Institut Français de la Mode

Vendredi 7 décembre 2018, l'IFM a participé à la Nuit des Débats, avec un premier débat sur le développement durable ("comment dépasser la collapsologie", avec Jérôme Cohen, fondateur et président d'Engage), suivi d’échanges sur les relations actuelles entre mode et féminisme (avec Marion Herbaut, IFM/Management 2018) et enfin d’une table-ronde sur l'actualité des relations entre art et mode, avec Marie Delas (Paris Gallery Week-end + IFM/Entrepreneurs 2019), en conversation avec Jean-Paul Robin (galeriste) et Sarah Nefissa Belhadjali, artiste.

https://debat.paris.fr/home/2424/rencontre/7968

Ci-après un résumé de la table-ronde sur les relations entre art et mode en 2018, par Marie Delas.

Depuis une quinzaine d’années, le dialogue de toujours entre l’art et la mode s’est illustré par un phénomène croissant : les collaborations entre les artistes et les marques. 

Comment expliquer cette démultiplication incessante? 

Prenant le risque d’hypothèses simplistes, la mode veut-elle s’approprier la créativité que l’on trouve dans l’art contemporain ? S’acheter une caution artistique ? Une authenticité ? L’artiste garde-t-il son entière liberté d’expression dans cet exercice de style ? 

En conversation avec Jean-Paul Robin, galeriste et Sarah Nefissa Belhadjali, artiste dont le travail porte en grande partie sur la mode et son système, Marie Delas (IFM/Entrepreneurs 2019) a passé en revue certains exemples de collaborations et essayé de cerner les risques des associations à outrance entre marques et artistes. 

Qu’il s’agisse de Jeff Koons ou Takashi Murakami chez Vuitton, Jean-Michel Othoniel chez Swatch, des carrés Hermès par divers artistes (Julio le Parc, Buren…), de François Morellet chez Uniqlo et bien d’autres (liste non exhaustive ici), plusieurs remarques similaires surgissent : il semble que ce soient les stars du marché de l’art qui retiennent l’attention des marques et que ces collaborations ressemblent davantage à l’apposition d’une signature d’artiste sur des produits plutôt qu’à un véritable travail de co-création. Au-delà de l’application facile, évidente, attendue du “motif” artistique, vient la question de la pertinence de telles productions, tirées en petit nombre d’exemplaires, et visiblement peu rentables. Le luxe, et la mode par extension, cherchent-ils donc simplement à couvrir leur image d’un vernis artistique, voire dans le meilleur des cas à s’improviser en galeries d’art ? 

Pour leur défense, remarque un auditeur, les marques permettent également d’amener l’art au plus grand nombre à travers de tels projets; pourquoi critiquer ? 

Il est vrai, par la force de communication, l’ampleur de leur moyens, les marques offrent aussi aux artistes un terrain de jeu inédit. En 2018, Jon Rafman s’est vu confier la scénographie du dernier défilé Balenciaga, l’opportunité d’une œuvre marquante. 

Bien que contraint, cet exercice composé est aussi et souvent fait en bonne intelligence entre créateurs de la mode et des arts visuels souligne une personne présente dans l’assistance: Agnes B, Martin Margiela... le dialogue entre deux univers créatifs proches a naturellement été fécond. Rappelons Schiaparelli ou Yves Saint Laurent en leur temps... 

Aujourd’hui sous d’autres formes aussi, les marques s’impliquent auprès des artistes avec des initiatives plus discrètes mais très engagées : la résidence LVMH Métiers d’Art menée avec commissaire Léa Chauvel-Lévy pour soutenir la création émergente ou encore la maison Camille Fournet qui invite les artistes à utiliser le cuir, savoir-faire de la maison, comme médium pour créer des oeuvres originales. 

Autre approche, autre regard : les artistes s’emparent également de la mode dans leur travail. Distance critique, analyse du système, détournement, Sarah Nefissa Belhadjali avec Nouvelle Collection comme Tom Sachs avec ses plateaux de McDo Hermès et ses guillotines Chanel (1998) trouve dans la mode un vivier d’inspiration pour pousser la collusion art et mode à son maximum. Les pistes sont réellement brouillées lorsque Nouvelle Collection vend des t-shirts pour financer une performance ou lorsque Tom Sachs accepte de signer des baskets pour Nike.

Quand Gagosian entreprend de vendre des skis siglés Jean-Michel Basquiat et s’approprie à son tour le rôle d’une marque de mode, il s’éloigne du monde de l’art (sans aborder la question du respect du travail de l’artiste). 

Mardi 19 juin 2018, Thierry Maillet (Ooshot), Martin Gentil (Diatly) et Véronique Dahan (cabinet d’avocats August & Debouzy) sont intervenus à l’IFM sur les bonnes pratiques en matière de gestion des images dans le e-commerce, tant du point de vue technique que juridique.

Extraits de cette intervention :

« La France compte 220 000 sites marchands en 2018, et le marché français du e-commerce n’est pas tenu par Amazon ou eBay comme le sont l’Allemagne, le Royaume-Uni ou l’Italie » (Martin Gentil).

« Les marketplaces permettent aux gros opérateurs (comme les Galeries Lafayette ou La Redoute) de tester des marchés, sans stock, et permettent à de petites marques d'exister sans gros investissements » (Martin Gentil).

« Les marketplaces représentent 28% du volume d'affaires des sites qui les hébergent » (Martin Gentil).

« Le nombre de marketplaces en France augmente de +30% par depuis 8 ou 9 ans et ce n’est pas terminé » (Martin Gentil).

« Aujourd'hui les frais de port doivent être gratuits dans le e-commerce (et bientôt les frais de retour, comme en Allemagne, où il y a en moyenne 50% de retours) » (Martin Gentil).

« Il y a une relation étroite entre e-réputation et qualité des images publiées sur les sites, sur Instagram et en e-commerce » (Thierry Maillet).

« Trop de marques de mode n’investissent pas (ou pas assez) dans la photo sur le e-commerce. Or il y a une corrélation très grande entre la qualité de la photo et les ventes » (Thierry Maillet).

« Une marque comme Sézane a pu se construire exclusivement sur deux piliers = Instagram et sa boutique du Sentier » (Thierry Maillet).

« On était exposé à 2000 messages publicitaires par jour (années 1990) aujourd’hui on est sans doute plus proche de 10 000 » (Thierry Maillet).

« La photographie, un des derniers domaines des industries créatives en retard dans son industrialisation »... (Thierry Maillet).

« Une photo avec visage coûte plus cher qu’une photo sans visage » (Thierry Maillet).

« Est-ce que j’ai acquis les droits d’auteurs de la photo ? Une des premières questions à se poser quand on fait du e-commerce » (Véronique Dahan).

A savoir : « le mannequin, en e-commerce, a un droit à l’image » (Véronique Dahan).

« Il est possible d'utiliser des images avec la mention « creative commons » en taguant le nom du photographe » (Véronique Dahan).

« Un enjeu juridique important et à connaître : des marques récupèrent des photos qui parlent d’elles sur les réseaux sociaux et les utilisent sans autorisation (et sans tags) pour leur propre communication » (Véronique Dahan).

Vendredi 29/06 + samedi 30/06 2018 Au programme : des conférences, des rencontres, des performances, des expositions... Le thème du festival, « planète Mars », est un prétexte pour parler de sujets et de figures relevant d’univers et horizons lointains, surprenants, inédits, profonds…  Ce sera surtout l’occasion d’aller chercher des idées un peu folles ou dérangeantes et de partir le plus loin possible pour mieux « penser le réel ». Les sujets abordés relèveront tout autant de l’art, de la musique, de la mode, de l’histoire, que du domaine spatial et de l’astrophysique.

Inscriptions : https://www.eventbrite.fr/e/billets-festival-ifm-2018-planete-mars-46980048590

                   Vendredi 29 juin

9h/9h30 Introduction : Damien Monnerie (IFM/Management 2018), Lïa Carrier-Thabaret (IFM/Management 2018), Lucas Delattre (IFM)…

1ère partie : marges et périphéries

9h30/10h30 Introduction au « BoP » (bottom of the pyramid) = pratiques et méthodes visant à permettre aux populations les plus pauvres (4 milliards de personnes vivent avec moins de 8 dollars par jour) de vivre mieux dans un monde dominé par le capitalisme financier : https://www.novethic.fr/lexique/detail/bop.html Avec David Menasce, un économiste qui a créé Azao, agence spécialisée dans l'économie sociale et solidaire http://azao-consulting.com/ 10h30/12h Couture et psychiatrie  Avec Gilles Marais, un comédien-costumier formé en haute couture qui a travaillé avec des malades psychiatriques dans différentes institutions (notamment à la clinique de La Borde) ainsi qu'au Samu social et au LHSS de Nanterre (lieu d'accueil pour SDF). 12h15/12h45 Gosha Rubchinskiy, « ovni de la mode » Camille Bolender (IFM/Management 2017) viendra parler de Gosha Rubchinskiy (né en 1984 à Moscou), un créateur de mode et photographe qui séduit l’Occident et qui permet de poser des questions intéressantes sur l’esthétique « post-soviétique ».

2ème partie : explorations spatiales 13h15/14h Mode et espace Les relations entre la mode et l’espace sont très riches, au moins depuis Apollo 11 (1969). Exploration par Yvane Jacob (IFM/Management 2012), et Gabrielle Moussafir (IFM/Management 2017).  14h/15h Mars, les enjeux d'une exploration future Les enjeux de l'exploration martienne depuis « Mars primitif », période durant laquelle la vie aurait pu apparaître jusqu’aux enjeux actuels autour de Mars et l'exploration future de Mars.  Avec Sylvain Bouley, planétologue et spécialiste de la planète Mars, maître de conférences au département Géosciences de l'Université Paris Sud/Orsay. http://geops.geol.u-psud.fr/spip.php?article709

15h/16h Prendre en compte l’univers des « seniors ». Avec Catherine Marcadier-Saflix, fondatrice et dirigeante de « En Mode Création(s) », spécialiste de l’accompagnement stratégique des marques de mode en matière de « silver-économie »    

3e partie : tentatives d’alignement des planètes

16h/17h Du « bouillonnement créatif » en entreprise Comment provoquer et entretenir un « bouillonnement créatif » dans les entreprises ? Avec Anne Thévenet-Abitbol, directrice Prospective et Nouveaux Concepts de Danone, dont le job est d’empêcher le groupe Danone de tourner en rond, de jouer les électrons libres et d’apporter des idées nouvelles dans tous les domaines.  https://www.eveprogramme.com/10006/anne-thevenet-abitbol-femme-solaire/ Présentation suivie d’un débat avec Béatrice Lecerf, consultante spécialiste de la transformation culturelle des organisations (https://www.workissime.com/)

 17h/18h Citoyens et consommateurs, même combat ? Avec Xavier Romatet (ex-PDG de Condé Nast France), qui explorera les contradictions entre notre statut de consommateurs et nos aspirations de citoyens.

4e partie : nouvelles frontières et nouveaux acteurs de l’espace

18h/19h Un « nouvel âge spatial » (« New Space ») On assiste à un abaissement du prix de l’accès à l’espace et à une accumulation de projets spatiaux notamment sur la côte Ouest des Etats-Unis, autour de SpaceX (Elon Musk), de Blue Origin (Amazon/Jeff Bezos), et bien sûr aussi de Google (Google Lunar X Prize et Constellation Starlink avec SpaceX) mais aussi de bien d’autres entreprises dont beaucoup de startups... Un nouvel écosystème de l’espace est en train de se mettre en place, avec un environnement entrepreneurial dynamique. Quels sont les grands enjeux du « New Space » ? Avec Hélène Huby, qui a lancé, avec deux ex-piliers de SpaceX, le fonds de capital-risque Global Space Ventures, dédié aux start-up du spatial : https://www.challenges.fr/entreprise/aeronautique/helene-huby-la-tete-chercheuse-du-futur-spacex_580602 Julien Cantegreil, entrepreneur, ancien directeur juridique adjoint de Kering, fondateur et CEO de OurSpace Labs à Paris (technologies de rupture dans le domaine spatial), et président du collectif AsterIdea dédié à la promotion des questions spatiales.

5e partie : galaxies créatives

19h/20h Christelle Kocher La créatrice de mode Christelle Kocher viendra avec plusieurs personnes de son entourage (membres de son « collectif », en particulier des artistes), dans l'esprit d'une « galaxie créative » ou de « plusieurs galaxies qui se rencontrent » sur tel ou tel projet.  http://magazineantidote.com/mode/qui-est-christelle-kocher-releve-de-la-jeune-creation-parisienne/

20h15/21h15 Michel Gaubert Illustrateur sonore des plus grands défilés de mode. « Michel Gaubert est aujourd’hui le plus célèbre illustrateur sonore de la mode, suivi par près de 200.000 followers sur Instagram - son « passe-temps ». Le mélomane fait dialoguer la musique avec les silhouettes qui défilent, décode la force d’un vêtement, maîtrise l’impact du son quand il est bien choisi » (Madame Figaro, septembre 2016). https://fr.wikipedia.org/wiki/Michel_Gaubert

A partir de 21h15 : Une performance de Shibaura Sound System (sounds from Japan) https://soundcloud.com/shibaura-sound-system https://www.facebook.com/shibaurasounds

 Samedi 30 juin

1ère partie : planètes sonores et musicales

10h/11h « L’harmonie des sphères » aux origines de la musique. Selon la théorie de l'harmonie des sphères défendue par Pythagore, «les planètes en tournant autour de la Terre génèrent chacune un son d'autant plus aigu que la planète est plus éloignée de la Terre et que son mouvement est donc plus rapide. L'ensemble émet une musique très douce que nous n'entendons pas en raison d'une inadaptation de nos sens» (source : Umberto Eco). Avec Violaine Anger, musicologue (CNSM + Ecole Polytechnique + Université d’Evry),:  http://cercc.ens-lyon.fr/spip.php?article175 https://fr.wikipedia.org/wiki/Harmonie_des_sph%C3%A8res

11h/12h Composer de la musique à l'ère de l'intelligence artificielle. Avec François Pachet, scientifique et musicologue, directeur du Creator Technology Research Lab chez Spotify  https://bit.ly/2HpI7o4 https://www.francoispachet.fr/ 

12h/12h45 L’« intelligence artificielle émotionnelle » au service de la curiosité partagée  Présentation de Panodyssey, une nouvelle plate-forme de partage de contenus et de passions au service d’« affinités inattendues » : https://panodyssey.com/ Avec les co-fondateurs de Panodyssey : Alexandre Leforestier, CEO de Panodyssey (anciennement fondateur de Qobuz), Yann Rigo, CTO de Meetic, Emmanuelle Cotte, Head of Brand & Communications chez Panodyssey, Eric Denut, directeur artistique musique classique (Ensemble Modern, Universal Music, Radio France), contents advisor chez Panodyssey. 

13h/13h20 Présentation d’une installation sonore de Paul Emilieu Marchesseau, artiste et designer.  Chaque personne est invitée à rencontrer l’artiste avec un morceau de musique dans son smartphone. Grâce à un dispositif imaginé par lui, les morceaux de chaque personne fusionneront et créeront une musique nouvelle.  http://paulemilieu.com/

  2e partie : espaces artistiques

13h30/14h L’espace comme « horizon littéraire » Avec Christine Montalbetti, romancière, auteur notamment d’un roman « spatial », La vie est faite de ces toutes petites choses (éditions P.O.L., 2016) http://www.pol-editeur.com/index.php?spec=livre&ISBN=978-2-8180-3993-9 

  De 14h à 19h : Might, un    collectif d’artistes numériques : vidéo mapping, scénographie, sound    design, clip, illustrations visuelles et sonores :      https://www.instagram.com/might.digital/    On pourra visiter l’installation pendant les conférences ou pendant    les pauses, en particulier entre 17h et 17h30.

 14h/15h Délires créatifs en tous genres Avec Céline du Chéné (France Culture), auteure d’une Encyclopédie Pratique des Mauvais Genres (Nada Editions, 2017), et qui rassemble ses chroniques sur France Culture, dans l'émission « Mauvais Genres » le samedi soir : cette Encyclopédie constitue un abécédaire illustré avec 26 portraits d’artistes « underground », explorant toutes sortes d'univers délirants et poétiques. http://www.nada-editions.fr/?product=encyclopedie-pratique-des-mauvais-genres

3e partie : Mars = violence et « forces vives »

15h/16h Le « retour de la guerre » (ou retour du « dieu Mars ») Avec Jacques Audibert, ancien conseiller diplomatique de l'Elysée sous François Hollande et ancien directeur politique du Quai d'Orsay, avec Alain Frachon, ancien directeur du Monde et éditorialiste du journal spécialiste des questions internationales :  https://fr.wikipedia.org/wiki/Jacques_Audibert https://fr.wikipedia.org/wiki/Alain_Frachon

16h/17h Voyager pour se trouver Avec Marine Barnérias, atteinte d’une sclérose en plaques, qui est partie seule, pendant huit mois au bout du monde, pour apprendre à se connaître et trouver un sens à sa vie. Elle a fait le récit de ce voyage intérieur dans un livre de témoignage intitulé Seper Hero (éd. Flammarion). https://editions.flammarion.com/Catalogue/hors-collection/psychologie-et-developpement-personnel/seper-hero

  4e partie : Mars = Marseille

17h30/18h Marseille, ville créative Avec Lisa Mestre (IFM/Management 2018) et Marion Goutière (IFM/Management 2013). Pourquoi Marseille ? Parce que « planète Mars » : https://fr.wikipedia.org/wiki/..._De_la_plan%C3%A8te_Mars

 5e partie : rencontre avec deux extraterrestres de la mode

18h/19h Afterhomework Pierre Kaczmarek (19 ans) et Elena Mottola (21 ans) ont lancé la marque de prêt-à-porter Afterhomework il y a quatre ans

Concert/conclusion

Sophie Abriat (IFM/Management 2013) est la nouvelle rédactrice en chef du magazine EXHIBITION (parution deux fois par an) dont les co-fondateurs sont Edwin Sberro et Boris Ovini.

https://www.exhibition-magazine.com/

Franck Delpal a soutenu aujourd'hui (mercredi 28 juin 2017) avec succès sa thèse en sciences économiques à l'Université Paris-Dauphine. Sujet de la thèse : "Analyse des pratiques d’intégration verticale par les entreprises du luxe en France et en Italie. Illustration dans le secteur textile-habillement-cuir". Réalisée sous la direction de Sophie Méritet à l’Université Paris-Dauphine. Le jury était composé de : William James Adams, Professeur - Université du Michigan, Rapporteur Olivier Bouba Olga, Professeur - Université de Poitiers, Rapporteur Anna Creti, Professeur - Université Paris-Dauphine Dominique Jacomet, Directeur Général de l’IFM Sophie Méritet, Maître de conférences - Université Paris-Dauphine, Directrice de Thèse Pascal Morand, Président Exécutif de la Fédération de la haute couture et de la mode

"Modes, à la ville, à la scène" : une exposition à voir au Centre National du Costume de Moulins (jusqu’au 17 septembre 2017).

Petit compte-rendu d’une visite de l’exposition avec des étudiants IFM (vendredi 19 mai 2017) en présence de la commissaire de l'exposition Catherine Join-Diéterle, ancienne directrice du Musée Galliera qui a également créé, en 2007, la chaire de la mode et du costume à l’Ecole du Louvre. http://www.cncs.fr/modes-%C3%A0-la-ville-%C3%A0-la-sc%C3%A8ne

À partir des collections du CNCS et de prêts extérieurs, l’exposition présente les influences réciproques de la mode et du costume de scène, du XVIIIe siècle aux années 2000.

Trois figures de comédiens célèbres permettent de résumer le propos de cette exposition :

1) Justine Favart (née en 1727, morte en 1772). https://fr.wikipedia.org/wiki/Justine_Favart

« Plus de vérité, plus de couleur locale » : telle fut l’idée de Justine Favart.

En 1753, Justine Favart a parodié « Le Devin du village », un opéra de J.-J. Rousseau, et en a fait une pièce, « Bastien et Bastienne », où elle a provoqué une révolution dans le costume parce qu'elle y apparaissait « en habit de laine, telle que les villageoises en portent; une chevelure plate, une simple croix d'or, les bras nus et des sabots ». Cette nouveauté déplut à quelques critiques. Mais un autre les fit taire en disant : « Messieurs, ces sabots-là donneront des souliers aux comédiens ».

Dans une autre pièce, la « Comédie des Sultanes », on vit pour la première fois de « véritables habits des dames turques », les costumes ayant été fabriqués à Constantinople.

A partir notamment de l’exemple de Justine Favart, on constate que le théâtre du XVIIIe siècle a permis de faire triompher trois phénomènes de mode : -La mode des « turqueries » -La mode du « bon vieux temps » (« à la Valois », « à l'espagnole »...) -La mode de la « paysannerie ».

A connaître : -Madame de Pompadour en jardinière et en sultane : deux tableaux de Charles André van Loo (1747). https://fr.wikipedia.org/…/Fichier:Charles_Andr%C3%A9_Van_L… http://www.madamedepompadour.com/…/gal…/pittura/loo/loo1.htm -Le tableau « à la sultane » ornait la « Chambre turque » de la marquise de Pompadour au Château de Bellevue, à Meudon. -Les tableaux « turcs » de Jean-Etienne Liotard https://fr.wikipedia.org/wiki/Jean-%C3%89tienne_Liotard

A savoir : -Au XVIIIe siècle, on constate une « folie de théâtre » partout dans les classes aisées, avec 300.000 personnes qui sont à la fois passionnées de mode et de théâtre (vers 1720). -Se répand vers 1780 la mode des « robes à la turque », avec écharpes et ceintures. -On s'habille « à la turque » même pour jouer des pièces comme « L'Orphelin de la Chine » (Melle Clairon).

2) François-Joseph Talma (1763-1826), dit « Talma », très célèbre comédien du début du XIXe siècle. https://fr.wikipedia.org/wiki/Fran%C3%A7ois-Joseph_Talma

L’exposition parle notamment du rôle de Talma (Titus) dans la pièce "Brutus" de Voltaire. La toge qu’il porta dans ce rôle créa un scandale (pour la première fois, on voyait les jambes nues d’un comédien sur scène). Cette toge, très dans l’esprit des tableaux de David également contemporain, inspira celle du Conseil des Cinq-Cents, sous le Directoire. https://fr.wikipedia.org/wiki/Conseil_des_Cinq-Cents Sa « coiffure à la Titus » inspira hommes et femmes de l’époque. http://www.tetue.net/coiffure-a-la-titus

3) Sarah Bernhardt (1844-1923) A la fin du XIXe siècle, le rôle de Sarah Bernhardt sur la mode fut considérable : elle inventa le collet (façon Renaissance) qui se répand très largement grâce à elle autour de 1900 (cf les tableaux de Béraud). Sarah Bernhardt a popularisé le corset muni d'une proéminence factice (« ligne métro » ou « ligne en S », autour de 1900). Origine : la déformation de la taille de Sarah Bernhardt pour raisons de santé (le ballonnement de son estomac, dont elle souffrit à partir de l’âge de 40 ans). Cette mode a été adoptée par tous les couturiers.

Soirée rock à l’IFM vendredi 10 mars 2017 : conférences + du son et des images. Entrée libre sur inscription ([email protected]).

Au programme :

Au cours de la soirée, des illustrations musicales seront délivrées en "live" par Gilles Coronado (guitare solo). https://www.youtube.com/watch?v=KygmyrXbiik

19h à 19h45 Brice Partouche, créateur de la marque April 77 et expert pointu de musique rock, parlera des relations entre mode et rock (conversation avec Jeff Gaudinet, graphiste).

20h à 20h45 L'extraordinaire histoire de Roger Rossmeisl, « stradivarius » du rock, sera racontée par Luc Quelin, qui réalise en ce moment-même un film sur lui. https://en.wikipedia.org/wiki/Roger_Rossmeisl A propos de Roger Rossmeisl : des Beatles aux Who, de Génésis à Clash, ses guitares et ses basses ont fait la légende du rock. Et pourtant ce créateur de génie est mort dans la misère et l‘anonymat… Allemand émigré aux US en 1953, il mériterait d’être aussi célèbre que Stradivarius. Berlin, Chicago, New York, l’après-guerre, l’Allemagne en ruines, New York, la passion de la lutherie, la révolution rock des 60’s…

21h à 21h45 Frank Zappa, par Gero von Randow, ancien correspondant de Die Zeit à Paris, passionné de rock et de Zappa en particulier.

22h à 22h45 Dominic Lamblin, producteur historique et ami des Rolling Stones, viendra parler de ses souvenirs personnels de Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood, Charlie Watts et même Brian Jones. Dominic Lamblin a traversé en tant que producteur (notamment à la Warner) plusieurs décennies du rock et de pop auprès d'artistes comme Led Zeppelin, Donna Summer, Michel Berger, Véronique Sanson, Neil Young, Rod Stewart et surtout les Rolling Stones. Il vient de publier chez Larousse Satisfaction - Comment j'ai survécu 40 ans aux côtés des Rolling Stones (octobre 2016), un ouvrage co-écrit avec François Salaün. http://www.editions-larousse.fr/satisfaction-comment-jai-survecu-40-ans-aux-cotes-des-rolling-stones-9782035931344

"En France, paradoxalement, la mode a été longtemps considérée comme un impensé. L’université ne s’en est jamais saisie", déplore Dominique Jacomet, directeur de l’IFM (Institut français de la mode), dans une interview à AEF (26/10/2016).

"Nous avons du mal à considérer la mode et le luxe comme un secteur industriel majeur. Pourtant, la France est leader mondial et c’est 600 000 emplois directs. C’est un atout : les États-Unis ont Hollywood, nous, nous avons la mode, c’est notre soft power."

Dominique Jacomet plaide ainsi pour que "Paris se dote d’une école doctorale dédiée à la mode", car "tous ceux qui nous sollicitent et ne trouvent pas de réponse adéquate se tournent vers Londres", et pour faire évoluer "le dispositif de mastérisation". "Nous devons nous adapter, et il faut aussi que le monde académique accepte de s’adapter à ce que nous sommes", dit-il.

AEF : Pouvez-vous nous dresser succinctement un panorama de l’enseignement supérieur français en matière de mode, et la place qu’y occupe l’IFM ?

Dominique Jacomet : Le paysage français est fragmenté. C’est le résultat de notre histoire. En dehors de rares cursus universitaires (Lyon et Marseille), il existe un établissement d’enseignement supérieur, l’Ensad, aux effectifs limités, et un établissement de la Ville de Paris, l’École Duperré, qui prépare notamment au Diplôme Supérieur d’Arts Appliqués (DSAA). Nombre d’établissements sont privés. Certains sont des associations à but non lucratif et reconnues par l’État, comme l’IFM, créé par les professionnels et le ministère chargé de l’Industrie. L’IFM et l’École de la Chambre syndicale de la Couture Parisienne ont décidé de se rapprocher pour constituer un nouvel ensemble dont les formations (niveaux Bachelor et Master) seront opérationnelles à la rentrée 2018. D’autres établissements privés sont à but lucratif comme Esmod ou l’Instituto Marangoni et bien d’autres.

AEF : Pourquoi l’offre publique est-elle si pauvre dans ce secteur ?

Dominique Jacomet : En France, paradoxalement, la mode a été longtemps considérée comme un impensé. L’université ne s’en est jamais saisie. Nous avons un rapport très ambivalent à la mode et au luxe, entre reconnaissance (Voltaire) et critique (Rousseau) - la mode serait superflue, frivole. Ce débat du XVIIIe siècle a laissé des traces. Nous avons du mal à considérer la mode et le luxe comme un secteur industriel majeur. Pourtant, la France est leader mondial et c’est 60 0000 emplois directs. C’est un atout : les États-Unis ont Hollywood, nous, nous avons la mode, C’est notre “soft power”.

C’est pour cela qu’il faut absolument que Paris se dote d’une école doctorale dédiée à la mode, comme cela existe dans le monde anglo-saxon dans le domaine des "fashion studies". Beaucoup de doctorants s’intéressent à ce secteur. Il faut créer une communauté de recherche, et le faire rapidement, car tous ceux qui nous sollicitent et ne trouvent pas de réponse adéquate se tournent vers Londres…

AEF : Les choses semblent un peu évoluer cependant, avec la constitution de deux pôles "mode" à Paris, celui que vous construisez autour de l’IFM et l’École de la Chambre Syndicale d’une part, et celui qui est en train de naître au sein de PSL, porté par l’Ensad, Dauphine et Mines ParisTech. Pourquoi cela bouge-t-il maintenant ?

Dominique Jacomet : D’abord il y a le poids des grandes marques françaises et celui de "Paris capitale de la mode", qui rayonne. L’écosystème français de la mode est très ouvert sur l’international. La haute couture, fondée par un Anglais (Charles-Frederick Worth), a toujours été cosmopolite. À Paris défilent pendant la Fashion Week 50 % de marques étrangères. Et à l’international, Chanel ou Dior font rêver… Il y a une prise de conscience.

Mais il reste deux trous béants : le doctorat, comme je viens de le souligner, et le dispositif de mastérisation. Avec le processus de Bologne qui a établi partout le système LMD, les étudiants sont attentifs aux diplômes de Bachelor et de Master. La concurrence internationale est rude. Nous devons nous adapter, et il faut aussi que le monde académique accepte de s’adapter à ce que nous sommes. La situation évolue positivement. L’IFM, qui accueille 40 % de boursiers et délivre des diplômes visés par l’État, fait désormais partie d’une Communauté d'universités et établissements [Comue] (héSam). Je suis en poste depuis 2007 et je peux témoigner que le regard a changé.

AEF : Quel type de diplômes délivrez-vous actuellement ?

Extraits d’une discussion entre Pascal Gautrand et Aurélie Lorriaux, designer textile), dans le cadre de la Biennale Emergences (jeudi 13 octobre 2016, Centre National de la Danse, Pantin).

Extraits de la présentation (compte-rendu : Perrine Sprimont).

Pascal Gautrand : Pantin, un territoire en profonde mutation => d'une société très industrialisée aux frontières de Paris à une société plus artisanale et surtout très créative qui entre dans un rapport très fort avec le consommateur. Exemple : les métiers d'art de Chanel et la manufacture Hermès.

Aurélie Lorriaux  : On rencontre plein d'artisans et d'artistes installés à Pantin maintenant. Cette émulation est très agréable. Cela crée une communauté de personnes, avec une vraie sensibilité produit, qui se comprennent tout en faisant des choses différentes. Il y a une proximité qui permet d'aller très vite.

Aujourd'hui on assiste à un engouement pour le savoir-faire après quelques années de minimalisme. On apprécie le fait main, les matières très texturées, le toucher. On reconnait la patience et le travail. Certains directeurs artistiques sont plus sensibles à l'ennoblissement des matières que d'autres. Dans cette optique on a besoin de gens à moitié artisans et à moitié créatifs pour dialoguer avec eux et répondre à leurs attentes. D'autres DA, au contraire, ne s'intéressent qu'à l'uni et à la coupe. Certains DA sont conscients de tout le travail de recherche technique en amont pour proposer des échantillons à point.

“Aujourd'hui on est tellement envahi par les molécules de synthèse que l'on ne se rend plus compte que la couleur est un luxe”.

Extraits d’une conférence dans le cadre de la Biennale Emergences sur le renouveau de la teinture naturelle (jeudi 13 octobre 2016, Centre National de la Danse, Pantin). En marge d’une exposition sur “la nature de la couleur”, dont il est commissaire, Pascal Gautrand (IFM/Management 1999) a animé une table-ronde avec Isabelle Rodier et Clément Bottier, designers textile (Ki fabrik), Clémence Genestar (CdeG), Isabelle Castel Brenac (Green’ing), Elodie Pétel (Tinteus). Compte-rendu : Perrine Sprimont (IFM/Management 2011).

Pascal Gautrand : L'industrialisation de la couleur naturelle, quels enjeux ? Pourquoi les colorants naturels sont intéressants pour les designers ?

Isabelle Rodier : L'enjeu c'est de convaincre les designers et les industriels qu'il y a d'autres manières de produire. Avec les colorants naturels on peut proposer au consommateur des produits locaux, écologiques et éthiques. Il y a tout à faire pour développer cette thématique. Beaucoup d'expertises doivent converger. Cela nécessite de travailler à la fois sur les colorants et sur de nouvelles machines. Les designers ont beaucoup à apporter pour dépoussiérer cette image vieillotte des colorants naturels et encourager une démarche vers l'industrialisation. Pour un designer, d'un point de vue chromatique, les colorants naturels ont la capacité de faire vibrer les couleurs et donc les tissus de manière exceptionnelle. On a envie que cette justesse existe en tant que produit. On a besoin d'avoir des circuits autres, à côté de la production de masse. On a besoin de produits qui ont plus de sens. Mais il y a des freins à l'utilisation industrielle de colorants naturels. Les industriels sont réticents à l'utilisation de colorants naturels car ces derniers sont plus sensibles à la qualité de l'eau et à son PH. Les colorants chimiques sont plus stables et donc plus faciles d'usage. L'industrie textile s'est formée et a progressé  parallèlement avec les colorants de synthèse. La technique des colorants naturels en est restée où elle en était au XIXème siècle. Il y a tout un travail à faire.

Clémence Genestar : Je me suis tournée vers les teintures naturelles car elles sont en lien avec une vision d'excellence. La beauté des couleurs est incomparable. Cette excellence a un prix, il faut que les clients l'acceptent. Il faut justifier le coût en racontant l'histoire de toute la chaîne. Il y a un effort de communication à faire vis à vis du consommateur.

Clément Bottier : Les colorants naturels coûtent cher, certes, mais cela ne représente au final qu'une petite partie du coup de la production.

Clémence Genestar : Le problème c'est qu'il n'existe pas de budget teinture chez les créateurs. Le couleur est un ennoblissement. Il semble étonnant qu'on ne le paye pas. Il faut que cela reprenne une place. Aujourd'hui on est tellement envahi par les molécules de synthèse que l'on ne se rend plus compte que la couleur est un luxe. Pour les industriels, le coût des colorants est anecdotique et pourtant c'est lui qui coûte le plus cher en termes humains et environnementaux.

Voici les startups et jeunes marques créatives de la Fashion Tech qui ont exposé leurs produits ou services cet après-midi (13/10/2016) à l'IFM (2/2).