#9dw

Every Record I Own - Day 145: Boris / 9dw Golden Dance Classics

Things change. 

And this is a perfect record at a perfect time to talk about change. I picked up this split LP at a record store next to a tiny rock club called The Conservatory in Oklahoma City eight or nine years ago. I played quite a few shows in that club over the course of the ‘00s, starting back when it was still called The Green Door. For years, I loved playing OKC because the shows were fun, the bartenders at the club were friendly, and I’d walk away with a stack of cheap LPs and CDs from the record store next door. 

But the club changed hands. The staff were no longer quite so warm and welcoming. The building underwent a protracted remodel that seemed more like a slow dismantle. The turnouts dwindled. And the record store changed it’s hours so it was never open when we were there. Finally, after a show there in 2014, we vowed never to come back. It was just too sad.

But back before things deteriorated, we played OKC and I wandered over to the neighboring record store. I found this split LP and was a little perplexed. The sticker on the packaging said Boris, but this didn’t look like a Boris record. I hadn’t even heard about this release. But the band members were listed on the back, so I grabbed it. The 9dw side consists of two instrumental tracks that toy with a fusion of funk and the goofier keyboard-driven rock moments on soundtracks like Tenebre or Cannibal Holocaust. In the liner notes, Boris credits the three members to their usual instruments, but the material on the first song on their side sounds like a proto-disco song generated from drum machines and keyboards. The second track is saturated in a wash of distorted guitar, but it’s overall vibe is more relaxed and poppy. Nothing on the album even hints at metal.

Sam Grawe’s Hatchback project is a fantasy panorama of all the music I like most, weaving new age, krautrock, balearic, kosmische, and post-rock into heavenly tapestries that I could float on forever. But the project had been virtually silent since 2013’s incredible Marin County 12” on Adult Contemporary, leaving the world bereft of his soothing sonic meditations until a surprise appearance earlier this year on Cocktail d’Amore’s Iury Lech remix album. There Sam transformed “Posimeridiano” into a blissed out expanse of soft ambient propulsion and shimmering synth starscapes and now, building on the incredible strength of that remix, he has joined Lo Recordings once again for the much awaited third volume of his “California Cosmic Sound” series, Year of the Dragon. As usual, Scott Hirsch and Daniel Judd are along for the ride dropping golden waves of guitar alongside Sam’s cosmic vibrations, with Daniel in particular adding his Sorcerer sunshine to one of the coolest tracks I’ve heard in a long time, “Humidity Report 1976.” Elsewhere we get majestic new age soundscapes and tropical saxophone jams, as well as a stunning journey into the blinding light of climactic post-rock.

Hatchback - Year of the Dragon (Lo Recordings, 2018) The centerpiece of “Evening Mountain” is the repeated appearance of thick and soul melting saxophone lines in the vein of Seahawks, which initially explore soft sauna jazz over cavernous reverb toms, flashes of hot static, and warm throbbing bass currents. Kick drums and splashy white noise cymbals evoke slow motion disco but when the full beat comes in, the vibe skews closer towards crashing and epic funk. The drums also sound double-tracked and with each layer slightly out of phase, creating the effect of colorful percussive tracers flying through the stereo field while an overflowing rainbow of synthesizer arps dances with LSD-soaked chime percolations and cosmic streaks of harmonious light panning back and forth. Towards the end, a searing space sequence overtakes the mix alongside droning angel choirs and the “topographic slide guitar” of Scott Hirsch, which dots the landscape with echoing bell tones and wailing solos, adding a naturalistic romanticism to the polychromatic synth euphoria. And as the track comes to a close, saxophones are smothered in deep space harmonizers while Sam’s squiggling synthesizer madness pushes everything towards some wild tropical landscape of alien colors and psychedelic visions.

“Onarimon” sets the spirit afloat on meditative bass currents while chiming e-pianos sound like drops of golden glowing liquid. Anthemic polysynths are transmuted into new age shimmer and celestial pads move around majestic washes of Manuel Göttshching-style spaceguitar (possibly sourced by Is it Balearic? alumnus Kensuke Saito/9dw, who is credited here with “neon halo guitar”). Arcing layers of distortion wash blissfully over the body and a hovering cloud of synthetic wind and kaleidoscopic feedback glows with warm sunset hues, while the starlight electric piano arpeggios continue to fade in and out of the mix. Gentle acid sequencing forms a sort of bass lullaby as the glorious guitars weave layers of lustrous light and eventually the acid bass is moved up a few octaves, now sounding like an otherworldly harp. Then a throbbing four-four beat emerges while cascading repetitions of twinkling minimalism build us towards a washed out climax wherein the aqueous guitars sing underwater songs of dolphins and whales and kosmische solos bubble up into the starry sky. Ever growing tremolo chords flow out to sea and shooting stars rain down and then morph into brain-piercing streaks of light and there is a spellbinding yet understated back and forth between delay soaked guitar riffs and pillow bass synths as Sam lets the sound layers grow into incandescent clouds of solar spiritual beauty.

In “Humidity Report 1976”, aquamarine synths float alongside lush Rhodes melodies and outerspace sequences over clattering percussion and a building sense of rhythmic urgency. As the cymbals grow in strength and strange layers of sound threaten to overwhelm the mix, Sam and Dan drop us into a gloriously booty-shaking expanse of cosmic magic with perfectly placed claps sitting above a tight funk beat and interstellar synths and guitar arpeggios working in counterpoint to the dreamy e-piano ascents. Then we head into a gorgeous instrumental chorus with soft fusion synths weaving melodies of eternal prog romance over breaky lounge drums…like a soundtrack for fantasy kingdoms in the sky where shimmering light of all colors reflects off of every surface. And when we flash back to the body-moving funk jam, intergalactic synths now solo over thunderous bass waves and the guitars are smeared into blankets of solar flare fuzz. After a few more alternations between the smooth funk groove and the paradise fusion/prog chorus, we transition via a minimal jam of dusty MPC drums, tambourines, bouncing synthbass, and growing layers of dreamland keys into a new melodic world, one where the guitars build into a repetitive refrain of California coastal magic over a grooving ocean of positivity. And the track ends on a “Wish You Were Here” style AM radio cut-out, here joined by chirping crickets and other insect songs.

The introduction of “Year of the Dragon” surrounds piano chords that penetrate to the depths of the heart with aching slide guitars and a loose drum flow accented by sizzling hi-hats and island breeze bongos. The vibe is like riding through spaghetti western expanses on some faraway planet of peace and harmony, especially as e-pianos soaked in vibrato bathe the mind in a calming tropical light. At some point the song switches into a section dominated by spindly acoustic guitar riffing and gliding drumbeats, while hand drums continue adding colorful island wonder and mesmerizing arpeggios and electric guitar leads sweep everything into a triumphant drift. All the while, classical post-rock tremolo picked guitars ebb and flow in the background, building and building as the song progresses towards a soaring climax of overwhelming power, reminding me of nothing so much as Godspeed You Black Emperor!’s epic “BBF3,” only as if blasted into the balearic sunshine. Propulsive and explosive drums and chugging bass hypnotics underly the massive clouds of post-rock beauty as squelching acid synths diffuse through walls of hazy guitar brilliance. And after the drums back away for a celestial passage dominated by liquid six-string ambiance, we build back up for one more ecstatic rush through Sam’s starshine seascape before everything drops away, leaving just sparse piano chords to help the soul return to Earth.

本丸に辿り着いた頃には大台のvol.10まで積み上がってしまった。 この間、常に本丸＝新生ndwの革新性について考えを巡らせてきた。 そこで体感したビックバンのようなショックを引きずり続けているものの、 いまだにその真価をはっきりと言語化できずにいる。前回ポストからも時間が経ってしまった。 もちろん自分の批評能力の低さが主因にせよ、それ以外のファクターも無視できないほど強大であることが分かってきた。 つまり、あえて陳腐な形容を用いれば「ロックのオワコン化」と、 音楽の聴取環境においてインターネット普及後の不文律となった「アーカイブ（価値）のフラット化」が、 「この時代にロックを更新しようとする」新生ndwの挑戦の価値を語りにくくしているように思えてならない。

以前、KiliKiliVillaの安孫子真哉さんに「パンクは世間的な流行とは無関係に連綿と続いてきたんです」と諭されたことがあった。同じ文脈にならえば、大文字の「ロック」もまたその発生から現在まで途切れることなく鳴り続けている。対極的にジョン・ライドンが「ロックは死んだ」宣言をした1978年にはしかし、後から振り返ればロックはまだまだ目覚ましい進化の途上にあった。反面、字面の似た「ロックはオワコン」はストレートにロックの死に体を意味する。言葉の起源は調べてもはっきりしなかったけど、欧米のチャートアクションにおけるロックの比率が激減した2010年代以降の様態を表す言葉として理解している。体感的にはそれ以前の2000年代初頭に勃興したガレージロック・リヴァイヴァル、もっと言えばストロークスの世界的ブレイクが「ロックはもはや進化できない」ことの象徴に感じられた諦念が思い浮かぶ。それは故・中山康樹さんや村上春樹氏のジャズ批評で読んだ「ウィントン・マルサリスが1980年代にジャズの円環を閉じた」話とまるまるオーバーラップした。こういった極めて個人的な史観がそっくりそのままシンクロしていて驚いたテキストがある。浅学ゆえ著者の方を存じ上げないが、ロックの死が実は「アーカイブ（価値）のフラット化」の帰結であった側面を悟らせ、その延長線上にダフト・パンクの最終作『Random Access Memories』があったことまでを論評した非常に優れたクリティークなのでぜひ読んでみてほしい。

では「ロックのオワコン化」と「アーカイブ（価値）のフラット化」がなぜ新生ndwの革新性を語る上で障害なのか。 vol.9で辿った四つのイノベーションの足取りからも明らかなように、ndw/9dwの音楽キャリアは「進化し続けること」の連続だった。今回のシリーズはあくまでndwがテーマのためndw以前のメンバーのキャリアについては触れなかったけど、AMPHETAMINE REPTILEの強い影響下にあったevil powers meから川崎さん主体の爆走車に合流する形で生まれた初期ndw以降、バレアリック・ディスコの彼岸まで到達した9dw後期までの変容は、始点と終点だけを切り取って比較すれば多くの人にはまったく相容れない別世界の音楽と感じるかもしれない。一方でその歩みをつぶさに観察してきた身からすると、音楽性の移行は常にナチュラルかつシームレスに説得力をもって展開されてきたし、リアルタイムに間に合わなかった世代も、残されてきた作品を注意深く観察することでそこかしこに進化の痕跡を見つけることができるだろう。

誤読を恐れず断言したい。 ndw/9dwがごく初期から「後ろを振り返らない／自らの過去をなぞらない」「時代を追いかるのではなく、時代を追い越す」姿勢を一貫してきたのは、ロック史を駆動してきた原理としての「ロック＝進化」の力学を当たり前に内在化していたからだ。 もう少し丁寧に補足しよう。デルタブルースの時代にはマディ・ウォーターズやハウリン・ウルフの音は想像できなかっただろうし、シカゴブルースの時代にバディー・ホリーや初期ビートルズのロックンロール再解釈は想像力の枠外にあったはず。そのビートルズにしたってクオリーメン当時は『アビー・ロード』の世界を誰も想像できなかっただろうし、この名盤をチャートのトップから引きずり下ろしたキング・クリムゾンやピンク・フロイドを突き動かし、彼らへのある種のカウンターとしてロックンロールのプリミティブな美学に回帰したラモーンズやピストルズを駆り立てていたものも、すべてが「ロック＝進化」の力学だった。パンクでさえもがこの力学で作動していたというのは意外と重要なポイントだ。なぜなら、パンクの原理（＝ロックの進化性）から生まれたポスト・パンクの兄弟たるハードコア・パンクこそが、nine days wonderの最初の足場となったポスト・ハードコア／エモ／ポスト・ロックの母体であるからだ。言い方を変えれば、ndwが足掛かりとしたポスト・ハードコアを産み落としたメカニズムもまた、「ハードコア・パンクを進化、深化させていこう」という「ロック＝進化」であった。彼らの原風景に初めから装填されていた真理を、バンドのドライヴァーとするのは自然の流れだったと想像する。あえて安孫子さんに反論するなら、もし世界に「スタイル＝様式美」にこだわる姿勢しか存在しなければ、音楽の進化は現在のような多様性と深度では発展してこなかっただろう。

そして、以上のような“常識”は、「アーカイブ（価値）のフラット化」で完全に無効化してしまったように“見えてしまう”のが現在なのだ。 ブラッド・オレンジの新譜を聴くためにアーサー・ラッセルの複層性やジュリアス・イーストマンのフラジリティを体得しておく必要はまったく無いが、これがあるとないでは解像度に絶望的な開きが生じる。とはいえ繰り返すが、それでも過去を知っておく必要は必ずしもない。むしろ、歴史や文脈なんて知らない、そんなものは関係なく聞いて自分なりに楽しめればいい、それの何が悪いんだと居直ることが現代における芸術の受容姿勢では主流だし、最大の矛盾でもある。

特集号制作や出張といったアゲインストな環境の中でもここまでは一筆書きのテンションで書き進めてこれた実感がある。 一転、核心である新生nine days wonderの音、パフォーマンス、この日のライブの意味合いについてしたためようとするやいなや、これまでの感覚が嘘のように簡単には言葉が生起してこない。 言うまでもなく、ndwの音に対する言語化のモチベーションの問題ではない。問題はモチベーションでなく、言語化の難しさに起因するものだ。 もったいつけた言い方はやめよう。 この日のライヴで体感した新生ndwの音＝意志は本当に凄まじかった。 期待値のハードルは限界まで高く設定されていたはずなのに、それを超えてくるキャパシティーがあった。 自分の中では、これまで観たあらゆるライヴのNo.1タイ記録が出たと言ってもいい（ちなみに同率1位はSLANG来青の前座で観たCa-P）。にもかかわらず、その凄みをうまく言語化できない理由は何だろうと、この数日考えていた。

ndw＝9dw＝齋藤健介さんは、自身の音楽キャリアで少なく見積もっても四度、イノベーションを起こしている。 イノベーションの語が誤解を生むなら、もっと正確に「その当時のシーンにおける雛形の刷新」と言い換えてもいいかもしれない。

一度目は、nine days winderの初EP『Aluminium』から1st『The Scenery is in Disguise There』にかけてのポスト・ハードコア期。 当時の衝撃は木元さんのnoteに詳しいが、その斬新さが真にオリジナルだったことは後の歴史が証明したと思う。 つまり同時代のポスト・ハードコアにndwのような音の組み立て方をする存在は皆無だった。 のみならず、ndwの後にはその影響下でndwシグネチャーとも呼ぶべきスタイルを引用するバンドがいくつか生まれ、彼らもまた後継世代へ影響を与えるグレイトなバンドになっていった。イノヴェイターだ。 具体的にはポストHC文脈におけるテンションコードの挿し込み方の流儀や、もはや発明とでも呼びたい固有のフレーズ群（一例として1st収録曲〝Voice Print〟0:31～のあのアンサンブル）、さらに突っ込めばBALLOONSがstiff slackから2003年に放った1st『9:40 p.m.』でアルバム一枚通して貫いたサウンドデザインは、その2年前にDIM MAKから逆輸入でリリースされたndwの1st最終曲〝New way to see the world〟のそれを大いに下敷きにしていた、とあくまで自分は捉えている。わざわざ付け加えるまでもないけど、もちろんこれらの功績は羽田さん川崎さんのポストHC史に残る高いクリエイティビティーとミュージシャンシップがなければ具現化できなかった構造物だ。

二度目は当シリーズのVol.1でも熱弁した2nd期の〝ダンスとパンクの邂逅〟なので割愛。

三度目は健介さんの実質ソロ名義となり、どうしてもパンク／HC的な文脈とは切断して捉えられがちな9dw期。 リリースは2008年なので…えぇ、17年前!?　いま計算してドン引き…。 最近「シティポップの次は国産フュージョン!　再評価!」とかしたり顔で喧伝する流れもあるけど、 再評価でもリヴィヴァルでもない、真のオリジナルな日本産フュージョンの進化系を17年前に独力で創り上げた偉業の前ではハイプにしか聞こえない。 真のオリジナルな日本産フュージョンとはつまり、国産フュージョンの文脈（個人的にはメロディーのある種のキャッチーさだと目している）を踏まえながらヒップホップ以降の話法で組み立てたフュージョンであり、 それだけでなく、 健介さん同様にHC畑出身ながら9dwアルバムの前年にはStones Throw Recordsよりビート集出してたトータス別動隊BUMPSと並行するような流れから生まれたフュージョンである、という二重の独創性のことだ。 決してパンク／HC的な文脈とは切り離されていないことをここで強調しておきたい。 この二重の独創性にどれほどの価値があるかは、 ブラックミュージック専門誌として最高峰の呼び声高いwax poeticsの本国クルーがcatuneからリリースされた9dw単独作をわざわざ自社レーベルから2LP仕様で再発したことに象徴されている。 自分の知る限りレアグルーヴ的な文脈での高品質極まりないリイシューをメインとした本国レーベルのカタログの中で唯一の日本人だし、そのことはどれだけ言い誇っても過大評価にはならないだろう。

四度目は9dw後期、2007年作セルフタイトルのリミックス盤以降の流れ。 wax poticsの2LPが世界中のハードディガーや先鋭的なDJたちに9dwの存在と価値を知らしめた流れの延長で、国内外のリミキサーが最良の素材で自由に遊んだ同作は、ワールドワイドかつアンダーグラウンドなダンスフロアのネットワークに9dwをレコメンドする絶好のインヴィテーションとなった。 結果起こったことは、主にニュー・ディスコ／バレアリック、ビートダウンハウス、ニューエイジまでを包括する最深／最新のダンスミュージック・シーンへの潜航だった。 代表的なところだけでもMARK EやCOYOTEのIs It Balearic?、International Feel、SUZANNE KRAFTとJONNY NASH、そしてCRUE-Lなど。スピンしたリストまで言及すればプリンス・トーマス、フランソワ・ケヴォーキアン、故アンドリュー・ウェザオールと、いかに9dwが世界的な評価を獲得していったが恐ろしいほど伝わってくる。 繰り返すけど、これは海外ライセンスに難色を示すDischord Records初の日本盤をリリースした快挙を達成した、その同じ人物の功績なのだ。 （ちなみに本稿でフォーカスしているのはあくまでアーティストとしての健介さんの偉業であり、レーベル活動のレガシーは別記事にできるくらいこちらも山ほどある） 心から悔しいのは、一度目と二度目のイノベーションの間には小さくない断絶があったことをリアルタイムで見てきたし、一／二度目と三／四度目の間に生じた深い溝にはそれ以上の断絶を感じていて、弱小ながらも音楽業界に一時期身を置いた人間としてそのギャップの解消に努めたものの、結局はいかんともしがたかったという情けない事実。

福岡出張から何とか帰還。これはこれで強行軍で疲れたけど引き続き完走に向けてやっちゃいます。 たぶん今回もライブ本編には触れられず。けど寸前までまとめるきる目標でいざリスタート。

ブクロで遊んだ我が子と新宿駅構内で別れ、新代田目指すために経由地の渋谷へ向かうところまでが前回。実際に渋谷に着いた時点で物販開始がアナウンスされた18時までほんの少し猶予があったのと、前夜からここまでノンストップ＆ハイテンションの反動による疲労感で体が悲鳴を上げそうだったので15分だけ京王線構内のスタバで休むことに。さっきまで会ってたうちのかわいこちゃんがハマってるアイスチャイを真似て回復。気合いを入れ直して井の頭線に乗り込む。新代田駅に着くや、この日のライブが「ギリギリまで観て途中で抜け、そのままバスタ新宿へ急行」の条件付きだったため駅構内のロッカーに手荷物をぶち込む。到着した会場のfeverは前回のndw2ndセット再現ライブ以来、8年ぶりの再訪。なのに、加齢に伴う時間感覚の加速でそれが信じられんほどついこないだ来た感に襲われる。若干の緊張とともにエントランスの階段を下る。

まだ顔見知りは誰もいない様子で、お客さんぽい人たち（関係者の可能性アリ）も当然ながら数人程度。とはいえ、受付カウンター前のスペースにはばっちり物販のマーチがずらりと並ぶ。主役であるfaraquetのそれはもちろん、販売決定がデザインのモチーフとなった新曲タイトル〝Landing〟とともにアナウンスされブチアガッたnine days wonderのNEW Tシャツも目の前にあり、さらには売り子としてMIRROR木元さん、そしてndwテルさん!!!の姿もあり、一気に緊張と興奮で挙動不審に。

ndwも物販あります。新曲"Landing"をモチーフとした新デザイン！他デッドストックtシャツもあります。faraquetのメンバーに再会するのがホント楽しみ！ pic.twitter.com/125II7b7TU— ninedayswonder (@09092016_fever) September 16, 2025

あとあと木元さんの狂騒note（もちろん賛辞です）を拝見したらもう一方いらっしゃったのはSAY HELLO TO NEVER RECORDINGSの藤本さんだったと知りひっくり返る。というのも、レーベルカタログ№2の3cm tourとUmblaのスプリットを当時の渋谷some of usで購入し（自分はその頃両バンドとも知らなかったけど、おそらく小林英樹さんが書いてたであろうポップにあったfans for nine days waoderの文字で即決購入した気が）、さらにはタワレコ池袋バイヤー時代には3cm tour『4 seasons 12 months』を猛プッシュして全国で一番売ったプチ自慢さえあるSAY HELLOの藤本さんがたぶんこの後のTシャツ購入の接客をしてくれてたであろうこの状況もエモが過剰過ぎる。

気を抜くとすぐ脱線してしまうが、それほどアレもコレも思い入れの深い一夜だったのは間違いない。 そうこうしているうちに、不肖わがバンドのZineを曇りない熱意でクリエイトしてくれた恩人Tさんが会場に到着。今回のndw弾丸ツアーを事前にお知らせしたところ、バンドメンバーのN含め一緒に観て再会を祝そうという話になり、わざわざチケットをおさえて来てくれたのだった。結果的に残念ながらNは仕事の都合で参加できず（後日「何のために俺は仕事してるんだろうな」の悔恨メッセージ）二人だけにはなったものの、昨年末の自主企画で初めて会った日以来だったこともあり、うれしい再会。お互いの近況報告をしてたらあっという間に物販開始時刻となり、数人のお客さんが皆faraquetへ一直線の中、なんとか無事にndwマーチ客第一号の称号に預かる。実は今回、その自主企画にも出てくれたkikoenaifuriwoshitaギターの渡邊君に「僕は行けないのでndw買えたらお願いします！」とのお使いを依頼されていたためしっかり2枚購入。買えてよかったー　※ここで大幅加筆。物販を買う直前、2016年のndw復活祭（1st再現ライブ）に合わせて復刊して会場で配布され、複数メディアの競争を勝ち抜いて唯一復活ndwの声を載せた伝説のZine＝I DRINK MILKのその時の版が再びこの日も無料配布されて、おそらく発行人ぽい方から直接頂戴できたのもすごくうれしかった。あまりの興奮で書き記すのを忘れていたけど、改めてここに書くために調べて驚愕。I DRINK MILKの主宰（おそらく手渡ししてくれた方）って、ndw/9dwはおろか、catune御用達のデザイナーで、なんなら自分にとって記念すべきライナーノーツデビューになったWOZNIAK『Solution』や続く『密林』、メッセンジャー越しに地球の裏側とやりとりしながら書き上げたsilver city『Projections』のデザインも担当、てことは協業すらしてたことになるステンスキの佐藤穣太さんだったのか！やばすぎる！なんでこの時気付かなかったのかと。健介さんと仲良くさせてもらいはじめた頃、それこそ9dwのセルフタイトルのアートワークの素晴らしさやステンスキworksとcatuneプロダクトの相性の良さについて一方的に話してた記憶すらある。いやぁなんと言っていいものか…

徐々に開演を待つオーディエンスが増えてくる中、学生時代には優秀なデザイナーとして八王子シーンなどでフライヤーやジャケットのデザインを担ってきてたという恩人Tさんの顔の広さから、faraquetツアーにも共演・帯同したmalegoatハジメさん、当連載vol.2で「たかはし」の逸話書かせてもらった影の主役MIRROR木元さん、そしてこの日の一張羅=バンドTをデザインした張本人＆そのバンドメンバーであり、there is a light that never goes outやZ時代から追いかけ続けもはや何回ライブ観てるかすら分からない現POWER／CONGRATULATIONSの根本歩さんらアンダーグラウンド・オールスターズの方々と次々にお話させていただく機会を頂戴する。ぶっちゃけこのへん、舞い上がりすぎて何の話したかすでにもう覚えてないところがあるけど、歩さんからは「Tシャツ発送遅れてごめんね！」と優しく声をかけていただいた。皆さまの人間力よ。

気が付けばエントランスもパンパンになった頃（早い段階でこの日のツアー千秋楽はチケット完売）、ついに開演の時を迎え、予約順での入場が始まる。 この文章も書いててまたワクワクと緊張が蘇ってきて、簡単には筆を進められないような気配を感じつつあるので、保険として先にこの写真だけでも出しておきたい。終演後のエントランス。この公演後に某メジャー会社のYouTube名物企画に出てバズってた大御所と歩さん談笑の図。 次からがこのシリーズの核心です（書けなかったらすみません、と先に謝っておくスタイル）。

なんだかんだライヴに辿り着くまでにvol.7まで積み重なってしまった… とはいえ目前までは来たはずなのでもう少し粘ってみます。

ということでいざLighthouseへ。 店の前まで来て気付いたのは、通ってた頃は3Fだったけど、知らぬ間に4Fになってたこと。二つ前のポストでお店のステイトメントをリンク張ろうとして分かったのは4F移転が2016年。Uターンが2015年だったから、もう10年も来てなかったのか！とここでも加齢に伴う時間感覚の加速に驚く。

店内の間取りも少し変わったなあ。 本来であれば少なくとも2時間くらいかけてじっくり片っ端から試聴しまくりたいところだけど、13時の開店からすぐ入店したとはいえ、実は14時に最愛の娘と池袋で遊ぶ予定まで詰め込んでたため、移動時間を差し引くと実質30分の短期決戦。完全ジャケ買いでピンときたものから試聴を進める。正直、この短時間では会心の一撃的な１枚には出会えず。結局、HESSLE AUDIO主宰トリオの中でも一番地味な（渋いとも言える）PANGAEAのカラフルなスリーヴに惹かれ、もろツールぽい12インチで決心。

やや消化不良かなと思いきや、実は入店直後に目をつけていたMassa Horie氏が自らのパーティー名を冠した自伝「Life Force」を抱き合わせるウルトラCで逆転した気分に。ISBNすらない、アンダーグラウンドの気骨をこれでもかと感じさせるサイケデリックな装丁も素晴らしく、Lighthouse渋谷時代を締めくくるに相応しいチョイスに自己満足して予定通りのタイムスケジュールで店を後にした。

愛しの一人っ子は今ヒロアカにどっぷりハマっており、期間限定のタイ焼きやらおまけ付きのドリンクやらを飲み食いしにブクロのGiGOへ。たっぷり遊んでも時間が余ったため、わが音楽業界人人生のスタート地点であり、2010年の本社異動時・最終出勤日には店前でまだ幼子の娘を抱っこして記念撮影までしたタワーレコード池袋店へ向かう。さすがに当人はその頃のことは覚えてなかったみたいだけど、あんまり変わってないP'パルコ周辺の景色も含め、成長した我が子と二人で再訪するシチュエーションはあまりにエモすぎる。子にせがまれ、リヴァイヴァル？した相対性理論『シンクロニシティーン』のCDを買ってあげて（まさに自分が勤務時代にリリースされた盤というダブルのエモさ。そもそもブレイクの発端となったタワレコのバイヤー会議「タワレコメン」で1stEPを激ブッシュした自慢話はしかし娘にはあまり響かず）、テンションが上がりすぎてそもそも原著を持ってるばかりかレベッカ・ソルニット「暗闇の中の希望」が新たにリスト入りしたオールタイムベスト10冊の古株、野田努先生の名著「ブラック・マシン・ミュージック　ディスコ、ハウス、デトロイトテクノ」の文庫版上下巻を買い足してしまう。なんと幸せな時間だろうか。

いよいよタイムアップ。 子どもと新宿駅構内で別れ、渋谷経由で決戦の場＝新代田へ向かうことに。

さあさあ気を取り直して。

時間もないしPARCOでメシ食うことを決め、安易に地下の飲食店フロアへ。 ここでハプニング。 まさか。 こんなところにディスクユニオンがあるなんて！聞いてないよ！ この10年のヴァイナル復権についてはレコードストアデイの欺瞞やプレス工場のメジャー独占、円安も相まっての単価高騰などいろいろ問題はあるにせよ、いちエンドユーザーとしては基本的にウェルカム。 ここでユニオンの新店（2019年オープンだけど自分的には）に出会うことは完全なる不可抗力。 とはいえこの後の予定がタイトなので手短にサクッとディグる。

釣果は２枚。

アジムス結成前のゼー・ホベルト・ベルトラミ、アレシャンドレ、ママォンのトリオにギタリストのMフレデリコを加えた編成で残したZe Bertrami & Projecto IIIの70年作。その時点で買いだけど、フュージョンが一つのキーワードだった9dw時代の健介さんとアジムスいいよねと盛り上がった話を即座に思い出し、今買うしかないでしょと。

もう一枚。ノイズ鬼、ホワイトハウスのウィリアム・ベネットがカット・ハンズ名義で出した2013年作。これは以前、日本でRBMAを開催した時に、dublab.jpの公開収録で敬愛する原雅明さんが中原昌也さんを迎えて未聴レコードをみんなで聴く企画をしてた際にかけたウィリアム・ベネットがやたらとカッコよかったのを覚えていて、これも迷わず購入。BLACKEST EVER BLACKからってのもポイント高い。

てことであっという間にブツを吊り上げ、そのまま目の前にあったスパイスカレー屋へ。味はおいしかったけどPARCOってのが信じられないくらいYAKUZAな接客にビビる。

昼食をかっ込んだタイミングでお色直し。 そう、今回のndw復活劇を気合十分で観るために、ある〝仕込み〟をしていたのだ。 それはndwとは人脈的にもつながりが深い根本歩さん、そして最高のギタリストの一人として一方的なリスペクトをぶちまけたことのある魚頭圭さん、バイヤー時代からひそかに応援を続けてきたFLUIDの貝本菜穂さんのバンドCONGRATULATIONSのNEW Tシャツ！デザインは実はローンチから追い続けてきたunproducts（歩さん）。どうよこのぶっちぎり独創的なフォントとタイポグラフィの素晴らしさ（肝心のところでピンぼけ）。