Sur ma platine

Chicano Batman - Black Lipstick

J'aurais bien attendu la sortie de leur prochain album, mais leur dernier titre Black Lipstick, est tellement excitant que je ne résiste pas à vous en parler maintenant.

Chicano Batman est un groupe de Los Angeles. Ils sont quatre : CARLOS ARÉVALO (GUITAR);BARDO MARTINEZ (LEAD VOCALS, ORGAN, GUITAR);EDUARDO ARENAS (BASS, VOCALS);GABRIEL VILLA (DRUMS, PERCUSSION) Ils aiment les chemises à froufrou et cultivent une esthétique assez psychédélique. J'aime les imaginer comme des justiciers défendant les opprimés à coups de morceaux soul psyché.

Si leur look traditionnel/kitsch est assez marrant, l'identité musicale de ce groupe est forte et surprenante.

Ils jouent une sorte de pop funky enrobée d'Amérique latine. Le côté chicano saute aux oreilles, surtout dans la façon de chanter de Bardo Martinez. Dans ses inflexions qui rappellent la musique brésilienne ou mexicaine. Il chante d'ailleurs tantôt en espagnol, tantôt en portugais ou en anglais. Je ne comprends ni l'espagnol, ni le portugais, je n'ai donc pas analysé les paroles, mais l'ambiance des morceaux me semble très romantique !

Au niveau de la composition, je trouve leurs morceaux bien fichus. On perçoit vite que ce sont de bons musiciens, mais ils n'en font pas trop. C'est juste assez complexe pour être excitant et ils évitent l'écueil de se toucher la tortilla, alors que demander de plus ?

Rémi Vignolo - Death of an angry man

Il y a dix ans, Rémi Vignolo était un jeune contrebassiste très demandé. Puis il a décidé de passer de la contrebasse à la batterie. Il a ensuite disparu de la scène jazz pendant quelques années.

Voilà qu’en mai 2015 il sort son premier disque en tant que batteur et leader !

Pour ce disque Rémi Vignolo a fait appel à  Christophe Panzani et Olivier Témime (sax), Pierre Perchaud (guitare), Magic Malik (flûte), Tony Paeleman (claviers) et Julien Herné (basse). Que des jeunes en somme.

Du point de vue musical, c’est très varié. Les deux premiers morceaux me font beaucoup penser à Stéphane Huchard. Ce mélange de groove et de jazz (Dogs and bones), ou bien la rythmique jungle (Death of an angry man) qui me rappelle un peu celle de Jakawa Jungle Spoon sur Tootakoosticks, disque où Rémi Vignolo jouait d’ailleurs ! Il y a aussi une ballade (Deep sun), des morceaux plus musclés (The curse, Air-balloon), et même un blues sur lequel se clôt l’album (We’ll be good again). C’est le morceau que j’aime le moins. Je n’accroche pas avec la mélodie et les chorus.

Hugh Masekela - Home is Where The Music Is

Juste un petit mot pour vous signaler cette réédition de Home is where the music is du trompettiste, bugliste sud-américain Hugh Masekela.

Cet enregistrement est initialement paru en 1972. La formation est un quintet qui comporte des musiciens sud-africains et américains (avec entre autres Eddie Gomez à la contrebasse). Les compositions sont amples, 7 à 9 minutes en moyenne. Elles alternent entre morceaux jazz-funk et de longues ballades jazz-blues plus calmes et très élégantes.

On est tout de suite replongé dans le jazz des années 70. J'aime beaucoup cette charnière qui succède au hard-bop et qui ouvrira la voie au jazz-funk (entre autres). Avec des groupes comme le second Quintet de Miles Davis, les formations d’Herbie Hancock (à partir de Fat Albert Rotunda), ou encore Weather Report qui ira encore plus loin dans le métissage. Home is where the music is me semble faire partie de ce moment musical.

Parquet Courts - Light up gold

À force d'entendre parler de ce groupe je l’ai écouté. Parquet Courts est un groupe new-yorkais de post-punk. Light up gold est leur deuxième album (2012). Depuis ils ont sorti trois autres albums il me semble, mais je peux me tromper.

MA Doom - Son of Yvonne 

Je ne suis pas tous les projets d'MF Doom, et en ce qui concerne Masta Ace, je m'étais arrêté à son dernier album : A long hot summer (excellent d'ailleurs). Lorsque j'ai vu cette collaboration Doom/Ace, MA Doom donc, je dois dire que j'ai été aguiché.

MF Doom est à la production et Masta Ace au micro. L'album se nomme Son Of Yvonne. C'est un hommage de Masta Ace à sa mère décédée, Yvonne. Comme dans son album précédent (A long hot summer), Son of Yvonne raconte une histoire. Un jeune homme de 12 ans introduit le disque et apparaît dans les interludes. Cet enfant deviendra plus tard Masta Ace. C'est une façon originale de nous montrer quel genre de jeune il était, de nous placer dans le contexte de l'époque (Brownsville, Brooklyn), et de faire un va-et-vient avec le présent.

Une fois de plus, les lyrics de Masta Ace sont très peace et pleins d'humour. Me and my gang décrit leur bande de potes et leurs boulots très ordinaires. Son of Yvonne est un très beau morceau sur sa mère. Il rend hommage au rôle prépondérant et à la bonne influence que sa mère a eu sur lui ; l'émotion est là.

Un peu plus loin Slow Down évoque une soirée qui s'est mal finie pour Masta Ace. Quelques verres avec de jolies filles et il sombre. Se réveil à l'hôpital et se rend compte qu'il a été drogué et volé. Ça n'est pas tous les MC qui seraient prêts à faire un morceau là-dessus. Outre son flow impeccable, c'est aussi ce que j'aime chez Masta Ace. L'aspect éducatif et bien veillant de ses textes.

Au niveau de la musique, MF Doom réutilise des samples provenant de ses Special Herbs. Beaucoup de bonnes boucles (I Did it). Ça groove et c'est jazzy, comme d'habitude.

Speedometer - No Turning Back

J'ai découvert Speedometer il y a une dizaine d'années. À ce moment là c'était presque exclusivement un groupe instrumental. Je n'avais à l'époque pas plus accroché que ça. C'était pourtant typiquement le genre de funk que j'aimais. Mais il y avait quelque chose dans leur musique qui clochait selon moi. Peut-être des compos parfois un peu molles, un son assez crade, mais sans que ce soit forcément volontaire. Il n'y avait pas vraiment de solistes non plus et pas de voix. Il manquait donc quelque chose.

Puis, justement peu à peu ils se sont mis à faire des collaborations avec des chanteurs(es). Avec The Speedettes, puis Myles Sanko et Ria Currie (l'excellent Lover and a friend !), l'album avec Martha High et enfin celui-ci featuring James Junior. Au fil des ans, leur jeu et leur son c'est nettement amélioré. Leurs derniers disques sont aussi vraiment mieux produits. Les musiciens aussi ont progressé. D'ailleurs le claviériste Andy Fairclough est vraiment bon, ses courts chorus me mettent l'eau à la bouche, dommage qu'il ne les développe pas plus.

Venant en à No Turning Back. 

Tout comme avec Martha High précédemment, cette collaboration avec James Junior est fructueuse ! Celui-ci possède une belle voix soul, assez subtile. Après quelques bons morceaux bien funk/soul, l'excellent morceau d'ouverture : Don't fool yourself, on peut entendre une nouvelle influence afrobeat Troubled Land, ou même afro-cubaine I show them...

Sufjan Stevens - Carrie & Lowell

Sufjan Stevens, qui aime expérimenter différentes formes musicales, a choisi pour cet album des orchestrations minimalistes. Les instruments sont acoustiques et il y en a peu. Une guitare, un piano, quelques voix (dont celle de Laura Veirs).

C'est un disque de folk. Les textes parlent de sa famille et de son enfance principalement. La pochette du disque est d'ailleurs illustrée par une vieille photo craquelée d'un couple ; sans doute Carrie & Lowell.

À l'intérieur, au dos et sur le livret, il y a d'autres belles photos en couleurs aux tons passés, qui lorsque j'ai eu le disque en main, m'ont tout de suite donné envie de l'écouter attentivement.

Dès la première écoute, ce disque m'a ému. Avant même que je ne porte attention aux textes. Les mélodies ont un caractère dramatique et mélancolique, c'est indéniable. Mais il n'y a pas que ça. Carrie & Lowell retranscrit bien le mélange particulier de regrets, de ressentiments et d'amour qu'on éprouve parfois au cours d'un deuil.

La voix de Sufjan Stevens contribue à contrebalancer le côté sombre de cette histoire, ses intonations sont tendres et apaisées.

Les albums c’est bien, mais il arrive aussi que certaines compilations soient particulièrement réussies. 

C’est le cas de celle-ci. Cette anthologie a été préparée avec amour par  Ady Croasdell (directeur de Ace Records) et Dean Rudland, célèbre DJ et consultant du label anglais Ace.

Les Modernists, ou Mod, c’est une subculture apparue à la fin des années 1950 à Londres. Les jeunes mods (par opposition à la tradition) aiment les musiques venues des USA, le jazz, la soul, le rhythm & blues, le boogaloo, mais aussi d’autres mouvements artistiques comme la nouvelle vague française et l’esthétique qui va avec. Plus tard, après la vague hippie, certains mods se passionneront pour le ska et deviendront skinhead.

Étant ado, Ady Croasdell a vécu l’époque mod. Dean, lui n’était pas né à la naissance du mouvement, mais il s’y est également intéressé dés son adolescence (au milieu des années 1980), il y avait déjà des revivals mods.

Comme tous les subcultures avant l’heure d’internet, il fallait se bouger pour pouvoir assouvir sa soif de nouveauté. À Londres, à l’époque il y avait très peu d’import US de tous ces artistes chez les disquaires. Ça viendra petit à petit. En attendant, certains passionnés faisaient donc parfois le voyage aux USA pour dénicher quelques disques à ramener au pays.

C’est donc deux vrais passionnés qui sont à l’origine de ce disque. Et vu le soin qu’ils ont mis à préparer cette anthologie, il va sans dire que chaque morceau est excellent.

A  Decade of Rhythm & Soul Dedication nous plonge donc avec délice au coeur de toute cette musique US des années 1960, passée par le prisme de la jeunesse londonienne de l’époque.

 Chelsea Wolfe - Unknown rooms : A collection of acoustic songs

Disque un peu à part dans la discographie de la sombre américaine. C’est son label Sargent House Records, qui lui soumet l‘idée de rassembler d’anciennes chansons acoustiques.

Unknown rooms : A collection of acoustic songs est l’album le plus doux de Chelsea Wolfe. Ici comme son titre l’indique, pas de sonorités electro ou noise. Des instruments acoustiques, guitare, piano, percus discrètes. Et bien-sûr la voix haut perchée et fantomatique de Chelsea Wolfe. 

Le disque s’ouvre sur Flatlands, chanson aérienne et mélancolique qui reste malheureusement pour moi l’apogée du disque. C’est le morceau qui me semble le plus travaillé. Je ne l’aurais pas placé en morceau d’ouverture.

Les morceaux suivants sont plus courts et donnent parfois l’impression de s’interrompre prématurément. 32min c’est court, c’est dommage car il y a quelques autres beaux morceaux qui auraient mérités d’être un peu développés. 

Sameer Ahmad - Perdants Magnifiques

Deuxième album pour Sameer Ahmad, après Justin Herman Plaza (2010).

Sameer Ahmad place ici la barre au plus haut. 

Une musique travaillée, qui s’éloigne franchement des standards du genre. L’influence du jazz est là mais pas que. C’est vaporeux et minimaliste, l’utilisation des synthés est bien dosée, comme le reste d’ailleurs. Que ce soit les guitares, les beats, quelques samples d’instruments orientaux, de percus (Deuxième du nom). 

Même sans la voix, la musique est déjà une réussite.

Avec Sameer Ahmad par dessus, l’alchimie est parfaite.

Sa façon de rapper est très équilibrée. Il alterne l’emplois de petites images et de phrases plus structurées. Les images permettent de rythmer les couplets tout en évoquant en une poignée de mots, une scène, une ambiance. Ça laisse place à l’imagination car c’est très visuel. Je trouve que cette manière d’écrire et de rapper est vraiment ce qui démarque Sameer Ahmad des autres MC actuels. 

Ses textes vont et viennent entre orient et occident, egotrip et description du monde. Des allez-retours poétiques assez courts et intenses.

Ce disque aura énormément monopolisé ma platine cette année. Je l’ai écouté en boucle pendant un bon moment. J’y reviens encore aujourd’hui même si c’est plus occasionnel. 

Africa Express Presents... - Terry Riley’s In C Mali 

Mariage entre musique répétitive et musique malienne, humm miam. Avec le In C de Terry Riley en plus, quelle promesse !

Pour ceux qui ne connaîtraient pas la pièce originale, In C (en Do) est une composition un peu particulière.Écrite pour 35 instruments, la partition comporte 35 phrases musicales que chaque musicien peu répéter à l’envie. Une oeuvre où l’écoute est primordiale et qui reste donc très ouverte aux expérimentations.

C’est ce qu’ont fait les musiciens de ce collectif en incorporant de nouveaux instruments (flutes, percus africaines, kora, voix…) à l’orchestre.Le collectif Africa Express relève le défi. 

Cette relecture de In C est vraiment rafraîchissante. et le résultat est surprenant de cohérence. Preuve du caractère universel de cette musique. 

Heitkotter - Black Orckid

Un ovni de plus en provenance de chez Now-Again. Un rock bancal, dissonant, avec des envolées psyché. C’est assez expérimental. Heitkotter chante et joue. Ils y a des coupures, des sifflements, des parasites, on dirait une séance enregistrée dans un garage avec le matériel minimum. Un des précurseurs du Lo-Fi ^^

Après une poignée de morceaux, viennent plusieurs “démos”. Je ne pensais pas que la qualité sonore puisse encore se dégrader, mais si ! C’est encore plus décousu et sale. 

Ceci dit, cet album a du charme. Quand je le met sur ma platine, j’ai l’impression qu’un groupe de rock amateur inconnu répète dans mon salon.

Prince Fatty VS Mungo’s Hi-Fi

Collaboration entre deux grands sound systems britanniques !

Le producteur anglais Prince Fatty et le collectif écossais Mungo's Hi-Fi nous livrent ici un projet amusant : chaque collectif remix cinq morceaux de l'autre collectif.

Que vous connaissiez ou non les morceaux originaux, ces remix sauront vous séduire.

The Greyboy Allstars - Inland Emperor

Dernier album en date du légendaire groupe de funk de San-Francisco.

The Greyboy Allstars ravissent de nouveau mes oreilles avec un album aux influences variées : Funk seventies, accents pop, balades, boogaloo, le tout parsemé de touches d'électro comme sur Inland Emperor où le saxophoniste Karl Denson nous livre un chorus exceptionnel.

Jon Hopkins - Immunity

Avec Immunity Jon Hopkins fait de la techno avec des sons d'idm.

Des sons que je trouve plus ciselés et plus élégants que les sons que l'on entend souvent en techno.

Il y a beaucoup de crépitements, de souffles,

Certains morceau une structure techno, avec des montées très efficaces (Open Eye Signal par exemple).

Apollo Brown - Thirty Eight

Thirty eight a été pensé et conçu comme la bande originale d'une époque, le début des années quatre-vingt à Détroit.

Cette période correspond à la déferlante du crack aux États-Unis. C'est cette atmosphère très sombre et très "blaxploitation" que Thirty Eight illustre avec brio.

C'est un album instrumental.

On y entend tout de même quelques samples vocaux, qui viennent souligner des productions très soul.

Billy Martin est surtout connu pour être le batteur du trio Medeski, Martin and Wood. Il lui arrive pourtant de réaliser d'autres projets. Shimmy marque sa première collaboration avec le jeune organiste Wil Blades.

Originaire de Chicago, Wil Blades s'est depuis quelques années fait un nom dans le milieu jazz/funk américain. Il a déjà joué avec de très grands noms de cette scène parmi lesquels : Lonnie Smith, Melvin Sparks, Karl Denson, Charlie Hunter et bien d'autres.

Le jeu de batterie de Billy Martin peut de prime abord paraître nonchalant, voir maladroit. Ceci est dû au fait qu'il est toujours un peu derrière le temps, presque en retard. Mais ce n'est qu'une impression. Il casse aussi très souvent ses rythmes, ce qui fait que son jeu est reconnaissable entre mille. Un grand batteur de jazz et de funk !

Wil Blades a quant à lui un son magnifique. C'est incroyable qu'en seulement un peu plus de dix ans d'instrument il soit arrivé à ce niveau de maîtrise... Sur Shimmy, il alterne entre Clavinet et B3 agrémenté de wah-wah et d'autres effets. Le répertoire qu'ils ont choisi pour ce disque est très funky et passe par tous les tempos.