Bogotá is Burning

Por: Valentina Cadosch 

Diana Gardeneira es una artista, que ha pasado sus días entre Costa Rica y Ecuador, entre el diseño gráfico y el arte. En el ITAE (Instituto Superior Tecnológico de Artes del Ecuador) se descubrió no solo como artista contemporánea, si no como feminista, porque vio en su educación artística lo que pasa en todas las disciplinas, se nos enseña el conocimiento de hombre, solo teniendo a los hombres como referentes, ellos son los que ganan los premios, los que la historia recuerda y ganan millones con sus obras. A las mujeres se les da un segundo plano, o ninguno,  porque ellos son la norma, nosotras la excepción, el dato curioso.

Los referentes de Gardeneira han cambiado con el tiempo, con lo que ha leído y ha descubierto, echo a un lado a Picasso con su machismo, para tomar a bell hooks , por la preocupación de descubrir sus propio privilegio, descubrió el poder en otras mujeres y en conversar con ellas. Su despertar feminista ocurrió acercándose a las cifras de violencia de género, leyendo sobre feminismo, en sus clases de arte comenzó a ver porque sus compañeras participaban menos que sus compañeros, recordó que había entrado al ITAE porque allí se construían aristas que ganaban premios y salones, volvió a ver la lista de esos reconocimiento y descubrió que todos eran hombres, vio las situaciones de poder allí. Era evidente que necesitaba más miradas femeninas.

“El arte hace que el mensaje sea más fácil de entender, comencé hacer vestidos intervenidos, que hablaban sobre acoso callejero, eso abre la conversación, el arte es una herramienta para conocernos, dialogar” comenta mientras habla de su pieza en Bienalsur en Argentina, siendo la única mujer ecuatoriana allí, lo que demuestras lo viciado que esta el medio de arte, como oprime a las mujeres, la necesidad de seguir dialogando con artistas la llevo a crear junto con Lola Duchamp, Ana Maria Gonzales, Elaine Silva y Ana Cristina Vasquez un colectivo que representara a las mujeres, ver sus obras y hablar de las violencias que han sufrido, así se creó La Gallina Malcriada, ese animal que la sociedad ha tomado como motivo de burla, ellas lo toman para tener la actitud gallina,  que no se deja y quiere picotear a todo el mundo.

El mundo cree que no hay mujeres artistas, que no las hay en activo o que no crean lo suficiente, entre mujeres tampoco nos conocemos, La Gallina abre esas posibilidades de crear talleres donde las mujeres se conozcan y abran su mirada a otras posibilidades y otros saberes. Con la pandemia que hace el encuentro imposible, sentarse a conversar se ha vuelto peligroso, Diana se ha adaptado para no dejar de lado esta lucha tan importante por la voz de la mujer en el arte.

Ahora ofrece talleres online, para aprender sobre arte y feminismo, referentes femeninos, mujeres que han creado que no son necesariamente feministas pero que han tenido el atrevimiento de desafiar las estructuras de los hombres y hacer arte, muchas veces ignoradas pero Gardeneira se ha tomado el trabajo de rescatar sus obras, se ha habla de las primeras pintoras, en el barroco y en el renacimiento donde fueron borradas por la historia y muchísimos más temas, el problema en definitiva es el medio desde tiempo inmemorables.

Por: Diana Galindo C.

Camaleónico, extravagante, contracorriente, genio, revolucionario, andrógino, singular, uno en un millón, adjetivos que se quedan cortos para describir a su majestad David Bowie, pero este articulo quiere conmemorar la contribución que hizo uno de los diseñadores más prodigiosos que trabajó a su lado. Kasai Yamamoto, nació el 8 de febrero de 1944 en Yokohama y murió el pasado 27 de julio de 2020. Fue el primer diseñador japonés que realizo un desfile en Londres en el año 1971 y uno de los precursores de la moda contemporánea; sus influencias van desde lo más profundo de la cultura japonesa retomando el concepto teatral kabuki (termino japonés que se refiere a una práctica teatral empírica) y adaptando conceptos de “avant garde” (vanguardismo).

Según se cuenta antes de su gira con su según disco Space Oddity producido en el año 1969 Bowie fue en busca del renombrado diseñador a su showroom y tras hacer contacto con él queriendo adquirir algunas de sus prendas para presentarse en el escenario. Durante uno de los conciertos y tras bambalinas el cantante le pidió a Kansai una colaboración para lo que serían sus siguientes dos giras Ziggy Stardust (1972) y Aladdin Sane (1973).

La admiración mutua de estos artistas resultó en la creación de algunos de los atuendos más icónicos del cantante como lo fueron la capa blanca llena de iconos kenji (tipo de escritura japonesa), el kimono de tigres, el enterizo negro de líneas plateadas sobredimensionado en las piernas y varias lycras satinadas que acompañaron éxitos como Space Oddity, prendas que hicieron a Bowie transcender más allá de las fronteras del género.

Kansai, luego de llegar a la cúspide de su carrera y posterior a sus colaboraciones con Bowie se interesaron en su trabajo varios artistas de la industria de la talla de Elton John y Stevie Wonder. Su estilo se destacaba entre los diseñadores japoneses de su época que exponían mayormente una estética minimalista, los colores saturados, su afición por la vestimenta del samurái como el kimono y su aprecio por resaltar su cultura lo llevaron a numerosos desfiles alrededor del mundo. Así mismo el director creativo de la firma Louis Vuitton monsieur Nicolas Ghesquière lo invito a colaborar para su línea femenina, uno de sus últimos proyectos.

Escrito por: Santiago Sánchez 

Pose, producida por FX en año 2018 y dirigida por el gran Ryan Murphy nos muestra particularmente la historia de la comunidad LGBTIQ en la Nueva York de los 80s. Nos muestra una faceta muy especial de esta comunidad, enviando un mensaje muy fuerte y claro, “love is love” y todos merecen tener algo de ese amor. Presenta una serie de historias paralelas que convergen en un punto, las balls y las familias LGBTIQ de la época; esos grupos maravillosos capaces de salvar a alguien de las calles y brindarles una familia más fuerte que la que tiene lazos de sangre.

De esta forma se nos presenta un show de televisión completamente maravilloso, desde las actuaciones, pasando por el mensaje y terminando en una hermosa producción en todo el sentido de la palabra. Dichas historias trasncurren de forma paralela y tienen diferentes matices que representan los dramas de cada comunidad para la época. El mensaje político y emocional es lo más poderoso de esta serie. Muestra en su personaje principal, Blanca una Drag queen de mediana edad que es diagnosticada con VIH una preocupación auténtica por cambiar el mundo. Al enterarse de su enfermedad decide fundar la casa Evangelista, todo con el fin de brindarle un hogar a los chicos pertenecientes a la comunidad que estaban desamparados y sin un techo en el cual vivir.

Toda la serie presenta un acto de auténtica resistencia, de apoyo frente a las comunidades que hacen parte de la comunidad LGBTIQ. Nos muestra un reparto completamente queer, a excepción de Evan Peters y Kate Mara mostrando su poyo frente a las luchas sociales. El gran Billie Portier, las maravillosas MJ Rodrigue, Indya Moore y Dominique Jackson son en gran medida la representación de la cultura LGBTIQ en esta obra del cine queer. En cuanto a la técnica, esta obra nos muestra la importancia de un buen director de arte y e fotografía. La dirección de arte es simplemente espectacular recreando a cabalidad la estética de la época, contrastado además con la alta costura que se plasmó en los vestuarios utilizados por las Queens den los balls. Si a lo anterior le agregamos la gran cantidad de luces y realce de los tonos fuertes en la imagen tenemos como resultado una imagen poderosísima. En cuanto a planimetría la producción es impecable, dándole al espectador una gran cantidad de planos secuencias que le dan fluidez a la narrativa visual. En cuanto a la música encontramos una selección de clásicos que la época deliciosa. Mezclas latentes de disco, ballet, pop, funk y rock evocan las emociones necesarias en los momentos adecuados.

Por: Nicolas Caceres

Por: Valentina Cadosch 

Lo confieso, en mis años de adolescente fui lo que se podría considera una Potterhead, mis primeros enamoramientos con la literatura estuvieron muy ligados con Harry y sus amigos, esperaba ansiosa el próximo libro, le rogaba a mis papas por comprar las boletas para el día del estreno de las películas, para salir de allí diciendo con arrogancia que nunca se podrían comparar con los libros, tuve una pijama de Syltherin, todos los videojuegos por más malos que fueran, llore con la última parte de Reliquias de la Muerte como si hubiera fallecido un familiar y como todos pensé en tatuarme las reliquias o la marca mortífaga.

Por eso cuando JK Rowling su creadora, quien dio luz a todo ese mundo donde me refugie, salió a dar declaraciones transfobicas y homofóbicas, la decepción no pudo ser mayor ¿acaso los personajes que yo ame tanto estaban manchados de tanto odio? Es imposible que la obra de Rowling no tenga sus creencias por todas partes, no se pueden separar, si retiramos a la autora, querría decir que lo puedo haber hecho cualquier persona y no es así, todas las creaciones tienen algo de quien las creas, es su trasfondo, es donde fueron concebidas.

La atención y el tiempo son valiosos, cuesta dinero atraerlos, cuando decidimos conscientemente ponerlas en algún producto, estamos impulsando a la persona que creo eso, y a su sistema de creencias, porque consumir es permitir, estamos dispuestes a que esa pieza y quien la creó tengan impacto en el mundo, le damos el dinero suficiente para mantenerse produciendo y vivir de eso. Todes en un consenso general escogemos quienes serán las personas reconocidas, porque estamos pendientes de que hacen y cómo acceder económicamente a lo que producen, esa entrada a cine, ese libro, ese disco, ese click en Youtube impulsa a quienes crean y por consiguiente a sus ideas.

La decisión de lo que consumimos es personal, tiene que ver con lo que creemos correcto, con el sistema de creencias que tenemos, nos tenemos que preguntar si consideramos apropiado darle dinero a esa persona, que lo utilizara por ejemplo para acosar, o producir más películas donde abusara de su equipo de trabajo, cuando quizás por el boom mediático no hemos visto a otros autores, quizás todo el sistema literario quiso crear a JK Rowling para generar ventas y por eso apoyo tanto todas sus obras ignorando otros autores, que ahora podríamos ponerles atención.

Geoff Ryman, David Watmough Joanna Russ y Karin Kallmaker son solo algunes de la innumerable lista de escritores LGBTI que produjeron novelas de fantasía o ciencia ficción en la misma época en la que Harry Potter vio la luz; el sistema capitalista de lo editorial no les puso atención, no tuvieron contratos millonarios para producir películas y a pesar de la calidad de su obra, fueron castigados por ser diferentes, por ser sinceres con quienes eran.

¿Por qué seguir prestando nuestra atención, apoyo y dinero a una persona que nos odia? Que cuando escribió con su seudónimo de hombre escogió al pionero de las terapias de conversión, cuando tenemos muchísimas alternativas que consumir para apoyar a nuestra propia comunidad a crecer y demostrarle al mundo que estamos en todas partes.

Ahora el mundo de Harry Potter será un lugar donde se permita odiar a las personas por ser quien son, a va atraer a personas odiantes que se sienten respaldados por su creadora, es triste que un universo tan lleno de esperanza, sea un nicho violento contra la comunidad transgénero, que seguro encontró refugio en la magia y también ayudó a ser a Rowling lo que es.

Con esta nueva visión es imposible no tener la lupa sobre los odios de la autora, y la comunidad LGBTI que alguna vez fue Potterhead, volvió a mirar los libros de Harry Potter, es visible el racismo de un mundo hecho por y para blancos, donde las personas negras aparecen como parte de la servidumbre, el único personaje asiático es un estereotipo y una burla para esa cultura y se entiende porque antes de que saliera el libro de Reliquias de la Muerte y se rumoraba que Nymphadora Tonks y Remus Lupin eran parte de la comunidad LGBTI, se aclaró tajantemente que no era así, y se les mostró explícitamente como pareja.

La decisión es de cada une, es triste despedirse de algo que fue tan valioso en algún momento, pero es nuestra responsabilidad social con la comunidad transgénero de darles nuestro apoyo porque no hay magia, ni universo que valga la pena rescatar frente a la discriminación que es real y genera graves consecuencias, como que la expectativa de vida de una persona transgénero sea de 35 años.

Por: Angie Duarte

Diseño: Katheryne Segura

De niña muchas veces me sentí fuera de lugar, ahora tal vez pienso que todo se debe a los marcados roles de género asignados por la sociedad ¿Y si esos cánones no correspondían a mi personalidad? ¿Género, luego existo?

Estuvimos presentes en el foro Caminando al feminismo desde lo drag y trans, organizado por Huitacas, un colectivo feminista (no institucional). Durante la transmisión de este, contamos con la participación de Laura Weinstein, Violeta Gómez, Camille Hoek, Poison y Organza Histeria; importantes referentes a la hora de hablar sobre los roles de género y feminismo desde las distintas miradas e interpretaciones que se le pueden dan.

En la reflexión sobre el cuestionamiento de los roles de género tradicionales, encontramos muchas veces un lenguaje poco cercano y ondulante, por esta razón foros como este abren las posibilidades de darle mayor difusión a un debate que debe darse en todos los espacios posibles, nos invita a cuestionar practicas y lenguajes que hace 30 años ni siquiera hacían parte del léxico, y es en lo que los y las participantes del foro hacen énfasis, en la necesidad de reconocernos unos a otros como personas diversas desde el lenguaje inclusivo. Al respecto una de las ponentes, Laura Weinstein directora ejecutiva de la Fundación GAAT (Grupo Acción y Apoyo a Personas Trans) y defensora de derechos humanos, asegura que hay que “entender que existen expresiones de género que ni siquiera imaginamos, espacios y lenguaje incluyentes”. “Pasaron más de 45 años para reconocer que fue una trans y no un hombre gay quien dio el primer taconazo en Stonewall, nos invisibilizaron”. Laura hace referencia a Silvia Rivera, veterana de los disturbios de Stonewall Inn, mujer transgénero y activista de la comunidad, a la que la misma le daría la espalda años después, sin reconocer en ella toda la resistencia, y que en parte es gracias a ella y su amiga de la vida Marsha P. Johnson, una mujer negra trans, que hoy por hoy esta comunidad tiene los pocos derechos que tiene.

En la cultura drag existe una forma de resistencia en estas prácticas  debido a que en toda relación de poder debe haber una forma en la que los sujetos se opongan a este tipo de control; es ahí cuando la práctica de la libertad consciente juega un papel fundamental, pues constituye una serie de dinámicas disruptivas de estos binarismos que tienen que ver con la performatividad de género y la idea que Judith Butler planteó en cuanto a la construcción de género, como un proceso netamente cultural y sociológico.  Las ponentes del foro, Poison y Organza afirman en medio del debate que la educación es parte fundamental del reconocer al otro “hay que apostar por una educación con identidad, educar a las familias sobre las diversas formas de expresión”.

Cuerpos sexualizados

Violeta, escritora productora y diseñadora gráfica, afirma que las apuestas artísticas desde lo drag hacia lo queer son un elemento fundamental a la hora de ser contestatarios contra esos cánones y roles de género normalizado, a lo que Poison, que es parte activa de la cultura drag complementa diciendo que comúnmente “a todos los cuerpos feminizados se les hipersexualiza, también ocurre en el drag”.

Ser mujer en Colombia ya es un acto de valentía, y si usted querido lector, querida lectora está de acuerdo con esta afirmación, entonces sabrá que nos están matando, que el feminismo parte de la necesidad de reconocernos en una sociedad desigual y luchar por cerrar esas brechas de desigualdad y violencia, dictadas por el género, las cifras no me dejarán mentir.

“Atravesamos el cuerpo de nuestra compañera en la calle, parando el tráfico, fue el momento en el que más prensa tuvimos, rogando que nos prestaran atención”. Con un tono enfurecido y casi harta de vivir esa impotencia una y otra vez, así describe Laura Weinstein una experiencia dolorosa, un suceso trágico; el asesinato de una mujer trans, una compañera, víctima de la violencia sistemática en contra de la comunidad LGBTIQ+, “esto no es algo nuevo, viene pasando hace muchísimos años”.

BAD GUY –JPG

Por: Diana Galindo

En el siglo XXIII la humanidad está a punto de ser atacada por un gran mal, esta es la historia del quinto elemento (1997) la película de ciencia ficción francesa que apropió la estética de posmodernidad con 954 trajes fabricados por el diseñador Jean Paul Gaultier creando así una de las colaboraciones de la moda y el cine más famosas. El mensaje es claro, la humanidad se enfrenta a uno de los paradigmas más viejos de la historia, el ser humano se enfrenta a su extinción y deberá romper sus propios paradigmas, descubriendo que única salvación es el amor, algo de lo que Jean Paul está en completo conocimiento. Su inspiración vino de la mezcla de culturas y de la exploración de la estética punk, sin embargo, el rechazo al diseño convencional. Sus controversiales puestas en escena con modelos poco usuales y prendas que desafían el estilo tradicional lo catapultaron al éxito. La falda de hombre en su colección “Y Dios creo al hombre” en 1985 es solo un ejemplo de su confrontación a las ideologías de género en la moda.

El estampado de marinero (líneas horizontales blanco y azul) expuesto en cada una de las pasarelas de Jean Paul Gaultier desde sus inicios con su línea de productos masculinos se volvió en un símbolo de su marca y una redefinición del hombre dentro de ella.

La idolatría de las figuras públicas le dio al diseñador un gran éxito con el corsé color rosa en tela satín con los senos en forma de cono, el resultado de una reformación de la corsetería de los años 40 expuesto por primera vez en Blond Ambition Tour (1990) por la reina del pop Madonna. La prenda clasificada como fetichista genero una nueva tendencia “underwear as outerwear” aun ejecutada y definida como una liberación de la mujer.

Por: Santiago Sánchez 

Gaga, una palabra que denota respeto, y si lo juntas con Lady tenemos a una de las más grandes artistas pop de la historia, una artista tan controversial como talentosa, tan cambiante como interesante, un artista de odios y amores, sin puntos medios. Alguien que da de que hablar siempre. “Bienvenidos a Chromatica” el sexto álbum de estudio estrenado el día 29 de mayo del presente año, nos regaló una apuesta en la que nuestra querida reina vuelve a sus orígenes casi sin intensión.

De esta forma abre su álbum, con Chromatica, una canción dividida en tres partes, casi a modo de contar una historia, dividiendo el disco en tres partes. De hecho, esta es la parte mas novedosa de su nuevo lanzamiento, a modo de mostrase como un artista camaleónico y cambiante nos adiciona tres piezas de violines que le dan un tinte de melancolía al disco. Aparte de esto, Gaga juega todo el tiempo con la oscuridad de la idea del monstruo mezclándola con la idea de la delicadeza y belleza características de esta reina del pop. Nos muestra, particularmente la idea de un monstruo bello, estéticamente agradable a la vista mezclando la oscuridad de este paradigma con la belleza y simpleza de una base de teclados perfectamente ejecutado. Nos ofrece además la colaboración con Elton John, algo tan importante para la comunidad LGBTIQ como la colaboración de éste con Ru Paul.

Por otra parte, las colaboraciones juegan un papel fundamental, brindándonos la oportunidad de escuchar su potente voz al lado del alto registro de Ariana Grande, o del característico color de voz de Elton John. Además de esto, musicalmente opta por una apuesta segura dentro del mundo del pop; escogiendo esencialmente mezclas de sonidos alegres y pegajosos, algo que de lo que Lady Gaga sabe y sabe mucho. Retorna a un sonido más pegajoso, electrónico y brillante, de esas muestras musicales en donde las escarcha y los sintetizadores eran los elementos más recurrentes. Tiene particularmente un sonido alusivo a los 90, mezclando el sonido del piano con una onda muy New wave y “technera” en la mayoría de canciones.

Escrito por: Nicolás Cáceres

Reducir a Lemebel a unas cuantas líneas es un despropósito. Es una tarea imposible, una insensata labor que deben enfrentar todos aquellos que quieran contar su historia. Más aún, si tenemos en cuenta que probablemente estemos narrando la vida del mayor artista homosexual de la historia latinoamericana.

- Antes de reseñar Crónicas del sidario debemos remontarnos a su biografía, porque su escritura estará directamente influenciada por su vida y la reivindicación de la pobreza, la marginalidad y la homosexualidad en la sociedad chilena -.  

Primero fue, Pedro Mardones. Nació en Zajón de la Aguada, un barrio de invasión frente a un río de Santiago de Chile. Convivió con la pobreza extrema las primeras décadas de su vida. Logró entrar a la Universidad pedagógica de Chile y licenciarse como artista plástico.

Intentaría ejercer como docente, pero su profesa homosexualidad lo haría blanco de despidos injustificados. Abandonada la docencia, se enfocaría en el performance y la escritura, sumado a un activismo político pro-izquierda frente a la dictadura de Pinochet. Precisamente, para 1986, en un mitin político vestiría por primera vez tacones en público, maquillado con el símbolo de la hoz y el martillo mientras recitaba su popular Manifiesto. “Hablo por mí diferencia”.

Sin embargo, su presencia no es bien recibida tampoco en la izquierda “progresista” y decide abandonarla. Para 1987 crea un dúo que marcará la historia del arte y la contracultura: Junto con el Poeta Francisco Casas fundan “Las yeguas del apocalipsis”. Pedro, ya no será Mardones nunca más, será Lemebel en tributo a su madre, lo femenino, lo homosexual y lo travesti.  

Las yeguas, demasiado grandes para ser solo jinetes, harán toda clase de performances hasta 1995, irrumpiendo en todos los sectores culturales, reivindicando la homosexualidad, la marginalidad y denunciando la hipocresía del arte chileno. Entre sus performances destacados estará “Lo que el sida se llevó”, una serie de fotografías donde Lemebel y Casas estará vestidos como grandes figuras de Hollywood clásico, con prendas de conocidos y amigos travestis admiradores de esta estética, muertos por sida.

Una de estas fotos es la portada del libro que nos trajo hasta acá en este viaje de párrafos llenos de letras.Loco afán: Crónicas del sidario de 1996 es el segundo libro escrito por Lemebel. Sin embargo, fue el que lo lanzaría a la fama internacional, gracias a la incidencia de Roberto Bolaño (que lo categorizó como el mejor poeta de Chile aunque no escribiera poesía) con la editorial Anagrama, que sacaría una reedición en el 2000.

No es necesario un análisis profundo para comprender de qué trata el libro. Lemebel nunca utilizó la ficción y siempre recurrió a su experiencia personal como fuente narrativa y poética.  

El libro se divide en 5 grandes capítulos que van desde experiencias de amigos y personajes famosos, envueltos en una relación con Chile y Lemebel. Es un desglose desde lo personal a lo global, desde la marginalidad de los barrios de “locas” hasta la profunda grieta del conservadurismo de la sociedad chilena y los “maricas” de clase alta. Crónicas del sidario es más que la narración de un puñado de personas azuzadas por el SIDA. Es un manifiesto barroco de autorreconocimiento generacional desde la perspectiva homosexual como respuesta a un régimen dictatorial e histórico. Es un grito desgarrador y a la vez lleno de orgullo frente a la constante invisibilización social del movimiento LGTBIQ+, relegado a la pobreza, a la violencia sistemática y la precarización de la vida en todas las esferas.

Es el relato visceral de Pedro Lemebel hermandado con miles de personas que necesitaban de su voz y de su arte para lo que en estos tiempos llamamos validación y aceptación. Crónicas del sidario es poesía que duele e incita, son crónicas plagadas de realidad universal, es un canto a la justicia y la lucha, es el arte consciente plagado de rabia frente al pudor y la indiferencia social. Es un performance literario del loco afán de escribir la realidad.

De pantallas y mundos

Por: Valentina Cadosch 

Juguemos, intenten cerrar los ojos y pensar en la palabra “humano” ¿Qué se les vino a la cabeza? Bueno, voy a intentar usar mis habilidades de adivinadora para contarles en lo que pensaron, se imaginaron seguramente, un hombre cis, blanco y probablemente masculinizado, no es culpa de ustedes y esto no los hace unos cavernícolas, los hace consumidores.

Es tan sencillo como que no lo que no ves, no existe, no podemos imaginar lo que no conocemos, nuestros imaginarios y nuestras cabezas están diseñadas por el contenido que consumimos, las películas, los libros, el arte o las redes sociales, todo eso con lo que llenas tu cabeza o la distraes crea lo que piensas del mundo.

Si continuamente consumes contenido sobre animales, como programas o esos videos tiernos que tanto te gusta ver en Tik Tok, probablemente te conviertan en una persona que es mucho más sensible a las necesidades de su mascota, tendrás más empatía hacia todos los animales y por ende tu mundo estará cambiando, ahora ese perro callejero de la esquina será evidente para ti.

Lo mismo ocurre con todas las categorías sociales,” Disclosure, ser trans más allá de la pantalla” el nuevo documental de Sam Fender para Netflix explica precisamente eso, como las representaciones sobre las personas transgénero en los audiovisuales han moldeado lo que pensamos, imaginamos o sentimos respecto a esta comunidad.

La influencia no es menor, este rol común y poco creativo de los creadores de mostrar a las mujeres transgénero solo como trabajadoras sexuales es reduccionista y por supuesto cargado de misoginia e ignorancia, pero claro que hay mujeres trans que se dedican esta actividad y sus historias son sumamente importantes pero no pueden ser las únicas que se cuenten, así como no todas las historias que se cuentan sobre mujeres cis son de por ejemplo doctoras, porque si no todos pensaríamos que todas las mujeres cis tienen un poderoso deseo de ser doctoras.

De los hombres transgénero ni hablar, porque las representaciones que tiene en pantallas son muy pocas y son desviadas, se les ve aun como una mujer performando como hombre, se les suele asociar más con las lesbianas que con la comunidad transgénero, lamentable. Que los creadores no sean lo suficientemente sensibles al mundo que los rodea como para que sus historias de verdad representen el mundo en el vivimos, es culpa de la misma industria que tanto les apasiona.

Disclosure de la mano de personalidades como Laverne Cox que entre otras cosas fue la primer mujer transgénero en salir en la portada de Time, lleva el hilo narrativo del documental contándonos desde las representaciones más negativas y a las más positivas y como la apertura paulatina del mercado audiovisual ha dado paso a series como Pose, Transcendent o personajes como Nomi Marks en Sense 8.

Es un documental que nos invita a pensar en lo que consumimos y como eso modela nuestros puntos de vista, el como vemos la vida, e invita a los creadores a atreverse hacer historias con empatía y sensibilidad, pero sobre todo a las personas trans que se interesan en lo audiovisual a contar y actuar sus propias historias, porque solo elles podrán contarnos que se sienten habitar en sus pieles porque de hecho lo hacen.

Las armas más poderosas para la revolución

Por: Santiago Sánchez

Los cuentos, esas maravillosas historias que permiten que nos enamoramos de los libros de pequeños, que nos muestran un mundo de fantasía y diversión; que por muy fantásticos que parezcan nos ayudan a identificarnos en diversas situaciones y a fortalecer nuestros primeros vínculos. A pesar de todo esto también pueden funcionar como una forma de encacillarnos bajo las dinámicas heteropatriarcales típicas de la sociedad.

Nos muestran que lo que es "normal" o está bien es que el hombre y la mujer adquieran un papel, "predeterminado" en el cual no es permitido actuar de forma diferente y que de no ajustarse a esto, se está mal. Bueno, hoy vengo a contarles de un tipo de literatura completamente diferente, en la cual está bien no encajar en este tipo de narrativas.

Dorita y el dragón, Le príncipe Carolina y Oliver Button es una nena son unas de las historias que nos ayudan a entender que no hay nada malo en encajar en los estéreotipos. Libros hechos por Blanca Canessa y Thomas Anthony de Paola respectivamente. Historias que ayudan a educar a cada lector, narrativas dirigidas a todo el público para que entiendan que la diferencia es lo que nos hace únicos, que todos tenemos el mismo derecho a ser felices y a ser amados y comprendidos.

Este tipo de narrativas fueron compartidas y expuestas por sus autores y diversas personalidades latinoamericanas en la tertutila llevada a cabo por La Biblioteca diversa mediante un en vivo promovido por la Alianza Social LGBTI de Antioquia y Crónicas de la diversidad. Este evento contó con panelistas como Lakita, la autora de Dorita y el dragón, Vero Ferrari, autora de ¿Camila tiene dos mamás? Y el promotor de lectura colombiano Diego Ruiz. Allí se tocaron temas de vital importancia como lanimclusión de literatura de este índole en los currículos de las instituciones educativas, representando un desafío para las entidades gubernamentales frente a la creación de políticas públicas para la promoción de la creación de este contenido.

Bailar es resistir 

Por: Angie Duarte

Entre tragos, multitud, conversaciones espontáneas, derroche de extravagancia, complicidad y por supuesto mucha música; así transcurrían las horas en Stonewall In, un bar LGBTI situado en la ciudad de Nueva York en Greenwich Village, sitio que en 1969 pasaría a la historia por ser el lugar donde se libró una batalla por los derechos de la comunidad. Como este existieron muchos espacios más que a través de la música y el performance artístico, reunían a un público hambriento de mostrar al mundo quienes eran, sin temor a ser juzgados y coreando versos que se sentían como un puño en alto, un acto de resistencia. 

A lo largo de los años nos preguntamos sobre el efecto que la música tiene en el cuerpo humano ¿A qué se debe que ciertos ritmos nos hagan vibrar, saltar, emocionarnos y hasta llorar? Múltiples estudios científicos han revelado que la música afecta la química del cerebro; hace que liberemos dopamina, una neurohormona liberada por el hipotálamo, y que se le relaciona con el placer; sin embargo, tiene otras benéficas funciones como estar presentes en los procesos de aprendizaje, comportamiento, actividad motora, el sueño, el humor y la atención. Por todas estas razones la música merece un espacio de reconocimiento en la influencia que ha tenido, y que tendrá dentro de la comunidad LGBTI, su revolución y resistencia.

Década de los 60 y 70: la música disco muy pronto se convertiría en un himno para la comunidad gay, un acierto en los clubes nocturnos. Su éxito entre la comunidad derivaría de la fascinación por ritmos como Rhythm and blues, además de contar con la influencia del funk y soul. Casi de inmediato, artistas emergentes impactarían a la comunidad gay siendo fuente de inspiración y representación en la escena mainstream, tal como lo hizo Judy Garland,    ícono gay femenino, conocida entre otras cosas por ser protagonista del film Mago de Oz, película que fue acogida por la comunidad LGBT, principalmente por encontrar en ella una serie de símbolos sobre el significado de la sexualidad. Los zapatos rojos de Dorothy Gale no quedarían en el olvido. 

En 1976 se compondría ‘The Killing of Georgie’, una canción escrita y grabada por Rod Stewart y lanzada como pista en su álbum de 1976 A Night on the Town. La canción cuenta la historia de un hombre gay que fue asesinado en la ciudad de Nueva York, amigo de Stewart. El  performance de esta canción era en sí mismo un acto de reclamación, un grito desesperado por contarle al mundo lo que allí pasaba, a la luz de una sociedad indolente.

En 1978 el grupo Village People se convertiría en un importante referente de la industria musical cuyas letras, ritmos y performance impactarían para siempre la lucha por los derechos LGBTI. Llegaron a la cima de la industria con canciones como Macho Man, que en se situaría entre las 30 principales. Luego vendría Y.M.C.A., que fue número uno en Inglaterra y número dos en Estados Unidos, y que aún hoy genera cierto entusiasmo imposible de ignorar. 

Para la comunidad gay, ha sido importante verse reflejada y representada en múltiples escenarios artísticos, pues estos han servido de base y motivación para luchar en contra de los cánones de vida heteronormativa y la sociedad radical que oprime la diversidad y atenta contra los derechos humanos. El 8 de enero de 1947 en Brixton, Reino Unido, nacía un hombre cuyo legado cambiaría para siempre las reglas de juego, la percepción más allá del rosa y azul, y definitivamente impactaría en el reconocimiento del drag queen como arte y elemento catalizador y crítico. David Bowie, un reconocido artista que a partir de la década de los 70 se dedicó a interpretar reinvenciones, innovaciones musicales y presentaciones visuales de todo tipo. Su estética era motivo de debates para la época, algo salido de las cuatro vértices que la sociedad acostumbraba ver y con lo que seguramente sentirían algo de incomodidad. Su performance abría espacios a la diversidad, al debate, a la crítica y a la resistencia. En una entrevista realizada en septiembre de 1976 para Playboy, Bowie dijo: «Es cierto, soy bisexual, pero no puedo negar que he utilizado este hecho muy bien. Supongo que es lo mejor que me ha pasado». 

Queen, 1998. Esta época pasaría a la historia con una banda sonora encabezada por ‘I want to break free’, canción que lideraría las listas musicales del Reino Unido, su vídeo rompe los estereotipos de roles de género instaurados; su vocalista Freddie Mercury pasaría además a la historia no sólo por ser una de las voces mas increíbles, sino por convertirse en un símbolo para la comunidad gay, un hombre al que la comunidad acogió y por el que se abandera de campañas de prevención, tratamiento digno y cero discriminación para las personas con VIH+. 

Back in the 90`s 

Escrito por: Diana Galindo 

Los noventas una época de grandes cambios para la humanidad. La guerra fría llega a su final. Se da la caída del muro de Berlín. Se encuentran los restos de Ernesto el Che Guevara. La muerte de Lady Di. El asesinato de Giani Versace. Nirvana alcanzaba su máximo auge. Se estrena el primer sencillo de Britney Spears “Baby one more time”. En el mundo de la moda se posicionaba la tendencia grunge con base en el movimiento musical implementado por bandas como Nirvana y Pearl Jam. Este consistía en imitar el estilo de las bandas de rock más importantes la época; retomando la apariencia desalineada, construyéndose a partir de los referentes punk y rock expuestos en los años 70’s.

La creadora de la estética punk Vivienne Westwood recupero el tartán (tela a cuadros) como forma de activismo y representando la represión escocesa por parte de la monarquía británica, estampado que luego se convertiría en uno de los mayores iconos utilizados en la tendencia grunge; junto a los trajes con silueta sobredimensionada, los accesorios metálicos y el predominante color negro en las prendas de cuero, características que son llevadas a las pasarelas por Anna Sui, Christian Francis y Marc Jacobs.

El concepto utilizado por Weswood se ha mantenido hasta el punto de trascender a diversos espacios de entretenimiento tales como la televisión, evidenciado en el popular reality show Ru Paul Drag Race y puesto en escena por Naomi Smalls, participante de la temporada 8 en el reto magas del drag llevada a cabo en el año 2016. El reto consistía en representar a un personaje de la famosa película el maravilloso mundo del mago de oz, la figura designada a Naomi fue el espantapájaros; para ello Smalls decidió optar por una silueta ajustada en el pecho que se amplía desde la cintura, compuesta por un conjunto de crop top confeccionado en fibra de fique, una falda con diferentes tipos de tartán y un calzado similar al diseñado por Vivienne Westwood para su colección “Anglomanía” AW 1990/91. La combinación de las texturas, estampados, colores y técnicas son una clara alusión a la estética grunge retomando los principales pilares que constituyeron este movimiento.

Gay is good

Por: Angie Duarte

Las máscaras de la lucha antes de Stonewall. El día 7 de abril de 1912 en Worthing Inglaterra, nacía un hombre cuyo futuro sería precedido por una de las manifestaciones más significativas de la comunidad LGBTIQ, esta sigla que no siempre tuvo tantas letras y que aún hoy le faltan. Harry Hay, se convertiría en el principal fundador de The Mattachine Society y activista que entregó su vida a la resistencia contra lo que él llamó opresión sistemática contra las minorías.

Como si se tratase de una obra digna de Broadway, The  Mattachine Society se definiría como la  comunidad que se bufó de la opresión estadounidense en contra de los homosexuales. Su curioso nombre es algo que no puedo pasar por alto, este se inspiró en un grupo enmascarado medieval francés que Harry había estudiado mientras preparaba un curso de historia de la música popular, para un proyecto de educación de trabajadores. A su vez este grupo francés tomo su nombre de Mattacino (o en español Matachín), un personaje del teatro italiano. Mattachino era una especie de bufón de la corte que decía las verdades al rey cuando nadie más osaba a desafiar tan grande figura de poder. Los "mattachin" (del árabe mutawajjihin "los que llevan máscara") eran originalmente danzantes con espada, hispanoárabes que llevaban trajes elaborados coloridos y máscaras.

Los Ángeles, Estados Unidos año 1950. Así entonces hacía los años 50 y 60, ser un matachín se convertiría en un acto de valentía, que volcó su significado cómico a una puesta teatral que podía costar la vida. Frank Kameny, un astrónomo y veterano de la Segunda Guerra Mundial que trabajaba para el Servicio de Mapas del Ejército de EEUU, se uniría a esta comunidad creada por Hay en 1961; vivió en Washington durante la década de 1950. Kameny sería abanderado de la reconocida frase que lideraría su lucha “Gay is good”.

En 1958, Kameny fue despedido de su cargo y se le prohibió el empleo federal futuro por ser homosexual. Su motivación lo llevó en la década de los 60 a convertirse en un líder ejemplar para The  Mattachine Society, que para entonces ya tenía presencia en ciudades como San Francisco, Nueva York, Chicago y Washington DC; donde se venían gestando las reclamaciones por derechos fundamentales para las personas homosexuales, transgénero e intersexuales que veían con angustia la persecución a la que eran sometidos, negándoles derechos básicos como el acceso al trabajo. En adelante cada vez más personas salieron de la sombra para sumarse a la voz que con el pasar de los años se haría más fuerte, buscando unir a una comunidad sumida en el miedo. Entonces las llamas ardieron en Stonewall y nada podría ser igual en adelante.

Un golpe en la cara al sistema

Escrito por: Santiago Sánchez

Toda revolución tiene una cara, un relato, una víctima de violencia que se encarga de transmitir toda la indignación y agitación para que las personas se comprometan con la causa. Es así, se necesita un rostro, un emblema de lucha. Esta es la historia de la mujer que se encargó de dar el primer puñetazo en los disturbios de Stonewall.

Esta es la historia de Stormé DeLaverie, una de las más grandes activistas de toda la historia de la comunidad LGBTIQ. Vivió una vida de lucha incansable, como ella bien decía dejó de esconderse para pelear por los derechos de toda la comunidad. Nació el 24 de diciembre de 1920 en Nueva Orleans y murió el pasado 24 de mayo del presente año. Fue una reconocida líder, presentadora, bailarina y cantante dentro del nicho de la comunidad. Su mayor participación artística se llevó a cabo dentro del legendario grupo drag Jewel Box Revue, siendo la única mujer participante y uno de los primeros drag King de toda la historia.

Fue una mujer que dedicó su vida entera a la lucha contra la discriminación y violación de los derechos de la comunidad LGBTIQ en Estados Unidos, una de esas personas que realmente duele perder, pero que vale la pena recordar, más ahora en el mes del orgullo. Una de las historias más anecdóticas y representativas historias de Stormé fue el hecho de ser la encargada de dar el primer golpe para la revolución de Stonewall.

En aquel entonces, fue arrestada y agredida por un grupo de policías que se disponían a subirla en una patrulla; al recibir un fuerte golpe en la cabeza DeLaverie lanzó un golpe contra uno de los agentes, encargándose de animar a la multitud, exclamando de forma airada “¡Es que no van a hacer nada!”. El resto, es historia. Una vida dedicada a los derechos humanos, a pelear en contra de la desigualdad y a proteger a sus semejantes. Fue una de las fundadoras del grupo de veteranos de Stonewall y era conocida como “la guardiana de Greenville” por su labor en las calles de aquel lugar en Nueva York. Su vida pasará a la historia como una de las madres del día del orgullo, y su nombre quedará para siempre grabado en la memoria de toda la humanidad. Su imagen se mantuvo hasta el día de su muerte, un rostro con algunas marcas de guerra, de una revolución que aún se mantiene y que no tendrá otro resultado que la reclamación de lo que por derecho es nuestro.

Sylvia Rivera: Una vida de resistencia

Por: Nicolás Cáceres

Es el 28 de junio de 1969. Nadie recuerda si la luna se posaba sobre el firmamento o si las nubes anunciaban alguna tormenta pasajera. A veces el clima no importa demasiado en los días que se escribe la historia. Seymour Peine y Charles Smythe organizan su cuadrilla. Hacen parte de la policía de Nueva York. Quizá no presienten nada, la noche quizá es tranquila. Se dirigen a Greenwich Village. El escuadrón de la Moral pública se ha tomado Stonewall Inn. Es cerca de la 1:00 de la madrugada. Sylvia dirá tiempo después que bailaba con algún amante de turno, alguna vieja canción mientras pensaba en Judy Garland, encontrada muerta días atrás por una sobredosis accidental de barbitúricos. Las luces se encienden en el bar. Los relatos dirán que eran más de 200 personas retenidas por unos cuantos oficiales. Nadie sabe con exactitud cuando explota la rebelión. Todo en Stonewall arde. Todo en Greenwich Village arderá. Y ahí estará Sylvia, que sabe que es el momento de reivindicar no solo su vida, sino el destino de millones que la recordarán por la eternidad. Sylvia tiene casi 20 años y el cabello rubio. Es de origen venezolano y puertorriqueño. Su vida estará marcada por la tragedia. Su padre la abandona cuando su memoria ni siquiera se ha desarrollado. Su madre se suicida tomando leche con veneno para ratas cuando ella tiene solo 3 años. Vive hasta los 11 con su abuela materna aguantando golpes, reprendas y humillaciones por su feminidad. Sylvia toma las pocas pertenencias que pueda tener una niña con una década de vida y huye hacía Nueva York. En el Time Square Garden es acogida por un grupo de drags que le darán un hogar. Los relatos de esta mitología tendrán un punto de común acuerdo en medio del caos. Sylvia estaba al frente de la revuelta, muchos y muchas dirán que fue la primera en lanzar la primera piedra. Marsha, la maravillosa Marsha amiga desde la adolescencia y para toda la vida de Sylvia, dirá en uno de los documentales sobre su vida, que mientras todo ardía y se escuchaban y el rumor de la indignación colectiva aumentar, Sylvia tomaba algún coctel mientras bloqueaba el tráfico en la calle Christopher. El mundo no cambia de la noche a la mañana, eso lo sabía muy en el fondo Sylvia. Por eso sabe que Stonewall solo puede ser la piedra angular de un movimiento que necesita movilizarse cientos de veces para lograr la dignidad. Por eso funda el movimiento S.T.A.R (Street Transvestite Action Revolutionaries). Por eso, a lo largo de los años 70´s se ve enfrascada en luchas contra la policía, el sistema, el feminismo TERF y en general en cualquier tipo de movilización que implique defender los derechos de alguna minoría. Porque, Sylvia, sabe que la conquista de los derechos fundamentales no puede realizarse, opacando los derechos de los demás oprimidos. Sylvia, que todo lo sabe, piensa que la revolución debe ser estructural.