AC's Blog

Nous connaissons probablement tous Instagram ! Chacun par le biais de ce réseaux social trouve du contenu adapté qui lui convient. Pour ma part, depuis quelques temps maintenant je parviens à trouver des artistes qui m’inspirent et me permettent de maintenir ma connaissance actuelle de l’art. 

Je vais vous partager des comptes qui pourraient vous servir si vous êtes à la recherche de compte inspirants et chouettes ! 

@kiblind_magazine, compte qui rassemble des réalisation d’artistes. Ce compte Instagram appuie le Magazine Kiblind du site https://www.kiblind-store.com

@sacree_frangine, j’ai découvert de compte Instagram récemment. Il fait parti d’une de mes inspiration avec un travail de la gouache en aplat avec un travail des vide pou réaliser les formes ! Aline et Célia nous proposent des travaux généralement engagés !  https://www.etsy.com/fr/shop/SacreeFrangine 

@cynthia_beaujouan, étudiante en art elle nous partage des essais typographiques et des dessins avec graphismes en travaillant le noir et le blanc principalement ! Son compte n’est pas connu du tout mais à le mérite de l’être.

@malikafavre, artiste française, elle partage ses créations et travaille des illustrations avec des aplats en utilisant des techniques de flat design pour certaines d’entre elles. Elle utilise des couleurs très franches et travaille grandement les ombres et les jeux de lumières. https://shop.malikafavre.com

Raymond Savignac est un graphiste, affichiste et designer français né en 1907 et décédé en 2002. Il propose durant tout sa carrière, un panel d’affiche publicitaire qui lui valent son nom ! 

Il étudiera à Lavoisier, c’est à 15 ans qu’il se lance dans l’art, souhaitant être dessinateur. Il est embauché à la compagnie des Transports Parisiens, pendant ce temps il prendra des cours de dessin Industriel le soir.

C’est en travaillant avec Robert Lortac, pionnier du dessin animé, en particulier publicitaire qu’il va baigner dans la publicité avec l’univers de Charlie Chaplin qui donne un ton humoristique à ses futures réalisations. De 1922 à 1935 il travaille dans différentes entreprises pour la réalisation d’affiches jusqu’a rencontré Cassandre, un graphiste, qui le formera sur la manière d’aborder les affiches en travaillant sur une communication claire, puissante, précise.

https://indexgrafik.fr/raymond-savignac/

Il va durant près d’une quinzaine d’années rencontrer de nombreux publicitaires et travailler pour beaucoup de marques ! C’est en 1954 qu’il s’installe seul dans un atelier à Paris, après quoi il décide de voyager en Amérique.

De 1960 à 1968 il va se faire connaitre pour ses affiches pour la SNCF « Voyagez à moitié prix », Maggi, Aspro qui a obtenu le grand prix Martini en 1964. Elles seront exposées à New-York, Paris, Amiens, Montréal. Il réalise aussi l’affiche du Festival du cirque de Monaco qui est depuis réutilisée chaque année. Il réalise les costumes et les décors de “L’avare” à la Comédie Française. C’est à 1979 qu’il va quitter Paris pour s’installer à Trouville ou il va travailler pour les grandes marques BIC ainsi que pour le Secours Populaire Français ou encore Citroën.

https://indexgrafik.fr/raymond-savignac/

Pierre di Sciullo est une figure centrale du design graphique et de la typographie française. Né en 1961 à Paris, il y travaille et y vit. Ce graphiste indépendant touche à tout ! Graphisme, typographie, dessin de caractères et éditeur, il réalise “Qui ? Résiste”, une publication expérimentale dans laquelle il illustre, rédige et s’essaie à la typographie et aux polices de caractères. 

Pierre di Sciullo s’affirme à l’international avec des caractères numériques ! Il produit des typographies sans limites avec des sonorités de signes particulières en travaillant à la fois la forme géométrique et la colorimétrie. Il parvient à mêler recherches et poésie ! Ces recherches, travaux et publications ont marqué et influencé toute une génération de designers graphiques. 

L’artiste touche grandement le public avec des dessins de façades, des signalétiques ludiques et sensuelles que l’on retrouve dans l’architecture et dans la rue !

Quintessence du New York survolté et créatif, Paula Scher fait sans conteste partie des meilleurs graphistes du XXIème siècle. Cette graphiste et peintre américaine. Elle rejoindra le fameux studio de design “Pentagram” en 1991. Elle étudie à l’école Tyler School of Art et obtient un Bachelor. 

Après ces études elle travaille à New York chez Random House comme directrice artistique. En 1972 elle travaille chez CBS Records puis chez Atlantic Records ou elle réalise de nombreuses pochettes d’albums comme notamment Boston

http://paulastribute.weebly.com/1974-1983-cbsatlantic-records.html

En 1984, elle créé Koppel & Scher,  une firme de design avec Terry Koppel avec qui elle va être partenaire durant six ans. En même temps, elle réalise des publicité ainsi que des packagings et commence à travailler pour des grandes marques telles que Swatch. Cela fait maintenant plus d’une quarantaine d’années que Paul Scher interroge la relation entre le texte et l’image au sein de ses affiches et compositions typographiques monumentales. 

Les affiches que Paula Scher réalise sont percutantes, des typographies énormes, des couleurs assumées et des visuels travaillés, elle apparait comme une maîtresse du design graphique.

En 1991, Scher rejoint Pentagram, comme une des partenaires principales. Elle produit des packaging, des projets éditoriaux et des identités visuelles. Elle réalise des projets pour le New York Times Magazine ou les plus grands graphistes apparaissent. 

https://www.discogs.com/fr/artist/467214-Paula-Scher

C’est en 2001 que Paula Scher reçoit la AIGA Medal !

Helvetica est une police de caractères créée en 1957 par Max Miedinger. Cette police très linéale et sans empattement a été conçue pour atteindre un harmonie optique très aboutie.

Max Miedinger est un créateur de caractère suisse né en 1910 et décédé en 1980 à Zurich. C’est à l’âge de 16 ans que Miedinger apprend le métier de compositeur de typographie auprès de Jacques Bollmann, un imprimeur à Zurich. Après cette expérience et son apprentissage, il travaille de 1930 à 1936 pour de nombreuses entreprises et suit des cours du soir à l’École des arts appliqués de Zurich. Edouard Hoffmann, le directeur de la fonderie Haas, vient proposer à Max Miedinger, désormais graphiste indépendant, de dessiner une nouvelle police de caractères en 1956. En 1960, complétée par les séries maigre, gras et italique, la fonte se commercialise sous le nom Helvetica

Helvetica est le symbole de la typographie suisse. C’est une police lisible au tracé neutre qui se prête à tout. Elle est l’une des polices les plus utilisées mondialement et convient fortement aux graphistes et aux typographes.

La généralisation de l’infographie et du traitement de texte informatique fait progressivement mourir l’Helvetica qui se voit remplacer par l’Arial par exemple qui n’est en réalité qu’une imitation. Elle se voit disparaitre progressivement face à des polices des années 2000 tels que le Verdana ou le Calibri. Le Calibri ayant été commandé par Microsoft au typographe Lucas de Gros afin de parvenir à une police différentes de l’Helvetica et l’Arial qui pourrait les remplacer.

Actuellement l’Helvetica est revendiquée comme appartenant et conçue par Linotype Studio et comporterait 36 polices de caractères différentes. 

Le vendredi 13 mars durant la matinée, avec notre promotion nous nous sommes rendus dans l’atelier typographique d’une de nos professeurs. Nous avions pour but de réaliser une affiche tous ensemble à partir de la technique d’impression traditionnelle. 

Pour se faire nous avions à notre disposition des caractères mobiles que nous devions assembler sur des rails afin de réaliser nos phrases ainsi que nos mots. Le travail pour une affiche est colossale, il faut prendre en compte de nombreuses choses tel que la taille de la feuille, la disposition des caractères, des phrases, l’encre etc. 

Une fois l’affiche prête, nous sommes passés à la presse. Nous avons choisit une encre, puis nous avons imbriqué les caractère pour arriver au format du papier choisit pour l’affiche. 

Cette expérience a été enrichissante et m’a permise de découvrir de nouvelles méthodes de travail ainsi que la complexité de l’impression manuelle et traditionnelle. Cette méthode m’intrigue énormément et je pense que si l’occasion se représente à moi je n’hésiterai pas à l’intercepter. 

Philippe Apeloig, né les 1962 à Paris est un designer graphique et typographe français. Il étudie à l’École supérieure des arts appliqués Duperré ainsi qu’à l’École nationale supérieure des arts décoratifs. 

Il porte un intérêt à la typographie à la suite de deux stages dans un studio à Amsterdam durant le début des années 80. C’est en 1985 qu’il va être engagé par le Musée d’Orsay comme graphiste, où il réalise l’affiche de l’exposition “Chicago, naissance d’une métropole” (c.f)

Musée d'Orsay 2006-2020

 Philippe Apeloig décide de quitter la France en 1988 direction Los Angeles afin de pouvoir travailler avec April Greiman (artiste et graphiste américaine) qui est l’une des pionnières du design informatique.

Il obtient le Gold Award par le Tokyo Type Director Club en 1955, après s’être exercé au dessin de lettre à Rome trois ans auparavant. Après cela, Apeloig rentre à Paris et ouvre son propre studio. Il devient le directeur artistique du magazine Le Jardin des Modes en 1993. Il enseigne à l’École nationale supérieure des arts décoratifs de 1992 à 1998 puis retourne aux Etats-Unis pendant cinq ans. Il sera professeur à RISD (Rhode Island School of Design), puis au Maryland Institute College of Art de Baltimore où il est recruté Full time faculty par la Cooper Union School of Art de New York, où il occupe aussi la position de conservateur du Herb Lubalin Study Center of Design and Typography. 

En 1997 il est nommé consultant artistique du Louvre et devient de 2003 à 2007 le directeur artistique. Il a crée les logotypes des Musées de France, du Musée d’art et d’histoire du judaïsme de Paris, de l’Institue Universitaire de l’Architecture de Venise ainsi que du Théâtre du Châtelet de la marque Puiforcat. Il réalise en 2016 et en 2017 l’identité visuelle du Festival de l’histoire de l’art à Fontainebleau.

Philippe Apeloig travaille avec de nombreux éditeurs tels que Flammarion, Robert Laffont et pleins d’autres. Il réalise les affiche de la Fête du Livre d’Aix-en-Provence depuis 1997 et signe d’autres affiches tel que celle de la rétrospective Yves Saint Laurent du Petit Palais à Paris en 2010.

Musée Yves Saint Laurent Paris

Pour continuer sa lancée vers les grands couturiers, c’est en 2013 que Apeloig réalise le visuel du Saut Hermès au Grand Palais à Paris. La Maison Hermès lui donne également la mission d’imaginer un carré de soie pour célébrer le centenaire de la naissance de Roland Barthes l’année 2015 mais aussi de réaliser le dessin des chiffre d’une de leur montre “Slim Hermès”.

En 2017, il est contacté par la célèbre marque Issey Miyake qui lui confie le packeging de leur parfum, L’Eau d’Issey pour l’édition 2017.

Philippe Apeloig réalise aussi la signalétique du Louvre à Abou Dabi en collaboration avec les Ateliers Jean Nouvel, ainsi que le logotype et l’identité visuelle du musée Yves Saint Laurent de Marrakech.

Le musée des Arts Décoratifs de Paris consacre à cet artiste sa première rétrospective artistique en 2013. Après trente ans de carrière regroupé dans un livre nommé Typorama, c’est l’occasion de le publier.

Le Stedelijk Museum d’Amsterdam a également exposé le travail d’Apeloig, dans le cadre de l’exposition « Using Type », en 2015-2016. L’artiste commence à fortement marquer le monde du design graphique et surtout de la typographie. C’est d’ailleurs un an après, en 2017, que la Dai Nippon Printing va l’inviter à exposer son travail à Tokyo à la GGG Ginza Graphic Gallery. À cette occasion, un livre aux éditions GGG Books est publié.

Typorama de Phillipe Apeloig. Trente ans de carrière.

Vous pouvez retrouver ces réalisations sur son site : Apeloig.com

Selon le Larousse, la propagande est l’action systématique exercée sur l'opinion pour lui faire accepter certaines idées ou doctrines, notamment dans le domaine politique ou social. 

C’est au XIXème siècle que l’industrialisation provoque la concentration nouvelle d’une importante main d’oeuvre ouvrière qui cherche à faire entendre sa voix. C’est avec le socialisme que le mot propagande apparait pour évoquer les méthodes de diffusion d’un discours politique au sein de la population ouvrière. C’est par la propagande que le mouvement socialiste cherche à provoquer une prise de conscience de la situation chez les ouvriers afin de les amener à l’action collective. 

Durant la Première Guerre mondiale, Lippmann (intellectuel, écrivain, journaliste et polémiste américain) et Bernays (publicitaire austro-américain) furent engagés par le président des États-Unis Woodrow Wilson afin de faire basculer une opinion américaine isolationniste vers l’interventionnisme. 

Olafur Eliasson, artiste contemporain qui travaille la lumière dans l’espace. Il porte un intérêt particulier à la surface et explore dans sa production la structure cristalline, les déformations, la lumière et ses effets ainsi que la couleur et les formes géométriques. 

Le Bauhaus est une école d'architecture et d'arts appliqués, fondée en 1919 à Weimar en Allemagne par Walter Gropius, architecte, designer et urbaniste allemand. Ce terme désigne par extension un courant artistique comportant architecture, design, modernité, photographie, peinture, danse et costume. Ce mouvement posera des bases autour de la réflexion de l’architecture moderne sur un style international. C’est durant la période troublée par l’après-guerre que ce mouvement artistique avant-gardiste s’inscrit dans l’histoire au début du XXème siècle.

En 1933, le Bauhaus à l’époque installée à Berlin est fermé par les nazis, considérant l’école comme enseignante d’un “art dégénéré”. L’objectif du mouvement ne consistait pas en effet en la réalisation d’un style concret, d’un canon ou d’un système. Il n’était pas question d’une quelconque préscription. Cet art est connu pour ses réalisation en matière d’architecture qui a exercé une forte influence dans le domaine des arts appliqués à travers des objets usuels. Ce mouvement est largement précurseur du design contemporain et de l’art de la performance. C’est un art contemporain avant garde.

Le Bauhaus appuie sur la pluridisciplinarité et la faculté de tous les artistes à êtres de bons artisans. L’école se compose de différents cycles. Il y a une partie de connaissance théorique portant sur la couleur, la forme et les matériaux (verre /bois/sculpture/peinture/etc.). Elle a pour but de confronter les courants avant-gardistes d’alors comme l’abstraction, l’expressionnisme ou le constructivisme. Des cours de dessin de perspective et d’architecture intérieur. L’école proposait une formation artisanale sur trois ans qui mène à un examen et un diplôme de compagnon. 

La communauté artistique ne demeure pas figée et encore moins unanime dans le raisonnement. Les idées sont contradictoires selon les artistes ce qui a un impact considérable sur son évolution.

Les artistes les plus connus qui participent à ce mouvement sont:

Paul Klee, Kandinsky, Walter Gropius, Marianne Brandt, Max Bill et tant d’autres !