PEKUTO

自分の偏った見方で申し訳ないのですが、今の欧州のポピュラー音楽の音源制作では、どうも一部に “ちゃんと” させない美学があると言いますか、ワザと崩れた音にして仕上げる文化があるような気がするのです。例えば、2mix をマスターコンプに深く入れてしまうのは、それは良いとして、欧州の音源は無造作に、そのまま深く入れてしまったかのような音になっているケースは、意外と多い気がするのですけども。

世界のプロエンジニアたちのプライベート・スタジオの訪問動画などで紹介されているスタジオで制作された音を追ってみても、特に欧州のヴィンテージ卓を導入しているスタジオで制作されたアルバムの音は、自分が今、ヴィンテージの機材を使って作る音とはだいぶ違う印象の音が多いです。片やプロの仕事、片や素人のお遊びなので、そりゃ違って当たり前ですよ、という話で終わりそうなのですが、むしろ逆かもしれません。贅沢なヴィンテージ Neve 卓で制作された音源の、なんとモケモケした音で聞こえていることか、と言いますか。ただし、あれを技術不足の文脈で捉えるのは、やはり違うと思うのです。

色々考えると、もちろん穿った見方は百も承知で、これは世界が夢見たグローバリズムが失敗に終わった影響なんかがあるのではないのか？と。というか、そう考えると自分で腑に落ちるものが出てくるというだけなのですが。

その昔に「正しい」事を皆んなが守ったのは、それが弱い立場の人間を守ることを可能にしたからです。でも、「努力しなさい」「透明性を持ちなさい」「他者に配慮しなさい」などの一つ一つを全部うまく使えるのは、結局、文化資本、才能、学閥などのインナーサークル資本を環境として持てる人たちだけ、という現実を示したのが90年代以降のグローバリズムではあったでしょう。恵まれない人たちが努力、透明性、他者への配慮などを実現させても、何も起こらなかったばかりか、格差ばかりが開いていったのが、90年代以降の世界で起きていた現実ではあります。つまり、それが社会の実態として、音楽にもその影響を及ぼしていたとして、何ら不思議はないのではと。

英国を例に出してみると、元々英国は階級格差の社会でしたので、一般の間である種の「正しい」ことに対する忌避感が、深く根付いていたというのはあったと思います。なので、音楽ではエンジニアリングに限らず、内容そのものにおいてもそういう傾向が、昔から見られたと思います。Weather Report も Mahavishnu Orchestra、果ては英国出身の Brand X ですら、70年代当時でも一般からは「エリートの音楽」と見なされ、カルト的なコミュニティーでしか居場所がなかったと言われています。同じ時代に北米ではジャズフュージョン専用チャートがあり、そのマーケットが形成されていた頃に、英国はパンク、ニューウェイブで盛り上がったのですよね。

現在、英国のフュージョンシーンでは Moses Boyd というドラマーが大スターとして君臨しているそうですが、Moses Boyd は英国では技巧派で通っているそうです。日本で技巧派ドラマーと言えば、Mark Guiliana であったり Brian Blade のような人たちの名前が真っ先に上がったりするのでしょうが、その人たちの演奏と比べると Moses Boyd の演奏は、まあまあのカルチャーショックになるかもしれません。日本で技巧派と評価される軸とは、かなり別の軸で評価されていると見るべきだと思います。

Mark Guiliana や Brian Blade らの演奏を技巧派と認識してきた自分ら旧タイプの人間ができることは、英国社会の感情が出したジャズフュージョン文化への回答が Moses Boyd であると理解することくらいなのかもしれません。これは、英国の文化と深く関わる部分なので、安易な評価をするべきでないと思われますし、逆に、Moses Boyd こそが、崩れ行く20世紀の価値観の先にあるものを示しているのかもしれません。

結局、今見える景色を眺めていると、もはや「正しい」音楽なんてないんですよ、と言うのが良さそうなのです。社会にある善悪そのものが、今やコストや支持数のような “変数” の下に置かれるのがデフォルトです。その流れで、音楽機材の選び方、使い方一つでも、「ちゃんと」していることを追い求めて、例えばモケモケした音を「けしからん」というセンスのままやっていても、もう外の世界で共感してもらえることもなさそうという。世界の音楽制作は、とっくにそういう状況に適応していると思うのです。

今、世の中の空気とすれば、機材の音が音楽に及ぼす影響を高く見積もるのは「分かっていない」人の行為にされがちではありますよね。プロの方々も「大事なのは機材より音楽だ」と仰いますし、実際、プロにコンソールの違いのようなことを尋ねても、面倒くさそうにはぐらかされてしまうのが常ではあります。

その一方で、自分はコンソールの音の違いがどこにあるのか、だいぶ前から探ったりしていました。自分は古い Helios のコンソールからモジュールをラッキングした物を使っているのですが、作っている音楽はアーカイブされた音の再構築をベースにしています。なのでアーカイブされている Helios の印象をある程度は正確に捕まえて、その違いを分類しておくくらいはやっておかないと、自分の音楽がアーカイブされた音を無視する形になってしまいかねません。Discogs や Sound on Sound の記事には、本当にお世話になっていますよ。

Helios というコンソールは、ロンドンにあった Olympic Studios のエンジニアであった Dick Swettenham が、当時の Olympic Studios 用に製作したカスタムコンソールが原型になっているようです。そういう意味では60年代後半からの Olympic Studios の音を Helios 的な音として捉えても、大きくは違わなさそうです。

Traffic - Dear Mr. Fantasy

The Jimi Hendrix Experience – Axis: Bold As Love

Led Zeppelin - Led Zeppelin II

この辺りの音は、厳密には Helios の音ではありませんが、大枠とすれば Helios の音の内として分類しても良いと思われます。

Helios は Island Records の依頼で Dick Swettenham が Basing St. Studios の卓を制作したことで立ち上がった会社と本人が生前に記録していますので、 Basing St. Studios で制作された以下のアルバムなどは、Helios の音と言えるのだと思います。もちろん、どれも詳細な記録が残っている訳ではありませんので、細かく見ていけば違う音も混じっているとは思いますが。

Genesis - The Lamb Lies Down on Broadway

Eagles - Desperado

Helios は、スタジオに設置された卓ではなく、トラックに設置された移動式の環境でも（Rolling Stones Mobile Studio）伝説的な録音が生まれています。

The Rolling Stones - Exile On Main Street

Deep Purple - Machine Head

あとは、10cc の Strawberry Studios も Helios で有名なのでこちらも載せておきます。

こうやって Helios の音だけを並べて聞いていても気が付きにくいのですが、Neve  や API の卓などと比べると、Helios は低域が柔らかく広がっていく方向の音に大きな特徴があると言えます。60年代の音楽の録音は、今の録音のように個別の音を、近接マイクではっきりくっきり拾いにいくというよりは、ルームマイクの音を基調にした録音のやり方だったでしょう。なので、Helios ではマイクの近接効果的な、そういう距離感のマイクの音を前面に出す仕上がりは、あまり想定していないように感じます。拾える帯域が広く、感度も質感も高いマイクをルームマイクとして立てて、その音にメルヘンと言いますか、幻想的な倍音を乗せて世界を作っていくのが Helios が想定していた録音なのではないかと、もちろん個人の感想ですけども。

70年代に入り、多チャンネル録音が一般化し、各楽器の音が同じ空気で混じり合った状態よりは、分離された録音が未来的であるというトレンドになると、Helios でも部屋の残響音を排除した音を前面に出す使われ方になっていきますが、Helios の音はそういう分離感の良いドライな音像とは、あまり相性の良いプリアンプではないのかもしれません。結局、Helios は70年代後半になると、居場所を失ってしまったように見受けられるのです。マイクの近接効果なども含めた分離の良い音は、Neve や API の方が得意というのはあったのではないでしょうか。

例えば今、プラグインなどでも Helios の音を利用することができますが、マイクをソースに近づけた音を Helios に入れても、アーカイブされた音の印象からすると、印象の散漫な音になってしまいませんかね？

言ってみれば、自分ら素人が職業音楽家の方々の、機材の音より「音楽」が大事だ、をそのまま受け取っていたら、曲だけはしっかりしてても、同じ空気を介さない分離された音を Helios に突っ込んで、印象の散漫な音を完成させていたりすることも、普通に起こり得るのだと思います。

マイクに関しては、正直良く分っていないのです。20代の頃、Neumann U87 を持っている友人がおり、それを借りて当時住んでいた4畳半の狭い部屋でアコギとエレキの録音をしたことがあるのですが（諸々大らかな時代でしたね）、レコードのような音が録れると思って意気揚々と録音をしたら、盛大にガッカリさせられましたよ。以来マイクは自分にとっては、ある種の鬼門だったりします。

とは言え、今はマイクの音は部屋の鳴り方次第であるということくらいは、なんとなく分かっています。引っ越ししたり、ギターアンプの音をリアンプしにリハスタに行ったりすると、同じ機材、同じ楽器を違う部屋で録音した際、録れる音は違います。マイクの性能が上がれば上がるほど部屋の鳴りをちゃんと録音してしまうことも分かってきます。そうなると自宅でアコギを録るでも、最初の頃よりは工夫するようになります。

部屋の中で、アコギを部屋のどっち側に向けるのか、カーテン側なのか本棚側なのか、壁と平行にするのか対角線にするのか、あるいは部屋のどこにマイクを置くと汚い鳴りを拾いにくくなるのかを探ったりすることで、「マシな」録音が段々できるようにはなります。「マシな」と書いたのも、要するに部屋の汚い跳ね返りの音は部屋を変えるしかどうすることもできませんので、その中でベターを目指すしかないという話ではあります。

リフレクション・フィルターなる物も、一時期凄く流行りましたので、自分も流されて買って使ってみましたが、あれを使うと全く開放的な音にはならない事が分かった時点で、自分は粗大ゴミに出しました。sE の、皆んなが使っていた奴です。結果だけで言えば、ウチは天井に吸音材、床にラグマット、という対策の方が思った音で録れていると思います。

AEA の KU5A を買ったのも、単純に部屋の余計な鳴りを拾わないマイクであるに越したことはないと思ったからです。使ってみたら、これはとてもとてもクオリティーの高い音で、今まで使ったマイクの中では一番好きな音で録音できました。やっぱり今のマイクの性能は 00 年代民生機の性能を遥かに凌駕しているのだ〜、やったぜとなったところまでは、まあ、良かったのです。それで3曲ほど、それぞれ全く別のアコギを使って録音をしたら、ギブソンであろうがマーチンであろうが、ドレッドノートであろうがシングル 0 であろうが、全部同じ印象の音になってしまうという壮大な罠がそこに待ち受けているのでした。

KU5A は癖が強そうだな・・というのはありましたけど、ここまでとは思っていませんでした。部屋の鳴り方などから、マイクの置き方で音のバリエーションを作ることはできないとなると、もうマイクの種類を増やすしかないのか・・と。

でも、今は良い時代ですね。YouTube にも Sound Cloud にも、膨大な量の機材のサンプル音源が上がっています。50年代〜60年代に作られたそんなに有名でないリボンマイクの音とかでも、聞きたい放題聞ける訳です。一昔前なら右往左往したであろう悩みも一発解消。素晴らしいですよ。そんな中で自分が選んだのが60年代製 Sennheiser MD403 というダイナミックマイクと、50年代英国製 Reslo RV というリボンマイク。どちらも全然有名ではありませんので、お安いのです。

この二本の古いキャラマイクは、音のサイズ感が自分のトラックにハマりやすい、丁度良いところの音像で録れます。あるいは、部屋の汚い跳ね返りの音をはっきりくっきり録音したりもしません。また、これらのマイクは皆んなが欲しがらないから安いのであって、質的な部分で劣っているという事ではなかったりします。基本性能の部分で価格以上のものがあって、それで自分の作るトラックにハマる質感があり、そういうことなら初めからキャラマイクにしとけば良かった〜、と言っても、自分は色々経験したからここに辿り着いたのです。贅沢を言ってはいけません。

もう一点付け加えますと、古いマイクには何やら現行のマイクにはない時間表現があるような気はします。変にカクカクした音像にはならないと言いますか。昔のレコードにある、昔の演奏家の独特の間合いのようなものが、古いマイクを通すことで聞こえてくる気はします。リリース部分の聞こえ方に違いがあるのかもしれませんね。もちろん、再生の回転数が違った時代の録音は抜きにして。

という訳で、30年以上ぶりくらいにファズ・ペダルを買ってしまった訳ですけども。今、取り掛かっているトラックに被せるエレキの音を、普通に鳴らすよりは、ファズの音を入れたらこれは面白いトラックになりそう、ということで自分の持っている唯一のファズ、Colorsound Tone Bender（'90s オペアンプ）を鳴らしてみると、思っている感じとは別の音が鳴るので、何か良いのがあれば、と思って探し始めた訳です。

Sage Fuzz Knight germanium fuzz pedal / (Mosrite Fuzzrite)

今回、使いたいと思った音は、まあまあプログレ文脈の音と言いますか、要するにロバート・フリップですよ。チェロ的なニュアンスの鳴るファズ、と言いますか。本気であのニュアンスを狙うなら、古い Hiwatt なんかも揃えてみるのも良いかもしれませんが、自分の音楽は IDM なので。ヴィンテージの Hiwatt を揃えるまで厳密にあのチェロ風味なファズの音が必要かと言われると、そこまでではありませんので、何かそれっぽいファズはないかな〜、といったところでしょうか。

で、色々 YouTube で物色する訳なのですが、聞けば聞くほど、やはり今の音は「普通」だな〜、という感じでテンションが下がる方向なのでした。と言うのも、要するにクレーム対策の結果なのだと思いますが、音が全部一緒なのです。音はぶっ太いです、ガツンと鳴らせます、ノイズも乗りません、動作も安定してます、という。シリコントランジスタだろうがゲルマニウムトランジスタだろうが、全部一緒の音なのです。我々70年代に人格形成をした老人のセンスからしたら、なんだこれは・・、と思うしかないのですけども、それは乃木坂46の女の子たちが全部同じに見えているのと一緒ですよ、と言われると返す言葉もございません。

じゃ、本物のヴィンテージにするか・・ということで自分の目的からマフとかではなくて、Burns Buzzaround 的な物か、或いは Mosrite Fuzzrite なんかが良いかな？という感じで探すと、ヴィンテージ物はどれも30万円オーバー。流石に1曲だけにちょっと使う程度で30万は出せませんのでじゃレプリカか、と探すと、これまた中々難しいのでした。

例えば15年前に JMI が出していた Buzzaround のレプリカですが、その中身を見ても、おおっ、とはならないと言いますか。

Reverb ： 2010 JMI Burns Buzzaround Fuzz Guitar Effects Pedal

これだけ整然とパーツを並べて、抵抗もコンデンサも足の長さが最短で熱対策もばっちりです的な実装を見てしまうと、音はほぼ安定でノイズも殆ど乗りません的なモダンな音になるしかなさそう、と思ってしまう訳です。で、YouTube で確かめると、ちゃんとその通りの音が鳴ってるという。どんなに回路が正しくパーツが良くても、実装が凡庸なら音も凡庸にしかならない、という論より証拠的なアレ。

そして JMI の喧嘩別れなのか何なのか的な British Pedal Company の Buzzaround の中身は、確かにオリジナルとほぼ一緒の回路だろう的な配線にはなっているものの、諸々微妙な感じ。

で、動画を見るとこの音なので、これはもうレプリカには期待するのはよそう・・ということで、個人工房的な物も探して回ることにしました。

国内にも個人工房的なペダル・メーカーで評判の良い所がいくつかあるのは知っていますが、その殆どがマス・ロック的なガッツや太さを出す方向の味付けで、国内の個人工房がどこを目指しているのかを考えれば、国内工房のは無し。そうして Reverb でたまたま見つけたのが、ハンガリーの個人工房のこれです。

Sage Buzzblaster germanium fuzz pedal / (Burns Buzzaround)

内部配線の写真を見ると、これはおそらくゲルマの音を分かっている人の実装で、注意書きにも電源にアダプターを使うならデイジーチェーンで使うな、それより電池で使え、と書いてありますので、ちゃんと PNP 型ゲルマニウムトランジスタの特性を踏まえた設計になっていることが伺えます。そして YouTube にあるサンプル音源を聞いたら、もうこれですよ、これ、と言うしかありませんでした。

おー、と思って Reverb ショップで評判を見ようと思ったら、なんと販売実績がほとんどないのです。これは判断難しいな〜、と思って仕方がないので Reverb 経由でメッセージを送ってみました。翌日、返事があって、そこには「私は1年ほど前まで Massive FX でゲルマ・ファズの組み立てをしていました」と書いてあり、なんだプロ経験ある人だ〜、という感じになりました。まあ、日曜ハンダでこの音は無理だと思います。これはそういう音です。間違いなくプロの音です。で、他にも色々やり取りをして、購入することにしました。結局この人は大丈夫、と思いました。

ギターの人たちの歪みモノに対する思い入れ、というのも、自分も30年くらい前までは完全無欠の “小僧” をやってましたので、それは良く分かります。言ってみれば、歪みの質こそが自分のアイデンティティーの全てである、くらいの勢いで、歪みの音に執着してしまう訳です。ただ、60年以上人間をやって入れば、自分がスペシャルではないということをこれでもかというくらいに思い知らされますので、もはや歪みの質程度のことで自分がスペシャルになれると思っていられるはずもなく。

今となっては、歪みのペダルは何でもいいよ、とまでは言いませんが、ある程度の物なら「大体一緒」という感覚だったりします。Centaur であろうと、原音を混ぜてヘッドルームを増やす改造をしてバッファを Centaur の物にした OD-880 も、自分の中では「大体一緒」です。

もっとも、自分が歪みペダルにそんなに情熱を傾けられなくなったのは、己の凡庸さと向き合えるようになった、というだけでもないのかもしれません。やはりギターのお友達の思い入れの先が、自分の見ているものとはだいぶ違うのも、あった気はします。

ギター小僧の世界では、80年代の巨大なラックシステムの一大トレンドが廃れた90年代半ば、突如としてスモールアンプにプリアンプ的な役割の歪みペダル的なトレンドが押し寄せたと思います。Fulltone、Landgraff、Crowther Audio、Klon などの当時の新興勢力ペダルの作る音は、90年代に立ち上がった、70s や 80s のロックとは全く軸の異なる新たなジャンルのギター・トーンの担い手として、ギタリストたちに大いに歓迎されたでしょう。

俺たちが新しい地平を見届けるのだ、という当時のギタリストたちの野望の一方、何故か90年代のギターアンプは妙にふん詰まった感じだったり、ジャリっと言わない篭った音だったりの物が多く、ギタリストたちの間ではギターアンプの音を補強できるプリアンプ・ブースター的なペダルの需要も、かなりあったと言えます。

例えば Hot Cake などは、そのオルタナ・ロック的な新興勢力としてのトーン・キャラクターを作れること、物足りない音のギターアンプの補強用途として、かなり普及していたと思います。ギターソロを弾かないラウドなギターバンドやコードの響きをバンドの中で立たせたい的な所で、Hot Cake は輝いていたでしょう。

そんなプリアンプ・ブースター的な需要の中、ゲルマニウムトランジスタのファズ、というのも、一つのペダルブースター的な選択肢として浮かび上がってきます。当時の60年代サイケデリックのリバイバル的な流れもあり、やがてファズはゲルマでなければ偽物！というような状況も、一部で生まれていた感じでしたでしょうか。ただ、そのゲルマ信仰的に支持されるペダルなんかを実際に試してみると、何がゲルマなのか分かりません・・というような音が鳴っているという。

そのペダルに、ブチブチノイズの乗った不安定な動作を使いこなしていく 60s~70s 的なスタイルを期待すると、これ別にシリコンでも良くね？と感じてしまう程度には、自分はその頃既にギターに関しては冷めていたのかもしれません。この謎のゲルマ信仰に盛り上がるギターマニア界隈に付いていくのが、自分はしんどくなっていたのだと思います。

そんな折、VOX AC30 の設計で有名な Dick Denney が製作した Colorsound Tone Bender が登場します。世界中の小僧が「ファズはゲルマ！ゲルマ！」と目尻を釣り上げまくっていたそのタイミングで、わざわざオペアンプ/IC回路の Tone Bender を出してきたのです。しかも見た目はまんま、70s MK III そのもので。

Denney は、「回路の正統性」より実際の「音の振る舞い方」を重視するエンジニアとしても知られています。その Denney が、あえて「偽物だ！」と言われるに決まっているシリコンですらもない、オペアンプの Tone Bender を作ったのは、これは彼なりのメッセージなのだと、自分は受け止めたのでしょう。ゲルマ、ゲルマと喧しい、その同調圧力にうんざりしていた自分は、このオペアンプ Tone Bender を、吸い寄せられるように買ってしまうのでした。

買った当時のオペアンプ Tone Bender は、確かに音は硬かったと思います。トーンを開けばチリチリ言い過ぎな音になってしまい、絞れば倍音感の薄い音になってしまい、即、良い音とは言えませんでした。ただ、自分はこれなら「馴染んだら使えるのでは？」と思って買ったのを、今でも覚えています。当時から、これは Tone Bender としての音の振る舞い方をしている、と自分は思っていたのです。

Random Source（R*S）の 4U 規格の方の Serge の使い方的な情報などを少し書くと、やはり電源の知識はあった方が良いかもしれません。というのも、2023年以降に発表されたモジュールには電気を沢山食うモジュールがチラホラ混じっていますので、モジュールの数が増えていくと、今 R*S 社としての標準電源という位置付けの R*S PS-M（Mobile）では、容量不足を起こしてしまいます。

容量不足を解消する方法として、今一般的なのが Konstant Lab 社で作っている QUADER を使用することだと思われます。自分も、R*S のモジュールを 3tile にして、PS-M でそのまま使用していた所、PS-M の異常な発熱に気が付いたのと、グランドから別のモジュールのクロストーク信号がかなり大きな音量で聞こえてくるようになってきたところで、QUADER を導入しました。そして、容量不足の問題もクロストークの問題も、全て綺麗さっぱり解決しました。

音の風合い的なことを言えば、QUADER は綺麗になり過ぎると言われています。もしかしたら R*S では意図的に微弱なクロストークが聞こえるように電源を作っているのかもしれません。その微妙な干渉が音に風味をもたらす、ということはあるのかもしれません。確かに R*S 純正の方が ”小回り” の効く音（ノッソリ動く感じではない）でもあると思います。ただ、QUADER が R*S の表現力を損なっていると言えるものは何一つないと思います。

音作りに関する話とすれば、モジュラーシンセは環境の要因も多いので一概には言えない話になるのですが、システム全体の電源に余裕がある前提で、個人的にはフィルターや EQ のモジュールに音声信号を入れる量は、控え目の所に美味しい所があると思っています。ここは今のシンセ全般が苦手にしていることだとは思いますが、R*S も歪み成分の倍音的な音が総じて出過ぎる傾向にあります。なので、歪み成分の量を減らすことで、音の柔らかさを演出する的な事が頭に入っていると、音作りにも幅が出る気はします。その倍音成分が出過ぎ由来の音の飽和感が、音を重ねた時の3D感やレンジの広さを損ねるケースもありますので、特に VCF への入力ゲインは50%くらいから探すのがお勧めです。

4U 規格の R*S に興味はあるけど、最初何を買ったら良いか分からないという人は、R*S にはいくつかのモジュールを 4U サイズの一枚のパネルにまとめたシリーズがありますので、それから買うと、失敗しても傷は極小で済みます。自分は Crocodile から始めましたが、2022年当時はパネル・シリーズのライナップに今ほど種類がなく、Crocodile くらいしか選択肢がなかったのです。今は選択肢がありますので、選びやすいと思います。真っ新の Serge 初心者には LA BESTIA III をお勧めしときます。ゆくゆくは拡張する気満々の方なら、相変わらず Crocodile がお勧めです。

なお、同じ Serge を始めるでもやっぱりモジュラー仲間が欲しい、というのであれば Loudest Warning（LW）という小さな個人工房が英国にありますので、ここで自分が何がやりたいかを相談してモジュールを組んでもらうのも、一つの手です。LW には R*S とは真逆と言える方向性があるのです。単純に、インターネット集合知的な価値観が合う人たちに人気がある、と書くと分かりやすでしょうか。モジュラーシンセのコミュニティーには、その集合知にある種の敷居の高さを設けて楽しむセンスがあると言いますか。海外の個人工房ですからサポート的な対応は限られますが、そこが自己対応できる人なら問題なく使えるはずです。

モジュラーシンセは全般に、モジュラーの中で音の世界を完結させようとする引力が音に宿る傾向がありますが、R*S は他のモジュラーシンセと比べると、圧倒的に外の世界に接続していく系の音を鳴らせると思います。それは Tcherepnin 氏のモジュラーシンセの普及が当初の目的にあったことと、一つのフォーマットに留まることより別のフォーマットと接続することを「ゴール」とする設計に由来した副産物なのかもしれません。例えばモジュラーシンセを普通の DTM に接続させるなら、R*S ならそこと接続しやすい音を、割とすぐに見つけられるでしょう。

先日、お亡くなりになられたモーリー・ロバートソン氏は Serge 研究者としても有名でしたが、氏は R*S のユーロラックの方をライブで愛用されておられたようです。Tcherepnin 氏が R*S に合流することが発表された際、公式から出された Tcherepnin 氏のコメントを見ても、モーリー氏は Tcherepnin 氏の思想を尊重、継承されていたことが伺えます。4U 規格は Tcherepnin 氏のオリジナル、拡張ユニットとしてユーロラックの R*S という組み合わせは、Tcherepnin 氏の思想そのものの、正統な Serge の使い方になるでしょうね。

フォーマットの固定化は、一般社会の中では手順、数値の固定化という形にやがて変容していくでしょう。フォーマットを固定しない、即ち手順も数値も固定化されず正解もない、という状態が標準として設計されている純モジュラーシンセは、一般にはあまり理解されないというのはあると思います。一方で、この AI の時代に固定化された手順、数値を人力でひたすら追いかけているのもどうなのか、という話もありそうですけども。

自分は音楽の作り方として、街が持っているエネルギーを音に変換するやり方でやっていますので、仕事であれ遊びであれ、いく先々の街のエネルギーのようなものをいつも気にするようにしていると思います。住む場所なども含め、街の持っているエネルギーの種類などを自分なりに分類しながら、色々考えたりするのは好きですね。なので、自分は東京のあちこちを散歩して回ったりしている方だと思いますが、コロナ以降、どうも東京を散歩していてもワクワクする感覚にならないのでした。介護で心が疲れてしまったのか・・と思ったりもしましたが、新しい機材を買うと普通に楽しいですし、機材動画を掘ってるのも楽しいので、おそらくそういうことではなさそうです。

そう言えばコロナの後、社会は大きく変わったんだよな・・という事は思ったりします。例えば新橋、八重洲の辺りは、2022年くらいまでなら、昼休みの空気は平成初期の、自分らの世代が社会で働き始めた頃の、あの独特の東京の空気をそのまま街が纏っていたと思うのです。あそこに行けば自分の新社会人の気分が蘇ったりして、それなりにワクワクした気分になれたものです。しかし、2024年頃になると、あの東京の中央を象徴した街の気配はすっかり消え失せており、そこはワクワクも何もない普通の繁華街になっているのでした。

やはりリモート・ワークの普及は大きかったのではないかという気がします。2022年頃までは、新橋も八重洲も日常労働の集積地としての価値が、あの街の空気を作っていたのだろうと。あの平成初期に戻ったような空気は制度が作った風景だったのだということを、今更気がついた感じになったかもしれません。給料の高い人も、給料の低い人も、一緒に毎日通う。その人たちが分け隔てなく同時に昼休みを取る、そして分け隔てなく会社に長時間拘束される。そういう前提で成立していた丸の内的な昼文化は、コロナの後、その雇用制度ごと消えてしまったのでした。そしてその結果、街はただの消費の箱になってしまうのでした。

八重洲、新橋に限らず、東京はどこもかしこもそういう、ただの消費の箱になってしまった印象があります。銀座は豊洲のマンション群の、住宅ローンでかつかつの生活を強いられた人たちの為の安売り量販店の街として、中身はまるで立川のようにもなってしまいましたし、池袋も含め、色んな所が一様に普通の地方都市と変わらない空気になってしまいました。2019年が東京の街それぞれに役割があり、それぞれの特徴的なエネルギーがあり、それが東京という一つの大きな公共を形成していた最後の時代だったのかな・・という事を考えてしまいますね。2025年の東京は、それぞれのエリアでバラバラに就労、生活、娯楽が近隣で完結し、都心へ出る理由のない人々が、もはや地理的に東京圏にいるだけの状態になっていると言えるのかもしれません。

ただ、考えてみれば、そういった「大きな公共」が消滅したというのは東京だけの話でもなく、今東京で起きていることは、実は欧州や北米ではすでに起こっていたのだろうと、自分は後から思ったかもしれません。例えば欧州ではグローバル化やIT化、そして移民による多文化化が進んだことで、もっと早い段階で「労働の同時性」や「生活習慣」がバラバラになっていたような気もします。人々が階層ごとに分断され、それぞれ別の現実を生きるようになり、「公共」という言葉は残っていても、それが一体誰のものなのか、誰と共有しているものなのかが分からない状態が、この10数年の欧州の歩んだ道ではなかったか、とも思うのです。

2000年代後半までの世界では、EU統合のようなグローバリズムの完成形が見え始め、多文化主義・リベラル価値の制度化をどう正当化できるかで夢を語っていたと思うのです。それが2020年代に入ると、どうやらその頃に正当化された理想の理念で公共は保てない、という結果が待ち受けていたのでした。欧州や北米が2000年代に夢の実現に邁進した結果、「大きな公共」はすっかり壊れてしまったのです。

東京は、終身雇用や年功序列が崩壊したと言いつつも、なんのかんので「毎朝同じ時間に電車に乗り、同じ時間に昼を食べる」という強力な生活習慣が維持されたおかげで、世界から見れば特異なほど長く、「大きな公共」を保ち続けてこれたのだと思います。例えば新橋や八重洲といった街は、その「同じ時間を生きる」という幻想にも似た一体感を可視化する形で、そこに存在していたのだと思います。

それが、東京でもついに崩れてしまいました。リモワへの転換は大きかったのでは？と先に書きましたが、その中身は業務の効率云々よりも実は不動産価格の高騰がかなり大きいと思われ、結局、今の世界を回している経済も含めた社会構造では、もう今まであった形での大きな公共は維持できない、ということなのかもしれません。そういう意味では、人類はもう大きな公共を必要としていない、ということなのかもしれないのですよね。

西海岸スタイルのシンセの老舗の一つである Serge は、今はドイツの Random*Source (R*S) というメーカーが Serge 本人、Serge Tcherepnin 氏を開発責任者として自社に招き、氏の設計、監修の元に、現代版 Serge を同社で製造、販売しています。自分もお世話になっていますが、同社の体制は、現代の楽器メーカーとして十分に整っており、もちろん問題があれば丁寧なサポートをちゃんと受けられますし、企業として非常に健全に運営されています（2025年現在）。

ただ、この R*S の Serge は、人気があるのは専らユーロラックの方のようで、本家 4U 規格の方はあまり人気がなさそうというのを、ちょっと感じてはいます。YouTube で検索をかけてみても、4U 規格の Serge の動画を上ている人は基本的に " R*S 以前" から Serge に接してきた人たちが殆どで、R*S での新規参入組は、始めたとして、数ヶ月でその活動を辞めてしまうケースがとても多い気がします。また、海外のモジュラーシンセの掲示板を覗いてみても、R*S の4U規格に対するヘイトに近い書き込みも散見されるでしょうか。

色々調べて行くと、オリジナルの70年代 Serge はシンセには違いないものの、基本的には実験用の機材の性格が強く、楽器として安定して使える物ではないようです。それを、DIY 好きな人たちが現存している物を集め、知恵を出し合って何とか使えるようにする、という文脈で愛好者が集まってきたのが、今の Serge コミュニティーの元になっているようです。もちろん、オリジナルの Serge も、80年代に製造された第3-4世代になると、初期 Paperface 期の頃にあった不安定で使いづらい要素はかなり改善されていたらしいのですが、それでも Serge が商業的には成功せず、社会的には幻のシンセという物になってしまった事が、むしろ愛好家の間である種のドグマを醸造していく土壌を産んだ、という背景はありそうです。

80年代後半になると Serge は音楽産業のデジタル化の大きな流れの中で事業として継続が困難になるのですが、Tcherepnin 氏は事業をたたむことにして、当時アシスタントだった Rex Probe 氏に商標権とデザインを譲渡し、Probe 氏が Sound Transform Systems（STS）という小さな工房で細々と Serge をアップデートしながら Serge を続けたのです。そこで、STS は店舗を持たず、正式な窓口もネット上に作られることもなかったという辺りで、決定的に Serge がドグマ化された、と言って良いのかもしれません。

from "JonDent - Exploring Electronic Music"

STS が創業した90年代初頭は怒涛の80年代が終わった直後の時代で、それは人々の営みを設計していた社会の軸が、70年代から大きく移動した結果を目の当たりにした時代でした。大きかったのは産業資本主義から金融資本主義への転換だと思いますし、それはレバレッジという虚構を正当化するロジックを普及させた大元でもあります。もちろん、レバレッジという虚構をあくまでもそれは虚構でしょ、それに本物の価値なんてないでしょ、とその制度に拒否感を示す人が一定数いたのは周知の事実。

つまり、シンセ好きの人たちで、この虚構の世界に拒否感を持つタイプの人たちが、時代の商売作法を無視した STS の活動に、ある種の強い共感を持ってその活動を支えたであろう、そのエネルギーは想像に難くないと思うのです。この STS 期の Serge は、正当なオリジナル Serge の継承として、今でも Serge 愛好家、若しくは DIY 愛好家の間で、大変珍重されています。今、YouTube で4Uの Serge の動画をアップしているコミュニティは、基本この Rex Probe 氏の STS の物か、 Tcherepnin 氏が事業を畳む以前の本家 Serge のモジュールありきの活動と言えるのかもしれません。

さて、この文脈で R*S の4U版 Serge です。動作が極めて安定し、ノイズもクロストークも現代のシンセ並に静か、そして誰でも簡単に手に入ることを実現した R*S の4U版 Serge は、Tcherepnin 氏本人も「今のR*Sこそが私が本当に作りたかった Serge だ」と評するまでの、相当レベルの高い物になっていると言えると思うのです。ただ、古くからの Serge 愛好家たちにとって、この現代社会に見事なまでに適応して見せた R*S は、やはり「俺たちの Serge ではない」ということになってしまうようです。

自分もレバレッジ的な評価軸が社会に普及する前の時代に人格形成をし、あの時代に社会が夢見たものを肉眼で捉えていますし、またその後の金融資本主義という時代の大波に翻弄された当事者でもありますので、この古くからの Serge コミュニティーを形成した人たちの気持ちは、むしろ分かり過ぎるくらいに分かっていると思います。

高市総理大臣が就任後、公約通りの積極財政を展開してしまいましたので、円安が止まらなくなってしまいました。この円安は、そもそもリーマンショックの時にそこそこ財政出動をやっているのに、そこから更にリフレ派のしょーもないバズーカ砲を10年続けた時点で、日本のトップの判断の質の低さが、どーしようもないレベルに到達してしまったというお話ではあります。財政出動そのものが悪いとは言いませんけど、タイミングを完全に逸したのですから、今更こんなナンピン買いみたいなことで世界の人たちを誤魔化せる訳もなく。

人気取りの財政出動をやって国内支持が盤石になった所で総選挙、親中派を国会から排除し、台湾有事に備える、という意味なら、まあまあ筋の通った政権運営ではありますけども、果たしてどうなりますか。

日本は茹でガエルになっているっ！的なお話をそこかしこで見聞きしますが、これが「終わりなき日常」を営むイザナギ・イザナミの頃から延々と「崩してはならぬ」という断固とした大和魂の真骨頂とも言える文化なので、おそらく茹で上がる前に西洋の方が先に崩れて日本はなんとか生き残る的な、そういう結末もあり得そうと言いますか、個人的には野となれ山となれ、くらいの気分です。だって太平洋戦争で、日本国中焼け野原にされて、しかも米国に国民国家の根幹たる徴税制度まで変えさせられ、それでも「リセットしませんっ」と崩させなかった文化なのですから。こんな通貨戦争程度では何も崩さないと思いますね。

この文化的背景があっての高市政権のこの脅威的な支持率なのでしょうし、円安インフレ何するものぞ！という、これは日本国民の総意なのでしょう。皆さん、このインフレを欲しがりません勝つまでは的に、耐え抜く気満々なのです（日本の人たちが何を優先しているか、を読み解く限りは）。

という訳で、機材の購入はここらで一区切りです。ゲーム終了です。自分はハードで身を固めてやることにしていますので、この影響が大きく出ます。もう必要だからと言ってハードの機材を買える時代は終わりました。おりしも、世間の DTM の主な購買は AI ソフトや AI サブスクになっていくフェーズに突入した感もあり、それは一つ時代の終わりを象徴しているかのようでもあります。

2023年の夏にこの状況に気がつけて、そこからスパートをかけて、ハードで最低限を一通り揃えられたのは良かったです。あそこでぼーっとしていたら、今頃、妥協の量が3倍くらいに膨れ上がった制作を余儀なくされていたか、AI 勝負をするしかなかったと思います。2025年にハード全般はもう完全にインフレ価格になっていましたが、状況は更に酷くなるという見通しで自分は2025年も怯まず、可能な限り弾を撃ち続けました。去年、LA-3A は、本当に買っておいて良かったですね。もう、あの値段で買えることはなさそうです。

ハードの機材で、できれば買っておきたかったな・・と思っている物を挙げると、

【ヴィンテージの Serge】：ついこの前まで、今使っている R*S はヴィンテージ Serge と別の音だろ、と思っていたのが、ある日突然ヴィンテージ Serge と R*S の音が同一線上の音に聞こえ出し、こうなるとヴィンテージのニュアンスも欲しくなってきてしまうのでした。Serge、やっぱり好きですね。

【Lexicon model93】：70年代後半の 12bit デジタルの音は、無条件に反応してしまう音なのです。これこそ自分の人格形成期の音です。自分にとっては、生まれたばかりのヒヨコが最初に見たものを親と思う、の法則そのものです。

【Neve 1272 のレプリカ】：持っているプリアンプがヴィンテージの物しかないので、今のプリアンプも1台欲しいのです。自分が作る音楽がダンス系ではないので、そういう意味で Neve です。ある種の踊れるリズム、グルーヴという目的が明確にあるなら、自分は API を選ぶと思います。

【Altec 436】：ヴィンテージのコンプは、もう一台欲しかったですね。ヴィンテージの LA-3A を買って分かったのですが、ヴィンテージ物はやっぱり倍音の乗り方が違いました。買うならアタックの遅い系が欲しいです。

今年のお正月は基本、休養に充てました。日向ぼっこをメインに、メラトニン生成に勤しみましたよ。自宅近くの公園で、手のひらを太陽にすかしてはみませんけども、太陽に向けてぼんやりする感じです。心が疲れているサインというのは自分では何も分からないので、自分が本当に疲れているのかただの怠惰なのか、とりあえず安全弁を絞めてみました。

そして、ちゃんとした栄養をちゃんと食べてちゃんと寝て、という。まあまあ良い感じだと思います。

音楽は、少しやりました。実は、ヘッドホンを長年 Sony のを使っていましたが、ゼンハイの HD600 に、今更鞍替えしたので、そこら辺、自分も含めて慣らし運転をやりました。もうスピーカーで音楽を聞く人は世界にいないらしいので、いよいよ自分もヘッドホンミックスに移行することにしました。ATC で音像の作り込みをやって、その作り込んだ音像の微調整と、音量バランスやフェーダー書きは HD600 で作っていくようにしようかと。もっと早く移行するべきでしたが、介護介護で3年遅れた感じになりました。まあ、やっと時代に合わせられるようになりました。

ギターの方も、ちょっと弾けました。また YouTube のコピーです。レパートリーがちょっとずつ増えているのが楽しいですね。去年、作りかけたギターを弾く身体が、途中で頓挫してしまった形にはなったのですが、そこでギターを弾いた分、ゼロから身体を作らねば・・という感じでもなさそうなのが、救いです。

ギターは、長年メンテをお願いしていた旧友が病気になってしまい、もうメンテのできない状態になってしまいましたので、去年から高円寺の古いギターが得意な人のところで諸々メンテナンスをして貰っています。千代田区、神田にも、昔からの知り合いがいるのですが、その人はもう出世していますので、細々した事をお願いするのを遠慮しています。「遊び来てよ〜！」とは、言ってはくれてますが、まあ、そこは大人の嗜みと言いますか、向こうが暇そうな時にお茶飲みに行く程度にしていおくのが、お作法というものでしょう。

シンセは、オデッセイを触りました。新年一発目はオデッセイでした。あと、SERGE がちょっと一段理解が進んだ感じになって、これまた楽しくなってきました。もう 2 tile 増やしたくなりますが、この円安なのでジッと手を見ています。チャンスが来たら、増やしたいです。中国の台湾侵攻は、来年以降にどうやらあると思って間違いなさそうなので、今年中には増やしておきたい気もしていますが、でもプリアンプも増やしたいのですよね・・。

今年も終わりました。今年は、去年までのように介護で時間を持っていかれた訳ではありませんでしたが、父が看取りでも何でもない状態なのに、医者に勝手に看取りを誘導されたことが4月の時点で発覚してしまい、そこから音楽どころではなくなってしまいました。大袈裟な話で申し訳ないですが、言えば日本の医療制度と戦うも同然の感じになってしまったという。どんなに酷い医者がいても、制度は医者を処罰しない仕組みを作り上げてしまっているので、これは抵抗しておくしかないだろうね、という話になるしかなかったのです。

ご存じの方は多いと思いますが、日本の医療裁判は、それはそれは門扉の狭い狭い裁判なのです。基本的に患者側は圧倒的に不利な状況でやるしかなかったりします。加えて父は94歳という年齢もあり、どんなにこちらが医者の恣意的な看取りの誘導を主張しようが、医療側から「たとえ適切な処置をしていたとしても、年齢を考えれば、手術の負担に耐えられず、いずれにせよ同じ結果（感染症、死亡）になっていた可能性が高い」と反論されてしまうのです。そして、その反証を提示することはほぼ不可能と言われています。医者の側も、それを十分に分かって看取りの恣意的な誘導を、現状フリーパスで行っていると、言えたりはするでしょうね。

色々な人にこの話をしても「それで裁判やるの？意味ないよ」という反応しか返ってきませんので、そうなんだろうな・・とは自分も最初は思っていました。ただ、ウチのケースでは明らかな標準医療からの逸脱になる処置の放置、担当医から挑発されたも同然の行為を受けましたので、そうなればこちらも僅かな可能性を探してでも対抗しますね、という形になるしかありませんでした。

そこからは、父の看病と並行して、医療訴訟のやり方をかなり調べて、父のケースではどう戦うのが良いのかを判断していくという、中々ハードな毎日でした。結果とするなら、父は術後の恣意的な治療の放棄に由来した合併症から回復できず、半年後、無念の最後になってしまいました。我々はセカンド・オピニオンを得る為に父を別の病院に転院させ、そこで看取りの誘導への証拠になり得るデータを抑え、半年間の看病の部分でも家族としてはやれる事は全てやれたと思うので、そこへの後悔はありません。

父の転院した先は東京の外の病院でしたので、半年間23区内から毎週近隣の県へ通うという、かなりの負担でしたが、やらないと後悔しますからちゃんとやりましたし、最後やり切った感じで終われましたので、良かったですよ。

弁護士を探すのが、これまた門前払いが殆どでしたけども、最終的には「いくら高齢者でもこれはないですね」ということで、調査を引き受けてくれる弁護士が見つかり、こちらの主張骨子もかなり入念に調べて作成して提出し、後はその法的妥当性の検証結果を待つだけです。調査をしてくれる弁護士が見つかるまで、かなりの医療専門を謳う弁護士と接見しましたが、弁護士の人たちがこんなにも世間ズレをされた方々というのは、こちらからコンタクトをとってみるまで、全く分かりませんでした。言いたいことは山ほどありますが、ここでは一点だけ書いておきます。

弁護士という人たちは、起きた出来事から法的な根拠を手繰り寄せるストーリーの発掘を、極めて苦手にしておられます。医療専門という看板を掲げる弁護士に医療訴訟の相談をすると、彼らは起きてる事象の一つ一つを検証することなく、記号性のみを根拠にした流れ作業で全てを済ませようとします。「医療専門」という看板は、相談された事例に例外的な事件が起きているかどうかの検証をし、それぞれに適用できる法的根拠を揃えましょう、という意味では全くありません。あの看板は医療裁判におけるパターン化された流れ作業の専門家です、という意味に過ぎないのでした。ですから高齢患者の医療行為において、例外的な事例に遭遇した場合、依頼者の方で法的根拠に基づく物語を手繰り寄せるしか、戦う方法がないのです。医療裁判は原告側が圧倒的に不利である、と良く言われますが、弁護士がこの体たらくであることがその原因の一つになっているのは、もはや疑いようはなさそうです。

大多数の弁護士が事務処理能力に長けているだけの能力でしかないことが判明した以上、ここは自分が頑張るしかないというのが分かったので、仕方なく頑張りました。8月以降はこの法的根拠を手繰り寄せる作業と、近隣の県への病院通いで忙殺されましたよ。実に疲れましたし、12月に入ってからは、流石に精神的に余力がなくなるサインが身体から出るようになり、仕事以外は完全休養に当てることにしています。

そんな中で、音楽への気持ちを切らさないこともやっておきたかったので、機材のお買い物で、モチベーションを保ちました。まあ、正直、上手な買い物ではない買い物もしてしまった訳ですが、いつものようにじっくり考えて買うという事ができませんでしたね。思いつきで買ってしまった物も、今年はチラホラありましたね。でも、仕方ないです。

さて、Suno v5 です。この驚異のプログラムが発表されてしばらく経ちましたが、一通り世の中での使われ方も出揃いざっと見た感じ、これは誰でも作曲ができる才能格差是正の魔法の杖のフリをしてその実、才能格差を助長するだけの悪魔のツールと言うしかなさそう、というのが正直な自分の印象です。Suno に限らず全ての生成AIに共通して言えることではあるのですが、結局生成AIは、凡庸なプロンプトを入力してしまえば凡庸な出力しかしてこない、と言うしかないと思うのです。つまり、生成AIから非凡な出力を出してくる人は、プロンプトが非凡なのです。この非凡なプロンプトをどう思い付くか、という発想の部分をAIは一切手助けしてくれないという所で、発想がない人がどんなにAIを活用しようが、その人は凡庸のままというのが、生成AIの本質なのでした。

才能のある人しか非凡な出力を得られない、となると、才能ある人はAIを利用することでどんどん非凡なアイディアを得て、更なるレベルの作品をガンガン世に繰り出してくる一方、凡庸の人は益々凡庸のままという、まあまあデストピアな社会の到来です的な話ではあります。

話がこれで終わるならまだマシな方で、それで終わらないのがこの生成 AI の怖い所ではあります。生成 AI で何が一番変わるかと言われたら、非凡な人が組織を必要としなくなる、という所にあるのではないでしょうか。20世紀までは、非凡な人たちは自身の力を発揮する為に、組織を必要としたでしょう。広告・資本・労働力を、組織に所属することでしか利用できなかったからです。非凡な人が組織の中で自分を活かす術を体得していくことが自身の生存に直結していたので、その非凡な人の組織適応をもって組織もパフォーマンスを出せていた、という構図が成立したのが、20世紀までの産業構造だったでしょう。ところが生成 AI の登場により、非凡な人が全てを一人で生成 AI から出力できてしまうと、ここで何が起こるでしょうか？

才能のある人にとって、チームで動く際に一番手枷足枷になるのは、凡庸な人の面子を立てることではあるでしょう。凡庸な人が「アナタは凡庸」と言われて自分の意見を聞き入れて貰えないのは筆舌に尽くし難い屈辱なのは、これはそうなのですから、才能のある人は凡庸な意見を組織内のパワーバランスを考えて、忖度しながら自分の意見を引っ込める、と。ただ、その「和」の維持に必要な行為の副作用として、制作物のクオリティーが犠牲になるというのが、チーム制作の一番のリスクである、というのは広く語られていると思います。でも、非凡な人にとってのその決定的な手枷足枷は、これから AI を使うことで綺麗さっぱりなくする環境にできてしまうのです。結果として、非凡な人が組織から一切いなくなってしまい、組織はやがて以前のような成果を出せなくなっていくと思われるのです。

例えば、今の生成 AI でグラビアの女の子を生成している AI 作家さんたちがかなりの収益を上げられる環境が出来上がってしまった以上、これはもう音楽の偶像ビジネスがそっちにかなりの量を持っていかれるというのは、もう避けられない気がするのです。オタクの人たちのとって、偶像が生身の人間である必要は全くない、というのはボーカロイドでとっくに証明されていますので、オタクが食い付くキャラなり仕草なりのパターンを大量に理解して、それをタイプ毎に選り分けられる天才が個人で偶像ビジネスを一人で切り盛りし始めたら、まあ、ちょっとやそこらの芸能プロダクションが太刀打ちできる物は、おそらく何もなくなってしまう気はします。かつて、小室哲哉氏が90年代の、あれだけのヒット曲をほぼ一人で切り盛りし、ハチ（米津玄師）がボカロの世界で全てを一人で作った状況がありましたが、それでもあの時代は最後の社会にアクセスする過程で、どうしても組織の介入が必要でした。しかし、もうそれが完全に必要なくなってしまったように思うのです。

この状況をもう一歩先で考えてみますと、これは “良いメロ” と呼ばれる曲や “良いトラック” 的なものが無限に生成可能になった以上、凡庸な人たちが無制限に “良いメロ” を出力してくる世界が始まる、ということでもあります。そうなると “曲がいい” という理由ではもうお金が払われなくなる環境が、いよいよ本格化するという事なのです。つまり、これは曲の希少性が 0 に近づく、ということでもあります。これは「曲だけで売る」というモデルの崩壊なのです。なので、音楽全般が人格の価値でしか差別化できなくなってしまう、ということなのです。

ここが一番の脅威だと思います。元々、演奏家、下請けビジネスやJPOP的な市場は人格でしか商品を差別化できない状況が既にありましたけども、それが音楽全てに波及していく、という感じにならざる得ないと思うのです。つまり、容姿に恵まれない、可愛がられるキャラもない、若さもない、ひたすら音楽だけは素晴らしいものを作る的な人が、今までのやり方で音楽を続けても、いよいよ音楽での居場所はなくなってしまう流れが起きてしまっている気がするのです。益々、音楽以外の可愛がれキャラも含めて持って生まれた「非凡の人」が絶対有利な世界が展開していくしかないのではないでしょうか。

前回の記事をアップした後に、何故か記事を書くときに検索しても出てこなかった写真が沢山出てくるという・・。それを片っ端から見ていると、どうも前回の記事は資料が足りていなかったので、記事を書き直すより、別途 Urei LA-3A のトランスの種類を時系列的に列挙しておくことにしました。尚、写真はネットからの拾い物です。

【 input トランス】

最初期の物はどうやらUTC 製で間違いなさそうですが、何せ O-17 というシールド缶に入っていますので、トランスの型番が分かりません。おそらく O-2 を使っているのではないかと予想しておきます。O-2 は真空管回路向けのトランスらしいので、トランジスタ回路には向いていないということで、直ぐに別スペックのトランスに切り替わったのでは？という勝手な憶測で。ちなみに、以降のモデルとでは上下が逆さまに取り付けられています。

発売年の翌年の70年には SMI というメーカーの物に切り替わっています。ここから、おそらく Urei が仕様を決めて生産だけを SMI に発注して供給されたトランスと思われ、トランスの型番が B11175 という、Urei が決めたと思われる型番が付けられています。

その後に BPMC という現在の Bourns Inc. の一部門に生産が引き継がれています。型番はB11178B になっています。年代的には72年〜73年くらいからではないでしょうか。その後、おそらく生産終了の81年まで、ずっと BPMC 製だと思われます。

【 output トランス】

input トランスに UTC の物が搭載されている時期の output トランスは SMI というメーカーの物が搭載されていますので、これが最初期の output トランスではないかと思われます。型番は B11148 で、1176 rev.F と同じ仕様ということになります。

その次にフレームが黒色に塗装された物が搭載されるのですが、このメーカーは謎です。謎なのはメーカーだけでなく、時系列的にも謎ではあります。こっちの方が最初期の物かもしれませんし、或いはオリジナルではない可能性もあります。コイルの巻かれ方が SMI ぽいですが、SMI じゃない気もします。

その次がこのバージョンなのですが、これも全く謎ですね。

その次のバージョンもメーカーが分かりません。BPMC なのか SMI なのか、憶測の資料しかみつけられませんでした。自分が買ったのがこのバージョンです。VintagenKing Audio の LA-3A の解説ブログで使われている写真のトランスも、このバージョンの物です。

その次のが、ebay なんかでトランス単品で良く見かける BPMC の表記があるバージョンのです。74年の中頃からこれに変わっています。これは最初の頃は刻印がプレスされていたのですが、年月を経ると印刷になってしまい、音には関係ないでしょ、と言われても寂しい気分になりませんかね。

【 電源 トランス】

どうやら一番最初の電源トランスは真鍮色のカバーをつけられた SMI 製の物のようです。UREI の印字がありますので、Urei が指定した仕様の物を SMI が納品したのだと思います。型番が B11147 で、これは81年にディスコンになるまで変わらず。電源トランスが音にどんな影響があるのかは、さっぱり分かりません。

その次に、シルバーのカバーと黒色に塗装されたフレームを持つ物が取り付けられるようになっています。どこ製かは全く謎。音への影響はもっと謎。

次が、おそらく全部シルバーのカバーの付いた物。間にもう一つ全部黒色塗装のカバーの物が入る可能性もあるのですが、若いシリアルに後年の電源トランスを後から取り付けた、後から塗装し直した、などの疑いが晴れず、それらは今回のまとめではナシに。自分が買ったのもこのバージョンです。

おそらく74年の途中から、このリード線が太くなるトランスに変更されています。全面黒色塗装です。これ以降は全部これだと思われます。

これはデートが78年なので、後期の物はこれなのだと思います。中身は75年の物と一緒なのではないでしょうかね。

【 opto トランス】

これは、全く分かりません。刻印も何も写真には写っていないのです。74年〜75年の一時期だけフレームに黒色の塗装が施された物があるというだけで、外見からバージョンの違いを特定することはできませんでした。

最後に、Vintage King Audio の販売ページに商品説明として書かれてある一文を抜粋して掲載しておきます。この一文を「アメリカン」と解釈するか、「まんま」で受け取るかは、その人次第だと思います。個人的には、まんま受け取っても問題ないのではないでしょうかね。

今回 LA3A を買ったのは初めて利用する Reverb ショップだったので、買うにあたってはかなり慎重になりました。自分は初めてのネットショップで、おっ！と思って即ポチ的な買い方はやりません。どんなお店なのか分からなければ、とにかく中の写真をちゃんと見て、ノイズなど発生していないかのメッセージでのやり取りから、あとはスペックやら製造年やらも色々調べました。ですが、ChatGPT も Google Gemini も、こういうデータベース系の事実列挙では殆ど役に立たないのを痛感しますね。対話型の AI は、単語の羅列から推論・関連付け・再構成に強みのあるツールなので、データベース的な使い方ではどうしても力を発揮しません。

仕方なく自分で調べていくと、LA3A に関しては時代ごとに音のキャラクター差があるという話はほとんどなく、1969年から1981年までの間の物なら “大体一緒” という理解で間違ってはいなさそうなのです。1176 のようにシリアルから製造年の特定が可能で、その revision 毎の音の違いに血道を上げる的な物とは、どうやら別のようです。ですが、そういう頭で Reverb に出品されている LA3A の写真を見ていても、やはり76年以降の物からオーラのようなものを感じません〜、などと思ってしまうのです。自分は相当何かを拗らせているようです。買うならやっぱり70年代初期ですよ、という根拠のない思い込みが強くなっていく自分に、ちょっと呆れてしまうのですけれども。

あまり意味はなさそうと、理屈では分かっていても、それでも LA3A の外観の違いを言えば、Urei のロゴがパネル上部の真ん中にあり、Teletronix 表記のあるものが前期、Urei ロゴが左上に移動して Universal Audio 表記になっているものがそれ以降、という感じ。色々な個体をネットで見ていると、73年までが Teletronix 表記の物で、74年くらいからが Universal Audio 表記になっているぽいです。中身はと言いますと、それですっぱりと分けられる感じでもなく、73年製造のTeletronix 表記の個体に入っている input用、output用、opto cell用のそれぞれのトランスが、74年製造の物にそのままセットで入っていたりしますので、外観やシリアル番号で中身の仕様を判断はできなさそうです。トランスなどは後に交換修理がなされている事もあるでしょうし、交換する際に、わざわざ古い方のトランスを持ってきて付けた、というリペアがされた可能性だってあると思います。そういう意味でも、時期や仕様にこだわるなら外観とシリアル番号だけではなく、中身も確かめてみるしかないでしょうね。もちろん、音質的な部分で得られる物は何もなさそう、という前提で。

電源トランスは Teletronix 期と Universal Audio 期の物で、おそらく分けられる様な気もしますが、それも凡その感じと思われます。ただ、電源トランスは75年以降の黒いカバーの付けられた物は、本体に電源を供給する方のケーブルが、それ以前の物より太いケーブルが出ているのです。74年までの電源トランスから出ているリード線は、細いです。かなり頼りない感じのゲージなので、それがどの程度音に影響するのか色々調べて回ったのですが、これも結局何も見つかりませんでした。LA3A 自体、それ程大きな電気を使う物ではなさそうなので、電源ケーブルのリード線ゲージで音が大きく変わることもないということなのでしょう。

LA3A が製造されていた全期間（リイシューは除く）で input トランスは2種類、output トランスは3種類、opto cell 用も3種類、電源トランスも3種類ある感じです。それでも、それらの違いについて語られているフォーラムや記事を見つけることは、ついにできなかったのでした。なので、おそらく音のキャラクターとしても、それらに大きな違いはないのだと思われます。

ここまで調べておきながら、おそらく input トランスが前期物、output 用、opto cell 用も前期物、電源トランスが中期物、という組み合わせを見て反応してしまうという。そんな写真を見てしまうと、これはきっと70sな音の個体に違いない、という盲目的な思い込みで買ってみたくなる的な、そんな感じは正直ありましたでしょうかね。まあ、気分に支配されているのもいかにも凡人らしく、それが自分なんでしょうと。(と、書いた後から Reverb で SMI 製の UREI 仕様のトランスと、 input トランスに UTC が搭載された本当の初期 LA3A が出品されていたのも見つけ、これが前期物になると思われ、自分の買ったのは73年〜74年の中期仕様の物という事になります)

無事に我が家に到着した後、ヴィンテージ専門業者の所で診てもらって問題ない、とのことでしたので、opto cell だけ新品の物に差し替えて使っています。現状、十分70sなドリーミーな音が鳴っており、大満足なのですが、他と比べてどうなの？と言われてもさっぱり分かりません。YouTube を見ても、ウチにやって来た LA3A と大きく変わらない音が鳴っています。基本、音の違いはセッティングの差と言える範疇だと思われます。

音の感じを調整する所は3箇所で、一つ目は input トランスに入れる信号の量、二つ目はリダクションの量、三つ目がリダクションが効いた後の信号を、output トランスへ送る量です。input トランスへ入れる信号の量は LA3A 本体では決められませんので、ウチの場合、DAW で設定します。output トランスと input トランスの歪み方はそれぞれ別で、そのニュアンスで土臭い雰囲気から都会的な雰囲気まで、かなり良い感じで調整できたりします。そうやって LA3A で乗せた倍音をヴィンテージのスプリングリバーブなんかに送ると、これまたトロけるような70sサウンドが作れたりして、ホント素晴らしいですよ。

今回 LA3A の、おそらく1974年物を買ってしまった訳ですけども。コンプレッサーは 33609 と FET のしか持っていませんでしたので、それではやはり物足りない場面が出てきてしまい、ここで opto 系のコンプを買い足しましょうと。

本当は CL1B を買おうかと音家に行ってみたのです。そしたら CL1B が販売休止になってしまっており、しかもお値段もおおよそ70万円・・。はいはい、今はそういうご時世ですよね、という事で今度は中古を物色してみたら、なんと世界中の機材屋さんから CL1B がなくなっているのでした。おまけに、その中古価格は2010年代の物ですら75万円近辺で取引されているという。これはもうクレージーでしょうという感じで、ならばと WARM AUDIO のクローン機なども音を聞いてみますと、そうですね・・という音。プーチンのせいなのかコロナのせいなのか、ホントいい迷惑ですけれども。

仕方なく別の物を物色する訳ですが、丁度なのかたまたまなのか、ヴィンテージの LA3A がシングルで、時代的にはまあまあ良い系、状態はまずまず、というのが Reverb に出ていたのです。LA3A は70年代当時物でも、中古の CL1B と比べますと全然お買い得のお値段なので、そこで LA3A 良いかもと思い始めるのでした。

LA3A は 76 や LA2A ほど、どの楽曲の何で使われた的な話の出回っていないコンプですから、自分が持っている音のイメージも、予想でしかなかったりします。例えば　Aja のゆったりした曲のゆったりしたコンプの音とか、その昔のスピノザの音とか。あるいは昔、A＆M のスタジオだった頃のヘンソン・スタジオの音とかの音を、何となくこれは LA3A 何だろうな〜、と想像しながら雑誌の写真を見ながら、でも、本当に LA3A が自分が想像している音のする機材なのかは、自分にとっては謎ではありましたね。

なので、今回は「憧れ熱」というよりは「他と比べて安かった」のが、一番の動機になったと思います。CL1B の代りの現行機種のコンプを考えても、例えば LA2A も、お値段的にもうとてもとても、の世界。まあ、自分の世代でギターに掛ける遅いコンプと言えば、それはもう Hotel California の LA2A で FA みたいな所はありますから、LA2A で安心を買う的な選択もなくはないのですけども。

廉価版的な物では、Lindel であれ WARM であれ、そのお値段を払っても良い音には聞こえず、500シリーズの opto コンプもどれも音像の詰まり感が、やっぱり気になってしまいました。なので現行品に80万円を払うか、それより全然安いヴィンテージ LA3A か、の実質二択でした。なら、もうこれはヴィンテージコンプですよと。

コンプに関して自分はそんなに分かっていないのもあって、今までずっと特にヴィンテージでなくても良かったのです。ただ、これは巡り合わせですから、ここで人生初のヴィンテージコンプをお迎えしてみるのも良いと思いました。

その人生初のヴィンテージコンプの音は、最初は自分が鳴らし方をあまり分かっておらず、現行レプリカの 1176 rev F と殆ど一緒のニュアンスの音がするのでした。コンプはそういうものなんですよ、ヴィンテージにこだわらなくても良いんですよ〜、などと思ってみたものの、そこでちょっと考えたら、LA3A には input トランスが 76 同様にちゃんとあるのでした。その input トランスの前には何もなく、DAW からの信号が直接そのトランスに入ってしまうというのを理解した所で、DAW から LA3A に送る信号の量をコンマ 1db 単位で調節するようにしました。そうしたらレプリカではどう逆立ちしても鳴らない音がちゃんと鳴り、もうヴィンテージコンプ優勝〜 ♪ となりましたね。

こうなると、1176 も 33609 もヴィンテージが欲しくなる面も出てくるのですが、一方で良くできたレプリカには別の良さがちゃんとあるというのも、これで凄く良く分かりました。レプリカでも、自分が紐付けたいと思う社会の文脈とちゃんと繋がる音を鳴らせる物があるのです。もちろん、それはヴィンテージとは別の音です。ただ、その音を利用して、ヴィンテージで語れる同じ物語を、別方向からにはなりますが、それを語ることは十分可能だと思うのでした。

（Input トランスのデートが1974年、第14週）

ヴィンテージでないと世界観が作れないというのは、コンプに限って言えば、それはないのかもしれないということを、この LA3A を使って思いました。シンセやプリアンプでは、ヴィンテージでないと作れない世界が確かにあるのですけども。

気づけば、今年もほとんど音楽ができずに過ぎてしまいました。何もしていませんのでブログに書くこともあまりなく、困りましたね。お茶を濁すような内容になってしまいますが、今回は自分が3年以上の期間、介護の知識を応用して身につけた老人の健康法を書いてみることにしました。

自分は趣味レベルですけども、楽器を嗜みますのでやはり腰痛や腱鞘炎には、それなりに悩まされてはおります。ただ、お医者さんに頼る程重症ではありませんから、食事を工夫するとそれなりに症状を緩和できたりしております。

自分の場合は「菓子パンと缶コーヒーをやめた」ことが一番効きましたね。糖分の摂り過ぎは、体内の炎症反応を促進させることもあるらしく、どうも自分はその影響が出る体質みたいです。その代わりに、朝ごはんはオートミールにトマトとチーズをのせてレンジでチンしたものを食べるようにしています。そこにナッツをひとつかみ。そういう習慣に切り替えたら、毎日1時間くらいギターを弾いても、軽いストレッチで乗り切れるようになってきましたね。腰痛も手先の冷えも改善する感じです。

それから「八味丸」という漢方も、近くの医者で処方してもらっています。これも相性がよかったみたいです。やっぱり独学ではなく、きちんとお医者さんに相談して決めたほうが早く自分に合った漢方が見つかりますし、保険がきくものなら費用も意外とリーズナブルなので。ありがたいことです。

整体に通うのも続けています。自分の運動だけではなかなか動かせない身体の奥の筋肉を、プロの手でぐっと動かしてもらうと、血の巡りが良くなるのを実感します。

毎朝のプロテインも習慣になりました。50代にもなると、若い頃のようにタンパク質を吸収できなくなっているんですよね。でもプロテインで補うと少しずつ筋肉が戻ってきて、ギターを弾いたときの音も若い頃の響きに近づくんです。「ギターの音は身体の音」という事を実感します。

もちろん、こういう工夫が効果を発揮する土台は「自炊」です。ブロッコリースプラウトやキムチ、しらす、きのこ類などなど。こういう食材は自炊でしか中々取り入れられません。それで整えられた身体がベースにあっての、「もう一工夫」なのです。最初は大変でも、慣れれば2時間くらいで準備して、食べて、片付けまで終われるようになります。

あと、ヨーグルトにMCTオイルをかけて食べたりもしています。脳に直接エネルギーを届けてくれると言われていて、介護の現場でもよく使われているものです。効果については賛否ありますけど、試してみている分には悪くないかなと。

主食はやっぱり「米派」です。麺より米のほうが頭が冴える気がするので。凡人が頭をぼんやりさせていたら、何も成し遂げられませんからね。

こんなふうに、2年半の在宅介護の中で学んだ知識を、自分の体にも応用してなんとか乗り切ってきました。介護スタッフの方々や訪問診療の先生たちに助けられながら身につけた老人健康法は、おかげで今、こうして音楽を続けられる土台として、大変役に立っております。おまけに、なんと医療裁判まで経験させてもらっていますので、前頭葉もすっかり活発に動いております。

DX7 をエレピ、ブラス、ベースとかじゃなくて、ドローンやパッド系で使おう、となると、もう自家製パッチでやるしかありませんので、ガチの自炊をやるなら外部エディターは必須、という事で Dtronics DT-7 を買った訳です。どうせ買うなら MIDI IN からの直接介入方式の方が操作性で勝るはず、と思って勢いあまってこれにしてしまったのですけども・・。

結論から言えば、初代 DX7 なら、ソフトのエディターを MIDI コントローラーで操作するのでも、あんまり変わらなかったかもしれません。というのも、初代 DX7 は内部の処理能力が大変遅く、DT-7 の摘みを回して音が出てくるまで、そこそこタイムラグがあるのです。初代 DX7 は sys.ex 経由で音を出しながらエディットするのが、そもそもできない作りなのでした（DX7ii の方はできるそうです）。摘みを回して1秒待って、それから音を出して確認するしかないという、何の為の直接介入エディターだったのか的な、そんな感じ。もっとも、ソフトエディターを MIDI コントローラーで操作すると、他にも問題が生じるという事なら DT-7 で良かった〜、という話になりますが、まあ、そこはもう試さなくて良いでしょう。自分、DT-7 でやっていきますよ。

あと、DT-7 は大変大きく重たいです。もっとコンパクトで DX7 のパネルにちょこんと置けるものかと思っていたら、それこそ P5rev4 desktop なんかを上回る大きさがあったりするので、別途机なりスタンドなりが必要になって、まあまあ困っております。

とは言え、DX7 本体のパネルスイッチと液晶だけでエディットしてても、例えば変な音が鳴りっぱなしになってしまった状態になった時など、原因のパラメーターを素通りしてしまい右往左往的な状況になりがちですから、当てずっぽでも摘みを絞ればだいたい音を止められるのは、大変ありがたいです。DT-7 に付いている LED 表示の数字も、DX7 のパラメーターを覚えていれば問題なく読めるようにちゃんと工夫されていますし、総じて、DX7 のエディットが随分楽になるのは間違いないです。

一方で、DT-7 を使って DX7 のエディットの全体像が把握できてしまえば、もう DT-7 は要らなくなるんだろうな的な感触もあったりします。それくらい DX7 は、使ってみれば単純なシンセなのでした。

DX7 で自炊する前までは、DX7 にはもう少し諸々の機能が揃っている前提で考えていたのですが、DT-7 で全体を見ながら使っていくと、結構色んな機能が削ぎ落とされているんですよね。例えばモジュレーターに掛けられる LFO が別にあったら・・と自分は思ってしまいますが、初代 DX7 の LFO は全体にしか掛かりませんので、例えばドローン的な音を作って、そこでモジュレーターだけをウネウネさせるなら、DX7 で鍵盤なり MIDI からのトリガーでリズムを刻むしかないのです。ただ、鍵盤なりトリガーなりでリズムを刻んでしまえば、アンビエントのお作法とは別の世界が出来上がってしまうので、そういう意味で DX7 に「自由」はないのですよね。

DX7 は、そのアフタータッチ機能の豊富さから察するに、鍵盤なりその他インターフェースで旋律なり和音を演奏することが前提のシンセなのであろうと。つまり、あの時代の一流の音楽家と定義された人たちの積み上げた鍛錬に背く事を、ヤマハは望まなかったのだと思われます。ただ、やっぱりこの初期 12bit 独特の音は、これでしか出せませんので、アンビエント的な事で使うなら、そこは割り切って使うしかないと思いました。

で、これを使って DX7 で音を作っていると、1983年にそれまでのアナログシンセしかなかった世界にいきなり DX7 が登場して、ここから今までとは全く別の物語が始まるんだという、これが発売された当時にシンセ好きの人たち皆んなが持ったであろうその高揚感が、なんと自分の中で湧き上がってくるのでした。自分はこの数年の間に、古いアナログシンセをいじる的な順番を経てここに来ましたので、余計にそれを感じられているのだと思いますが、当時の人の気分を40年遅れて感じているというのも、すごい面白いです。もう少し掘ってみたら何かあるかもしれない的な期待感までもを、40年遅れて持ってしまっているのですよ。

もちろん、先人の方々と同じように深く掘っても何も出てきませんでした、という事も十分起こり得るとも思っていますが、それでもここは「敢えて」な訳です。初代 DX7 は、それまでのアナログシンセとは間違いなく別のベクトルを向いた楽器なのですが、そのベクトルが全くの正体不明なものではなく、何か別の本質に向かっているのかもしれない的な期待感を、やっぱり抱かせてくれるのでした。