#iconogramme

Vendredi 15 octobre / 19.00 à 22.00 / Le Générateur

GROUPE ICONOGRAMME

Avec Bruno Trocoli, Karim Rouillon et Nicolas Guillemin

Conversation

Texte - Randolph St Cosmo

En tant que forme artistique, la performance engendre son propre « discours » et ses propres « définitions ». Se pose ainsi à celui qui en prend acte la question : que me communique-t-on et qu’est-ce que je comprends ? De quelle manière puis-je l’interpréter, le transmettre ? Qu’est-ce qui précède et motive mon interprétation ? Proposée par le groupe ICONOGRAMME, la soirée du 15 octobre 2010 au Générateur est consacrée à un échange public autour de la notion de performance (« Qu’est ce que la performance ? »), et de sa définition, et réunit une vingtaine de convives.

ICONOGRAMME se présente comme un groupe de réflexion, de discussions et d’analyse des problématiques contemporaines. Il composé de trois membres actifs : Bruno Trocoli, Karim Rouillon et Nicolas Guillemin. Ces derniers travaillent sur trois pôles, trois laboratoires : « Logique et langage », « Définition de l’Art », et « La nouvelle économie affective ». C’est dans le cadre de ce dispositif qu’est né le SGRAM, une forme de discussion publique qui vise à analyser les opinions avancées par les participants au cours des échanges. Lorsque quelqu’une personne formule une opinion, on appelle cela un GRAM,  le but étant de passer du GRAM au SGRAM, c’est-à-dire de passer d’une opinion personnelle à l’analyse et à la compréhension collective de cette opinion : c’est une GRAMATURGE (et toute personne participant : un SGRAMMEUR). S’adressant aussi bien aux amateurs qu’aux professionnels – aux curieux en général – chaque session de SGRAM recoupe ainsi un vaste et riche éventail de définitions, de ressentis, de notions, de remarques plus ou moins pertinentes.

 Le parcours réflexif de la session SGRAM au Générateur s’oriente autour de plusieurs problématiques liées à une interrogation de départ : « Qu’est-ce que la performance ? » L’on se demande entres autres s’il est possible ou non de définir la performance, et si cela s’avère pertinent.  « La performance constitue davantage une manière d’exister », entend-on rapidement. « Naissance », « essence », « manière de s’exprimer », « geste dans le sens d’acter » sont les premières notions à apparaître. Pour certains, chercher à identifier la performance n’est rien d’autre qu’une « tentative de se rassurer », et permet de se situer par rapport à la chose définie. Ainsi, « la définition tue », « annihile ».

Il est vrai, il est encore aujourd’hui difficile de parvenir à une définition univoque de la performance, néanmoins on peut lui trouver des attributs, et tenter de la circonscrire : « La performance est dans le mouvement, dans l’espace, de l’existence, elle est directe ou différée », entend-t-on. « Un noyau peut être décrit, mais ses électrons seront toujours insaisissables ».

On discutera ensuite de son origine, puis de sa commercialisation. Ramenée à un plan plus pragmatique, on soumet l’idée que « la performance ne peut se commercialiser, sauf depuis très récemment, où la juridiction s’est mise en place petit à petit ». L’exemple de Tino Sehgal, « qui ne veut pas qu’il y ait d’acte », ne souhaitant pas que la transaction laisse quelconque trace, est mentionné. « La performance comme acte artistique est induite par la loi en 2004 ».

La conversation introduit aussi la notion de public, quelle part active-t-il dans le cadre d’une performance peut ou doit-il avoir ? Plutôt que des réponses c’est principalement un nouveau corpus de questions qui ne cesse d’émerger. « La performance doit-elle être vue ? En directe ou en différée ? ». L’acte artistique peut pour l’un n’ « exister que dans un cadre social », c’est-à-dire qu’elle doit s’offrir à des récepteurs avertis (dans le sens, être conscient de la performance). On cite par exemple un artiste chinois ayant vécu une année complète à New York dehors, dans la rue. Pas de témoins, uniquement quelques photos de proches réalisées de temps en temps. D’où : « La performance peut-elle être un acte gratuit ? » « L’artiste peut-il être son propre spectateur ? ».

La dernière problématique abordée concerne celle de l’art fonctionnel (ou non). « L’art ne doit pas être fonctionnel, ni utile. Il appartient au monde. Il ne peut être considéré comme un besoin ». Un autre complète subtilement par le fait que « l’art provoque forcément une réaction. Ce n’est pas de la propriété privée mais une véritable interaction/relation ».