#barroco

📅: 2024-04-27 |  📷: samsung SM-A336B 🔆: f/2.2      |  🔍: 1.42 mm ⏱️: 1/50 seg.  |  🎚️: 160 ISO A abóbada da Catedral Nova de Salamanca, em Espanha, vista a partir do cruzeiro, onde se ergue o cimbório que culmina a nave principal. A construção deste templo iniciou-se em 1513, prolongando-se por mais de dois séculos até à sua conclusão em 1733, o que explica a coexistência de elementos góticos…

información general Artista: Raffaello Vanni (Siena 1587 - 1673 Siena) (atribuido a) Título: La Sagrada Familia y Santa Ana Anticuado: c. 1650 Nombre del objeto: cuadro Número de inventario: 309

Detalles técnicos y del material Técnica: óleo Material: lienzo Dimensiones: 99 x 74,5 cm

Procedencia Conde Edmund Bourke, París; adquirido a su viuda por el rey Guillermo I para el Mauritshuis, 1823; en préstamo a largo plazo al Rijksmuseum, Ámsterdam (n.º de inventario SK-C-1345), desde 1948.

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In 1655, a devastating plague ravaged Naples. Salvator Rosa’s son, Rosalvo, his brother, his sister, her husband and five of their children died. The transience of human life was a recurring theme in 17th-century painting and thought, but for Rosa, in the year he painted this work, the subject took on a tragic immediacy. A letter to his friend Ricciardi makes clear the impact this multiple loss had on him: ‘This time heaven has struck me so hard that it shows me that all human remedies are useless and that the least pain I feel is when I tell you that I am weeping as I write.’

One can imagine him weeping as he painted L'Umana Fragilità.

Despite its universal and timeless theme—the fragility of human life—this is a deeply personal painting. The seated woman, looking weary and strangely passive, is a portrait of Lucrezia, Salvator’s lover and Rosalvo’s mother. The child, whose wrist is held by Death, represents the artist’s deceased son. The circle of pale roses around the mother’s head is probably an allusion to the family name. Salvator’s initials appear at the bottom of the canvas, on the blade of the knife—a symbol of death, the relentless steel that took his family from him.

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«La fragilidad humana» (h. 1656), Salvator Rosa (1615-1673). La obra se encuentra actualmente expuesta en el Museo Fitzwilliam de Cambridge.

En 1655, una plaga devastadora asoló Nápoles. El hijo de Salvator Rosa, Rosalvo, su hermano, su hermana, el marido de esta y cinco de sus hijos fallecieron. La fugacidad de la vida humana era un tema recurrente en la pintura y el pensamiento del siglo XVII, pero para Rosa, en el año en que realizó este cuadro, el tema adquirió una trágica inmediatez. Una carta a su amigo Ricciardi deja claro el impacto que esta pérdida múltiple tuvo en él: «Esta vez el cielo me ha golpeado de tal manera que me muestra que todos los remedios humanos son inútiles y que el menor dolor que siento es cuando te digo que lloro mientras escribo».

Uno puede imaginarlo llorando mientras pintaba L'Umana Fragilità .

A pesar de su tema universal y eterno —la fragilidad de la vida humana—, esta es una pintura profundamente personal. La mujer sentada, de aspecto cansado y extrañamente pasiva, es un retrato de Lucrecia, amante de Salvator y madre de Rosalvo. El niño, con la muñeca sujeta por la Muerte, representa al hijo fallecido del artista. El círculo de rosas pálidas alrededor de la cabeza de la madre es probablemente una alusión al apellido. Las iniciales de Salvator aparecen en la parte inferior del lienzo, en la hoja del cuchillo, símbolo de la muerte, el acero implacable que le arrebató a su familia.

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La fragilità umana (circa 1656), Salvator Rosa (1615-1673). Il dipinto è attualmente esposto al Fitzwilliam Museum di Cambridge.

Nel 1655 una devastante pestilenza colpì Napoli. Morirono il figlio di Salvator Rosa, Rosalvo, suo fratello, sua sorella, il marito di quest’ultima e cinque dei loro figli. La fugacità della vita umana era un tema ricorrente nella pittura e nel pensiero del XVII secolo, ma per Rosa, nell’anno in cui realizzò questo quadro, il tema assunse una tragica attualità. Una lettera al suo amico Ricciardi chiarisce l'impatto che questa perdita multipla ebbe su di lui: «Questa volta il cielo mi ha colpito in modo tale da mostrarmi che tutti i rimedi umani sono inutili e che il dolore minore che provo è quando ti dico che piango mentre scrivo».

Viene da immaginare che piangesse mentre dipingeva L'Umana Fragilità.

Nonostante il suo tema universale ed eterno —la fragilità della vita umana—, questo è un dipinto profondamente personale. La donna seduta, dall’aspetto stanco e stranamente passivo, è un ritratto di Lucrezia, amante di Salvator e madre di Rosalvo. Il bambino, con il polso afferrato dalla Morte, rappresenta il figlio defunto dell’artista. Il cerchio di rose pallide attorno alla testa della madre è probabilmente un'allusione al cognome. Le iniziali di Salvator compaiono nella parte inferiore della tela, sulla lama del coltello, simbolo della morte, l'acciaio implacabile che gli ha strappato la sua famiglia.

En realidad, esta pintura tiene dos temas. El paisaje crea una atmósfera ligeramente misteriosa. Los árboles están retroiluminados por un cielo brillante, y el largo reflejo sobre el estanque nos lleva a la puerta abierta que hay al otro lado. Parece que estamos en un parque amurallado o en los jardines formales de una gran mansión. Luego está la actividad en primer plano. Una bandada de patos y aves acuáticas exóticas, de moda entre los terratenientes adinerados de la época, se congregan alrededor de la mujer que los alimenta desde la ventana de una caseta de jardín. Anthonie van Borssum nació en Ámsterdam y posiblemente fue alumno de Rembrandt entre 1645 y 1650 aproximadamente. Fue un artista versátil y ecléctico que pintó principalmente paisajes y cuadros de plantas y animales. Este cuadro probablemente se realizó a principios de la década de 1660 y pudo estar influenciado por la obra de Melchior d'Hondecoeter, quien se especializó en la pintura de aves.

Detalles Título completo: Una escena de jardín con aves acuáticas Artista: Anthonie van Borssum Fechas de los artistas: 1630 - 1677 Fecha de fabricación: Probablemente alrededor de 1660-5 Medio y soporte: Óleo sobre lienzo Dimensiones: 33,7 × 45,8 centímetros Resumen de la inscripción: Firmado Crédito de adquisición: Presentado por John P. Heseltine, 1918 Número de inventario: NG3314 Ubicación: No en exhibición Recopilación: Colección principal Propietarios anteriores: Juan Postle Heseltine

📅: 2016-07-17 |  📷: NIKON CORPORATION NIKON D7000 🔆: f/5.3      |  🔍: 70.0 mm ⏱️: 1/400 seg. |  🎚️: 100 ISO Detalhe da Fonte dos Cavalos (Fonte dos Cabalos), situada na Praça de Platerías, no núcleo histórico de Santiago de Compostela, junto à fachada sul da catedral. Executada em granito, a fonte combina função hidráulica e representação simbólica: as bicas saem de cabeças de cavalos…