Schallkasten

Zu viele Beiträge auf diesem Blog habe ich mit Rechtfertigungen begonnen. Zu oft habe ich mich dafür entschuldigt, dass ich hier lange nichts hochgeladen habe.

Das ist jetzt vorbei! Versprochen! Ich habe keine Lust mehr, mir vorzunehmen wieder mehr zu schreiben mit der Konsequenz, dass ich es dann doch nicht mache. Im Endeffekt ist das nur verschwendete Energie, dadurch, dass ich mich über mich selber ärgere.

Doch wie will ich dafür sorgen, dass das nicht mehr vorkommt?

Ganz einfach: Das Projekt Schallkasten ist hiermit beendet... Kurz und schmerzlos!

Und auch wenn es nicht regnet, muss ich an dich denken. Denn Max, du gehst mir nicht mehr aus dem Kopf. Mein Herz hast du ohne Widerstand bis zu dieser Tankstelle in Mazedonien mitgenommen.

Doch von vorn: „Athen“ heißt die am 31.05.19 erschienene Single von Max Herre’s kommenden gleichnamigen Album. 
Der Song erzählt eine Geschichte des unvermeidbaren Sterbens einer Liebe, auch wenn der Drang besteht, diese zu retten. Es wird eine zweisame Flucht vor gemeinsamen Problemen ins Leere beschrieben. Schnell wird klar, dass diese dabei unter keinem guten Stern steht. Alles ist geprägt von Streiten und einem Gefühl des nicht loslassen könnens. Es ist eine Reise, die vermeintlich ein konkretes Ziel hat und doch verfrüht enden wird. Herre malt hier lyrisch Bilder, die realer kaum wirken könnten. Doch sind sie nie zu konkret, um persönliche Interpretationen auszuschließen.

Hinzu kommt, dass der Text seine volle Wirkung auf einem Instrumental entfalltet, das sich seinesgleichen erst noch suchen muss. Eingeläutet wird alles durch federleicht angespielte E-Gitarren Riffs und einem auf indisch gesungenen Intro. Seicht wechseln diese Klänge zu sehr langsam und ruhig angespielten Synthesizer Sounds, die in der ersten Hook ansetzen. Drum-Sounds werden vorerst nur in kurzen Patterns in Übergängen angespielt. Klar, ausdrucksstark und doch sanft fügt sich Max Herre’s Stimme in dieses Klangbett ein. So einfach diese Komposition auch zunächst wirken mag, nichts scheint hier zufällig zu sein. Jede noch so leise Back-Vocal scheint perfekt gesetzt, jeder Ton lange durchdacht.

Nach dem zweiten Part werden dann nach langem warten auch richtige Drums eingespielt. Es folgt eine Bridge, welche von einer E-Gitarre geleitet wird, die einen Pink Floyd mäßigen Vibe mit sich trägt. Schaut man sich hierbei das Musikvideo an, so scheint sich das als Absicht abzuzeichnen. Hier sieht man eine Person in wehenden Gewändern, wie man sie auch aus der Innenseite des Covers der „Wish You Were Here“ LP kennt. Das wechselt sich mit Aufnahmen von Instrumentalisten in einem leeren Amphitheater ab, einer schön gesetzten Anspielung an „Live in Pompeji“.

Ganz ohne Hektik erreicht der „Athen“ hier seinen Klimax. Wie auch der Song an sich nimmt sich die Bridge all die Zeit, die sie braucht. Es wird sich nicht an Streaming- oder Radio-Konventionen angepasst, wie lange eine Spieldauer zu sein hat. Mit 6:37 Minuten hat „Athen“ eindeutig nach heutigen Maßstäben Überlänge. Dennoch wirkt der Song kein bisschen zu lang.

Nach der Bridge folgt erneut die Hook und ein letzter Part, der inhaltlich abrundet. Das ungewollte Ziel wird erreicht. Wie eine allegorische Darstellung der verflossenen Liebe ist das Instrumental unmerklich hinter der Stimme von Herre verschwunden. Was bleibt ist Stille, Melancholie, das Zirpen von Grillen und eine nicht zurückgelegte Strecke zwischen dieser Tankstelle in Mazedonien und Athen.

Seit etlichen Jahren häufen sich die Anschuldigungen gegen R. Kelly. Jüngst wurde eine Doku-Serie über die Opfer seiner Übergriffe unter dem Titel “Surviving R. Kelly” veröffentlicht, die in den USA hohe Quoten erzielte. Vermehrt äußern sich KünstlerkollegInnen gegen ihn, Lady Gaga beispielsweise nahm ihren gemeinsamen Song mit R.Kelly aus allen digitalen Musikstores und von allen Streamingplattformen und sogar sein eigenes Label hat ihn aus seinem Vertrag geworfen. Warum die Anschuldigungen erst jetz ernstgenommen werden, hat Marc Pitzek in diesem Artikel (für Link hier klicken) passend zusammen gefasst.

Doch zumindest wird das ganze Thema jetzt endlich ernstgenommen, oder? So dürfte man meinen, doch dann tauchen plötzlich neue Konzerttermine von R.Kelly auf, als wäre nichts passiert. Aus diesem Grund wurde eine Petition für eine Absage der Konzerte durch die Journalistin Salwa Houmsi und das Veranstaltungs-/DJ-Duo  Hoe_mies initialisiert. Wie wichtig es ist, diese Aktion zu unterstützen, soll im Folgenden kurz dargestellt werden.

Man könnte natürlich sagen, dass es sich bei R. Kelly um einen Extremfall handelt. Man könnte behaupten, dass es ja nicht viel bringt, wenn dadurch zwei einzelne Konzerte abgesagt werden, denn am Ende sind da ebenso die Veranstalter, die darunter leiden (auf welche ich gleich nochmal zurückkomme). Doch genau dadurch wird es möglich, dass ein erneutes Zeichen gegen sexuelle Gewalt gesetzt wird. Denn wie ist es sein kann, dass R. Kelly weiterhin die Möglichkeit geboten wird, Konzerte zu spielen, trotz der gesamten MeToo Debatte, trotz all der immer wieder öffentlich geäußerten Vorwürfe und trotz einem allgemeinen Bewusstseins darüber, durch eine zusätzlichen Bündelung eben dieser Vorwürfe in der Serie “Surviving R. Kelly”. Ein Absagen dieser Konzerte könnte zum einen dazu führen, dass selbst der letzte R. Kelly-Fan noch mitbekommt, weswegen es verwerflich angesehen werden könnte, all diese Vorwürfe zu ignorieren.

Trotz all diesem Übel wirbt R. Kelly’s Booking Agentur Heavy Rotation weiterhin explizit damit, dass seine Musik “spiritually inspirational and extremely sexual” sei. (Quelle: http://www.hrbooking.com/artists/156-r-kelly Stand: 22.01.2019 13:30 Uhr) Betrachtet man dies nun vor dem Hintergrund der Vorwürfe, die sich seit Jahren gegen R. Kelly vernehmen lassen, so kann einem dies ganz schnell mal den Magen umdrehen. Wie um alles in der Welt kann es sein, dass die Musik eines Sexualstraftäter, gegen welchen unter anderem sogar vermehrt Vorwürfe der Pädophilie erhoben wurden, in einem Atemzug als spirituell oder geistig inspirierend und extrem sexuell bezeichnet wird. Wieso ist es möglich, dass damit geworben wird, wieso gibt es noch Veranstalter, die all dies ignorieren und R. Kelly noch buchen? Die Antwort auf diese Frage ist wohl ebenso simpel wie ernüchternd: Geld.

Es geht nicht darum das Leben dieses Mannes zu zerstören, (das hat er bereits ganz alleine getan,) sondern darum sich klar und eindeutig zu positionieren. Dies stellt sich dabei nicht nur gegen eine öffentliche Toleranz seiner Taten, sondern auch gegen die Glorifizierung seiner Person und/oder seiner “extremely sexual” Musik. Es geht nicht darum, dass die Menschen, welche unter seinen Taten litten und leiden Vergeltung bekommen, es geht nicht um Auge um Auge. Es geht darum, dass endlich ein Zeichen gesetzt wird, dass derartiges Verhalten Konsequenzen nach sich zieht. Es geht darum zu zeigen, das Prominenz, Vermarktbarkeit und Popularität einer Person nicht über grundlegenden moralischen Werten stehen darf.

Dass es spät kommt, dass den Vorwürfen gegen R. Kelly diese Bedeutung zugesprochen wird, steht außer Frage. Dennoch muss gesagt werden, besser spät als nie. Zwar kann durch alle nun eingeleiteten Schritte keine von R. Kelly’s Taten rückgängig machen. Hätte es früher einen solchen medialen Wirbel gegeben, wären einige dieser Taten möglicherweise ungeschehen geblieben. Es zeigt jedoch umso mehr, dass es wichtig ist dagegen zu handeln. Damit zumindest zukünftig schneller eingegriffen wird, damit sich die Musikindustrie wandelt.

Hier ist der Link zur Petition gegen R. Kelly’s Auftritte in Hamburg und Ludwigsburg:

https://www.change.org/p/rkellystummschalten-sexualverbrechern-keine-b%C3%BChne-geben?recruiter=false&utm_source=share_petition&utm_medium=copylink&utm_campaign=psf_combo_share_initial.pacific_post_sap_share_gmail_abi.gmail_abi.lightning_2primary_share_options_more.control&utm_content=okt_psf_tw_clinks%3Aclink

Jede Unterschrift zählt!

(Quellen: http://www.spiegel.de/kultur/musik/r-kelly-nach-missbrauchs-dokumentation-unter-druck-a-1248432.html Stand 22.01.2019

https://noisey.vice.com/de/article/wj3mq4/surviving-r-kelly-dokumentation-missbrauch-trailer-klage-metoo Stand 22.01.2019

Zunächst mal Entschuldigung... ich habe mir mal wieder vorgenommen gehabt, dass ich mehr schreibe und es ist mal wieder nichts darauß geworden. Das liegt zum einen daran, dass ich zur Zeit nicht so viel aktuelle Musik höre, wie als ich noch mehr gebloggt habe, zum anderen daran, dass ich mir oft denke, dass es sich mittlerweile kaum noch lohnt es zu versuchen, da meinen Blog vermutlich kaum noch Leute lesen, was ich natürlich mir selbst zu verdanken habe. Schon klar. Jeder Mensch der bei meinen Blogeinträgen versucht von einer Regelmäßigkeit zu sprechen, der sollte am besten mal zu einem Arzt gehen. Manchmal denke ich darüber nach, dass ich zu Anfang dieses Blogs versucht habe alle zwei Tage etwas zu schreiben, heute würde ich mich darüber freuen, wenn ich mal zwei Einträge in einem Monat schreiben würde. Sollte also noch irgendwelches Interesse an meiner (ja eigentlich irgendwie irrelevanten) Meinung über etwas bestehen: Schreibt mich gerne auf Tumblr oder auch auf Instagram an und ich schreibe dann mal wieder ein wenig mehr. Schreibt mir auch gerne ob ihr explizie Wünsche habt, worüber ich bloggen soll oder ob ihr mal wieder über das, was ich gerade so für Musik höre lesen wollt. Und damit ich das auch durchziehe: hier schonmal die Ankündigung, dass ich etwas über das im Juni erscheinende Album von Tristan Brusch schreiben werde.

Nun aber zum eigentlichen Thema: Ich bin gerade total gedankenverloren durch irgendeinen Instagram-Feed gescrollt und habe da ein altes Bild von einer Fan-Deluxe-Box entdeckt, mit der Caption „Was für eine krasse Box!“. Faktisch enthielt diese Box aber nicht gerade extrem viel Krimskrams sondern einfach das Album auf CD, dazu nochmal eine CD mit Instrumentals, ein T-Shirt und eine Hand voll Sticker. Dabei ist mir aufgefallen, dass ich mich zu dem ganzen Boxenquatsch noch gar nicht auf meinem Blog ausgelassen hab, deswegen wird das jetzt noch erledigt. Besser spät als nie…

Die optimalen Zutaten für eine Box meiner Träume sind (in absteigender Reihenfolge nach Relevanz) das Album auf Vinyl, die Instrumentals auf CD und/oder auch auf Vinyl, ein Shirt und das Album auf CD. Das Sind so die Must-haves für mich in einer richtig guten Box, dazu kommen dann natürlich gern gesehene Sachen wie Zusätzliche EPs oder ganze Alben. Auch finde ich gut durchdachte Gimmicks, wie eine Tasche oder ein Notizheft schön, mit denen ich auch wirklich etwas anfangen kann und mit denen ich das auch tun will!
Ich brauche keine Fake EC-Karte, kein Parfum, dass ich nichtmal testen kann, nicht euer Blut, nichts womit ich an einem Gewinnspiel teilnehme,  und vor allem: keine verdammte Münze, in die dein Gesicht geprägt wurde!!!! Im Ernst jetzt Herr Kautz, hältst du das nicht für minimal zu narzisstisch!? Was ist überhaupt zur Zeit mit Prinz Pi los? Was soll das alles…?!? Aber das ist nochmal eine ganz andere Geschichte!

Mittlerweile hat ja auch der letzte Idiot begriffen, dass es sehr viel leichter wird sein Album in die Charts zu befördern, wenn man eine Deluxe-Box verkauft. Nur warum dient das so vielen als einzige Motivation eine Box zu veröffentlichen? Weshalb seit ihr so wenig auf eure Fans bedacht und an die Fans, weshalb macht ihr den Quatsch auch noch mit? Versteht mich nicht falsch, ich kaufe selber sehr gerne Boxen, aber eben auch nur dann, wenn ich selber wenigstens in einem Großteil des Inhaltes einen Sinn sehe. Wenn in einer Box zusätzlich zu 3 CDs, einem T-Shirt und einem wirklich schön illustrierten Fotobuch (was mir sowieso sehr oft gefällt) noch zusätzlich eine rot-grün-3D-Brille mit dem Bandlogo enthalten ist, dann ist das für mich vollkommen verkraftbar. Wenn in einer Box aber 4 CDs und ein Gimmick, was wirklich der größte Bullshit ist und die Box deswegen plötzlich 50€ kosten soll, dann bestell ich diese Box nunmal lieber wieder ab. Das dabei einige CDs in der Box dann wirklich nur in der Box erhältlich sind schmerzt mir dabei dann ein wenig, gerade wenn es sich um einen Künstler handelt, dessen Musik ich jahrelang verfolgt habe.

In meinen Augen sollte man die ganze Boxen-Sache aber dennoch stets differenziert betrachten. Es gibt jede Menge Boxen oder Bundles, die ich persönlich sehr großartig finde, eben weil sich ein Künstler dabei Gedanken gemacht hat. Beispielsweise finde ich es toll, wenn in jeder Box eine Kritzelei des Künstlers ist, wie bei Maeckes Album Tilt. Sowas ist toll, weil es etwas persönliches ist, bei dem es offensichtlich ist, welcher Aufwand hier betrieben wurde und dass es sich wirklich um eine limitierte Auflage handelt, welche eben nur für Fans gedacht ist. Aber so etwas extremes ist gar nicht nötig, beispielsweise habe ich auch großen Gefallen am Bundle zu 1220 von Yung Hurn gefunden, da es für mich einfach die Dadaistische Art seiner Musik in einer liebevollen Gestaltung umsetzt. Außerdem gefiel mir daran, dass dieses Bundle über hhv.de und nicht über Amazon und MediaMarkt verkauft wurde. Insgesamt wirken Bundles, welche ausschließlich über HHV verkauft werden auf mich oft so, als wären sie wirklich explizit für Fans gemacht worden, wie beispielsweise wenn zur Vinyl von Haare nice, Socken fly von Dexter ein Paar Socken erhältlich sind und das für zwei oder drei Euro mehr, als die Vinyl ohne Socken. Auch gibt es Künstler, die ihre Boxen so voll packen, dass man meinen könnte, dass sie mindestens 60€ kosten könnte, aber dennoch bekommt man sie für einen durchschnittlichen Bodenpreis von 40€. (An dieser stelle Shoutout an Ruffiction!)

Ein weiterer Punkt sind die Vinyls in Boxen: Es wird immer Menschen geben, die sich beschweren, wenn in einer Box eine Vinyl ist, sie aber gar keinen Plattenspieler haben oder nutzen und es wird immer Leute geben, die sich beschweren, wenn keine Vinyl in der Box ist. Zu welcher dieser Gruppen ich gehöre ist wohl klar. Die Künstler, die keine Vinyl in ihrer Box haben wollen rechtfertigen dies dann oftmals damit, dass Leute ohne Plattenspieler ihr Geld dabei ja aus dem Fenster werfen würden. Mir stellt sich dabei aber immer die Frage, warum macht ihr es nicht wie Fatoni und bringt die Box in 2 Ausführungen raus, eben eine mit und eine ohne Schallplatten? Denn mit eurer Logik könnte man auch sagen, dass man kein T-Shirt in der Box haben will, weil nicht jeder eine Größe L tragen kann… (und dann macht Edgar Wasser so viele verschiedene Boxen, dass sich auch darüber niemand beschweren kann. Nochmals ein Shoutout!)

Boxen und Bundles sind eigentlich eine schöne Idee, denn wenn man zu einem Album noch ein paar Merchandise-Artikel dazu bekommt, an welchen andere Fans sehen können, dass man explizit diese Platte mag, dann ist das ja erstmal eine nette Sache. Blöd nur, dass das System für eine Platzierung in den Charts bei der Zusammenstellung einer Box meist eine größere Rolle spielt, als dieser Gedanke und blöd auch, dass irgendwelche Fans dann wie blind Boxen kaufen, egal was sich darin befindet.

Also liebe Rapper, die Deluxe Boxen nur für Chart-Platzierungen und nicht für eure Fans zu produzieren geht nicht klar. Wenn ihr von euren Fans weiterhin als Künstler ernstgenommen werden wollt, dann solltet ihr vielleicht coole Dinge, über die sich eure Fans freuen in eure Boxen packen und nicht irgendeinen Krusch, bei dem man das Gefühl hat, dass der einem Redakteur des YPS-Heft zu blöd war, um ihn zu seinem Heft anzubieten.

Am 16.03.18 erschien Juse Ju’s neues Album Shibuya Crossing und ich war zunächst nicht unglaublich geflasht. Aber wohingegen das vorherige Album Angst & Amor mich live unglaublich überzeugt hatte, da taten es bei Shibuya Crossing nur ein paar weitere Umdrehungen auf dem Plattenteller.

Aber zunächst stellt sich die Frage nach dem Albumtitel: schnell könnte man behaupten, dass sich dies auf die Reflexion von Juse Ju’s Kindheit in Japan beziehen könnte und auch wenn dies auf dem gleichnamigen Song auf dem Album so ist und die Thematik Japan an einigen weiteren Stellen des Albums angeschnitten wird und die Reflexion der eigenen Kindheit und Jugend den roten faden des Albums darstellt, so geht die Bedeutung dieses Titels tiefer. Laut Juse Ju stellt die Kreuzung in Shibuya zum einen etwas für Japan repräsentatives dar, zum anderen ist sie ein Ort von vielen internationalen Begegnungen. Aus eben letzterem Punkt ist dies eine gute Metapher für Juse Ju’s Kindheit und Jugend, denn diese spielte sich, wie wir im Laufe des Albums erfahren, nicht nur in Japan, sondern eben auch in der texanischen Grenzstadt El Paso oder in Kirchheim unter Teck.

Dennoch wird dieses Thema nicht in jedem Song explizit als solches behandelt und die Songs, die dies tun befinden sich dann eher in der zweiten Hälfte des Albums bzw. auf der B-Seite, welche direkt mit dem großartigen Storyteller-Song Bordertown beginnt, dieses Thema dann weiterhin in Pain is Love und Shibuya Crossing aufgenommen wird, jedoch andere Lebensabschnitte behandelt. In den Songs, die dieses Thema nicht explizit als solches behandelt wird, wird der rote Faden aufgegriffen, in dem eben der jetzige Zustand aufgegriffen, zu dem alle diese Einflüsse, von denen wir im Verlauf des Albums erfahren, geführt hat. Dies bezieht sich sowohl auf seinen Blick auf die Rapszene, aber auch auf eine emotionale Ebene, in der der Zustand beschrieben wird, inwiefern er im Leben steht.

Was das Album besonders abrundet, ist dass mit dem ersten Song Kirchheim Horizont, das Album durch einen solchen reflektierenden Song eröffnet wird. Im letzten Song Auch fällt auf, dass er hier, anders als in den anderen Songs, seine Mutter explizit mit “Mama” anspricht, womit eine unterbewusste Reflektion der Kindheit suggeriert wird. Dennoch wird der Song aus einer aktuellen Position in Juse Ju’s Leben erzählt, womit durch dieses Ende des Albums eine Art Rahmen geschaffen wird. Dieser Rahmen wird auch thematisch vom letzten Track selbst auf einer weiteren Ebene unterschwellig aufgegriffen. Wo im ersten Part eher Popkulturelle Referenzen wie zu Knight Rider auffallen, wird im zweiten Part eher von der aktuellen Ereignissen in seinem Leben erzählt. Das ganze spitzt sich dann nochmal erneut zu, als er davon spricht, dass er ein Hoverboard besitzt, wie es in Back to the future 2 gezeigt wird, besitzt, womit zum einen auf den Film von 1989 verwiesen wird, gleichzeitig aber auch auf das Jahr 2015, in welches Marty McFly reist, in dem besagte Hoverboards bereits erfunden sein sollen. Zwar besitzt Juse Ju wohl leider nicht wirklich ein Hoverboard, jedoch ist das Gefühl eines solchen Besitzes wohl durch das Gefühl was er im Song als wie auf Wolken laufen beschreibt, auf einer bestimmten Ebene gleizusetzen. Damit ist für ihn zumindest, drei Jahre nachdem das Hoverboard hätte spätestens erfunden worden sein sollen, das Schweben über dem Boden in bestimmter, emotionaler Weise Realität geworden.

Musikalisch fällt auf, dass es hier einige Sound- und Stilexperimente in verschiedene Richtung gibt, dennoch bildet das Album insgesamt einen einheitlich angenehmen und doch energischen Sound. Das ist insofern besonders beachtlich, da die Beats des Albums von sehr vielen verschiedenen, aber auch namenhaften Produzenten stammen. Die Liste aus C.O.W. 牛, Dexter, Torky Tork, Occupanther, Yourz, Shumee, The Gunna, Provo und Löve liest sich wirklich unglaublich und sogar Mine hat an der Produktion zu einem Song mitgewirkt.  Dabei haben alle diese Produzenten jeweils immer nur einen oder maximal zwei Beats produziert. Auch klingt die Beatauswahl sehr vielseitig, dennoch gibt es für mich keinen Song, der aus dem dadurch gemalten Soundbild des Albums herausfällt. Dabei fällt auf, dass der Übergang zwischen zwei Songs durch die unterschiedlichen Stile der Produzenten bzw. der einzelnen Beats für mich alles andere als vorhersehbar klingt und dadurch die Aufmerksamkeit immer wieder auf diese zieht,

Für mich stellt Shibuya Crossing ein unglaublich gutes Rapalbum und eine starke Steigerung seit Angst & Amor dar, obwohl ich es zunächst eher mittelmäßig fand, jedoch fallen mir nach mehrfachem Hören immer mehr Dinge auf, die mir gut gefallen, seien es nun Popkulturelle-Referenzen oder Wortspiele. Beispielsweise, dass der Titel des Songs von Pain is love einfach eine Referenz auf Ja Rules Album von 2001 ist. Besonders gut gefällt mir Propaganda, ein Song aus der Perspektive von jemandem, der an jeder Ecke eine Verschwörung sieht. Interessant dabei finde ich, dass der Song gerade in der von Danger Dan gesungenen Hook sehr eingängig und weniger Ernst klingt, man dadurch jedoch den Text so sehr im Kopf behält, dass man seine Aussage wohl auch stärker reflektiert. Zudem gefällt mir das Album durch Juse Ju’s zynische Art und Weise Texte zu schreiben, die genau meinen Humor trifft.

Für mich ist Shibuya Crossing bis jetzt eines der besten Alben die ich dieses Jahr gehört habe, weswegen eseine lange Warterei bis zur Tour wird, die erst im Herbst stattfindet. Allerdings kann ich Juse Ju jedem live nur dringend ans Herz legen und nach bisherigen Erwatungen denke ich, dass mir das Album nach dem Konzert noch ein wenig besser gefallen wird.

Ich denke auch, dass in diesem Album eine Menge Arbeit steckt, anders sehe ich das auch nicht. Auch verstehe ich gut was du bezüglich Ave Maria sagst, weil dies auch einer der Songs ist, die mir besser gefallen. Ich glaube aber, dass hier zu viel mit verschiedenen Stilen experimentiert wurde. Das kann dann auch sehr gut auf den einzelnen Songs funktionieren, das Album enthält in meinen Augen dadurch jedoch leider zu viele Brüche. Abgesehen davon kann ich mir gut vorstellen, dass bei der Arbeit für dieses Album viele Dinge einfach zu stark durchdacht werden sollten und überlegt wurde, wie die Songs nun klingen müssten, um gut bei allen Fans anzukommen. Ich denke dadurch resultiert für mich unter anderem die Oberflächlichkeit der Texte, die ich an manchen Stellen mehr sehe und an manchen Stellen weniger. Das alles klingt jetzt vielleicht so, als fände ich das Album unglaublich schlecht, aber so ist dem gar nicht. Es gibt ja auch ein paar Songs die ich wirklich gerne höre und die ich (auch in ihren Stilexperimenten) wirklich toll finde. Insgesamt ist es ja kein ausgesprochen schlechtes Album, sondern nur in Relation zu eRRdeKas bisheriger Musik für mich eher enttäuschend. Wie du werde ich mir das Album auch noch ein paar mal anhören.

Das eRRdeKa Konzert am 05.04.18 in Erlangen war für mich ja nicht mein erstes Konzert von ihm. Umso überraschter war ich davon, wie es lief. Zum einen war ich relativ verwundert, dass so wenig Leute zum Konzert gekommen waren, was aber, wenn man bedenkt, dass direkt am nächsten Tag ein Konzert in Nürnberg war(, was man also ganz leicht durch die S-Bahn erreichen hätte können), auch logisch ist. Im Gegensatz zum Tourauftakt in Erlangen war das Konzert in Nürnberg komplett ausverkauft. Zum anderen lief vieles sehr unsauber ab und die Stimmung, die während dem Konzert aufkam war nichts gerade außerordentlich berauschend.

Aber fangen wir ganz vorne an, also mit eRR’s Vorakt Corssen. Ich kannte weder ihn, noch seine Musik vor dem Konzert, weswegen ich eine völlig neutrale Erwartung an seinen Auftritt hatte. Wenn man sagen würde, der erste Eindruck zählt, so verspielte Corssen hier dabei direkt so einiges. Er performte mit einem Vocal Pitcher, also im Prinzip mit einem “Live-Autotune”, was jedoch bei seinem ersten Song dafür sorgte, dass er so dissonant neben dem Beat sang, dass es mir fast leid getan hätte. Das lag auch daran, dass mir nicht klar war, ob das nun an Corssen selbst oder an DJ cmyk lag. Nichtsdestotrotz legte Corssen mit seinen nächsten Songs so positiv nach, dass dieser erste Ausrutscher schnell so gut wie vergessen war. Zwar spielte er nur knapp eine halbe Stunde, aber der Rest seines Auftritts gefiel mir sehr gut. Die sehr sphärischen Beats gepaart mit dem Autotune Sound, der sich bei den nächsten Songs viel besser mit dem Sound der Beats ergänzte, erzeugten für mich einen ziemlich mitziehenden Vibe und auch im Rückblick einen sehr Positiven Eindruck seiner Musik, in die ich mich auf jeden Fall noch ein wenig reinhören werde, Falls ihr auch mal in seine Musik reinhören wollt, habe ich euch hier seinen Soundcloud-Account verlinkt.

Nun also zu eRRdeKa selbst... Ich bin ja schon ein ziemlicher Fanboy, aber bereits das Album SOLO war für mich nicht unbedingt das was ich gerne gehört hätte. Viele Songs waren mir zu poppig, zu Singer/Songwriter-mäßig, einige Texte schienen mir stellenweise nicht so solide getextet, wie ich es von eRR gewohnt war. Wenn man die vielen Mixtapes mal außen vor lässt und nur von den Alben ausgeht, dann charakterisierten sich die Texte auf dem ersten Album Paradies für mich vor allem durch ihre emotionale Tiefe und geschickt geschriebene Metaphorik und auf dem darauf folgenden Rapunderdog durch stichelnde Provokanz und Wortwitz. Auf SOLO fallen mir vorallem die oberflächlichen und pseudopoetischen Textpassagen auf. Zwar finde ich auch einige der Songs auf dem Album ganz gut, wenn ich allerdings das Album am Stück höre habe ich leider eindeutig das Gefühl, dass es ein Konzeptalbum geworden ist, mit dem eben mehrere Zielgruppen, die eRRdeKa nunmal durch verschiedene Thematiken erreicht, angesprochen werden sollen. In meinen Augen ist ihm dabei der Spagat zwischen den verschiedenen Styles, nicht nur thematisch, sondern auch musikalisch, nicht unbedingt besonders gut gelungen und der rote Faden des Albums ist für mich leider sehr schwer erkennbar. Die Wahl der Produzenten, die die Beatskizzen, welche eRR wohl alle selber produziert hatte, ausproduzierten, hätte durch die Differenz des eher experimentelleren Max Mostley und den eher poppigeren Jules Kalmbacher und Benedikt Maile eine interessante Mischung ergeben können. Doch auch hier wirkt das Ergebnis eher unzusammenhängend und als Gesamtkunstwerk nicht vollständig ausgereift. Dennoch möchte ich dem Album seine starken Momente gar nicht absprechen und so einige Songs sind sicherlich auch gelungen. Vermutlich gilt das auch für mehr Lieder, als die, die mich wirklich ansprechen, aber hier gilt für mich gerade nach mehrfachem Durchhörens des gesamten Albums leider, eine Kette ist nur so stark wie ihr schwächstes Glied.

A post shared by Linus a.k.a.🌊¥ung⚡️£eanus💦 (@schwarzweissmaler) on Apr 5, 2018 at 3:59pm PDT

Für das Konzert hatte ich deswegen auch gehofft, dass mich noch einige weitere Songs live abholen könnten und möglicherweise wäre das auch passiert, wäre da nicht so viel gewesen was mich an diesem Auftritt gestört hat. Damit meine ich gar nicht, dass er kaum Songs gespielt hat, die nicht auf dem Album waren, das ist bei einer Album-Tour ja vollkommen legitim. Was mich störte waren andere Dinge. Besonders in Erinnerung geblieben ist mir, dass eRR immer wieder davon sprach, dass der Auftritt in Erlangen für ihn soetwas wie eine Generalprobe für die Tour wäre. Und so unangenehm mir diese Aussage auch vorkam, der Auftritt fühlte sich tatsächlich nur wie eine Generalprobe an und dabei wie eine, bei der nicht unbedingt alles glatt lief. Mehrfach brauchten er und sein DJ bei Songs mehrere Anläufe um die Einsätze richtig zu treffen, der Auftritt dauerte nicht besonders lang an, weswegen ich mir nicht sicher bin, ob sie die gesamte Set-List durchgespielt hatten und die Ausgelassenheit der Stimmung hielt sich während des gesamten Auftrittes in Grenzen. Dies ist allerdings auch den, wie zu Anfang bereits erwähnt, eher wenigen Besuchern zuzuschreiben, von denen manche sogar einfach am Rand saßen oder es vorzogen den gesamten Auftritt über Snapchat zu filmen statt ihren Blick auf die Bühne zu richten. Auf der anderen Seite lag es für mich aber zu Anfang auch an der Set-List, welche mit sehr vielen ruhigen Songs anfing, wodurch meiner Meinung nach sehr viel Potential für eine gute Stimmung verschenkt wurde. Das eRRdeKa nach diesem Auftritt nichtmal einen einzelnen Song als Zugabe spielte überraschte mich deswegen weniger. Insgesamt war ich also eher enttäuscht vom Konzert, allerdings kann das auch an diesem einzelnen Auftritt liegen, zumal ich schon von mehreren Leuten gehört habe, dass der Auftritt in Nürnberg wirklich gut gewesen sein soll. Ich wüsste gerne, ob ich Zugang zu mehr von den Songs vom Album gefunden hätte, wenn ich zu diesem Konzert gegangen wäre. Doch bei diesem Konzert hatte ich eher das Gefühl, dass der Auftritt vorbei war, bevor er überhaupt richtig angefangen hatte. Trotz alledem war ich froh das Konzert besucht zu haben. Als großer eRRdeKa-Fan hat es mir immernoch Spaß gemacht ihn live zu sehen, denn auch wenn ich denke, dass er einiges mehr aus dem Auftritt hätte machen können, war seine Performance gewohnt kraftvoll und wäre bestimmt auch mitreißend gewesen, wäre alles oder zumindest weniger von den gerade beschriebenen Dingen anders gewesen.

Als am 08.02. Winter in Frankfurt von Vega als Single vom kommenden Album V (was wohl der simpelste Albumtitel in der bisherigen Deutschrap-Hitorie ist) rauskam , war meinerster Gedanke, dass der Song eine Antwort auf Juju’s drei Wochen zuvor veröffentlichten Song Winter in Berlin wäre. Dann fiel mir ein, dass es ja bereits 2009 auf Lieber bleib’ ich broke von Vega ein Lied mit dem Titel Winter gab(, den ich immernoch immer wieder gerne höre) und insgeheim hätte ich ab da wohl fast auf einen zweiten Teil dessen gehofft. Doch was Winter in Frankfurt ist, ist irgendetwas zwischen diesen beiden Gedanken und dann doch wieder gar nicht.

Vorab ein paar allgemeine Worte zu Vega... Wo fange ich an? Es war bisher immer eine ziemlich zwiegespaltene Beziehung zwischen seiner Musik und mir. Zum einen finde ich seine tiefgründigeren Lieder unglaublich gut getextet, denn sein Schreibstil, sowie auf seine Delivery treffen bei mir sehr zielsicher einen Nerv. Ein gutes Beispiel dafür wäre Ich will raus mit dir, was ich zur Zeit wieder sehr gerne höre. Auf der anderen Seite gibt es dann Songs die aggressiver sind, hasserfüllter und die holen mich aus irgendeinem Grund nur sehr selten ab, wenn ich in genau der richtigen Stimmung dazu bin(, aber jedem das seine). Das ist nun allerdings so selten der Fall, dass ich mich nie so außerordentlich intensiv mit ihm beschäftigt habe wie mit manch’ anderem Musiker.

Doch Winter in Frankfurt ist definitiv ein Song, der mich von Anfang an in seinem Bann gehalten hat. Beim ersten Einsetzen der Streicher, im ersten Takt hatte mich der Beat in der Hand und das ganze dabei ohne übertriebene Synthesizersounds und 808-Drums auf 150bpm. Denn egal wie gut so einige Trap-Songs auch sein mögen, der Großteil dieser Beats und Texte klingen für mich wie die Rap-gewordene Doktorarbeit von Karl-Theodor zu Guttenberg und enttäuschen dabei doch immerwieder durch Effekthascherei. Der Beat von Winter in Frankfurt tut hier genau das Gegenteil für mich, er überzeugt mit einer ruhigen und dennoch emotional geladenen Atmosphäre. Akzente in Hook und Strophe werden subtil und stets an der richtigen Stelle gebraucht und dasselbe gilt auch für die sparsam, ausschließlich in der Hook genutzten choralähnlichen, zusätzlichen Vocals.

Der Text handelt, wie hätte man es bei Vega oder dem Songtitel auch anders erwartet, von Vega’s Liebe zu Frankfurt. Doch dabei wird Frankfurt nicht in den Himmel gelobt, stattdessen kommen in erster Linie die dreckigen und unschönen Seiten der Stadt zur Geltung, die Kriminalität und Armut, die in dieser Stadt gleichsam Zuhause sind wie das Geld ihrer Banken. Doch anstatt die Stadt an sich dafür zu hassen, rappt Vega von seiner Liebe zu ihr, weil eben diese Stadt ihn zu dem gemacht hat, der er nun ist, weil er sich als einen Teil von ihr sieht und sie als ein Teil von sich. Doch gerade weil er seiner Stadt verspricht sich nicht von ihr abzuwenden, heißt das auch, dass er weiterhin (in manchen Punkten mehr, in manchen Punkten weniger) reflektiert ihre Schattenseiten betrachtet und sich als einen Teil eines Widerstands gegen diese Ungleichheit sieht, denn so rappt er:

“Diese Stadt ist der Turmbau zu Babel Jeder Assi hier ist gegen den Strom deshalb reden wir so”

Das Musikvideo untermalt das ganze sehr betonend. Es ist ein Zusammenschnitt aus historischen Aufnahmen Frankfurts, aus Aufnahmen des Elends, das in Frankfurt herrscht, aus Bänkern, die in teuren Anzügen und aus Bildern von Frankfurter Rapgrößen wie beispielsweise Azad oder Credibil. Dabei fällt auf, dass die Stadt dabei auch visuell nicht eindeutig verteufelt wird, doch genauso wenig wird sie außschließlich Imagefilm-mäßig schön dargestellt. Doch das Aufgreifen dieser beider Realisierungsmöglichkeiten stellt den Kontrast der Thematik sehr passend dar.

Insgesamt ist Winter in Frankfurt für mich eindeutig ein großartiges Lied, denn Vega zeigt für mich damit mal wieder, wie gut er es schafft Emotionen durch seine Musik zu transportieren.

Was haltet ihr von dem Lied und wie steht ihr insgesamt zu Vegas Musik?

Jajajajajajaja ich habe schon wieder EWIG nichts geschrieben und da das jetzt ja wirklich nicht zum ersten Mal passiert, überspringen wir das übliche Blabla hierüber einfach und widmen uns inhaltlich relevanteren Dingen.

Genau das ist Ein schöner Tag (schade, dass Krieg ist) nämlich. Ein Song, der auf dem kommenden Debüt Album WutKitsch sein wird und das von nicht greifbarem Weltschmerz und den dementgegenstehenden First-World-Problemen handelt mit denen wir nunmal zu “kämpfen” haben. Das hiebei ausgelöste Gefühl wird durch die alltägliche Präsenz der hierbei gewählten Beispiele unglaublich verständlich und gleichzeitig bleibt das Unverständnis gegenüber dieser Beispiele stets gegenwärtig. Die lyrisch gezeichneten Bilder lassen einen sehr schnell den verwirrenden Ausgangspunkt, von dem aus die Band hier ihre Sicht der Dinge ausdrücken.

Musikalisch beginnt das Lied bereits am Anfang unglaublich energetisch, hält diese Energie dann erstmal, um sie im Refrain nochmal zu verstärken. Das geht bis zu einer kurz anhaltenden, ruhigen Bridge, bei der aber ab dem ersten Ton klar ist, dass sich hier nur auf eine letzte Steigerung vorbereitet wird, die einen schlussendlich aufs beste mitreisst. Doch wo die einzelnen Strophen doch eher aggressiv rüberkommen, da klingt der Refrain durch einige Elemente plötzlich popiger. Da haben wir einen Chorus, wie man ihn eigentlich nicht mehr hören kann, der ans an den Refrain hinführt, einen etwas melodischer gesungenen Text. Eine sehr geglückte musikalische Umsetzung des im Text beschriebenen Zwispaltes wie ich finde.

Das Video den Text unwahrscheinlich gut auf. Ein immer wiederkehrender Wechsel zwischen Bildern von Krieg und Zerstörung und Bildern die eine heile Welt darstellen zeigt das im Lied metaphorisch beschriebene Ungleichgewicht. Darüber sehen wir transparent den Sänger der Band, der in voller Ekstase performed. Das ganze wird immer wieder verzerrt, farblich verfälscht und durch weitere Bildeffekte versetzt, wodurch es sehr schwierig wird, die einzelnen Impressionen aufzunehmen, wodurch die Ungreifbarkeit der Thematik noch verbildlicht wird.

In meinen Augen wirkt das gesamte Musikvideo bzw. der ganze Song durch dieses Zusammenspiel dieser einzelnen Ebenen unglaublich durchdacht.

Was mir besonders aufgefallen ist, ist die Bridge hin zum letzten Refrain, die mich in den Gitarren irgendwie an Jimi Hendrix’s Cover von All Along The Watchtower erinnert und mir wirklich sehr gefällt.

Insgesamt bringt die Thematik des Liedes und dabei auch die unglaublich gelungene Vermittlung für mich den Namen des kommenden Debüt-Albums WutKitsch ziemlich akkurat auf den Punkt. Ich muss sagen, dass mich seit einer Weile kein Song so sehr in seinen Bann gezogen hat wie Ein schöner Tag (schade, dass Krieg ist).

Deswegen freue ich mich auch jetzt schon sehr auf das am 23.02.18 erscheinende Album WutKitsch.

Wie sieht es bei euch aus? Wie findet ihr den Song und die Band?

Über die von sich selbst als “Alternative Funk Rock”definierte Band ULTRASCHALL hatte ich ja bereits schon einmal gebloggt. Den Blogeintrag zur Proberaum-Session findet ihr hier.

Ihr offizielles Debüt bringen die Jungs aber erst raus. Den Titeltrack dieser EP gibt es als ersten Eindruck schon zu hören und das inklusive Musikvideo.

Dieser erste Song beginnt im Intro ziemlich beschwingt, wird dann in den Strophen etwas ruhiger, wobei hier der Funk-Rock Teil ihrer Genre-Selbstdefinition für mich besonders klar hervortritt, was vermutlich vom gezupftem Bass herrührt. Zum Refrain hin spitzt sich die Stimmung in der Strophe langsam, aber deutlich zu. Der Song wird hier sehr viel lauter, sehr viel energischer und vor allem auch emotional beflügelter, was hier sehr gut den Inhalt des Textes unterstreicht(, wozu wir später noch kommen werden). Besonders deutlich wird diese Zuspitzung vor dem abschließenden Refrain, wo noch ein rein Instrumenteller Part eingeschoben wird(, auf den ich ebenfalls in Bezug auf den Inhat erneut eingehen werde). Der Rückwechsel zur Stimmung der Strophe hingegen geschieht relativ kurz und schmerzlos, aber dennoch sind die einzelnen Teile gut aufeinander abgestimmt, so dass der Song nicht nach einem seltsamem Hin-und Herschwenken zwischen Genres klingt, sondern den Charakter einer interessanten Mischung trägt.

Der Song erzählt über gesellschaftlichen Druck, davon in eine bestimmte Rolle gedrückt zu werden und wie schwierig es ist, sich dagegen zu wehren. Diese Anpassung wird hier mit Maskierungen verglichen, also dem Unterdrücken der eigenen Persönlichkeit und dem Überdecken dieser durch eine Fassade, wobei hierbei die Individualität oder auch die eigene Persönlichkeit versteckt wird. Diese gesellschaftliche Erwartung wird hierbei durch sehr schöne Metaphern als eine einengende und lebensbedrohende Problematik beschrieben. ULTRASCHALL erzählen hierbei davon, dass man durch das “aufsetzen” einer gesellschaftskonformen Persönlichkeit keine neue Persönlichkeit erlangt, sondern vielmehr seine eigene Identität nur verliert. Dem soll man durch das offene Zeigen der eigenen Wesenszüge entgegen wirken können, was sehr schön durch den sehr energetisch und fast schon wütend gesungenen Refrain untermalt wird. Die letzte Strophe wird mit den Worten

“also wagen wir es zu riskieren zeigen wir uns unmaskiert“

beendet, woraufhin der bereits erwähnte instrumentale Part einsetzt, der somit (in meinen Augen) also für ein ungefiltertes Auslassen der eigenen individuellen Persönlichkeit steht und dadurch auch für ein Ausbrechen aus gesellschaftlichen Konventionen. Ein sehr gelungenes Stilmittel wie ich finde.

Im Text wird gegen Ende der Zweiten Strophe erwähnt, dass Kinder, die noch unschuldig sind und den gesellschaftlichen Druck durch ihre kindliche, ungehemmte Art zu denken nicht nachvollziehen können. Deshalb wird durch das Musikvideo hierzu ein wirklich ungemein treffendes Bild geliefert. Hier sieht man, wie ein Mädchen von maskierten Personen durch ein Labyrinth gejagt wird, bis sie schließlich auf einen Maskiertenmit einer Eselsmaske trifft,was ein Sinnbild für einen Narren erzeugt, der ihr eine Kiste überreicht, in der sich ihre persönliche Maske befindet. Man könnte also sagen, das Video zeigt den Versuch dem gesellschaftlichen Druck zu entkommen, der fordert seine kindliche Seite und auch seine Persönlichkeit, seine Individualität aufzugeben bzw. diese zu untergraben. Abgerundet wird die Geschichte des Videos damit, dass das Mädchen in ihrem Bett aufwacht, jedoch hängt ihre Maske an ihrem Bettpfosten. Ob es sich bei der vorangegangenen Sequenz also um einen Traum oder um die Realität handelt wird nicht beantwortet. Das ganze wird in sehr schönen und aufwendig produzierten Bildern erzählt. Besonders gut gefallen mir hier die Masken, die sehr durchdacht und liebevoll gestaltet anmuten. In meinen Augen ein wirklich sehr gelungenes Musikvideo.

Abschliesend kann ich sagen, dass mir der Song wirklich gut gefällt, er bringt dass was er sagen will sehr bildlich rüber und ich mag den Sound der Band sehr. Die Debüt-EP mit dem Titel Art zu Sein erscheint am 30.11.17 und ich bin schon sehr gespannt da mal reinzuhören.  (Zur Website von ULTRASCHALL kommt ihr hier)

Wie findet ihr den Song denn? Was haltet ihr so von der Band? Lasst mich das doch gerne wissen!

 Immer wieder merke ich in Gesprächen mit anderen Rap-Fans , wie wenig Bedeutung den Produzenten von Rap-Songs in ihrer Rolle als Mitgestalter des Liedes angerechnet wird. Klar höre ich oft Dinge wie, „Boah, ist das ein doper Beat!“ oder „Jeder Beat auf dem Album ist ein richtiges Brett!“ und dennoch weiss dann kaum jemand, wer diesen Beat produziert hat.

Anstatt, dass man sich dann damit beschäftigt, wer diesen Beat so „dope“ und zu diesem „Brett“ gemacht hat, der er ist, wird auch der Beat oft dem Rapper hoch angerechnet.

Es kann doch nicht wahr sein, dass Rapper in Interviews für die Auswahl der Beats auf ihrem Album gelobt werden und dann werden die Produzenten genau dieser Beats nicht erwähnt. Es kann doch nicht wahr sein, dass im Titel eines Musikvideos der Name des Produzenten höchstens in Klammern hinter dem Namen des Songs steht und dabei nicht einmal neben dem Namen des Rappers steht. Dabei geht es doch um künstlerische Werke, die aufeinander aufbauen oder etwa nicht? Klar ist das immer noch besser, als wenn der Name des Produzenten gar nicht zu finden ist und immerhin wird das auch immer mehr zum Standard, aber ist es denn so schlimm für einen Rapper, wenn der Produzent als Künstler mit tragender Rolle in der Entwicklung des Endproduktes, sei es nun ein Song oder ein ganzes Album, angesehen wird?

Es kann doch nicht wahr sein, dass Menschen in der Bahn neben jemandem sitzen, den sie nie im Leben erkennen würden, obwohl dieser jemand eine Goldplatte eines ihrer Lieblingssongs an der Wand hängen hat! Und doch passiert sowas immer wieder, wenn die Verknüpfung zwischen dem Musiker, der das Instrumental produziert hat und dem Instrumental selbst nicht ersichtlich ist. Dabei kommt es mir so vor, dass je bekannter ein Rapper ist, desto weniger deutlich wird der Produzent erwähnt. Natürlich darf man das nicht verallgemeinern, Marteria zum Beispiel schreibt deutlich unter die Trackliste seines neuen Albums Roswell, dass alle Songs von The Krauts produziert sind. Aber schaut euch mal die Rückseiten der neusten CDs von Rappern wie Kool Savas, Casper, Kollegah, Eko Fresh, Fard, Kontra K und so weiter an.

Glücklicherweise gibt es doch schon einige Beispiele dafür, dass der Produzent ebenfalls seinen Namen deutlich unter ein Album setzen darf und kann. Da sind beispielsweise Fatoni und Dexter, Edward Scissortongue und Lamplighter, Chima Ede und Ghanian Stallion oder Johnny Rakete und Hawk One. Oder aber Alben, auf denen ein Produzent viele Rapper auf seinen Beats versammelt, wie beispielsweise Palmen & Freunde von Dexter. Wieso wird sich das nicht von mehr Künstlern zum Vorbild genommen?

Jetzt könnte man natürlich sagen, dass man die Produzenten ja auch im Booklet oder auf anderem Wege herausfinden könnte. Aber wenn ich erst danach suchen muss, dann ist es auch viel unwahrscheinlicher, dass jemand zufällig über den Namen des Produzenten stolpert. Wer weiß, wie viel mehr Menschen sich für die Leute hinter den Beats interessieren würden, wenn diese deutlicher hervorgehoben werden würden. Möglicherweise ist es einigen Leuten gar nicht klar, dass sie sich auch für den Künstler hinter dem Instrumental und nicht nur für den Künstler hinter dem Text und dem Rap interessieren. 

Wie wäre es denn, wenn ihr lieben Sprechgesangsartisten auf die Rückseite jeder Plattenhülle nicht nur eine Liste der Songs druckt, sondern zu jedem Song auch den zugehörigen Produzenten? Denn (und ich bin mir manchmal wirklich nicht sicher ob ihr euch dessen bewusst seid,) diese Produzenten tragen einen gehörigen Teil zum Klangbild eurer Alben hinzu (!!!), so einige eurer Hörer würden es euch höchst positiv anrechnen, wenn die Suche nach euren Produzenten leichter gemacht wird und die Produzenten selber würden mehr in der Öffentlichkeit stehen, sofern sie das eben möchten.

Ich muss ehrlich sagen, dass ich mich damit nicht so intensiv auseinandergesetzt habe, wie mit Streaming-Diensten für Musik. Soweit ich weiss ist es aber so, dass Netflix eine Lizenz für eine Serie oder einen Film für einen bestimmten Zeitraum bezahlt und in diesem Zeitraum darf dieser Film/diese Serie dann zur Verfügung gestellt werden. Das ist anders, als bei den Musik-Streaming-Diensten, die Musik permanent zur Verfügung stellen und ausschließlich zahlen, wenn diese gespielt wird. 

Die Produzenten des Films oder der Serie verdienen also daran, wie wenn ein Privater Sender wie Pro7 sich Senderechte an dem Film/der Serie einkaufen würde.Außerdem kann man ja auch an den von Netflix produzierten Filmen und Serien sehen, dass hier ein gewisses Budget in solche gesteckt werden kann. Diese sind oftmals aufwendig produziert und es spielen auch mehr und mehr bekannte Schauspieler mit, welche auch höhere Gagen verlangen, als unbekanntere Schauspieler.

Am 13.05.17 hatten die Jungs von Autumn Kids ,eine noch relativ junge Emotive Hardcore Band, ihren ersten Auftritt im Domino in Coburg, auch wenn sich das während ihrem Auftritt absolut nicht so angefühlt hat.

Aber vorher ein kurzer Abriss, was ich über ihre Musik denke. Mir persönlich sagen die Spannungsbögen ihrer Songs bisher sehr zu. Jeder Melodie- oder Rhythmuswechsel sitzt für mich an der Richtigen Stelle, dennoch wirken diese keineswegs vorhersehbar. Die einzelnen Songs wirkten auf mich in sich ziemlich rund und man merkt, wie viel Liebe zur Musik hier hinein gesteckt wurde. Meist waren diese sehr mitreißend und trotz der relativ kleinen Location, versuchte der ein oder andere dann doch einen größeren Moshpit zu ertanzen. Warum das nicht so unbedingt geklappt hat, kann ich ehrlich gesagt gar nicht so recht erklären. Ich für meinen Teil wollte die Musik in diesem Moment einfach nur auf mich wirken lassen. Möglicherweise ging es vielen anderen Konzertbesuchern ähnlich. Die dadurch entstehende, ziemlich familiär anmutende Atmosphäre  gefiel mir unglaublich gut.

Ebenfalls rund wirkte der gesamte Auftritt auf mich. Wenn ich nicht gewusst hätte, dass das ihr erster Gig ist, ich hätte es bei bestem Willen nicht selber erkannt. Insgesamt strahlten die 4 eine gewisse Selbstsicherheit aus. Dafür haben sie wirklich meinen größten Respekt, denn wenn ich so einen Gig spielen würde, so würde man mir definitiv anmerken, wie riesig meine Angst wäre. Aber Autumn Kids wirkten dabei sehr routiniert und zeigten stattdessen, wie gut sie beim spielen ihrer Songs miteinander harmonieren.

Insgesamt war es ein sehr mitreißender Auftritt, mit Musik, die mich wirklich ungemein positiv überrascht hat. Ich bin auf jeden Fall gespannt, was sich daraus entwickeln wird und werde auf jeden Fall auf dem ein oder anderen ihrer zukünftigen Konzert am Start sein.

Und falls diese Konzerte bei euch in der Nähe stattfinden sollten, dann fühlt euch ruhig davon angesprochen und kommt mal vorbei!

Im Nachhinein hätte ich gerne schon etwas zum Song Fenster geschrieben, aber mittlerweile brauche ich ja auch nicht mehr darüber reden, dass ich gerne mehr bloggen würde...

Der Grund weswegen ich gerne über Fenster geschrieben hätte, ist, dass eine bestimmte Person in diesem Video (zusätzlich zum Song selber) für Aufsehen unter den Kraftklub-Hörern gesorgt hat. Aber dazu kommen wir später.

Zunächst zu Sklave:

Der Song setzt ganz sanft mit sehr hohen Vocals ein und steigert sich dann mit einem Intro ein Thema aus Synthesizer-Sounds, das sich im Refrain wiederholt und mich stark an New Wave oder Synthie Pop Lieder erinnert. Diese Einflüsse vermischen sich in den Strophen dann mit dem klassischen “Punk-Rock-Rap-Boy-Band-Kraftklubsound”, den man von den vorherigen Alben kennt. Mir persönlich gefällt diese Mischung sehr gut und überzeugt mich noch ein wenig mehr vom heute (02.06.2017) erscheinenden Album Keine Nacht für niemand.

Der Text handelt davon sich ganz und gar der Arbeit zu verschreiben. Der Begriff Sklave steht hier nicht nur für eine vollkommene Untergebenheit zu seinem Herren bzw. seinem Chef, sondern auch dafür, sein ganzen Lebensinhalt auf seine beruflichen Tätigkeiten zu beschränken. Kraftklub zeichnen hier ein utopisches Bild eines Arbeitnehmers, welches man fast als heuchlerisch beschreiben könnte. Denn so wie der aus der Ich-Perspektive erzählende Charakter seine Einstellung zur Arbeit beschreibt, wäre er durch sein unglaubliches “Engagement” der Traum-Arbeitnehmer für so ziemlich jeden Arbeitgeber. Das ein solches Leben mit großer Wahrscheinlichkeit zu einem Burn Out führt, sollte jedem mit gesundem Menschenverstand klar sein. Damit kritisieren die Jungs also unsere derzeitige Leistungsgesellschaft, indem sie eine fiktive Person erfinden, die perfekt in diese passen würde. 

Das Video spiegelt in erster Linie einen tristen Arbeitsalltag sehr gut wieder. Auf der anderen Seite kann werden “Sticheleien am Arbeitsplatz” gezeigt. Diese zeigen in verschiedene Richtungen, wie Mobbing am Arbeitsplatz aussehen kann. Das ganze ist in schönen Bildern eingefangen und lässt sich durch die gut getroffene Atmosphäre schön anschauen, ohne dabei die Problematiken hinter diesen Themen zu vernachlässigen.

Was allerdings wohl nicht nur mir bei dem Song aufgefallen ist, ist dass der Refrain sich auf ein Zitat von den Ärzten stützt und den ganzen Song darauf aufbaut:

“Lass mich dein Sklave sein!” ~ Die Ärzte - Bitte, bitte

Das könnte man jetzt wohl als unkreativ abstempeln, wo diese sehr stark ins Auge (oder Ohr) fallenden Referenzen sich wie ein roter Faden durch alles ziehen, was bisher vom Album veröffentlicht ist. So auch die Referenz im Refrain des  bereits erwähnten Liedes Fenster: 

“Spring aus dem Fenster für mich”

Dieser Satz bezieht sich auf einen Song der Ärzte, der sich ebenfalls mit rechtem Gedankengut befasst, dies aber aus einer anderen Perspektive:

“Bitte spring doch aus dem Fenster”  ~ Die Ärzte - Ohne dich

Hinzu kommt, dass Farin Urlaub von den Ärzten persönlich am Ende des Songs Fenster den Refrain singt, was uns wieder zum Einstieg dieses Blogeintrag’s bringt. Warum das ganze? Ist Farin Urlaub jetzt der sechste Mann hinter Kraftklub und derjenige, der entscheidet, wie sich die neue Musik anhören soll? Wohl kaum, denn neben den vielen Referenzen zu den Ärzten gibt es noch weit mehr Einflüsse, die einem auffallen könnten. Beispielsweise der Satz:

“Business, ich mache Business Ich bin der Boss”

Das erinnert mich stark an einen Song von  Deutsch-Österreichisches Feingefühl:

“Hässlich, ich bin so hässlich, Ich bin der Hass” ~  Deutsch-Österreichisches Feingefühl -  Codo (Ich düse, düse im Sauseschritt)

Aber auch musikalisch erinnert mich die ein oder andere Passage an andere Songs, wie zum Beispiel an Smalltown Boy von Bronski Beat im Gesang oder an diverse andere Einflüsse in den Melodien.

Doch warum so viele Referenzen zu den Ärzten? Es könnte auch ein gegenseitiges auf einander zu kommen sein. Als das letzte Album von Kraftklub veröffentlicht wurde, wurde ebenfalls das Album von Farin Urlaub Racing Team unter dem Titel Faszination Weltraum veröffentlicht. In ihrer Promophase stichelte Kraftklub (im speziellen Felix) ein paar mal spaßeshalber gegen Farin Urlaub. Möglicherweise soll das jetzt deutlich aufzeigen, dass beide Parteien nichts gegeneinander haben. Doch vielleicht machen sie auch nur zusammen Musik, weil sie da Lust drauf haben. In meinen Augen sind die Referenzen, wenn sie auch sehr hervorstechen, schön umgesetzt und die Songs gefallen mir sehr gut.

Wenn ihr hier klickt, könnt ihr euch das Album bestellen (und meinen Blog mit eurem Kauf ein wenig unterstützen).

Was denkt Ihr über die starken Bezüge auf die Ärzte in den Songs, wie findet ihr die Songs und falls ihr das Album schon gehört habt, wie findet ihr dieses?