Digital + Art

Le projet « Tap, Type, Write » de John Maeda est un excellent exemple d’utilisation de la typographie dans le monde numérique. Elle fait partie de la série « The 5 Reactive Books », qui expérimente le milieu informatique, pour avoir des visuelles graphiques. Le concept de ce logiciel repose sur le fait que les lettres révèlent leurs relations entre leurs formes et leurs significations. En naviguant à travers les différents menus du logiciel, il est possible d’interagir de diverses manières avec les lettres : on peut les toucher pour les agrandir ou les cliquer pour les faire rebondir.

Maeda s’inspire des recherches de graphistes sur la nature graphique des lettres en noir et blanc. Tout en conservant la même typographie, il est intéressant de voir comment les lettres sont découpées, séparées, agrandies ou bien mélangées, révélant leurs potentialités esthétiques autant que leur lisibilité. En modifiant les pixels des lettres pour les transformer en cercles, le logiciel nous permet de comprendre la grille utilisée pour construire l’une des typographies les plus anciennes employées dans le domaine numérique.

Ce projet, qui questionne les nombreux potentiels de l’utilisation des lettres dans un environnement numérique, est l’un des premiers à exploiter les formes typographiques sur des écrans informatiques. Il établit un lien novateur entre le graphisme et l’informatique.

Ce travail expérimental de Claudia Hart est présenté sur trois grands écrans qui entourent le spectateur, avec la possibilité d’explorer cet univers grâce à un casque VR intégré. L’œuvre s’inspire d’Alice au pays des merveilles, notamment dans son titre et dans le concept d’interagir avec un environnement surréaliste et virtuel.

Claudia Hart s’est également inspirée du manifeste de Donna Haraway, qui envisageait un futur où la technologie libérerait la culture des séparations de genre. Pour réponse à ce manifeste, elle a capturé les mouvements de plusieurs chorégraphies masculins, et féminins, qu’elle a ensuite intégrés à l’avatar, lui donnant un trait de caractère mixte. Avec les déplacements des textures, l'avatar rend l'univers plus vivant et organique.

Ce que j’apprécie dans ce travail, c’est le mélange entre l’expérience immersive de la VR, le jeu brut des textures, volontairement éloignées du réalisme pour renforcer l’effet onirique, et la musique. Le déplacement du spectateur influence le rythme musical, rendant l’expérience encore plus immersive et interactive. On a l'impression d'avoir un contrôle sur l'environnement imaginaire.

Dans sa série Fifth Avenue, Jim Campbell explore l’aspect minimaliste du médium technologique pour présenter ses images. Il se limite à un écran LED, sans intégrer d’interactivité ni rechercher une haute qualité d’image. Ce qui me semble particulièrement puissant, c’est son utilisation de plaques de plexiglas qui modifient la qualité visuelle des images selon l’angle de vue du spectateur. Sous certains angles, les images apparaissent détaillées, tandis que sous d’autres, elles deviennent floues.

En projetant plusieurs vidéos de passants traversant la Cinquième Avenue à Manhattan, Campbell aborde les jours qui ont suivi les attentats du 11 septembre 2001. En traitant ces images de manière davantage picturale que photographique, son travail rappelle la série JPEG de Thomas Ruff, dans laquelle Ruff montre des images du 11 septembre volontairement dégradées par la compression au format JPEG.

Une œuvre en particulier dans cette série, Church on Fifth Avenue, m’a particulièrement touché. Dans ce travail, le plexiglas est incliné, et non parallèle à l’écran, créant un effet où une partie de l’image apparaît floue tandis que l’autre est nette, selon la position du spectateur. Les passants projetés passent d’une forme pixelisée (à gauche) à une forme plus détaillée (à droite). Avec ce dispositif, Campbell joue sur la tension entre représentation numérique et analogique.