Music'n'talk

L’Eurovision, pour certains, il s’agît uniquement d’une vaste représentation des folklores locaux et un concours de chant des plus kitchs. D’autres n’oublient pas qu’il s’agît d’un concours diffusé et rediffusé dans toute l’Europe, en direct, et devant des millions de téléspectateurs.

Parmi eux, on retrouve quatre jeunes d’Aulnay-sous-Bois avec la folle ambition d’être choisi par France télévision. Accompagné de l’orchestre symphonique d’Aulnay, ils désirent faire honneur à la France et ont déposé une candidature auprès de France télévision. L’initiative laisse songeur mais la réalité des faits montre que cela est tout à fait possible. Face aux échecs répétés de la France, peu importe la célébrité du/des représentant(s), il semble logique d’envoyer des jeunes avec une forte motivation afin de briller voire, peut-être, caresser l’espoir d’un réel tremplin. 

D’ordinaire, l’Eurovision est un défouloir et une bonne soirée de rires mais lorsque j’ai appris qu’un ancien camarade de classe désirait y participer, j’ai compris quel espoir pouvait représenter cette compétition. 

Il est possible de voir et revoir leur interview dans La Nouvelle Edition puis d’aller les soutenir sur Facebook et de visiter leur site. 

Puis, il n’y a pas que VALD qui vient d’Aulnay..

Le Canada et surtout le Québec ne nous ont pas offert uniquement Céline Dion, Natacha St-Pierre, le Roi Heenok ou Garou. Parmi la scène canadienne, on retrouve aussi A-trak, Arcade Fire, Mac Demarco, Koriass, Kaytranada et depuis quelques années, les talentueux Loud Lary Ajust. En une dizaine de questions, le trio se dévoile et attise la curiosité autour de la scène québécoise.

Réponses d’Ajust

Loud Lary Ajust, c'est pour vous trois, les membres du groupe. Comment en êtes-vous venus à la musique, à vous connaître et à former Loud Lary Ajust ?

En ce qui a trait à la formation du groupe, pour faire un histoire courte, Loud et Lary sont des amis depuis l'école secondaire (lycée). Ils faisaient du rap en duo à cette époque. Quelques années plus tard, Ajust a rencontré Loud par l'entremise d'un ami qu'ils avaient en commun. Après quelques collaborations, le groupe s'est officiellement formé et on a sorti notre premier album en mai 2012.

Le hip hop, est-ce votre influence majeure ? Quels sont vos influences (groupes) ? 

On est influencés par l'art en général mais le hip-hop, c'est certainement une de nos plus grandes influences. On écoute du rap depuis qu'on a 9-10 ans. IAM et Wu-Tang nous on introduit à ce rap jeu. Comme dirait le Roi Heenok, "je suis étudiant de Mobb Deep, Prodigy, Raekwon The Chef...". Tout comme lui, on a appris les rudiments à l'école du rap de la Côte Est.

D'un point de vu totalement extérieur, je connais Kaytranada, Koriass et vous de la scène canadienne. Qui nous conseillez-vous d'écouter de cette scène?

Il y a d'excellents rappeurs / groupes de rap francophone au Québec. On suggère Alaclair Ensemble et Dead Obies si vous ne les connaissez pas déjà. Sinon, le "beat scene" de Montréal est sous les projecteurs depuis quelques années. Plusieurs producteurs d'ici (Shash'u, Jacques Greene, Lunice, High Klassified, Da-P, Tommy Kruise, etc.) ont su s'exporter et avoir du succès à l'international.

Réponse de Loud

Il y a deux Eps avec Ô Mon Dieu et Gullywood ainsi qu'un album avec Blue Volvo, à quand la suite ?

Au moment de faire cette entrevue on est entrain de finaliser un tout nouveau EP prévue pour début 2016. Le titre et les détails seront dévoilés sous peu.

Concernant votre écriture/composition, j'ai quelques questions aussi. On ressent des influences américaines au niveau des instrus et de la façon de kicker et cela est mélangé à cette francophonie. Comment conciliez-vous les deux ?

Pour nous le mélange des langues se fait naturellement. Montréal est une ville bilingue et le franglais est présent depuis plusieurs années dans le langage populaire. Ça nous permet de travailler avec un lexique beaucoup plus large et d’explorer des sonorités qui n’ont pas encore été surexploitées. Il s’agit toujours de bien le doser et c’est quelque chose que l’on fait un peu instinctivement.

La culture américaine a toujours fait partie de nos vie, particulièrement en musique mais au finale si tu oeuvres dans la musique rap je crois qu’il est inévitable que tu ais des références américaines. Est-ce qu’on dirait d’un groupe reggae qu’il a un son jamaïcain?

En vous écoutant, un univers assez sombre se dégage avec Rien ne va plus, Hôtel Hell, Tiens mon Drink, Mort Lente ou 14 am. Dans les représentations européennes et françaises, le Canada serait une société sérieuse et calme comparée au voisin états-unien, j'ai presque l'impression que nous sommes complètement dans le faux en vous écoutant, non ?

Je ne saurais dire si notre musique est vraiment représentative du Canada. On y dépeint surtout la réalité de la jeunesse montréalaise et on recherche souvent l’intensité et l’émotion. On peut parler d’angoisse et de doute autant que d’ambition et de triomphe. Ce qui nous intéresse c’est surtout les extrêmes alors quand on s’attaque à un sujet plus lourd on ne se gêne pas pour y aller à fond.

Réponse de Lary

Vous dépeignez une jeunesse proche de la drogue, de l'alcool et vous vous prenez en exemple (« un produit de mon ordi ») et dans le titre Blue Volvo, on a l'impression que vous parlez d'un proche. Vous vous sentez la responsabilité de décrire vos contemporains voire de dénoncer cette réalité ?

Ce n'est pas tant de la dénonciation, ça serait plutôt de la constatation pessimiste. Glorifier ce genre de mode de vie est en soit un cri de désespoir puisqu'il se veut destructeur et superficiel. Nous essayons de toucher aux hauts et aux bas qui régissent ce train de vie sans vraiment prendre position. Nous posons une question mais ne donnons pas la réponse.

Evidemment, je suis obligé de vous demander quels artistes français vous aimez.

Booba, Kaaris, Seth Gueko et Gradur pour nommer quelques rappers. Sinon Francis Cabrel, France Gall... et Le rat Luciano haha.

Quelques conseils d'écoute pour les lecteurs.

Roc Marciano et Bodega Bamz méritent très certainement une écoute. Sinon EMAN x VLOOPER un duo québécois, nos amis et collègues rappers, leur album XXL est excellent. 

A quand une date parisienne ?

Le plus tôt possible! 

La chronique de Blue Volvo est toujours disponible, ici. 

Acclamé pour son travail sur To Pimp A Butterfly, Thundercat n’en est pas à son coup d’essai avec des collaborations avec Suicidal Tendencies, Erykah Badu, Keziah Jones, Flying Lotus ou encore Kamasi Washington. Adoubé par Flea ou encore Stanley Clarke, sa popularité n’a de cesse de grimper tant dans le milieu professionnel qu’au sein du public. Enfin, un bassiste reconnu pour son travail ! 

En l’espace de six titres, The Beyong/Where The Giants Roam se dévoile et nous plonge dans un univers entre la modernité et le jazz de Weather Report. Hard Times nous fait tressaillir avec une invocation à la limite de la quête spirituelle. Le toucher et le doigter de Thundercat balayent les cordes de sa basse électrique sans tomber dans la démonstration technique inintéressante et ennuyeuse, d’autant plus quand il s’agît de basse. Song for the Dead est entre impermanence et mortalité avec cette ligne de basse hypnotisante, les choeurs comme une complainte et les percussions cassant le rythme. 

En compagnie de l’incroyable Kamasi Washington, Thundercat balance le groovy Them Changes hérité du meilleur de Funkadelic. La basse emplie d’effets délirants donne, malheureusement, un rythme trop lent pour avoir le temps d’apprécier le solo de saxophone de Kamasi propulsé à la fin du morceau et certainement réservé à une version live. Herbie Hancock et son clavier semblent à l’étroit sur Lone Wolf and Club. L’EP s’achève dans un délire rêveur entre l’interlude That Moment et Where The Giants Roam/Field of the Nephilim. 

Le 15 novembre, quelques jours après son Trianon, Guts débarque au File 7 !

GUTS Après 24 ans de carrière, le beatmaker et producteur Guts revient au hip hop de la plus belle des manières avec son album «Hip Hop After All». Enregistré à New York avec des légendes du hip hop le résultat donne un pur son old school. Beats implacables et samples inouïs, groove permanent et flow entêtant, « Hip Hop After All » s'écoute fort, très fort et en boucle. Une interview sera faite avec le beatmaker pour Music’n’talk !  THE ACCIDENT The Accident (acronyme de Apte A Contre Carrer Idées Débiles Et Nazes Tonton) est un projet hip hop parisien fondé en 2011 par Patrick Biyik (membre du groupe Twin Twin) suite à un accident de vélo. Principalement influencé par le rap américain, le punk anglais et la musique électronique, le groupe nous emporte dans un univers sombre, romantique, mélancolique mais jamais pessimiste.

Derrière les Kendrick Lamar et Asap Rocky, une nouvelle génération émerge avec Young Thug et Travi$ Scott en figure de proue. Loin de moi l’idée d’être critique mais l’incompréhension règne vis-à-vis de la fascination autour de Young Thug. Pour Travi$ Scott, une sorte d’admiration s’est créée durant l’écoute de Rodeo. 

Sans remettre en question la qualité musicale ou la créativité, il est plus question ici d’intelligence. Encadré, éduqué, formaté chez G.O.O.D. Music, le jeune Jacques Webster aka Travi$ Scott apprend auprès du roi autoproclamé, Kanye West. Il retient les sons somptueusement riches et développés, complexes et sombres impulsés par les derrières influences reçues par Kanye. Travi$ comprend qu’il faut maîtriser les instrus à défaut d’être un grand rappeur comme il est le premier à le faire remarquer. Il s’attache aux détails, aux éléments récurrents dans les productions du hip hop Us de ces dernières années tout en ajoutant une pointe d’inédit. 

Pornography lance les hostilités avec quelques phrases a capella pour atteindre un piano léger puis quelques punchlines. Paradoxalement, la nouveauté demeure classique. En effet, cette voix monocorde introductive n’est pas une nouveauté mais l’ambiance pesante, oppressante, sale et malsaine n’est pas un phénomène récurrent. L’autotune de Oh My Dis Side appuie cette logique. 

Travi$ Scott souligne son intelligence en créant un espace d’expression pour d’autres artistes : The Weeknd, Future, 2 Chainz, Justin Bieber pas mauvais dans le rôle du rappeur, Schoolboy Q et son célèbre “okay”. L’effet de groupe change la perception que l’on pourrait avoir de l’album et ses talents de producteur éloignent l’aspect compilation qu’aurait pu avoir le LP. Le morceau phare Antidote doit plus à l’intelligence de production qu’à une réelle créativité. Refrain entêtant, instru dépouillée, autotune, tout est réfléchi pour en faire un classique dans l’ère du temps. 

Flying High met en exergue tous les points de cet article : une délimitation floue entre refrain et couplet, quelques phrases lâchées avec un cœur composé de la clique de Scott, rupture d’ambiance, la présence du génialissime Toro Y Moi, une mélodie entêtante. Enfin, Piss On Your Grave donne dans le rock alternatif sale et faussement subversif avec Kanye West. La tonalité du titre n’est pas sans rappelé Yeezus et y aurait largement eu sa place. 

“Un désir ardent de quelque chose qui a disparu”, voilà ce que cherche Tokimonsta, aka Jennifer Lee, au travers de son Desiderium. 

La jeune DJ Américano-coréenne souhait retrouver son amour du beat dépouillé mais pas dans le sens péjoratif. Dépouillé des trop nombreuses couches, des voix, des effets, du surplus auditif. Revenue aux fondamentaux, Tokimonsta rappelle comment elle a construit sa légende. Oui, sa légende. Du haut de sa vingtaine d’année, Jennifer Lee s’est battue dans des battle beats au sein de la scène hip hop de la cité des Anges. Son application fut récompensée par l’intégration de Brainfeeder Label, réelle académie de beatmaking encadrée par Flying Lotus, himself. 

Quelques sorties remarquées, quelques dates et son émancipation semble logique. En 2013, elle rejoint le label de Calvin Harris pour finalement créer le sien en 2014, Young Art Records. 

Ces quelques années d’apprentissage conciliées à un savoir-faire tenant d’une volonté de simplicité du piano et d’un amour pour le beatmaking font émerger Desiderium. Sept titres pour exposer une habilité à composer éclectiquement. De la dance ronronnante de Drive au planant Realla, Tokimonsta nous berce dans un univers paradoxale entre accélération et ralenti. La voix soul de Joyce Wrice contrebalance le groove énergique de Open Air et donne des impressions d’une Janet Jackson en hanbok. Dusty Stars tourne en boucle Miss You de Aaliyah pendant qu’un Steal My Attention plus clubbing évoque les bas-fonds d’une soirée électro de quartier.

Quatre morceaux, c’est peu. Très peu. Pour certains, c’est suffisant pour dévoiler une grandeur d’âme incroyable. Jake Isaac fait partie de ceux-là. Charisme, énergie, talent, créativité, jeunesse : il a tout pour lui et vous allez en entendre parler. 

Délivré sur le label d’Elton John, Where We Belong dévoile une douceur brute. La voix rauque d’Isaac remplit l’atmosphère d’une chaleur indescriptible, la guitare rythme l’ensemble pendant quelques notes de piano balaye l’écoute. Home s’amourache d’une rythmique entêtante, tout en crescendo, pour atteindre l’énergique et surpuissant Fool For You. I’m A Man, coécrit avec Ed Sheeran (!!), nuance l’engouement de Jake Isaac avec une douceur inédite jusqu’alors dans l’écoute pour rejoindre le final explosif et estival, Till The Sunrise. 

Dans les catégories et étiquettes musicales, on retrouve souvent l’appellation “alternatif/ve” et notamment, accolée, le plus souvent, au rock. Mais qu’est-ce qu’être alternatif ? Proposer autre chose ? Composer une musique d’un style/genre sans en faire totalement partie ? The Internet semble proposer une explication avec Ego Death : une alternative à la médiocrité contemporaine du R’n’B. 

Nombreux sont ceux à être considérés comme les messies du R’n’B alternatif, Frank Ocean & The Weeknd en tête, mais The Internet donne pleinement sens à cette proposition de scission musicale. Au détour de douze morceaux, Syd Bennett et sa bande délivrent une douceur jazzy teintée de funk et de rock, le tout sur des productions hip-hop. Dès Get Away, le courant alternatif s’inscrit dans la démarche de composition avec une lourde basse et des percussions presque tribales trouvent une nouvelle résonance dans les chœurs des versets. La batterie urbaine de Gabby s’entremêle à la guitare saccadée et à la candeur de Janelle Monáe. L’omniprésent Kaytranada propose un interlude groovy à souhait avec Girl. Vic Mensa s’applique sur le bossa nova Go With It à faire honneur à son nouveau statut de prince du rap. 

Le 8 juin 1999, l'album Californication sort et signe le retour triomphal des Red Hot Chili Peppers. Quinze millions d'albums sont vendus dans le monde et les propulsent au panthéon des groupes mythiques. Album référence, Californication voit depuis quelques semaines fuiter des titres issus d'une session inédite d'enregistrement.

Avec vingt-trois morceaux, la session d'enregistrement au Teatro Studio fut prolifique. On retrouve quelques morceaux présents sur Californication mais avec quelques changements presque anodins comme sur Emit Remmus, Dirt, Scar Tissue, Porcelain Alice ou Parallel Universe. L'intérêt de ces démos est symbolisé par Californication, titre éponyme ayant demandé un travail intense de recherche aux Red Hot Chili Peppers. Entre changements de tonalité, riffs, mélodies et riffs, le groupe était prêt à abandonner le morceau phare jusqu'au jour où John Frusciante arriva avec les accords mythiques. Sur la session au Teatro Studio, on retrouve le morceau mais dans une perspective totalement différente : une rythmique plus prononcée entre rock agressif et reggae, l'absence de background vocal, l'absence de solo et un morceau apparaissant comme beaucoup plus brute. Bien que cette version soit agréable à l'écoute, la perspective d'avoir pu rater un tel monument de la musique fait frémir.

Pour les autres morceaux, la couleur des Peppers est parfaitement perceptible sur ces b-sides inédites avec la dévastatrice relation basse/batterie de These Are Not My Dreams Of Bunker Hill, la mélodieuse ballade Tellin’ A Lie, le chant syncopé d’Anthony Kiedis sur Mommassan ou encore le riff doublement joué par la guitare et la basse de Andaman & Nicobar. Avec une telle qualité, on en vient à se demander comment le groupe a réussi à départager les morceaux présents sur Californication et les b-sides. La funk rock est à l'honneur avec le psychédélique How Strong Is My Love mais surtout, sur Sugar Sugar. L'oreille est percutée par la basse slappée de Flea, la guitare syncopée de Frusciante et le phrasé débité par Kiedis. C'est à ce moment que la nostalgie arrive : bien que remplacé par l'excellent Josh Klinghoffer, le mythique John Frusciante manque au groupe, sur le plan de la qualité.

Habitués à l'improvisation et aux jams, les Californiens en livrent quelques extraits dans les sessions du Teatro Studio avec les doux Gong Li et New Wave, titres sur lesquels la Stratocaster 1962 de Frusciante déverse ses accords à la perfection. La douceur et la finesse, ce sont des qualificatifs qui ne caractérisent absolument pas Slowly Deeply, jam tout en brutalité et en énergie. Enfin, Right On est la version instrumentale et épurée de Get On Top, morceau funky à souhait présent sur Californication. A l'écoute des sobrement et simplement intitulés jam 1 et jam 2, une telle osmose se dégage que l'on se laisse dériver dans cet univers funk rock. La guitare répond à la basse pendant que la batterie cadre le tout ou accélère comme pour les défier. Il s'en suit des courses-poursuites, des envolées, des breaks. Pourtant, l'improvisation n'est pas que l'apanage des musiciens avec les paroles folles proposées par Kiedis, à l'instinct.

Super Social Jeez, c'est quatre Parisiens redonnant de la vigueur aux années 70 avec un style funky et disco. Ils se sont faits remarquer au travers de collaborations avec des rappeurs de la nouvelle scène française comme l’Entourage, Deen Burbigo ou le S-Crew, notamment, avec les titres « Les Parisiennes » et « la danse de l'homme saoul ». Dès l'été 2012, le single Things Went Down donne le ton avec une pop dansante et l'EP éponyme, sorti en janvier 2014, confirme ce style.

A mi-chemin entre le Maroon 5 de la bonne époque et Jamiroquai, Super Social Jeez groove à souhait et transpire une pop joyeuse avec quatre titres potentiellement tubesques. Jane laisse place à une guitare rythmiquement funky et une batterie disco. So Many est un titre léger avec une basse syncopée et une grosse présence de synthé.

Enfin, Mister Money Making donne une envie irrépressible de danser avec cette combinaison parfaite entre basse slapée, guitare claire, un piano bavard et une batterie digne de Cerrone. Mention spéciale au chanteur, Sasha Taillet, dont la voix rappelle les meilleures heures de la funk et du disco.

Parfois, vous écoutez un groupe/artiste et vous avez une révélation, presque une illumination. Vous sentez une réelle proximité avec l’écriture, la réflexion, la composition ou l’univers voire tout à la fois. Vous avez de la sympathie pour ces personnes voire de la bienveillance, surtout quand vous les voyez évoluer. Vous êtes même touché quand vous apprenez que l’un des musiciens est atteint d’un concert et que le groupe décide de mettre, évidemment, de côté l’évolution du groupe. Et quand vous ressentez tout cela, vous décidez de leur rendre un hommage mérité et appuyé, quitte à perdre toute notion d’objectivité. 

En effet, Troumaca possède un talent illimité et une imagination débordante. Pour sur, il ne s’agît par d’un groupe qui vend ou vendra des centaines de milliers d’albums mais, il n’y a pas besoin de cela pour être un grand groupe. Découvert et mis en avant par Gilles Peterson, ces cinq Anglais s’apparentent à un groupe alternatif à la Radiohead mais avec une dimension tribale et métissée. The Grace, leur premier album, dévoile un univers teintée d’exotisme, de pop anglaise et d’illuminations presque divines. 

Trees ouvre les douces hostilités avec une longue montée en puissance, dictée par les synthés teintés de reggae, les percussions électroniques et les quelques accords des deux guitaristes. L’exotisme est à porter de mains ou d’oreilles, le voyage passe par les paroles entêtantes de Trees pour atteindre Sanctify, condensé de percussions caribéennes et de guitares anglaises. Pendant que l’on se laisse glisser dans ce voyage, Troumaca nous plonge dans une ambiance à la limite de la sensualité et de l’orientalisme européen sur Gold, Women & Wine. Objectivement, il est impossible de résister au rythme proposé pour les chaudes nuits de l’été. Kingdom poursuit le voyage dans une contrée plus énergique pour atteindre l’asiatique The Sun, entre fausse nonchalance et guitares ensoleillées. Tiger Eye et Ivory proposent deux relais dans l’ascension vers le spiritueux et spirituel Layou, entre choeurs religieux, candeur exotique et drogues hallucinogènes. Lady Colour flirte avec notre audition, brouille les couleurs et les genres. 

Music’n’talk est animé par une unique volonté : parler de musique, de la musique, des musiciennes et musiciens ainsi que de tout ce qui a trait à cet univers. Kiyémis offre une vision détonante et en dehors des normes dictées et appliquées par notre société. Les récents propos de Lou Doillon sur le féminisme, notamment dans la musique, ont piqué au vif notre Kiyémis et Music’n’talk s’est proposé pour lui donner une tribune supplémentaire. L’original est à retrouver ici. 

Une énième polémique sur Beyoncé et Nicki Minaj, qui seraient les apôtres du patriarcat en véhiculant les symboles de la féminité, qui seraient totalement à l’encontre de tout combat féministe etc.

Une énième critique venant d’une femme blanche, dont le corps correspond en tous points à l’idéal de beauté occidental, qui elle peut se permettre d’avoir une prise sur sa sexualité, sur la manière dont elle a d’affirmer son corps, sans que d’aucune manière que ce soit, on vienne lui rappeler que ce n’est pas féministe, que ” nos mères ne sont pas battues pour que tu te balades en string”

Je voulais pas faire un billet, je le jure. Je ne voulais pas que mon agacement passager se transforme en colère dévorante parce que vous voyez, on est en juillet, il fait bien trop chaud pour avoir la rage et puis c’est pas bon pour ma jauge de bonheur.

Et pourtant, nous y voilà. Je suis fâchée. Fâchée de voir que des féministes s’arrogent encore d’avoir le droit de décredibiliser tout un discours parce que machin porte un corset et que l’autre porte un string. On dirait des mecs, sans déconner. Qui disent qu’ils ne peuvent pas se concentrer sur ce que j’ai à dire parce que ma robe est trop courte, et que mon décolleté est trop profond. Vous fatiguez.

On peut parler du fait que Beyoncé et Nicki Minaj véhiculent leur corps d’une manière hyper sexualisante et qu’en ce sens, elles alimentent un discours patriarcal. Une question : qui a décidé de les réduire à leurs fesses et à leurs vêtements ? Parce qu’elles disent des choses dans leurs oeuvres, dans leurs concerts, elles citent des féministes. Et quand bien même, elles ne le font pas…

Je rappelle aussi que dire qu’elles rentrent dans des codes de beautés patriarcaux me fait doucement rire quand je vois qu’il n’y a pas si longtemps, on se moquait des femmes noires et de celles qui avaient des grosses bouches et des grosses fesses.

J’ai peine à recevoir des leçons sur la manière dont une femme noire veut exprimer sa féminité, si Beyoncé soit elle, surtout de la part d’une femme blanche qui incarne le modèle de féminité qu’on nous vend. Ya qu’à googler Beauté et on verra si les filles qui apparaissent ressemblent plus à Lou Machin qu’à Nicki Minaj. Intéressant d’ailleurs que ces critiques ne s’adressent pas à Katy Perry, ni Madonna etc.

D’ailleurs si on parle de subversion… à quel moment la nudité et la sexualité n’est plus subversive ? Pourquoi quand certaines actrices ou des chanteuses se sexualisent, c’est subversif, c’est edgy mais que quand Beyoncé porte un corset ça ne l’est plus ?

Je trouve ça intéressant de voir que certaines femmes sont constamment interrogées sur leur féminisme, sur leur façon de véhiculer les choses. Pour ma part, voir une femme Noire (certes mince, certes avec des cheveux blonds) icône du féminisme, qui assume sa sexualité, qui est en charge des DIFFÉRENTS messages qu’elle veut afficher, c’est nouveau. C’est surprenant. Il va falloir cesser de museler la manière et de vouloir contrôler la manière dont les femmes choisissent de s’émanciper.

Si vous voulez donner des récompenses sur ce qui est ” la bonne féministe”, vouloir faire des concours de “Miss Féministe” avec des jurés qui donneraient des notes, et somme toute, mettre en compétition les féministes et les femmes, allez y. Voyons alors qui relaie les codes et mécanismes du patriarcat.

Arrêtez de croire que vous avez le monopole du féminisme, les clés du féminisme, que vous “êtes” les filles naturelles des féministes. C’est ça le problème majeur : vous n’avez pas à discréditer un féminisme. Au nom de quoi ? Ce n’est pas parce  que ta mère s’est battue pour ne pas porter des strings et que tu as Simone de Beauvoir sur ta table de chevet  que tu es la patronne de ce qui est féministe ou pas.

Asap Rocky, Kendrick Lamar, Action Bronson, Drake, Meek Mill & d’autres ont marqué le premier trimestre de 2015 de la scène du hip hop US. Pourtant, Lupe Fiasco demeure le grand oublié des médias et du milieu rap. Lancé par Jay-Z et soutenu par Kanye West, le rappeur de Chicago s’est tombé dans les limbes et maintenu par son label Atlantic. Les catastrophiques Lasers et Food & Liquor II : The Great American Rap Pt. 1 témoignent d’un bras de fer entre l’artiste et Atlantic sur la direction artistique à suivre. Son flow ravageur fut marginalisé au profit d’une pop gentillette mais bien loin des salves verbales auxquelles Lupe nous avait habitué. Ce conflit fut cristallisé par l’affrontement sur la sortie de Tetsuo & Youth poussant même les Anonymous à menacer le label d’enlever son veto sur un album créé dans l’ombre. 

Tetsuo & Youth marque le retour de Lupe Fiasco et d’une nouvelle ou du moins d’une renaissance artistique. Exit la pop formatée pour du hip hop indépendant quelques fois maladroit mais plus vivant. Sous son aspect presque anti-commercial (pochette, pas de réel single, des formats inhabituels), Tetsuo & Youth détonne. Summer ouvre le bal des morceaux instrumentaux rythmant, calmant et relançant la dynamique de l’album avec Fall, Winter et Spring. Dots & Lines trouve écho à ces morceaux instrumentaux avec un banjo en guise d’introduction complètement atypique pour un titre hip hop. Cette présence instrumentale colore et donne vie à Testuo & Youth et s’éloigne du froid et statique Lasers.

Sur la voix angélique et le piano berçant Mural, Lupe balance assonances, occurrences et homonymes pour nous remémorer que sa géniale plume vit toujours. Cette stimulation stylistique se retrouve sur Prisoners 1 & 2 sur lequel le rappeur de Chicago rend un hommage à ami emprisonné et devient une métaphore de sa propre situation de cloisonnement avec Atlantic avant de s’ériger en défenseur des ghettos sur Deliver. Lupe défend l’image de la famille monoparentale reposant sur la mère dans Madonna et tranche avec les pseudos déclarations d’amour mère/fils que certains rappeurs purent proposer dans le passé. Cette implication personnelle est un des traits de caractère du rappeur et permet de dépasser une simple écoute passive. 

Auparavant décrit pour sa plume, Lupe Fiasco redonne vie à cette affirmation mais pas seulement. Bien qu’aucun single n’émerge réellement et volontairement, quelques passages s’affichent dans une tendance grand public avec Blur My Hands, No Scratches ou Adoration of The Magi notamment avec des refrains marquants. Ces morceaux alimentent un léger paradoxe entre une volonté de se marginaliser des exigences commerciales et cette propension à maintenir une certaine proximité. Sur la palette de Lupe, Chopper s’apparente à un gris acier plutôt froid mais efficace. Pour beaucoup, ce morceau n’a pas sa place de par sa longueur (9 minutes et 33 secondes), son instru redondante et sa succession de rappeurs mais qu’en est-il alors du 1 Train d’Asap Rocky alors ?