Renée Graz, et apprise sur le tas par le public. Tentes futuristes titillant l’œil du « campeur » éphémères, imprégnées par des projections vidéos des artistes Eric Madeleine et Jason Karaindros ; installations lumineuses de Rodolphe Huguet et Julio Le Parc, ou encore l’improbable caravane cartonnée de Charlotte Herben, attirant tour à tour voyageurs perdus et public alléché par ce quatre roues peu commun.

 À l’image de cet assemblage atypique, les collages sonores et mutants élaborés par le trio Elodie Régnier, Emmanuel Pothier et Enrik Perez, imposant à l’oreille du curieux une dimension lunaire – cris de loup (garous), collages concrets de bruits de la nature, voix discrètes se superposant à l’ensemble. Dimension retrouvée dans l’œuvre de Nicolas Simarik, où la lune visible / invisible évolue sous l’œil du public au cours de la nuit. Ajouté à cela la performance d’Olivier Lecreux, statue de chaire immobile et épileptique soutenant une hache – tout droit sorti d’un film de série z, où le personnage aurait été figé soudainement et magiquement – renforçant la dimension nocturne et parfois fantomatique du lieu (les silhouettes déambulant tout au long de la nuit). Pour peu qu’un chemin imaginaire mène les silhouettes jusque dans l’espace mortuaire de Rémi Boinot – deux couronnes aux représentations symboliques de la femme et de l’homme, disant adieu à deux esprits anonymes, le tout éclairé de manière progressive, faisant s’articuler des ombres léthargiques de manière répétitive – et le décor est posé.

L’autre versant, celui discret et autonome des lieux de transitions de Maïté Céglia, Jakob Gautel, Kamel Yahiaoui et Raphaëlle Arnaud, où l’on retrouve chez la première un territoire constitué de chutes d’ateliers d’artistes, formant une mosaïque chaude faite de bois ; chez le second, dans l’intimité la plus solennelle, deux écrans se faisant face, l’un racontant l’histoire de Shéhérazade, l’autre branché sur le journal télévisé : deux histoires transversales se répondant l’une à l’autre ; le suivant proposant une relecture de Bowling for Colombine (de Michael Moore) agrémenté d’une radio scannée ; et la dernière offrant aux yeux des passants un jardin secret composé de têtes humaines en germe.

À noter également la performance très sollicitée par le public de Lisa Sartorio, mettant en scène une tente mi confessionnal, mi peep-show, où chaque individu se retrouve seul et filmé entre quatre murs de tissus, et où, dans le même temps, des mots d’amour et de haine lui sont murmurés intensément (deux comédiens cachés, situés dans des cabines voisines du spectateur). Déstabilisant, schizophrénique, drôle parfois, violent et provocant à d’autres moments, toujours marquant, Terrain d'entente (titre de la performance de Lisa) n’est pas un divertissement (on en ressort toujours un peu différent). La performance pointe de manière assez virulente, avec une teneur émotionnelle forte, deux types de discours a priori quotidiens, banals, pour mieux les retourner (les adoucir, les exagérer, les faire durer) à l’oreille du public, et appréhender le potentiel des mots.