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モダン＋ニュートラルなおしゃれ空間にスパイス。アートのある生活（１）

clubFmでは、オンラインサービスとして現代アートを生活やオフィスに取り入れるための手助けをしています。導入先も順調に増え、現時点で既に４０〜５０点が常時、オフィス、家庭に貸し出されています。その中から購入という事例も出てきており、引き続き利用者、アーティスト目線でのサービス改善を続けていきます。

導入先も増えてきたので、その事例を、「アートのある生活」というライフスタイルとして定期的にご紹介していこうと思います。他の導入事例もぜひこちらのページからご覧ください

今回は、モダンでニュートラルな落ち着いたお部屋での「アートのある生活」です。取材させて頂いたのは、赤ちゃん１人のいるご夫婦。

◆グレーと白が基調の部屋をモノクロの作品が引き締める

存在感のあるソファーを中心に、グレーと白が基調のお部屋。そこへDIYの白い棚や、奥にはお花のついた華奢なラインの木飾り、手前にはアンティーク調の古材とコーヒーサックでリサイクルされたベンチ、そしてお子さんにも安全な丸テーブルなどなど。お子さんもいるご自身のライフスタイルに合わせつつ、拘りを随所に散りばめた素敵なお部屋。

そんな空間をモノクロのアート作品がピリっと引き締めてくれています。またファッション画のような不思議なアート作品は、空間を一層おしゃれに演出しています。

◆特徴的な瞳にハッとして今日はおしゃれをしてみる

この作品のアーティストは寺本愛さん。ギャラリーFmでも昨年、個展「Our Eyes, The Light Source」を開催しました。彼女は自ら創作したファッションに身を包んだ人物を描いています。世界各地の民族衣装やスポーツウェアなどを思わせる服やアクセサリーはディフォルメされ、モノクロで描くことでそのフォルムや質感を際立たせています。

また、何より彼女の作品のトレードマークは特徴的な瞳。これは、創作するにあたり様々な衣服や装飾具などの資料に目を通して取り入れた要素を作品に仕上げる寺本さんが、物事をみつめる私たちの目こそが創造の光源だと信じているからとのこと。

そんな瞳にハッとして、今日はいつもよりおしゃれをしてみよう、生活の中でそんな気持ちにさせてくれるようです。

◆作品が変わると空間はガラっと変わる

部屋の作品を変えると空間の雰囲気もガラっと変わる。写真を見れば、先ほどの雰囲気との違いは一目瞭然。この作品は、北村佳奈さんの作品。2014年には新国立劇場でのポスターにも作品を提供するなど、これからが期待される活躍中の若手アーティストです。

水彩で淡く着彩された彼女の作品は、カラフルなようで、どこかしらはかなさを感じます。影など本来暗くあるべき部分があるときは赤いトーンで、またあるときは青いトーンで塗られています。これが暗い部分を一層暗く、そして明るい部分に一層明るい印象を与え、作品の深みが増し、とてもドラマチックな印象を与えています。

こんな作品の演出する空間で、週末の昼下がり、紅茶片手に小説でも読みながら過ごすのも至福の時間です。

◆一つ気になるものが

今回、取材したお部屋でなんだかとても気になるものがありました。お部屋のソファーにちょこんと座ったお人形。これです。

これは、ロンドンの「ボビーダズラー(BOBBY DAZZLER)」のお人形で、一つ一つ手作りされたものとのこと。このキモかわいさがなんとも言えない味わいがあり、クセになりそうです。イニシャル人形で、胸には「I」（アイ）を抱えています。ご夫婦のお子さんのお名前のイニシャルから「I」のお人形にしたようで、人形のお名前は「あいのすけ」と名付けたようです。この辺りの拘りも流石です。

今回取材にご協力頂いたご夫婦では、近々迎えるお子さんの誕生日に、子供に合わせたアート作品でお部屋を演出しようと考えているとのこと。小さい頃からアートに触れる事は、子供の教養にもとても良い！

まさに自分にあった「アートのある生活」をスマートに満喫しているご家庭でした。

◆引き続き参加アーティストを募集中

今回、初めて「アートのある生活」というのをご紹介しましたが、いかがでしたでしょうか。

良い作品を利用者にオススメするために、また力のあるアーティストにとっても参加しやすいプラットフォームとするために、clubFmでは、現在すべての作品はキュレーションされたものとしています。以前のブログにも触れているように、アートを求める人と、作り手の間にあるギャップを少しでも無くし、より多くの人がアートを経験、楽しむことができるような新たな仕組みを構築していきます。引き続き、ご協力して頂けるアーティストの方々を募集しておりますので、ご興味ありましたら、ぜひ気軽にご連絡ください！

寺本愛さんが伊勢丹新宿店本館で個展を開催します。

寺本愛「その湖」 伊勢丹 新宿店 本館 5階 東京都新宿区新宿3-14-1 リビングフロア　ウエストパーク　EVENT＆GALLERY 2015年4月8日（水）～14日（火）

新作に合わせて、完成したばかりの作品集、また、寺本さんがインスピレーションを受ける品々と制作に使用する道具も合わせて展示をします。

今回の展示は5階 リビングフロアのリニューアルに合わせた 展示で、伝統工芸、アート、ファッション、デザインを「美」という一つの視点で捉える一品更屋さんにお声がけいただき実現した企画です。

オンラインサービス”clubFm”の運用開始にあたって （3/3）-サービスの内容と今後実現していく事-

2014年春過ぎからclubFmのテストマーケティングを始めました。取り組みに共感し初期から協力してくれているアーティストの方々にはとても感謝しています。改めてありがとうございます。

利用者にとっては無料で作品をオフィス、部屋に導入しないかという営業を行い（アーティストへは月数千円をお支払い）、ひとまずお試しをしてもらい、その後、有料でも続けるかという検証をしました。

結果として90％近くの人たちが、その後、有料となっても続ける事となりました。このサービスの価格設定は難しいのですが、「1日カフェでのコーヒー１杯くらいの価値は感じる」という意見を踏まえて、そこから月々4,800円からと設定しました。この設定で、毎月でも新しい作品を身近に経験、楽しむことができるサービスです。アーティストには一月、1000円から2000円程度が支払われます。

テスト中には、アート導入のテストマーケティングしている隣の部屋の状況を見て自分も導入したい、と言ってくれ導入してくれた方がいました。また作品に愛着が湧いて交換する時に寂しいと言う声や、新しい作品が来る事が楽しみ、など様々な心情の変化が出てきました。加えて、こういう作品があったら父へのプレゼントにしたい、などの引き合いもありました。まずは"経験する"という事から、色々な効果が見られますし、数を重ねる事で、あるきっかけで購入に繋がっていくのでは、とその可能性も十分感じる事ができました。

主にこのサービスを利用している方々は、夜遅くまで仕事をするようなとても仕事が忙しい人たち、また、業種を限らず仕事に自らの創意工夫が必要なクリエイティブな方たちです。アートに興味は持っているものの、実際にどのようにそれを生活に取り入れたら良いか、どんな雰囲気になるのか実感が湧かない、と感じている人たちです。

忙しい人に対して、オンラインの仕組みは、場所や時間の制約を無くす上で有効ですが、それは今ではオンラインのメリットとしてのほんの一部です。テストでは、利用者の意見から、大事な点として２つが明確になりました。

良い作品が選別されているという事（いわゆる「キュレーション」）、相手の好みや環境で作品をお勧めする事（「マッチング」）、の二つです。この2点は、現在はほぼアナログな対応をしていますが、データを蓄積していくとともにオンライン技術を活用する事で、将来的にはかなりの部分が自動化されていく部分です。

このサービスは、アトリエや倉庫に眠ってしまっている作品を扱っており、その作品が違う場所（オフィスや執務室など）に置かれる事で、新たに経済価値を生み出している点が面白いところです。これまでミスマッチしている部分を新たにマッチングする事で価値を生み出しており、誰かが損するものではありません。もちろん、万が一の場合の作品への保証や、配送、設置などにおける扱いに最大限注意をする事が前提です。

今後、目まぐるしく進化する拡張現実（AR）の技術や、スマホデバイスの空間取得における技術など、アート分野とも親和性の高い関連技術に注視し、積極的に活用し、空間デザインという切り口で新たな展開をしていけたらと思っています。

最後に、clubFmの取り組みを通じ、アート分野において最終的に実現していく３つについてまとめます。

一つ目は、全国のオフィスや家含めて普段の生活の場が、出張ギャラリーのようにアートに溢れていく状況を作ること。とてもワクワクします。

二つ目は、作品が多くの潜在顧客に露出する中で、本当に気に入った作品と利用者が出会い、そこから実際の購入に繋がるスムーズなカスタマー体験のフローを構築すること。

三つ目として、ギャラリーに来る人を増やすという事。ギャラリーの展示は、そこでしかできない「見せ方」もするので、生活の中での体験以上の非日常体験ができますし、ぜひもっと多くの人に、敷居が高いと思わず訪れてもらいたいです。

これは、Offline⇄Online(O⇄O)の流れを作る、ということでもあります。例えば、過去にこのサービスで経験した作品の作家の展覧会があるという情報を、その利用者へピンポイントで連絡する事で、より効果的なプロモーションも可能になるし、利用者もギャラリーに来やすくなるでしょう。もしくは、ギャラリーで楽しんで作品を購入はできないけど、自分の部屋で楽しみたい、というニーズに応えることで、利用者とアーティストの距離を一層縮める事になります。こういった事を通じてO⇄Oの行き来をより頻繁に、そして強くし、それによって相乗効果が生まれる状況を実現していきます。

(森田)

オンラインサービス”clubFm”の運用開始にあたって （1/3）

寺本愛「Our Eyes, The Light Source」を終えて（2/2）

今回の展覧会「Our Eyes, The Light Source」には、2012年から制作してきた作品35点と新作を3点、そして展覧会では初めての展示となるドローイング作品を展示しました。

展示作業をするにあたって改めてこれまでの作品を一通り見直したのですが、寺本さんの作品には大きな特徴が3点あり、そこから枝分かれする要素も含めると、見るべき要素が多いことに気付かされます。

3点の大きな特徴とは、複数の瞳、作品中の人物が身にまとうファッション、モノクロでの着彩、です。

複数の瞳は、彼女が少女マンガに描かれる瞳を抽象化させることで作りあげたものですが、私たちがその瞳が描かれた人物を見るとき、一目でこれが寺本さんの作品だということがわかります。至極当然のことではありますが、作品を制作する際に独自性を持たせることはとても重要なことです。あらゆる作家が日夜、作品の構想を練り、技術を磨いているのは、作品に独自性を持たせるためだと言っても過言ではありません。近代美術の誕生以降、数世紀に渡り、様々な表現方法で作品が作られてきましたが、これまで制作されてきた膨大な作品群を参照できる歴史の”端”で独自性を見つけ出すことは想像を絶するほど困難な作業であることは間違いなく、その独自性を作品の中に見出すときにこそ、私たちは心を揺さぶられると考えています。

また、寺本は、複数の瞳（Our Eyes）そのものが、見つめる先にある物事を照らす光源(The Light Source)のように感じると語ります。物事を見る為の瞳が、他者が見る物事を照らすための瞳になるとき、作品を見る私たちは、描かれた人物を鑑賞した後に、彼らの作品の瞳の先、つまり虚構である作品の外側にある現実社会に目を向けることになります。

寺本は美術大学で服飾学を学びました。そこで民族衣装からモード、近年のハイファッションについて学んでいます。そしてなにより彼女自身が現在のファッションシーンに常に目を光らせています。こうして様々なファッションが持つ要素を取り入れながら寺本は独自の洋服を作り上げていきます。

また、それぞれの人物の”着こなし”も特筆に値します。背景を一切描くことなく、どのような場面にいるのかわからない人物からも、その人柄と、彼らが置かれている状況を感じ取ることができます。それは作品を観る私たち自身がファッションを自らの個性を表すための手段として捉えているからに他ありません。

また、寺本がモノクロで作品を描くのは、自らの表現を実現するにあたり着彩する必要がないためです。描かれる人物および洋服や小物等の道具類のフォルムとその質感は、モノクロで描かれるからこそ際立ちます。必要ではない要素を削ぎ落として描くその手法は、遡ってはマンガの源流となる水墨画に通じます。引き続き”アジア的表現”として作品を見ると、背景のない画面の中に人物の全身を描く手法は、浮世絵の役者絵を思い起こさせます。またそれは同時にファッションデザイナーが洋服を作る際に描かれるファッション画のようでもあります。人物とそのファッションを描く彼女がこのような描き方を選ぶに至ったのは必然だったのかもしれません。

作品タイトルと人物のフォルムにも寺本さんの思いを感じることができます。 寺本が作品につけるタイトルは、「PERMANENT CULTURES」シリーズや「記録写真」シリーズをはじめとして、「釣り」「Book seller in the Mountains」、「画学生」など、描かれる人物の必要最小限の情報のみを伝え、彼女の作品がもつ詩的さを引き立てています。

また、彼女が描く人物のフォルムは所謂モデルの体型ではなく、普段を生きる人々の”普通”の体型です。それぞれの生活を生きる”普通の”人々を描きたいと語る寺本は、刻々と変化する時代の変化と、時代が変化しても変わることのない事柄を同時に見つめているに違いありません。

最後に、作品の下書きとも呼べる寺本のドローイング作品を見ると、寺本が作品の実に細部に至るまでを意図し、計算した上で作品を制作していることが分かります。寺本は描く作品だけではなく、作品タイトルや展覧会タイトルまで、隅々まで目を凝らし、調整を重ねます。こうして作り上げられた寺本独自の世界観は、寺本自身がものごとを確かに見つめる目線が基盤にあるからに他ありません。

これから寺本さんがどのように成長をして、活躍していくのか、それを見守っていくことが楽しみで仕方がありません。

（佐々木）

オンラインサービス"clubFm"の運用開始にあたって （2/3）-アート市場の正しい見方-

前回のブログで触れたように、現代アート分野において、よりオープンにモノや情報の流通網を整備する上で、オンライン技術は強力なツールです。また、関連技術も目まぐるしく進展しています。しかし、その活用がアートの分野では十分進んでいないという状況があり、これは国際的にも同様です。米国のSaatchiartというオンラインでの小さなマーケットリーダーはいますし、グーグルやアマゾンにおいてもアート分野での取り組みはなされていますが、まだまだ小さいです。その理由についての詳細は省きますが、わずか20年ほどの歴史のオンラインコマースが新しい技術とともにこれから更に進化するのは必然であり、今後に期待できます。

市場概況について触れると、2012年の世界でのアート市場は約5.6兆円（1＄＝100円換算で、以下も同様）です。その中で、オンラインによる取引は約860億円であり、全体の約1.6%にすぎません。オンラインビジネスに携わる人から見れば、他業界と比べて小さいと感じるでしょう。実際に、今後の見通しでも５年でオンラインの取引は約２倍になると予測する調査は多くあり、新しいアイデアのもと、新しいプレーヤー、新規参入者が増えています。このような中、clubFmの取り組みもその一つになります。

clubFmはまずは日本のプライマリー市場に特化します。理由は一言で言えば、日本のこの分野における「問題」、言い換えれば、「成長余地」、が大きいからです。同時に、日本のアーティストの可能性が、今以上に拡がるはずだし、拡がるべきという事でもあります。それなりに整備された教育制度、特異な文化に根ざした日本の現代アートの可能性はまだまだ過少評価されていのではないかと思います。

日本の市場について、規模としては約1000億円と言われています。実は、ちゃんとしたデータが無く、おおよそこのくらいだろうと言われているものです。この点も、日本のアート市場がオープンとは程遠く、閉鎖的である事の証左であるとも言えます。他方、米国においては、リーマンショック後の回復してきた状況でギャラリーのみの取引額で約8000億円、実際には、ギャラリーの取引以外でもアート市場は存在しており、少なくとも１兆円。つまり、日本の10倍はあると言えます。

ここで日本のギャラリーが販路を海外に求めるのは、ギャラリー自体の成長、生き残りという観点から当然なのですが、日本のアート業界の本質的な問題解決とはならない点もしっかり認識する必要があります。国内の環境を改善し、これからのアーティストが基礎能力を蓄える土台が国内に築かれる事は、業界全体の成長のためには必要です。

少なくとも、国内市場は3000億円程度になる余地があります。日米の実質GDPの規模を比較しても、米国の1/3程度にはなる、つまり現状の国内市場は3倍になりうるという事です。ここでよく指摘される事として、日本では国土、部屋が狭いのだからアート市場は拡がらない、という人も多いのですが、それを真に受ける事には疑問があります。もちろんその影響もありますが、本当にそれだけが大きな原因でしょうか。オフィスや住宅スペースにおいて、何もない殺風景な場所や、宣伝ポスターが貼りめぐらされている場所はたくさんあります。

実際に数字を使ってざっくり見てみます。一人当たりの住宅の床面積は日本が37.3m²、米国が62.3m²、人口は日本が1.28億人、米国が3.12億人です。床面積の0.5乗が壁面積のおおよその比率になるので、壁の広さの観点から見ると、日本の市場は米国に比較し、1/3程度くらいになりうるという事です。

(日本の床面積/米国の床面積)^(0.5) x(日本の人口/米国の人口) =(37.3/62.3)^(0.5) x 1.28/3.12 =0.32 (約1/3)

現在の状況は日本は米国の1/10以下です。部屋が狭いという事だけでは無い、他にも大きな要因があると考えるのは自然です。これに対し、生活の中での体験不足というのも大きな要因ではないかと考えています。現代アートを生活の中で体験する事が不足しているという実感は、欧米と日本の両方で生活を経験した人には理解してもらえるのではないかと思います。子供の頃から生活する家の中、学校での教育課程、またオフィスでもあたり前のようにアートに触れる事のある米国と日本の環境の違いです。楽しみ方も人それぞれですし、体験から学ぶ事は大きいでしょう。

この前提で、現代アートの分野でもよりオープンなモノや情報の流通網を整備するオンライン技術の可能性を追求し、また現代アートの生活の中での体験を提供するというところに特化し、clubFmの取り組みを進めています。個別プレーヤーの部分最適ではなく、全体最適化をして、市場全体の拡大をオンラインにより加速する取組みです。もちろん、市場価値の側面からだけでなく、現代アートの文化的価値、役割を踏まえた上で取り組む必要があります。共感してくれるアーティスト、業界関係者と一緒に協力して前に進めていければと思います。

次回は具体的なclubFmのサービスの仕組み、目指している事についてまとめます。

（森田）

寺本愛個展「Our Eyes, The Light Source」を終えて （1/2）

Fmで開催する初めての個展となった寺本愛「Our Eyes, The Light Source」を盛況のうちに終えることができました。展覧会と寺本さんの作品について、2回に分けてまとめます。 寺本愛さんとは、2013年に表参道で初めて会いました。 当時働いていたギャラリーでアートフェア青参道に参加し、我喜屋位瑳務さんの作品を出品させていただいたのですが、その展示を見に来た寺本さんを我喜屋さんからご紹介していただきました。 しばらくして寺本さんが作品を持ってギャラリーに来てくれました。作品を見せていただきながら話をするうちに、彼女の作品の持つ独自の魅力と、そしてなによりも彼女自身の静かな情熱を感じることができました。その場でいつか一緒に仕事をしようと言ったことを覚えています。 その後の寺本さんの活躍は目を見張るものでした。１_WALL展での個展をはじめとして、個展やグループ展に矢つぎ早に参加し、ザ・チョイスのグランプリも受賞しました。展覧会に行く度に新作は洗練されていき、会場で交わす一言二言の中にも、彼女自身の作家としての自覚と自信の芽生えを感じることができました。

Fmを立ち上げて、寺本さんに個展の申し出をしました。それまでの約2年間に早いペースで展覧会に参加したこともあり、幸い寺本さんの手元に多くの作品があったため、今に至るまでの作品を一度きちんと一望できる展覧会になるよう心がけました。きっとそれは、この数年を駆け抜けてきた寺本さんにとって、改めて自分の作品を見つめ直し、今後の作品を考えるいい機会になったのではないかと思っています。

オンラインサービス"clubFm"の運用開始にあたって （1/3）

２０１４年１２月にclubFm（クラブエフマイナー）というオンラインによる現代アートのレンタル＋販売サービスのβ版（テスト版）の運用を開始しました。 https://clubfm.jp サービスの中身は上記リンクからご確認頂けたらと思います、そもそも何のためにこのようなサービスを開始したのかについて、３回に渡ってまとめます。 Fmは現代アートを軸に、今以上に創造的かつ知的で文化教養溢れる社会を実現する事を目指しています。これは、ユーモアや創作の喜び、時代性などの要素を包含する現代アートを日常の生活に取り入れることが、モノに溢れる現代に生きる人々に対して、精神的な新たな豊かさを提供するという考え方を前提にしています。そのため、私たちにとって現代アートを生活に取り入れる事自体、とても大切な知恵であると考えています。 しかし、それを実現するための商業的な社会インフラは、モノや情報の流通網、提供場所を含め、閉鎖的であり、また敷居が高いものと一般的に考える方々がまだまだ多いでしょう。業界自体、アーティストやギャラリーという現代アートの提供する人たちと、顧客の間にある情報の非対称性を大きな前提に市場は成立しています。特にセカンダリーマーケット（一度市場に出たアート作品が取引される市場）においては強くその前提が働いています。つまり、一部の人がより潤う業界構造となっています。これも一つの在り方であり、良し悪しはありません。ただ、問題は、この状況での現代アートの業界はほぼ間違いなく今後大きくなることはなく、それによって、特にこれからの作り手、アーティストという交渉力の弱い立場の人たちにその制約のツケがまわる事になります。 必ずしもすべてをオープンにする必要はなくても、今以上に現代アート分野において、よりオープンにモノや情報の流通網を整備し、作り手と顧客のマッチングを効率的になされる事は可能です。様々な分野において、オンライン技術がそれを実現してきました。しかし、現代アートの分野ではその取り組みが遅れている、かつ難しいものであり、まだまだこれからです。 この現状を変え、Fmのミッションを実現、その過程では、これからの作り手がより活躍できるような環境の整備の実現のために、まずは国内のプライマリーマーケット（まだ市場に出たことの無い新しいアート作品の市場）に特化した一つのやり方としての取り組みがclubFmとなります。（海外と日本の状況は違うので、海外向けにはまた違った取り組みになります。） 次回はもう少し数字を交えて"なぜ"をまとめます。

環境省事業「長野の中山間地域『鬼無里』における地域活性化」に参画

Press Release >

Fm（エフマイナー）は、アートを活用した鬼無里コミュニティ保全のための実証モデル及び事業化に関する調査を実施することとなりました。本調査は、増加する空き家と豊富な木質バイオマス資源が存在する長野市鬼無里地区において、 環境省の「平成26年度里地里山等地域の自然シンボルと共生した先導的な低炭素地域づくりのための事業化計画の策定・FS調査委託事業」の一環で実施されるものであり、Fmは三菱UFJモルガン・スタンレー証券株式会社より本調査を受託しました。

アートは、地域コミュニティの活性化において、潜在的な手段として、

１）コミュニティ内の人たちがその魅力を強く認識するきっかけとなる、

２）コミュニティ外の人たちにその魅力を効果的に伝える方法となる、

３）コミュニティ内外の老若男女のコミュニケーション促進のきっかけとなる、

という３つの役割を担うことが可能です。このようなアートの役割を踏まえ、限界集落となった鬼無里地区の特性と魅力を活かした鬼無里地区らしいアートを活用した事業化計画をFmは検討していきます。

Fmとしては、今後ますます日本国内でも深刻化する中山間地域の限界集落化問題の解決にアートが貢献することで、アート分野及び芸術家の社会的な価値及び地位の向上に繫がることを鑑み、本調査事業を実施することとしました。

鬼無里地区とは？

長野市中心部から西へ約20キロメートルのところに位置しています。恵比寿のギャラリーFmから鬼無里の中心まで新幹線を使って３時間ほどのアクセスの良い地区です。また、鬼女紅葉伝説などの伝説に因む伝承を残し、かつて昭和３０年代までは麻による畳糸の加工や養蚕などで栄えていた、深い歴史と伝統のある地区です。更に、きれいな水、空気、四季折々の大自然に恵まれ、奥裾花渓谷（日本百景）と日本最大級のミズバショウ大群落の奥裾花自然園（日本の秘境100選）が顕著です。また、地区の約９割をブナの原生林など含む森林が占めており、豊富な森林資源（木材、バイオマス）を活用した林業が盛んです。鬼無里地区はこのような魅力がある一方、以下のような 問題を抱えています。

１）典型的な限界集落。人口は平成１７年４月には約２,２００人であったが、平成２３年には約１６００人と、６年で人口が約６００人減少しており、過疎化が著しい。また、６５歳以上の高齢者が現在約５３．６％を占めている中、鬼無里地区に高校は無く、現在、中学生３６人、小学生３４人となり、高齢化及び若者の減少も著しい。これに伴い、空き家増加が著しい。

２）２００５年に長野市と合併してからは、鬼無里地区としての自治を失い、このため、地方行政が十分に鬼無里地区には行き届かなくてなってしまっている。

３）林業従事者は高齢化し減少の一途を辿り、貴重な地域資源である森林の整備保全問題が深刻化している。

寺本愛 個展「Our Eyes, The Light Source」

会期：2014年11月22日(土)~12月21日(日) オープニングパーティ：11月22日(土)18:00~21:00 時間：11:00~19:00 (金~月)、11:00~22:00 (木) 休廊：火曜、水曜日 会場：Fm 東京都渋谷区恵比寿南1-14-12 ルソレイユ3 303 Tel：070-6969-1412

上写真は管弘志の作品展示風景

    第一回展覧会を終えて３／３

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Title: 期待と回想 prospect and reflection 詳しく見る＞ Date: 2014.9.6 - 9.23 Artists: 水野健一郎、管弘志、浮舌大輔、伊波英里 Opening Performance：KATHY 展示風景動画を見る＞

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「期待と回想 prospect and reflection」には、前回展示について書いた水野健一郎さんと浮舌大輔さんに加えて、管弘志さんと伊波英里さんにも参加していただきました。

このことも前回のブログに書きましたが、美術作品には「技術、素材、コンテンツ」の三点の充溢が大切です。作品のコンセプトと使用する素材の吟味も重要ですが、訓練された技術がなければ高い完成度を持つ作品を制作することはできませんが、管の作品からは、一見しただけで高い 技術を感じることができます。

菅さんは、今回の展覧会を組み立てている際に水野さんからご紹介いただきました。直線を用いてモチーフをディフォルメし、マスキングテープ、カラス口、ぼかし網などを使って繊細に着彩された管の作品は、画面の隅々まで計算された上で制作され、一つ一つの工程を丁寧にすすめることで制作されています。

伊波英里さんとは、以前私が勤務していたnada art galleryで開催した我喜屋位瑳務さんの個展「P.O.V.」の会場で出会いました。

伊波さんはデジタルによる作画が始まった80年代前半から、本格的なデジタル作画の時代が始まる90年代前半にかけてのデジタルグラフィックを思い起こさせるモチーフを取り入れて、デジタルを用いた表現の可能性を広げています。映像、写真、平面、立体作品を制作していますが、それぞれ作品として成り立たせているのも、伊波の様々な素材を使いこなす技術の高さに他ありません。

また、美術においての技術力についてもう一言加えると、これまで国内のみならず国外でも評価評価されてきた日本の美術品は、国外から流入した美的要素および思想を、作家個々の解釈を取り入れながら創作にのぞみ、高い技術によって制作された作品です。

最後に今回の「期待と回想」の四人に共通していることを一部あげるとすると、ユーモアと創作することの喜びです。これらは美術にとって決して必要な要素ではありませんが、それらを日常に取り入れることは、現在を生きていく私たちにとってとても大切な知恵だと思っています。

（佐々木）

前々回の記事:「第一回展覧会を終えて1／3」はこちら＞

上写真は水野健一郎の作品展示風景

    第一回展覧会を終えて２／３

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Title: 期待と回想 prospect and reflection 詳しく見る＞ Date: 2014.9.6 - 9.23 Artists: 水野健一郎、管弘志、浮舌大輔、伊波英里 Opening Performance：KATHY 展示風景動画を見る＞

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私が作品を見る際、特に心がけて鑑賞する点があります。作品の「素材、技術、コンテンツ」の3点です。このことを私が以前勤めていた東京画廊＋BTAPの山本豊津代表から教わって以来、作品を見る際にこの3点を吟味しています。

前回書いたように、展覧会の企画を立てるにあたって現在のアートシーンにとって外部からの刺激となる展示になるよう心がけました。アートだけではなく、コマーシャルの世界でも活動を続ける作家による展覧会を思ったとき、はじめに頭に浮かんだ作家の一人が水野健一郎さんです。

テレビアニメの影響を再構築し、ペインティング、ドローイング、アニメーションを制作する水野さんには、アニメーション作品（「Tegwon Rhapsody」2011）、アニメーションの一コマのような風景画を描いたキャンバス作品（「uncontrolable speciousness」、「just before the moment」、「in the maximum moment」）、アニメーションを制作する際に使用するセルを素材に描いた作品（「Twenty Years After 」（A）、（B））、架空のキャラクターによるサイン色紙シリーズ（autoguraffiti 01〜autoguraffiti 20）、水野さんが制作したアニメーション「エレベーション」の設定資料集をドローイング作品として展示させていただきました。また、オープニングにKATHYのパフォーマンスも、水野さんが以前よりKATHYとのコラボレーションを続けているからこそ実現したものです。

水野さんの参加が決まった後、映像、グラフィック、エディトリアルデザイン、立体作品、インスタレーション、音楽など、水野さんと同じく多岐に渡ったメディアで作品を制作する浮舌さんに声をかけました。

アーティストグループ「20TN!」の主宰やOPENdANのメンハバーとして作品制作やパフォーマンスを発表するなど、ハイブリッドな着想、手法で作品を制作する浮舌さんには、映像、ターポリン、オブジェ、プラズマテレビを組み合わせたインスタレーションを展示していただきました。

展示に向けて2人と話を重ねるうちに、２人に共通する点があることに気づきました。それはシーンを見渡す視野を持っていることです。2人は現代美術はもちろんのこと、その他の分野の前線で活躍するクリエイターの作品動向にも目を凝らし、自分の作品に反映させています。そのためには実際に作品を見ることと、作品を冷静に分析する知性が必要だということに改めて気づかされました。

ちなみに上記の我喜屋位瑳務さんには、昨年nada art galleryにて個展を開催させていただき、「期待と回想」のDMおよびメインビジュアルを担当していただきました。

  （佐々木）

いよいよ今週金曜日10日から始まります！ 沢渡 朔 写真展「少女アリス」 ４０年の時を経て蘇る不思議の国のアリス、沢渡朔の世界観を、当時の衝撃を知らない若い方含めて、本当に多くの方にご覧頂けたら嬉しいです！

会期：2014年10月10日(金)~10月26日(日) 時間：11:30~19:00 休廊：月曜日休廊 会場：Fm 東京都渋谷区恵比寿南1-14-12 ルソレイユ3 303 ＞恵比寿駅西口から徒歩３分 Tel：070-6969-1412

第一回展覧会を終えて１／３

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Title: 期待と回想 prospect and reflection 詳しく見る＞ Date: 2014.9.6 - 9.23 Artists: 水野健一郎、管弘志、浮舌大輔、伊波英里 Opening Performance：KATHY 展示風景動画を見る＞

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Fmの第1回目の展覧会として「期待と回想 prospect and reflection」を開催しました。展覧会の概要および参加していただいた4人の作家について、3回にわたって文章にまとめようと思います。

初日にはKATHYによるパフォーマンスを開催したこともあって約150名の方々にお越しいただき、会期中も合わせると約500名の方にご来廊頂きました。お越しいただいた皆様に改めて御礼を申し上げます。

これまでの美術史を見てみると、常に外部からの刺激によって変化していることがわかります。 新たな宗教や思想の浸透、民族の移動、あらたなメディウムの開発などがアーティストのもとに伝わり、その刺激を作品に還元することで新たな変化が生まれてきたと言っても過言ではありません。 今回の展覧会を企画する際、その刺激を現在のアートシーンにどのようにすれば与えることができるのかを考慮しながら展示を組み立てました。 そうして今回選出したアーティストは、美術の分野に捕われずに表現活動を続けている作家です。 今回参加していただいた作家は、展覧会で作品を発表する一方で、グラフィックやイラストレーション、ファッション、CM制作、VJなどコマーシャルの世界でも活躍をしています。 目まぐるしく変化するトレンドの中でコマーシャル表現をしてきた彼らが制作する作品は、独自のコンセプトと高い技術を使って制作していることはもちろんのこと、なによりも、新鮮なしなやかさと自由さ、奔放さを感じることができます。 そして今回の展示に刺激を感じていただいたからこそ、現役でご活躍しているアートおよびデザイン関係者やコレクターはもとよりのこと、多くの若いアーティストをはじめとしての若い方を中心に展覧会にお越しいただいたのだと思っています。

展覧会タイトルの「期待と回想」は哲学者、鶴見俊輔の著作名を借用したもので、「歴史を回想としてではなく、期待として捉えなおす」との一文が展覧会の企画意図と合致したからです。スーパーフラットはもちろんのこと、それ以前から連綿と続いている美術史を視野に入れるからこそ、何が刺激になりうるかを見ることができます。また、この一文はFmがこれから先の展示を企画する際に大切にしたいことでもあります。

今回の展覧会はPen online、CINRA、Tokyo Art Beat、SHIFT、BLOUIN ARTINFO、White Screen.jp、 アートコレクターズ（2014年10月号）、Tokyo Walker（2014 No.17）などのメディアに情報をご掲載いただき、 恥ずかしながらソラトニワＦＭにも出演させていただきました。

９月６日のオープニングでは夜８時からKATHYによるパフォーマンスがありました。ライブならではのコンテンポラリーアートダンス、150人近くの方に来て頂き大盛況に終わりました。動画も後日アップロードするので楽しみにしていてください。