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  La obra de Clowes ha dado lugar a una cosecha de cultura popular cargada de hostilidad, ironía, solipsismo y frapucchinos que en los noventa alumbraron las películas indies, la escena musical de Seattle y la literatura de la Generación X. El público de Clowes ha crecido y cambiado los fanzines por el New York Times. Las obsesiones del dibujante, no obstante, permanecen. La mayor de ellas, la soledad.

 “Trabajo con personajes de los que respondo emocionalmente. No me gusta pensar demasiado en si son versiones de mí, ni en si reflejan miedos sobre mí mismo o sobre otra gente. Intento crearlos de manera orgánica, casi como uno lo hace cuando sueña. De alguna manera reproducen los dramas que suceden en tu propia vida interior, en tu estado mental”.

 Su obra se concentra en las minucias del ultrasonido, así como con las frecuencias y características esenciales del mismo, explotando su causalidad con la percepción humana y las matemáticas como música, tiempo y espacio. Utilizando computadoras y tecnología digital hasta el propio límite, Ikeda ha estado desarrollando unos particulares métodos "microscópicos" para la composición e ingeniería del sonido.

Ryoji es un autor conceptual que hace uso de un lenguaje audiovisual digital. Los sonidos, de gran pureza tímbrica, están hechos de materiales de bajas y altas frecuencias, microtonos y líneas agudas alargadas en contraste con asperezas accidentales. La estilización rítmica se consigue mediante la repetición o adición de eventos, de cruces de líneas y geometría sincronizada que imprimen velocidad al mensaje. La intensidad llevada al clímax, ya sea por el incremento de sucesos o por la acumulación del material sonoro, acaba anunciando su desintegración, colapso o desvanecimiento en un punto. Todos estos elementos parten de figuras minimales sencillas, en cuanto a que su origen son puntos y líneas (datos), pero adquieren una gran complejidad en la composición final. El resultado físico se podría entender como una secuencia de pulsiones sónicas y de imagen, de líneas geométricas que contrastan con texturas ruidistas y elementos paisajísticos que surgen de forma efímera. El continuo sonoro queda indisociablemente ligado a las imágenes en un asombroso trabajo de sincronización.

La plasticidad abrumadora de las obras de Ikeda plantea un campo semántico intransferible, situado entre la matemática (de espacios vectoriales a la infinitesimal), la irrupción de entes inesperados como elementos del caos y un lienzo visual que une videocreación, música digital e instalación en la representación tridimensional en sala o concierto. La visión sobre la sustancia matemática que descansa, de lo más íntimo a lo más superficial, en nuestra realidad, como no podía ser de otro modo en Ikeda, no es fría, sino asombrosa, bella y pura en su exactitud.

   Durante sus estudios, empezó a realizar películas en Super 8. Sus trabajos duran generalmente un par de minutos, alterando colores, velocidad y sonido. 

    La obra de Pipilotti Rist se centra preferentemente en el cuerpo humano al que trata con un sentido muy sensual. En contraste con otros autores del género, Rist destaca por una estética amable y colorista, aunque ajena a lo comercial. En este sentido, su trabajo viene a demostrar que el riesgo formal y la investigación no son incompatibles con los criterios de belleza entendidos en un sentido casi tradicional.

 "Nuestros ojos son cámaras accionadas con sangre". Y su motivación, un optimismo irrenunciable, pero con matices. "Decidí que mi trabajo debía dar esperanza, aunque sin ignorar el dolor, la melancolía y el miedo", explica. "Aprecio a colegas míos que hacen un arte donde el dolor y los problemas son centrales, pero yo decidí que mis obras debían tener aliento, y vuelo, y escapada. Mi trabajo debía ser una huida hacia adelante en forma de ritual".

     De procedencia nigeriana, se crió en Manchester y en la actualidad reside en urTrinidad. Es en este contexto donde hay que situar el método de trabajo transcultural de este artista, ganador del premio Turner. En su arte combina elementos de distintos ámbitos culturales, como por ejemplo el arte cultural africano, de Europa del este y del Pacífico, el arte europeo y la tradición figurativa india. La materialidad de las obras de Ofili desempeña un papel crucial, en tanto que aplica a la pintura materiales poco habituales, como papel de aluminio y cuero. Dichos materiales son los encargados de dinamitar las referencias estilísticas, pues no fueron usados por los modelos históricos. De este modo genera una tensión estética entre un estilo conocido y un uso poco común del material, una tensión que encuentra su complemento en la dicotomía temática entre el paraíso exótico (pintura) y la grosería de lo burlesco (escultura).

   ''Bueno, mi pintura empieza muy pálida y luego se dirige hacia la oscuridad. Al final tienes la impresión de que la luz viene desde dentro''.        

     A primera vista, los collages de Mutu a base de cuerpos femeninos, plantas, animales y estampados entrelazados transportan al espectador con su hechizo de opulenta alegría cromática, pero, tras un examen más minucioso, la vista capta también posturas corporales retorcidas, distorsiones grotescas y obscenidades anatómicas. El cuerpo femenino, lo que se proyecta sobre el, y la manera en que se representa, ocupa el centro de la obra de Mutu.

    ''Puedo hacer de verdugo o de víctima, puedo desempeñar el papel de manipulador de la imagen pero también de manipulado. Creo que el arte puede contener estas dos posiciones al mismo tiempo, y puede complicar la manera en que te ve la gente''.

   Al yuxtaponer artículos de moda con imágenes de protestas políticas, la artista apunta vínculos ocultos entre la sociedad consumista, la política del poder y la mecánica del deseo. Meckseper recurre también con frecuencia al lenguaje de la publicidad y la propaganda.

       ''La base de mi trabajo es la crítica al capitalismo''.

    Cuanto mayor es la frecuencia con que aprieta el disparador de las cámaras digitales, tanto mayor es el flujo de imágenes irrelevantes. Por tanto, tanto mayor es el significado que adquiere el gesto del alguien que se decide a ir en contra de la tendencia de la fotografía digital y utilizar el principio original de la fotografía, la camera obscura. Lutter escoge de vez en cuando salas enteras a modo de caja de la cámara. En la pared frontal aparece entonces una imagen invertida del mundo exterior. Recoge dicha imagen sobre papel fotográfico en forma de un singular negativo. De este modo se generan negativos del mundo en los que incluso las propias cosas normalmente iluminadas ganan potencia luminosa.    ''Nunca sé lo que va a pasar. Tengo una manera de trabajar bastante pasiva. Instalo el aparato de observación, la cámara y a continuación realizo el proceso de observación y registro todo lo que ocurra. La obra trata esencialmente sobre el paso del tiempo, no sobre las ideas de la representación''.

   Lamsfuss pertenece a una generación de jóvenes pintores que fueron definidos como los ''jóvenes malvados'' por la revista Der Spiegel. Así se hace referencia a una generación de artistas encuadrados estilisticamente entre el postimpresionismo y el postexpresionismo, con incursiones en el realismo fotográfico. El elemento común es la extracción de motivos de la realidad mediática, así como su transformación en el ámbito pictórico. Según las reglas del juego de la posmodernidad , todos los materiales gráficos tienen el mismo valor, todos ellos tienen cabida en el arte y se pueden transformar. Así, los motivos de Lamsfuss proceden de fuentes bien diferenciadas: revistas, películas y el mundo del arte como elemento recurrente.

   ''Creo que mi arte tiene algo de videoclip a cámara lenta''.

    Águilas, calaveras piratas, cruces, telarañas, viudas negras, demonios, murciélagos, serpientes, estrellas, rosas, sirenas, luchadores, cadenas de alambre de espino, nombres propios, chicas de calendario desnudas y vírgenes María: la subcultura del tatuaje y su imaginería son clave en la obra del Dr. Lakra, un tatuador profesional méxicano que desde finales de los noventa presenta sus dibujos en el circuito artístico internacional.

    Con un cierto aire nostálgico, Lakra trabaja a medio camino entre la alta y la baja cultura, introduciendo en el campo del arte la sensibilidad y el simbolismo inherentes al tatuaje, con una pizca de su violencia, que entronca con una potente tradición gráfica de transgresión y underground.

   ''La sociedad siempre ha intentado enterrar la parte de la condición humana que se explora en la pornografía y los tatuajes''

   Huyghe lleva desde sus días como estudiante de arte experimentando con el formato de las exposiciones. Al usarlas como medio polifacético, fuerza y amplía los paradigmas y temporalidades de la exhibición para intentar que nuestra visión general acerca de su producción artística se torne fluida, permeable y maleable, en vez de estática y lineal. 

        ''Me interesa que la exposición no sea el final del proceso, sino un punto de partida para ir a otra parte''.

    Sus obras intentan abarcar los distintos medios y tratan sobre espíritus y demonios, sobre las sombras del pasado, sobre la ambigüedad. Hofer suele firmar sus obras con la inscripción ''Andy Hope 1930'', una fecha que marca para él el punto cero de la modernidad, especialmente desde el punto de vista de la historia de Alemania. En sus mundos pictóricos mágicamente ambivalentes utiliza, entre otras citas, el romanticismo alemán, los simbolos y el arte del naciosocialismo, el surrealismo, la iconografía cristiana y el ocultismo, pero también los superheroes del cómic y los fetiches de la cultura americana.

    ''Lo que me importa fundamentalmente es no hacer una mera mezcla, sino que mi deseo es crear un contexto nuevo''.

    Huang Young Ping ha emergido como uno de los más complejos artistas de su país. Cofundador del grupo de colaboración Xiamen Dada en 1986, que contribuyó a revivir el arte chino y a darlo a conocer en todo el mundo, Huang se asentó en 1986 en Francia, desde donde se ha dedicado a desarrollar su reflexión acerca del diálogo entre ambas culturas. Nos recuerda que el taoísmo es una filosofía china, pero también un significativo descubrimiento para el avant-garde occidental.

    ''Las obras de arte tienen una dimensión atemporal que resulta exactamente lo opuesto de la política''.

    Cartón, poliestireno, celofán, muñecas y bebes de foca, puestas de sol y Ferraris, todo ello impregnado de color rojo: objetos e imágenes como sacados de películas de terror, de las noticias o de la publicidad. Hirschhorn se interesa por lo opuestos, especialmente por las oposiciones del sistema del arte y la política. Ha desarrollado estos últimos años obras artísticas de forma de instalación que a menudo intentaban encontrar el camino de salida desde las instituciones artísticas en dirección a la calle, en forma de quioscos, altares o monumentos.

   ''Utilizo el arte como herramienta, como una herramienta para conocer el mundo, como una herramienta para enfrentarme cara a cara con la realidad, y como una herramienta para enfrentarme al tiempo en que vivimos''.

    Tanto la formación de cadenas asociativas, como los conglomerados de imágenes a modo de archivo son elementos esenciales en la obra de Jonathan Hernández. Este minucioso trabajo comienza ya con la propia selección de las imágenes en revistas y periódicos. Se eliminan sus contextos originales, con la intención de que nada las aparte de su presencia en calidad de motivos. A continuación se produce la disposición de las imagenes, con la típica visión de Hernández sobre las referencias formales  y compositivas, de modo que una sutil red de diagonales, verticales y horizontales vertebra y recorre las recopilaciones de imágenes.

   ''Considero que la realidad o realidades tienen un fuerte contenido de ficción desde su propio inicio...Los collages sirven a modo de catalizador de los eventos cotidianos mostrados, una especie de árboles genealógicos de los Apocalipsis: de esos apocalipsis que creamos todos los días''.

    Su multiforme obra está unida por motivos y temas recurrentes, como el conflicto entre la veneración y la irreverencia hacia la figura masculina en el arte, o una acusada conciencia de las tradiciones artísticas históricas, de las que se ocupa y contra las que se rebela. 

   ''Mantengo una relación con los estados críticos a través de la afirmación. Ya sea sintiéndome intrigado por la dinámica de asimilación de las culturas minoritarias contemporáneas o de las históricas, ya sea por los orígenes y el estado actual de la pintura no representativa o por el aspecto anómalo de las facetas ocultas de la escultura clásica, me parece importante fantasear sobre una posición crítica e imaginar una solución''.

   ''En el fondo soy un artista del rock and roll'', afirma Daniel Gúzman. De hecho, sus esculturas, dibujos e instalaciones rinden un claro homenaje a grupos como Deep Purple y Kiss e incorporan letras de canciones, cubiertas de álbumes e idolatría adolescente. Pero sus obras van mucho más allá. En sus propias ilustraciones, realizadas con el estilo texturizado y gestual de un adolescente que dibuja de forma compulsiva en los márgenes de su cuaderno, Guzmán crea un cosmos híbrido y delirante de héroes y antihéroes. 

          ''Crecí en el centro de la ciudad de México, en un barrio obrero muy antiguo. De pequeño leía cómics, tebeos mexicanos, periódicos, revistas deportivas. No descubrí la cultura pop en ninguna escuela de arte: ya estaba a mi alrededor''.

     Desde principios de los sesenta, Genzken examina el medio de la escultura y trabaja en sus límites, llevándolo hasta el borde del colapso. Desde sus primeras obras ha subvertido las estériles formas de la escultura minimalista con gestos exagerados e imaginería de los medios de masas. Sus esculturas suelen recordar a distópicos modelos arquitectonicos.

   ''No me interesan los ready-made. El significado está en la combinación de cosas. En una época como la presente, una época en que las cosas caducan, es importante emplear materiales baratos.''