Das Gemälde „Campagnalandschaft mit Aqua Claudia“ von Friedrich Nerly war spätestens seit dem Tod des Künstlers 1878 der Öffentlichkeit entzogen. Es befand sich seit 1953 im Depot der Kunsthalle Bremen. Sein Zustand erlaubte keine Präsentation des Bildes: Der ursprüngliche Keilrahmen war nicht mehr vorhanden und das Gemälde war vermutlich längere Zeit gerollt gelagert und auch so transportiert worden. Immerhin war es zu Nerlys Lebzeiten vielleicht schon von Rom nach Mailand gebracht worden. Mit Sicherheit fanden dann Transporte von Mailand nach Danzig, Leipzig, Weimar und Erfurt sowie später nach Bremen statt. Durch Druck auf die Rolle entstanden lange, von den Bildrändern einlaufende Brüche im spröden Gewebe. Darüber hinaus waren zahlreiche kleinere Risse und Durchstoßungen vorhanden. Die rechte obere Bildecke war ganz abgetrennt.

Zustand des Gemäldes und erste Untersuchungen

Durch eine Spende der Galerie Neuse aus Bremen bestand nun nach 140 Jahren die Hoffnung, den Dornröschenschlaf des Bildes zu beenden.

Für mich stellte sich zunächst die Aufgabe das Gemälde innerhalb des gegebenen Rahmens wieder in einen präsentablen Zustand zu versetzen. Da ich mich seit 20 Jahren intensiv mit der Restaurierung und Erforschung von Landschaftsgemälden des 19. Jahrhunderts befasse, war es besonders reizvoll ein unbekanntes frühes Hauptwerk Friedrich Nerlys zu bearbeiten. Dies betraf zuvorderst die restauratorische Problemstellung: Der Bildträger wies Risse in einer Gesamtlänge von circa 3,5 Metern auf. Der Spannrand an Ober- und Unterkante war zwar vorhanden, hatte aber ebenfalls größere Fehlstellen. Die vorhandenen Firnisschichten* waren stark vergilbt und in größeren Bereichen bereits im Zuge von Festigungsmaßnahmen entfernt worden. Darüber hinaus war die Bildoberfläche verschmutzt.

Vor der Maßnahmenplanung stand aber die Dokumentation und technologische Untersuchung des Bestands, sowie Heranziehung der damals noch recht überschaubaren und rein kunstgeschichtlichen Literatur zu Friedrich Nerly. Eine Sichtung zugehöriger Arbeiten im Bestand des Erfurter Angermuseums konnte dort zum damaligen Zeitpunkt nicht ermöglicht werden.

Restauratorische Maßnahmen

Eine zunächst geplante Doublierung* des Gemäldes, d.h. das Aufkleben auf einen neuen textilen Bildträger, wäre die übliche und zugleich eine kostengünstige Methode gewesen, um einen derart beschädigten Bildträger zu konsolidieren. Wegen des groben und knotigen Originalgewebes, hätte diese Methode aber unweigerlich zu sichtbaren Strukturveränderungen geführt.

Wir entschieden uns deshalb für eine Einzelfadenverklebung der Risse, um ein bestmögliches Ergebnis zu erreichen. Dies bedeutete einen Mehraufwand von über 300 Arbeitsstunden.

Das Bild wurde zur Bearbeitung mit der Bildfläche nach unten mit Magneten auf einer speziell angefertigten Arbeitsplatte fixiert. Unter dem Mikroskop wurden dann die vorhandenen Fadenenden wieder mit Klebstoff verbunden, wobei vielfach neues Fadenmaterial eingesetzt werden musste.

Nach der Fadenverklebung wurde das Bild gewendet. Nun konnte der vergilbte Firnis abgenommen und die Fehlstellen in Grundier- und Farbschicht mit Grundiermasse aufgefüllt werden. Anschließend wurden die Kittungen* vorretuschiert.

Das Bild wurde nochmals gewendet. An den Kanten des Bildes wurden nun rückseitig vorgeleimte Leinwandstreifen aufgeklebt. Dies war nötig, um das Gemälde wieder auf einen Rahmen aufspannen zu können. Da kein Keilrahmen mehr vorhanden war, musste auch ein neuer Spannrahmen angefertigt werden. Um ein möglichst schonendes und kontrolliertes Spannen des Gemäldes zu ermöglichen, wurde ein Schraubspannrahmen angefertigt. Nach dem Aufspannen des Gemäldes erfolgte der Auftrag eines neuen Firnisses und die abschließende Retusche.

Die Restaurierung des Gemäldes erstreckte sich über ein Jahr und involvierte einschließlich der hinzugezogenen externen Kollegen acht Restauratoren. Es freut mich besonders, dass das Gemälde nicht nur nach so langer Zeit der Öffentlichkeit zugänglich ist, sondern auch die im Rahmen der Restaurierung gewonnenen Forschungsergebnisse im Ausstellungskatalog vorgestellt werden können.

Artikel vom 13. März 2026.

Veranstaltungshinweise:

Am Sonntag, 15. März, 11:30 – 13 Uhr hält Dr. Jens Köhler, John Cabot University (Rom), in der Kunsthalle Bremen einen Vortrag zum Thema: "Aqua Claudia – Neue archäologische Forschungen und Nerlys Gemälde" Kosten (inkl. Ausstellungsbesuch): regulär 18,- €, ermäßigt 12,- €, für Mitglieder 6,- €.

Am Sonntag, 29. März, 11:30 – 13 Uhr hält Dr. Dorothee Hansen in der Kunsthalle Bremen einen Vortrag zum Thema: "Reise nach Italien! Auf den Spuren von Friedrich Nerly" Kosten (inkl. Ausstellungsbesuch): regulär 18,- €, ermäßigt 12,- €, für Mitglieder 6,- €.

Über die Ausstellung „Natur und Antike“ (14. März bis 5. Juli 2026):

Mindestens 150 Jahre lang war das Gemälde „Campagnalandschaft mit Aqua Claudia“ von Friedrich Nerly nicht öffentlich zu sehen. Seit 1954 befindet es sich im Besitz der Kunsthalle, doch bis vor kurzem war es nicht ausstellbar. Gut ein Jahr dauerte die Restaurierung mit eindrucksvollem Ergebnis: Ein vergessenes Hauptwerk des deutschen Malers Friedrich Nerly (1807–1878) kam ans Licht! Das Gemälde zeigt die antike Wasserleitung Aqua Claudia vor den Toren Roms. Vom 14. März bis 5. Juli 2026 steht es im Mittelpunkt der Ausstellung „Natur und Antike. Der Romantiker Friedrich Nerly in Rom“. Die Ausstellung nimmt Nerlys frühe Schaffensjahre in Rom von 1829 bis 1835 in den Fokus. https://www.kunsthalle-bremen.de/nerly

Katalog:

Zur Ausstellung „Natur und Antike. Der Romantiker Friedrich Nerly in Rom“ erscheint ein gleichnamiger Katalog mit zahlreichen Abbildungen und Beiträgen von Maria Aresin, Börries Brakebusch, Dorothee Hansen, Maren Hüppe, Jens Köhler und Dorothea Ritter. Der Katalog erscheint im Hirmer Verlag. Im Museumsshop der Kunsthalle kostet der Katalog 39,90 €; im Buchhandel kostet er 50,00 Euro. ISBN 978-3-7774-4659-2

Abbildungen:

1.: „Campagnalandschaft mit Aqua Claudia“ von Friedrich Nerly, Vorzustand (link) und Endergebnis (rechts)

2.: Die Restauratorinnen Astrid Roth und Melanie Marx bei der Vorretusche (links) und Detailaufnahme des Bildes nach Kittung der Fehlstellen (rechts, oben) und nach der Retusche (rechts, unten)

3.: Restauratorin Astrid Roth bei der Fadenverklebung (links) und Mikroskopaufnahme vor und nach der Fadenverklebung (rechts)

4.: Detail während der Firnisabnahme 

5.: Friedrich Nerly, Campagnalandschaft mit Aqua Claudia, 1836, Öl auf Leinwand, 124 x 148,5 cm Kunsthalle Bremen – Der Kunstverein in Bremen

*Legende:

Firnisschicht: Transparente Beschichtung

Kittung: Modellierte Füllung

Vom Bau bis zur Inbetriebnahme des Aquädukts Aqua Claudia dauert es vermutlich 6 Jahre: Unter Kaiser Claudius wurde die Wasserleitung 52 n. Chr. feierlich eingeweiht. Sie transportierte große Mengen sauberen Wassers aus Quellen bei Subiaco über etwa 69 Kilometer bis nach Rom.

Besonders innovativ war dabei die hohe, oberirdisch auf mächtigen Bogenreihen geführte Trasse, die alle Stadtteile Roms versorgen konnte. Etwa 25 % der Aqua Claudia wurden auf Bögen und Brücken errichtet. „Verglichen mit den überwiegend unterirdisch verlaufenden älteren Aquädukten war dies ein sehr anspruchsvolles Projekt und eine bahnbrechende technische Leistung. Neben dem Transport großer Wassermengen ist der hochgelegene Wasserspiegel zu nennen, der es erlaubte, alle Stadtteile Roms zu erreichen.“ schreibt Jens Köhler im aktuellen Nerly-Katalog. Die Baukosten müssen immens gewesen sein: Eine Quelle nennt 350 Millionen Sesterzen. Der Sesterz war die Standardmünze im römischen Reich.

Archäologisch betrachtet war die Aqua Claudia ein technisches Meisterwerk: Das Aquädukt wurde aus lokalen Peperin- und Tuffsteinen gebaut, die präzise geschnitten und ohne Mörtel gesetzt wurden. Die Bogenreihen trugen den wasserführenden Kanal, der wasserfest verputzt und abgedeckt war, um den sauberen Wassertransport zu sichern. „Es ist erstaunlich, wie bei einer angenommenen Bauzeit von nur etwa sechs Jahren die langen, hoch aufragenden Bogenreihen der Aqua Claudia errichtet werden konnten, also jener Abschnitt entlang der letzten sieben Meilen vor der Stadt, der auf einem Mauersockel und als Arkaden konstruiert wurde. Frontinus nennt eine Höhe von bis zu 36,8 Metern.“ schreibt Jens Köhler weiter. [Anm.: Frontinus war römischer Wasserbauinspektor]Allerdings war kontinuierliche Wartung nötig, um Kalkablagerungen zu entfernen und illegale Entnahmen zu unterbinden. Wiederholten Erdbeben und kriegerischen Angriffen hielt die Leitung weitgehend stand.

Im Mittelalter verfiel die Bedeutung der Wasserleitung schließlich derartig, dass sie vermutlich zu Beginn des 12. Jahrhunderts nach Christus aufgegeben werden musste. Doch die eindrucksvollen Ruinen prägten weiterhin das Bild der römischen Campagna rund um Rom. Ab dem 16. Jahrhundert begann die wissenschaftliche Beschäftigung mit diesen Bauwerken, und im 19. Jahrhundert rückten sie zudem in den Blick der Landschaftsmalerei. Besonders Friedrich Nerly setzte die majestätischen Bogenreihen der Aqua Claudia als einer der Ersten als zentrales Motiv in Szene. Sein Gemälde „Campagnalandschaft mit Aqua Claudia“ und vorbereitende Zeichnungen sind kulturhistorisch bedeutende Dokumente:„Sie sind historische Zeugnisse, die die Situation vor nunmehr fast zweihundert Jahren festhalten, also in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, bevor Rom über die antiken Aurelianischen Stadtmauern hinauswucherte.“ schreibt Jens Köhler.

Nerlys Darstellungen spiegeln viele technische Details wider und belegen seine genaue Kenntnis der baulichen Substanz – von den Pfeiler- und Bogenkonstruktionen bis zu den sichtbaren Spuren antiker Reparaturen. Zugleich integrierte Nerly landschaftliche und kulturelle Elemente: Ruinen antiker Grabbauten, ein damals existierendes Mosaik am Aquädukt und sogar einen Bach, der längst abgeleitet wurde. Seine realitätsnahe, dokumentarische Herangehensweise macht seine Arbeiten zu wichtigen Quellen für den Zustand der Aqua Claudia vor der späteren Bebauung und Veränderungen im Umland (z. B. Eisenbahnbau 1890 und Wohnblocks nach 1950).

Veranstaltungshinweis:

Am Sonntag, 15. März, 11:30 – 13 Uhr hält Dr. Jens Köhler (John Cabot University, Rom) in der Kunsthalle Bremen einen Vortrag zum Thema: „Aqua Claudia – Neue Archäologische Forschungen und Nerlys Gemälde“. Kosten (inkl. Ausstellungsbesuch): regulär 18,- €, ermäßigt 12,- €, für Mitglieder 6,- €.

Über die Ausstellung „Natur und Antike“ (14. März bis 5. Juli 2026):

Mindestens 150 Jahre lang war das Gemälde „Campagnalandschaft mit Aqua Claudia“ von Friedrich Nerly nicht öffentlich zu sehen. Seit 1954 befindet es sich im Besitz der Kunsthalle, doch bis vor kurzem war es nicht ausstellbar. Gut ein Jahr dauerte die Restaurierung mit eindrucksvollem Ergebnis: Ein vergessenes Hauptwerk des deutschen Malers Friedrich Nerly (1807–1878) kam ans Licht! Das Gemälde zeigt die antike Wasserleitung Aqua Claudia vor den Toren Roms. Vom 14. März bis 5. Juli 2026 steht es im Mittelpunkt der Ausstellung „Natur und Antike. Der Romantiker Friedrich Nerly in Rom“. Die Ausstellung nimmt Nerlys frühe Schaffensjahre in Rom von 1829 bis 1835 in den Fokus. https://www.kunsthalle-bremen.de/nerly

Katalog: Zur Ausstellung „Natur und Antike. Der Romantiker Friedrich Nerly in Rom“ erscheint ein gleichnamiger Katalog mit zahlreichen Abbildungen und Beiträgen von Maria Aresin, Börries Brakebusch, Dorothee Hansen, Maren Hüppe, Jens Köhler und Dorothea Ritter. Der Katalog erscheint im Hirmer Verlag. Im Museumsshop der Kunsthalle kostet der Katalog 39,90 €; im Buchhandel kostet er 50,00 Euro. ISBN 978-3-7774-4659-2

In der Druckgraphik sind die meisten Werke vor allem eins: klein und Schwarz-Weiß. Nicht so bei den sogenannten Chiaroscuro-Holzschnitten. Das aus dem Italienischen kommende, zusammengesetzte Wort Chiaro (dt. = Hell) und Scuro (dt. = dunkel) bezeichnet eine besondere Form des Holzschnitts von mehreren übereinander gedruckten Holzstöcken, bei dem besonders Farben zum Einsatz kommen. Diese komplexe Technik wurde um 1500 entwickelt. 

Anders als beim einfachen Holzschnitt erlaubt der Chiaroscuro-Holzschnitt den Einsatz von zwei oder mehreren Farben in einem Werk. Diese werden von mehreren Holzstöcken nach- und übereinander gedruckt. Dabei entsteht ein Motiv, das sich aus vielen Ebenen und Farben zusammensetzt und dabei eine größere Tiefenwirkung ermöglicht. Gedruckt wird von zwei Arten von Holzstöcken: sogenannten Tonblöcken, welche die größeren farbigen Flächen umfassen, und Strichblöcken, die die Umrisse der Figuren abbilden.

Es handelt sich dabei um ein recht raffiniertes Verfahren der Verschachtelung aller Bildelemente und Flächen, bei dem die Künstler bereits zu Beginn des Schneidens ihrer Holzstöcke antizipieren müssen, wie diese zeitlich nacheinander und räumlich übereinander gedruckt ein sich ergänzendes und miteinander verschränktes Bildganzes ergeben. Sobald die Holzstöcke fertig geschnitten sind, kann man mit diesen mehrere Farbvarianten desselben Motivs in hohen Auflagen drucken.

Die Sammlung des Kupferstichkabinetts der Kunsthalle Bremen umfasst heute etwa 250 Chiaroscuro-Holzschnitte, die größtenteils im 19. Jahrhundert von Bremer Sammlern wie Dr.med. Melchior Hermann Segelken (1814–1885) zusammengetragen wurden. Letzterer war Arzt und selbst Mitglied in der Direktion des Kunstvereins sowie führend im sogenannten Kupferstich-Comité. Die Besonderheit der Sammlung des Kunstvereins in Bremen besteht nicht nur in der Vielzahl der Werke in dieser komplexen Technik, sondern auch in der besonderen Qualität und Seltenheit der teilweise großformatigen Werke, die mit bis zu 3 Metern Länge zu den Riesen unter den Werken des Kupferstichkabinetts zählen.

Dieses große Konvolut wird derzeit von einer Gruppe internationaler Expert*innen im Bereich des Chiaroscuro-Holzschnitts intensiv erforscht. Kürzlich kamen die Kunsthistoriker*innen zu diesem Zwecke in der Kunsthalle Bremen zu einem gemeinsamen Workshop zusammen, der als Teil eines größeren Forschungs- und Katalogisierungsprojekts durch die Ernst von Siemens Kunststiftung gefördert wurde.

Gemeinsam ging man an zwei Tagen der Frage nach den neuen Ansätzen in der Erforschung der Technik des Chiaroscuro-Holzschnitts nach. Die historische Entwicklung des Chiaroscuro-Holzschnitts im 16. Jahrhundert wurde bereits ausführlich analysiert. Aber für den Bereich der Zuschreibung mancher Werke verbleiben noch offene Fragen, die nur durch die genauere Betrachtung und mögliche wissenschaftliche Analyse (etwa der verwendeten Papiere und Druckfarben) gelöst werden können. Die Diskussion der Originale im Alten Studiensaal der Kunsthalle bot die einmalige Möglichkeit bestehende Theorien durch den geübten Blick der Expert*innen auf den Prüfstand zu stellen.

Auch Melchior Hermann Segelken (1814 –1885) wurde diskutiert und mit seinem beinahe zu ähnlichem Counterpart in Boston, Sylvester Rosa Koehler (1837–1900), verglichen. Hieraus ergaben sich zahlreiche Parallelen zwischen den Sammlungen in Boston und Bremen und der Geschichte ihrer jeweiligen Entstehung.

Unter den Teilnehmenden waren Kuratoren sowie Wissenschaftler*innen bedeutender Museen und Institution, darunter das Art Institute Chicago, das Museum of Fine Arts Boston, die National Galleries of Scotland, die Bibliotheca Hertziana in Rom, der Kunsthandlung C.G. Boerner New York, der University of London und der Johns Hopkins University.

Abbildungen:

Eine Gruppe internationaler Wissenschaftler*innen diskutiert die Chiaroscuro-Holzschnitte im Kupferstichkabinett der Kunsthalle (Foto: Dr. Maria Aresin)

Antonio da Trento, nach Parmigianino, Männlicher Akt vom Rücken gesehen (Narziss), um 1527–30, Chiaroscuro-Holzschnitt von zwei Stöcken (Farbvarianten grün, orange, olive-braun), Kunsthalle Bremen – Der Kunstverein in Bremen, Kupferstichkabinett, Inv. Nrn.: 1936/523, 34178, 25531

Max Klinger - Ein Handschuh, Opus VI (1881)

Max Klinger hatte sich Ende 1877 unglücklich in die Tochter eines Diplomaten verliebt. Seine Folge mit dem Titel Ein Handschuh zeigt in den ersten beiden Blättern jeweils eine ganz diesseitige Szene auf einer Berliner Rollschuhbahn. Die Dame verliert ihren Handschuh, ein Herr – Klinger selbst – greift danach. Dann gehen reale Welt und surreale Visionen ineinander über. Der Handschuh wird zu einem Fetisch, der die Abgründe und Höhenflüge der Liebe erfährt.

Auf einem späteren Blatt sitz der Herr im Bett – in einer Landschaft, übermannt von Sehnsucht und Trauer. Der Handschuh liegt im Gras, in der Ferne ist eine winzige Figur zu sehen. Dann gerät der Handschuh in Seenot, wiedergeboren in einer Muschel gleitet er als Triumphator mit zwei Wasserpferden durch die aufgewühlte See. In den volutenförmigen Wellen versteckt sich ein drachenähnliches Wesen. In der nächsten Episode wird dem Handschuh von rosenübersäten Wellen gehuldigt, schließlich wächst er zu bedrohlicher Größe heran. Diffuse Ängste regieren. Der Herr liegt von Albträumen ergriffen im Bett. In dunkler Nacht erscheint ihm der Handschuh riesenhaft. Fluten spülen unheimliche Gestalten heran.

Dann plötzlich: Ruhe! Der Handschuh liegt schlaff auf einem filigranen Tischchen; unter dem Handschuhvorhang im Hintergrund lugt auf dem achten Blatt wieder ein Drachenwesen hervor. Dann wird der Handschuh von einer Art Flugsaurier durch die nachtdunklen Lüfte entführt.

Am Ende der irrwitzigen Geschichte tritt Amor auf den Plan. Mit abgelegten Waffen und dem Handschuh sitzt er ernüchtert unter einem Rosenbusch.

Max Klinger, Handlung, 1881, Blatt 2 | Blatt 4 der Folge: Ein Handschuh, Opus VI, Radierung, Kunsthalle Bremen – Der Kunstverein in Bremen

Anna Haifisch - New Mexico (2023)

Anna Haifischs cooler Wildwest-Guide entführt uns auf einen bizarren Roadtrip durch New Mexico. Auf eine Reise, bei der nichts normal, aber alles möglich scheint. In der Kleinstadt Socorro sehen wir eine surreale Eisfabrik, im Dörfchen Jemez Springs werfen wir einen Blick in das örtliche Gefängnis und in Alamogordo ist die weltgrößte Pistazie zu bestaunen. Weiter geht es dorthin, wo J. Robert Oppenheimer die Atombombe erfand und in Santa Fe greift unsere eigenwillige Reiseleitung selbst zum Pinsel: Es wird plein air gemalt, doch das Publikum bleibt skeptisch – womit die Reise zu Anna Haifischs wichtigstem Thema führt: Dem Dasein von Künstler*innen zwischen Selbstzweifel, Scheitern und großem Stil.

Anna Haifisch, Der kühlste Hund der Stadt | Oppenheimer Drive, 2023, aus der Serie: New Mexico Zeichnungen, Siebdruck, Kunsthalle Bremen – Der Kunstverein in Bremen, Edition für die griffelkunst 2023, Foto: Dirk Masbaum, Hamburg, © Anna Haifisch

Wenzel Hablik - Das Meer und Schaffende Kräfte (1901, 1912, 1915)

Bilder der fließenden Welt – die Übersetzung des japanischen Begriffes Ukiyo-e scheint Wenzel Hablik wörtlich genommen zu haben. Es ist, als sei die Welt aus flüssigem Glas, das langsam erstarrt. Auf Blatt 14 der Serie Schaffende Kräfte blicken skurril auf einem Ast gereihte Reiher in eine Landschaft, die gerade unter ihnen entsteht. Doch alles scheint im Schöpfungsprozess zum Erliegen gekommen; die Welt ist imperfekt.

In dem Zyklus Das Meer gleicht der bildfüllende Baum einem Springbrunnen. Die Nackten, die auf seinen Wurzeln sitzen, scheinen in einem Jungbrunnen zu baden. Dieses Hineinträumen in eine andere Welt, die es nicht gibt, teilt Hablik mit Max Klinger, den er sehr schätzte. Während bei Klinger wie zum Beispiel in seiner Folge Ein Handschuh oft das Abgründige des Albtraums dominiert, spielt Hablik mit seinen Radierungen freudvoll das Unmögliche durch.

Wenzel Hablik, An der Adria, 1915, Aus der Serie Das Meer, Radierung, Kunsthalle Bremen – Der Kunstverein in Bremen, Edition für die griffelkunst 1980

Yves Netzhammer - Stalaktitelektrolyten (2010)

Stalaktitelektrolyten wachsen in einer Welt, in der alles logisch und zugleich unerklärlich ist. In sechs Szenen zeigt uns der Schweizer Künstler Yves Netzhammer, wie diese Welt funktioniert. Türen führen in Gebäude hinein und gleichzeitig zum Fenster hinaus. Harte Backsteinwände verwandeln sich in wachsweiche Tropfen. Alles ist in Bewegung: Dinge werden emporgezogen, verschnürt, aufgelöst und an Ketten durch Wände gezogen – mechanisch, präzise, emotionslos. Bloß das Ziel bleibt ein Rätsel.

Netzhammers kühle, schematische Darstellungen wirken wie einzelne Seiten eines Handbuchs, dessen Sinn uns verschlossen bleibt. Könnten wir es lesen, würden wir vielleicht herausfinden, wer die Strippen zieht – und was Stalaktitelektrolyten eigentlich sind.

Yves Netzhammer, Stalaktitelektrolyten 2 | Stalaktitelektrolyten 4, 2010, aus der Serie: Stalaktitelektrolyten, Siebdruck, Kunsthalle Bremen – Der Kunstverein in Bremen, Edition für die griffelkunst 2010, © Yves Netzhammer

Weitere Informationen zur Ausstellung "Flirt und Fantasie. Griffelkunst von Max Klinger bis Peter Doig" (12. November 2025 bis 1. März 2026) findest du hier.