#pp-2024

Subservience est un film de science-fiction sorti cette année en 2024, qui raconte l’histoire d’une famille ayant acquis une machine à apparence humaine, chargée de s’occuper de tous leurs besoins. Ils l’ont acquise après que la mère soit tombée malade, hospitalisée et incapable de s’occuper de sa famille. Le père, devant travailler, se retrouve vite submergé par son travail, ses deux enfants et la maison. Le film explore plusieurs thématiques très connues des films où les machines intelligentes sont au service de l’homme. Le scénario n’est pas très différent ni original. La femme tombe malade, ils achètent la machine, elle effectue ses tâches à la perfection, mais commence à prendre des libertés, au point où, pour le bien du père, qu’elle considère comme son utilisateur principal, elle est prête à tuer sa femme et ses enfants.

Ce film n’a objectivement rien de plus que les autres, et avec les années, il n’y a rien de très nouveau. On pourrait parler de la machine qui prend la place de l’homme, dans le sens où tous les collègues du père qui travaillent dans un chantier se font licencier pour des machines. C’est un phénomène très contemporain, puisque, aujourd’hui, le rôle du graphiste est remis en doute, avec l’existence d’outils permettant de créer soi-même son logo, ce qui peut générer des inquiétudes.

Cependant, le film montre un aspect que je trouve assez unique en soi. Remplacer des travailleurs pour des questions de performance ou d’économie, c’est une chose, mais peut-on remplacer la femme ? Le robot, qui a une apparence féminine et qui est prénommé Alice, a pris, d’une certaine manière, le rôle de la femme au foyer. Elle fait tout ce qu’une mère pourrait faire, et, étant performante, elle pourrait être parfaite pour ce rôle : elle imite des battements de cœur pour endormir le bébé plus facilement, elle analyse le niveau de stress et la personne en face d’elle pour trouver les bons mots, surtout pour l’enfant plus âgé, elle lit un conte à l’enfant plus âgé et prend la voix des personnages pour rendre le conte plus réel, puis elle cuisine, range, fait la lessive, etc. Le plus important et significatif est qu’elle s’occupe du mari. En comprenant qu’avoir des relations sexuelles baissait son niveau de stress, elle a entrepris ce rôle également, de sa propre initiative, nous offrant une scène glauque où elle ira jusqu’à bander le mari et prendre la voix de la femme malade qu’il aime désespérément.

Aujourd’hui, de plus en plus de femmes à travers Internet partagent leur haine commune envers les hommes, à travers des descriptions de comportements qu’ils auraient en commun, et beaucoup de « trends » TikTok se mettent en place à cet effet, comme le fait de préférer se retrouver face à un ours plutôt qu’à un homme. Cette tendance vise à démontrer que, dans notre société actuelle, hypothétiquement parlant, les femmes, suite à tout ce qu’elles ont subi à cause de leur sexe, préféreraient se retrouver face à un ours plutôt qu’à un homme, voyant l’ours comme étant moins dangereux. Beaucoup d’hommes, souhaitant ignorer la situation actuelle et l’inquiétude que leur existence génère chez les femmes, ont essayé de contrer cette tendance en disant que, dans quelques années, il sera possible de perpétuer l’espèce humaine sans femmes, à l’aide des machines, et qu’alors, les femmes ne seront plus utiles aux hommes. Les femmes voient cela comme une libération, car elles considèrent qu’elles ne reçoivent pas assez de crédit ni un traitement adéquat par rapport à l’effort qu’elles fournissent au quotidien et qu’elles sont encore aujourd’hui traitées par la majorité des hommes comme des objets de désir, bonnes à rien.

Hyper Reality est un court-métrage de science-fiction, réalisé par Keiichi Matsuda en 2016. Il montre la vie de Juliana Restrepo, une femme de 42 ans qui vit à Medellín en Colombie. Il dure 6 minutes et dépeint une réalité où la réalité augmentée a été poussée à un extrême. On peut observer dans le court-métrage que la vraie réalité se retrouve totalement saturée par l’interface virtuelle de l’utilisateur. Toutes les informations semblent être visibles et accessibles en même temps dans cette interface, ce qui donne cette vision surchargée d’informations. Le but de Matsuda était d’être provocant en montrant cette nouvelle version du futur ; il a voulu fondre la réalité dans le monde virtuel afin d’en faire un tout. Ce qui donne une société constamment bombardée par des informations, que ce soit au niveau sonore ou visuel. Le court-métrage prend une tournure dystopique lorsque la protagoniste voit son interface buguer et qu’elle essaie de régler le souci afin de conserver les points qu’elle a accumulés en effectuant ses tâches quotidiennes.

Ce que j’ai trouvé intéressant avec ce projet, c’est que l’artiste montrait sa vision du futur en se basant sur son point de vue et la situation du monde en 2016. Aujourd’hui, presque 10 ans se sont écoulés, et c’est intéressant de voir comment les différentes technologies ont évolué au fil du temps. Mais également comment la société et son rapport à la technologie ont évolué. Matsuda a poussé ce bombardement d’informations qu’elle vivait en 2016 à l’extrême, mais plus le temps passe, plus j’ai l’impression qu’on s’en rapproche. Les humains ont évolué et se sont attachés au confort que leur offre la technologie. Aujourd’hui, nous avons beaucoup plus d’outils qu’il y a 8 ans, et nous sommes en train de nous diriger vers une société complètement dépendante de la technologie. Dans son court-métrage, le paysage urbain est masqué par des informations offertes par l’interface virtuelle qui donne : le nom des rues, les informations routières et même l’itinéraire à même le sol. Et lorsque l’on est sensible au fait qu’aujourd’hui de plus en plus de jeunes sont incapables d’aller d’un point A à un point B sans utiliser Google Maps, il ne serait pas étonnant que dans quelques années, il soit possible de voir son itinéraire directement au sol.

Untitled Film Stills est une série de plus de 70 photographies réalisées par l’artiste Cindy Sherman. Cette série de photos où elle-même se met en scène dans diverses situations a été réalisée entre 1977-1980. Au début, elle se photographiait principalement dans son appartement, puis elle est rapidement passée aux paysages urbains et ruraux. Chaque photo dépeint une scène bien précise qui peut fortement nous rappeler des scènes de films clichés des années 50. Cela se remarque principalement par l’angle qu’elle utilise dans ses photos, la lumière et cette énergie dramatique qui se dégage de ses photos. Le drama est créé par cette expression qui dénote une captivation pour quelque chose se trouvant en dehors du cadrage amenuisant notre intérêt pour ce qu’il se passe dans la photo mais pour ce qui s’est passé avant et après que la photo a été prise. Cette œuvre décrit cette idée toute construite qu’on avait de la femme en pointant du doigt d’une certaine manière ces stéréotypes. Ce qui est aussi intéressant, c’est la manière dont elle explore le changement d’identité dans une ère où Photoshop et les réseaux sociaux tels qu'Instagram n’existent pas, en arborant différentes tenues et coiffures, toutes à chaque fois différentes, comme si elle était un jour une étudiante et un autre jour une fashion victime que l’on pourrait observer dans les magazines.

Ce que j’ai trouvé captivant dans l’œuvre de Cindy Sherman, c’est qu’elle joue avec l’idée d’authenticité, ce qui est un thème central lorsque l’on parle des réseaux sociaux. Et ce que je trouve plus intéressant, c’est qu’elle le fait bien avant que des plateformes comme Instagram existent, cette dernière ayant été lancée en 2010. L’authenticité, qui est un mot qui caractérise ce qui est exact, est totalement balayée par les œuvres de Cindy Sherman, car elle imite ces différents profils de manière très flagrante et ne s’en cache pas.

Dans la collection Sensory Seas de Iris Van Herpen, elle s’inspire des écosystèmes marins pour s’inspirer dans ses vêtements des fluidités et complexités du monde sous-marin. Les lignes et textures des robes évoquent les formes des hydrozoaires, notamment des méduses, et mettent en scène du mouvement invisible. Pour cela, elle vient utiliser différents matériaux comme l’organza de verre, l’impression 3D et le thermoformage pour concevoir des pièces qui donnent un effet de vivant, presque organique.

Face Visualizer de Daito Manabe interroge la notion d’interaction entre technologique et expression humaine, en provoquant des contractions musculaires sur le visage à l’aide d’électrodes et de générateurs d’impulsions électriques à basse fréquence. Les muscles reproduisent et ainsi les expressions humaines de façon mécanique grâce à la stimulation électrique. Le projet s’inspire des travaux de G.B. Duchenne concernant la physionomie humaine mais également du travail de l’artiste Stelarc. L’artiste cherche à reproduire sur un visage des expressions humaines tout en questionnant la limite entre une émotion vraie et une imitation mécanique.

Street Ghosts de Paolo Cirio aborde la problématique de la vie privée et du droit d’auteur. L’artiste utilise des photos de personnes prises sur Google Street View, plateforme utilisée à la base pour cartographier la terre entière grâce aux voitures de Google qui se déplacent dans les rues des pays. Il imprime ces photos en taille réelle, les découpe selon les contours des corps et sont ensuite collées sur les murs des bâtiments aux mêmes endroits où elles ont étés prises, rétablissant un lien physique entre l’espace numérisé et le monde réel.

Le projet « Tap, Type, Write » de John Maeda est un excellent exemple d’utilisation de la typographie dans le monde numérique. Elle fait partie de la série « The 5 Reactive Books », qui expérimente le milieu informatique, pour avoir des visuelles graphiques. Le concept de ce logiciel repose sur le fait que les lettres révèlent leurs relations entre leurs formes et leurs significations. En naviguant à travers les différents menus du logiciel, il est possible d’interagir de diverses manières avec les lettres : on peut les toucher pour les agrandir ou les cliquer pour les faire rebondir.

Maeda s’inspire des recherches de graphistes sur la nature graphique des lettres en noir et blanc. Tout en conservant la même typographie, il est intéressant de voir comment les lettres sont découpées, séparées, agrandies ou bien mélangées, révélant leurs potentialités esthétiques autant que leur lisibilité. En modifiant les pixels des lettres pour les transformer en cercles, le logiciel nous permet de comprendre la grille utilisée pour construire l’une des typographies les plus anciennes employées dans le domaine numérique.

Ce projet, qui questionne les nombreux potentiels de l’utilisation des lettres dans un environnement numérique, est l’un des premiers à exploiter les formes typographiques sur des écrans informatiques. Il établit un lien novateur entre le graphisme et l’informatique.

Oeuvre de fiction mettant en scène Truman Burbank, héros de sa propre télé-réalité depuis qu’il est né sans le savoir, découvrant petit à petit la réalité au long du film.

On y perçoit des méthodes de surveillance ainsi que l’influence du producteur sur les choix de vie de Truman. A l’heure actuelle la logique est assez similaire, nos informations privées sont vendues, les médias jouent quant à eux un rôle essentiel sur la manière dont les individus se forment une opinion.

Au moment où ce film apparaît, la société dans son ensemble prend un tournant majeur avec l'apparition de nouvelles technologies de communication, le développement d’internet et des téléréalités.

En effet dans les années 2000 fleurissent les réseaux sociaux, nous permettant de développer un alter ego virtuel. Les téléréalités nous poussent à nous intéresser encore plus à la vie des autres et la considérer comme un divertissement.

Plus récemment Twitch en est l’exemple parfait, Kai Cenat a streamé pendant plus de 30 jours en continu et atteint 50 millions de streamers. Une autre utilisatrice se filme depuis 3 ans, faisant volontairement de sa vie un vrai Truman show.