Fréquences Libérées

Parce qu'il va bien falloir trouver quelque chose à mettre sous le sapin, et que faire plaisir à son prochain est le plus beau des cadeaux (#sensible), on vous dévoile notre top 10 de l'année 2014 ! Avec que le meilleur du top of the best !

Ce que tu veux

C'est ta vie

C'est pas mes oignons

J'suis pas ton patron

J'suis pas jésus

T'es grand(e)

T'as le droit d'écouter ce que tu veux

Même Kaaris, sérieux

J'te connais même pas

C'est pas à moi de te dicter tes goûts.

Voilà.

Gardez la pêche.

Ce weekend, (les 6 et 7 Septembre) a eu lieu au T.O.T.E.M un événement assez particulier répondant au nom de « Libertalia ». Pour ceux qui ne vivent pas à Nancy, une petite récapitulation s'impose. Il était une fois, il y a de ça une quinzaine d'années, dans la petite bourgade de Maxéville (collée à Nancy), une compagnie de théâtre appelée Materia Prima s'installe sur le terrain d'une friche industrielle pour y implanter un espace de création. Le TOTEM étant né, la compagnie pouvait ainsi se consacrer à ses recherches artistiques... et offrir aux artistes locaux un espace de création et de vie culturelle, et même franchement contre-culturelle. Le TOTEM devient alors le théâtre du bouillonnement contre-culturel de la région : accueillant des artistes de tous horizons, organisant des concerts tout genre confondu venant du monde entier (c'est grâce au TOTEM qu'on a pu voir Lydia Lunch excusez du peu !), l'ancienne friche est très vite devenu the place to be de l'underground nancéien. Bref, on était bien content d'aller là bas pour des concerts de folies et naviguer au milieu des freaks, tatoués et autres hybrides qui occupaient les Souterrains et les Cabaret Rouge. Franchement, vivre à Nancy et passer à côté de l'expérience TOTEM c'est carrément louper quelque chose... au grand dam d'un toulousain que nous avons rencontré lors de ce weekend et qui venait tout juste d'arriver à Nancy pour découvrir qu'un lieu aussi génial et cool que le TOTEM soit sur le point de mourir.

Car c'est là la triste conclusion de cette histoire : le TOTEM est sur le point de mourir. Tout simplement. Pour des raisons (hallucinantes) de « retard » de subventions, la compagnie Materia Prima se trouve en liquidation judiciaire. Rien que ça. Du coup, le TOTEM étant lié à la compagnie, on peut dire que ça sent le sapin pour la friche en jaune. Je n'irai pas dans le détail du comment on a pu en arriver là tellement la situation est kafkaesque, ni plus, ni moins. Toujours est-il que l'annonce de la liquidation judiciaire a ébranlé et ému l'ensemble de la scène locale : une pétition recueillant plus de 8000 signatures a été lancé, des affiches « Sauvez le Totem » ont été imprimés, mais surtout beaucoup de colère et d'incompréhension ont secoué les esprits nancéiens.

D'où le fameux Libertalia (on y arrive) qui est à prendre comme une sorte de dernier baroud d'honneur ou de pied de nez d'une contre-culture qui est bien décidé à montrer aux institutions qu'elle peut rester droit dans ses bottes et qu'elle occupera le terrain, TOTEM ou non. La friche s'est donc transformée, pendant 48h non stop, en une kermesse punk géante avec au programme des concerts, une conférence, des performances, de la bière, des copains, et de la bonne humeur à revendre. Comme à son habitude, le TOTEM a su créer un espace non pas de consommation de produits culturels, mais d'échange, de rencontre, d'interaction sociale. Et le tout avec le soleil (en Lorraine ! Tu te rends compte ?). Je pense que le weekend aura été une belle réussite, de par l'affluence du public d'une part, mais également de par sa diversité. Il m'a semblé en effet que le Libertalia a été l'occasion de brasser un maximum de CSP et de type de public différent. On a forcément vu le cortège des habitués, les musiciens de tout genre, les goths du coin et j'en passe. Mais on aura surtout remarqué la présence de curieux, de gens extérieurs à cette contre-culture, venant parfois en famille. Quelque part, le Libertalia, c'était un musée vivant de la contre-culture nancéienne, un lieu où, à l'instar des différents Souterrains, on peut s'instruire et apprendre la tolérance en s'immergeant dans une culture différente de la norme.

Toujours dans un esprit d'éducation, le samedi matin avait lieu une conférence/table ronde revenant sur l'histoire du TOTEM et de Materia Prima, ses déboires avec les institutions, mais aussi élargissant le problème à la culture en France en général. Ainsi, divers sociologues, écrivains, artistes et représentant de la contre-culture discutaient des problèmes que l'on peut rencontrer aujourd'hui. Tout d'abord, il faut dire que la conférence aura été très instructive et très bien présentée, sans langue de bois, simple, sans pour autant rester à la surface des problèmes. Seulement, je m'étonne du peu de présence de la part des musiciens de Nancy, pourtant directement concernés par le débat. Il faut rappeler que si le TOTEM meurt, il va devenir presque impossible pour les groupes locaux de se produire sur scène, et quand je dis scène, je parle de l'endroit conçus pour la représentation scénique. Évidemment il reste les bars (et encore) mais ce n'est pas pareil. Et il serait bien naïf de croire que la SMAC locale va faire son travail et accueillir les talents locaux, trop occupée qu'elle est à répondre aux impératifs financiers que supposent une telle structure. Parce que faire tourner une salle avec un staff complet sur une programmation avec des concerts à 5 entrées, ce n'est pas vraiment viable (on se rappel tous de la fermeture du Terminal Export). Et je ne dis même pas ça pour cracher dans la soupe. Bien sûr qu'il faut des endroits avec une programmation mainstream à la Skip the Use et autres trucs qui nous filent des boutons... mais il faut également laisser la place aux talents locaux, d'autant plus qu'ils sont présents !

Nancy est une ville que je n'aime pas pour des milliers de raisons. Cependant, elle possède une force considérable : son réservoir de groupes locaux. Des groupes, il y en a pour tous les goûts, toutes les couleurs, tous les genres et toutes les tailles possibles et imaginables. Par ailleurs, le problème était abordé lors du débat : pourquoi la ville de Nancy a-t-elle dépensé des milliers d'euro-brouzoufs pour une médiocre représentation de Kavinsky alors qu'elle aurait pu engager l'un des nombreux DJ locaux ? Et quand je dis, Dj local, je parle pas de Dj RémY qui mix pour les bar mitsva de ton petit cousin, mais de personnes tout à fait capables et qui n'ont pas grand chose à prouver.

Il en va de même pour les groupes. Mais la question reste ouverte : que fait-on maintenant avec tout ce beau monde ? La table ronde s'est conclue sur cette idée : il ne faut pas absolument chercher à sauver le TOTEM, ni même à créer un espace unique de vie contre-culturelle... bien au contraire, il va falloir chercher à créer une multitude d'espaces différents, un maximum de friches. Il va falloir occuper le terrain, et ce véritablement. Car il est bien beau de s'indigner de la mort de la culture à son enterrement, mais c'est avant qu'il fallait se bouger le fondement. La bataille pour la culture, c'est une lutte de tous les instants (ouais même quand tu prends ton café le matin). C'est ce qu'a fait Materia Prima pendant ces vingt dernières années. Il est maintenant urgent qu'une nouvelle génération reprenne le flambeau et mette les mains de cambouis. Et c'est bien là sans doute la plus grande réussite du Libertalia, avoir créer un lieu où les bonnes volontés ont put se rencontrer, débattre, et échanger, et peut-être former le germe d'un nouveau mouvement. Par ailleurs, si Materia Prima meurt, elle se transforme en Butterfly Effect... rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme. A nous désormais d'utiliser notre propre matière première pour donner forme à quelque chose de nouveau, de différent.

Dans ma boîte aux lettres, j'ai eu le plaisir de recevoir le premier album d'un groupe nancéien du nom de Rumble. Sortez la gomina et les bananes, on s'enfonce en territoire rockabilly.

Il faut dire qu'en Lorraine, il y a un certain engouement pour la culture rockabilly, et ce depuis une bonne paire d'années. Ne serait-ce qu'à Nancy, on peut trouver une communauté d’aficionados du rock'n'roll vintage plutôt présente et une paire de groupes s'inspirant de l'Amérique des 50's. Si j'étais plus qualifié, je pourrais sans doute parler chiffons et lâcher quelques mots sur la récupération des codes vestimentaires post-world-war-two.

Ce qu'il faut retenir, c'est que cette communauté ne fait pas que s'inspirer d'une époque révolue, elle la vit pleinement, comme si les 50's étaient toujours présent et d'actualité. Est-ce par nostalgie ? Pas sûr... déjà, je n'aime pas trop ce mot et ce qu'il sous entend. Ensuite, la plupart des membres constituant cette communauté sont jeunes et n'ont donc pas connu cette époque. Comment être nostalgique alors de quelque chose que l'on n'a pas connu ? 

On va me dire que ce n'est qu'une question de goût, de vouloir faire son original en portant du vintage pour protester contre les modes actuelles, et il y a sans doute de cela. Mais je dirais surtout que ce mouvement rockabilly actuel ne fait qu'exemplifier une capacité toute humaine pointée du doigt par des philosophes de la renaissance comme Jean Pic de la Mirandole (instant culture inside). Le Jean Pic en gros, il dit que ce qui caractérise l'homme, notamment par rapport à Dieu, c'est sa force de métamorphose et le pouvoir d'adopter le type de vie qu'il veut. Car c'est bien là que réside le fondement de la liberté humaine, pourquoi vivre comme une caricature de publicité Kinder quand on peut vivre comme un rocker des 50's à banane ou un natif américain dans son tipi ? On me répondra que oui mais non, ce n'est qu'une histoire de mode.

Ce à quoi je répondrai oui peut-être et alors ? Le syncrétisme vestimentaire actuel est tellement dilué dans un nombrilisme sans direction qu'il n'a aucune identité réelle. On pourra dire ce qu'on veut mais dans une époque de crise, l'identité communautaire à un avantage certain : ce n'est pas tant de vouloir à tout prix mettre les gens dans des boîtes que de pouvoir se mettre soi-même dans une boîte en signe de démarcation identitaire. Il s'agit de dire, "j’appartiens à une communauté en marge et me conforme à ses codes car je refuse d'appartenir à ce gloubiboulga qu'on appel la mode actuelle". Et quelle que soit la raison de cette appartenance par ailleurs, ces individus venant d'un autre temps sont nécessaires à la survie de la diversité culturelle. Car la richesse culturelle ne se calcule pas dans l'abondance d'une quelconque diversité qui s'égalise dans le syncrétisme, mais dans la diversité des extrêmes.

Et si je dis tout ça, ce n'est pas pour rien, vous l'aurez compris. Rumble, avec sa galette Driftin', te fait pousser une banane sur la tête dès la première note tant le trio s'efforce à recréer au millimètre près le décorum sonore des 50's. Dans la musique bien sûr, qui reprend avec maîtrise les codes du genre, jusqu'aux moindres tressautement aiguës de la voix qui rejoint les Vincent et autres Cochran du genre avec une énergie emprunte au garage des 60's. Mais surtout, Rumble s'offre une production lo-fi reproduisant à merveille le grain vieillot des vieux vinyles de nos aïeux sans pour autant sacrifier la propreté de l'écoute. Le groupe nous offre donc un véritable voyage temporel, le même que dans le premier Retour vers le Futur, la Delorean en moins. On se prend très vite au jeux, à claquer des doigts et à vouloir sortir son vieux perfecto, ainsi que tous les clichés que l'on peut trouver dans American Graffiti.

Hier soir, nous sommes retournés dans la chaleur du Royal-Royal pour un concert à l'ambiance de fonderie ardente. Mars Red Sky, groupe de stoner made in Bordeaux, est venu faire une halte à Nancy avant de repartir en tournée, notamment en première partie de Detroit (le groupe à Cantat pour ceux qui suivent pas), histoire de se chauffer avant leur participation au Hellfest (et toc dans les dents). Gros gabarit dans bar modeste, ça ne pouvait qu'être de bon augure.

On arrive tôt sur le lieu du crime histoire de prendre un picon... et de réserver sa place dans le bar, car le Royal a vite tendance à être bondé, et cette soirée n'aura pas dérogé à la règle : on a retrouvé des gens sur le pavé. Bref, on se prépare à accueillir le power-trio comme il se doit. Les lampes des amplis chauffent, ainsi que la température ambiante. Les premières notes s'égrènent, on est parti pour récolter le plomb avec nos oreilles.

Je m'étais déjà exprimé sur ma vision du stoner, genre auquel je n'attache pas particulièrement d'admiration, sans pour autant le haïr. Mais Mars Red Sky a su, le temps d'un concert, me réconcilier avec ce genre. C'est que les trois bordelais arrivent, malgré la sobriété de la formule en trio, à dégager un univers qui leur est propre et qui sait naviguer avec force dans les fondamentaux du genre tout en prenant soin d'éviter les clichés et les écueils habituels. Ces fondamentaux, ce sont des riffs tout d'abord, respectant les canons esthétiques du stoner autant dans l'efficacité que dans la lourdeur qui va presque lorgner vers le doom dans ses moments les plus lents. Mais c'est un son aussi, voir Le son que l'on se doit d'attendre de la part d'un tel groupe : massif, chaleureux, avec de la hargne sous le pied (le Ampeg aide beaucoup faut dire).

Seulement, Mars Red Sky tire son épingle du jeux en allant au delà de ça et en proposant des caractéristiques venant d'ailleurs. La voix, tout d'abord, qui m'a surpris par sa légèreté et sa hauteur, conférant aux mélodies un aspect qu'on pourrait dire céleste, voire angélique. C'est que d'habitude, on a souvent tendance à entendre les mêmes gros barbus s'époumonant en divers growls lustrés à la bière et à l'huile de moteur. J'avoue que cette direction peu commune ne m'aura pas déplu. Ensuite, il y avait dans l'intention, je trouve, quelque chose de profondément psychédélique, autant dans les ambiances que dans certaines harmonies vocales. C'est que le stoner a toujours pour vocation de lorgner vers le psychédélisme, mais j'ai trouvé que l'ensemble avait parfois tendance à vraiment pencher du côté d'un Jefferson Airplane mélangé aux riffs stoners habituels.

Hier soir, ce n'était pas au Royal², ni au TOTEM que nous étions, mais au Quai'Son, petit club au centre de Nancy bien connu de la faune musicale du coin, pour un concert aux accents noise-rock. Nous avons donc eu droit à trois groupes de Nancy développant chacun, à leur manière, une facette différente de ce que la constellation noise-rock française a à offrir.

Le bal du bruit s'ouvre sur la récente formation Tera Sievert, groupe combinant des membres des groupes A Far-Off Reason et du récemment décédé Tomato Djihad. Le quatuor nancéien (puisqu'il s'agit d'un quatuor) nous aura délivré un set d'une extrême rapidité (6 morceaux en sans doute moins de 25min) mais également d'une extrême intensité. Vite et fort comme un concert hardcore, mais avec tout le décorum esthétique de la noise minimale : accords dissonants, grosse disto, arpèges minimalistes lorgnant vers le contrepoint, le tout servi par une incroyable énergie quasi street-punk. On est juste un peu dégouté par la brièveté du concert, mais qui loin de donner l'effet d'un pétard mouillé, faisait plutôt penser au crash d'une fusée Ariane qui fait exploser son moteur avant d'atteindre les nuages. Un groupe qu'on attend au tournant donc et qu'on surveillera du coin de l'oreille. En tout cas, la première impression est plus que bonne et on a hâte de les revoir avec un set plus conséquent.

Ensuite monte sur scène le duo RAM, composé d'un guitariste chauve et d'un bassiste un peu moins chauve. J'ai déjà dis beaucoup de mal des duos guitare-batterie, mais je me dois de faire une autre exception ici. Tout d'abord, le groupe est à la recherche d'un bassiste, et il ne suffit que d'un brin d'imagination pour se dire que l'ajout d'une basse ne fera qu'améliorer le contenu déjà intéressant que propose le combo. Mais aussi, la qualité du son de guitare suffisait à faire oublier le manque de bassiste. Se trouver face à un guitariste qui travaille son son fait plaisir à entendre, surtout dans ce genre de formation. Le duo a su donc délivrer un cocktail détonnant de riffs noisy et pêchus mélangé à des ambiances plus planantes et plus post-rock. Pour pinailler, on notera toutefois un certain manque de structuration dans certaines transitions qui peuvent déstabiliser les moins adeptes du genre par leur côté abrupte et aléatoire. Une bonne découverte néanmoins et on espère qu'ils trouveront un bassiste pour compléter leur formation et creuser plus loin dans leur univers déjà bien établi.

Enfin, le concert se clos sur le set de You Freud Me Jane, power-trio noisy dont le nom fait référence à Mysterious Marnie de Alfred Hitchcock (merci au bassiste de Major Cooper de m'avoir indiqué cette référence). Un set énergique et franc du collier développant une facette plus catchy du noise-rock grâce au chant qui balance entre narration scandée et chœurs rageur presque screamo. Musicalement, le groupe combine avec maîtrise les éléments du noise des 80's et des 90's, en pêchant ses influences évidentes dans des groupes comme The Jesus Lizard ou Shellac... mais pas que. Dans l'intention et l'énergie développées, certains passagent m'auront fait penser à un Fugazi plus bruitiste et plus énervé, ce qui est loin de me déplaire. Un set efficace et captivant et un groupe que l'on vous recommande chaudement d'aller voir en concert. On conseil également l'écoute de leur EP Five Sex Events qui vous fera ressortir vos vieux albums de noise-rock.

So Was The Sun : By Far the Worst/In Memory of the Milk

Précédemment dans le printemps indé français, on vous parlait des sorties successives des opus de Blondstone et de Wonderflu. Aujourd’hui, c’est au tour du groupe picardo-parisien So Was The Sun de nous sortir son single composé des deux titres By Far the Worst et In Memory of the Milk. Pour sûre, c’est un matériel un peu plus maigre à se mettre sous la dent, mais le produit ne manque pas de consistance, loin de là.

By Far The Worst débute sur un basse batterie dont la simplicité et la couleur sonore rappellera à beaucoup des souvenirs de rock indépendant aux accents post-punk sauce 90's. Yummy. Ce sur quoi vient se poser une voix toute en maîtrise et en puissance, que je qualifierais de Chris-Chornellesque, non pas dans le timbre (quoique) ou l’ambitus, mais au moins dans l’intention et l’énergie véhiculée. Il ne reste plus qu’à la guitare de venir y mettre son grain de sel-poivre-poilu pour parachever le caractère catchy de la track. Une chanson efficace qui saura ravir par sa sobriété énergique et son rock mélodique. Je sais pas pour vous, mais moi ça m’a rappelé Audioslave.

Ensuite, In Memory of the Milk se veut plus calme, de par son riff presque “enfantin” et nostalgique. Mais ce n’est que pour mieux contraster avec la hargne du riff suivant qui vient nuancer le tout dans une formule qui a su faire ses preuves dans les 90’s : à savoir l’alternance entre des phases calmes et des phases plus agitées. Encore une fois, le trio saura imposer son univers par la sobriété de la production et la puissance qu’il dégage.

Lady Flint : Self-Titled

Dans la causerie de ce jour, on part dans le pays du pastaga, j’ai nommé Marseille. Bon, ceux qui me connaissent savent combien j’attends très peu de cette ville. Ai-je rien compris au charme du vieux port ? Sans doute. Ou était-ce la grève des éboueurs qui me laisse un souvenir nauséabond de la ville ? Va savoir. Mais s’il y a quelque chose dont j’attends pas grand chose en particulier, ce sont les duos guitare-batterie. J’avoue avoir du mal à comprendre l’élan qui pousse deux musiciens à vouloir copier des groupes comme les Black Keys sans grande ambition autre que celle de pouvoir dire “hé téma le zonblou H&M de rocker bébé !”. Et j’avoue ne rien comprendre à cet autre élan qui pousse des centaines de musiciens à vouloir jouer sans bassiste sans prendre la peine de travailler un son de guitare correctement. Peut-être que c’est le bassiste qui est en moi qui s’insurge. Ou peut-être que j’ai un problème avec la fainéantise musicale. Ou encore que je ne comprend rien à mes contemporains va savoir.

Bref, si je parle de tout ça c’est que justement je vais causer d’un duo guitare-batterie qui nous vient de Marseille. Sur le papier, c’est sans doute le dernier genre de chose que j’aurais envie de chroniquer. Et pourtant… C’est le bénéfice des idées préconçus, on est d’autant plus surpris (et ce agréablement) quand on vient les renverser. Le duo en question se nomme Lady Flint et a sorti en février un premier EP éponyme de 5 titres made in DIY. Ce qui m’a enchanté à la premier écoute, c’est sans doute le son de guitare. Entendre un guitariste qui a la présence d’esprit d’enclencher son octaver fait plaisir aux oreilles. Je veux dire, c’est quand même pas compliquer de travailler son son pour pallier au manque de basse non ? Et pourtant on serait surpris de voir des hordes d’apprentis-émules de Jack White oublier qu’une guitare à laquelle il manque des poiles ne peut faire que “grelin-grelin” et rendre le tout d’une platitude déconcertante. Ici, la production se veut simple et efficace, et pour cause c’est ce que l’on demande à un duo de ce genre (encore que, je pourrais vous parler du concert de AU qui a foutu une branlée monumentale à tous les duos de la planète… mais je digresse).

Hier soir, on vous parlait du dernier album de Blondstone et de leur desert grunge explosif. Aujourd’hui, on vous cause de Wonderflu et de leur nouvel EP. Groupe parisien de son état que j’avais découvert complètement au hasard au détour des internets, Wonderflu nous revient avec un opuscule plus court de 5 titres. Le souvenir que j’avais gardé de leur musique était celui d’un groupe frais, reniflant le rock aux accents pop des 90’s de Nada Surf et de Weezer. Ce nouvel EP, intitulé What’s Inside, renforce ce souvenir plaisant. On y retrouve la formule simple et efficace du groupe, bien que penchant plus du côté pop que l’opus précédent. Ce qui n’est en soi absolument pas un problème, et même, cet EP accompagnera votre printemps et le retour des beaux jours à merveille. Comme quoi, légèreté d’esprit ne rime pas avec compromission musicale. L’ensemble, autant dans la production que dans la composition possède une couleure tellement rétro 90’s qu’on ne tombe pas dans la simple nostalgie croulante, mais plutôt on se surprend à redécouvrir ces sensations de nonchalance et d’optimisme candide qui laissaient le futur totalement ouvert aux possibles. On regrettera l’aspect peut-être trop court de cet EP tant on reprendrait bien une petite tranche d’optimisme, mais bon, on ne peut pas tout avoir, et si j'ai appris une chose, c'est qu'il vaut mieux un EP court et maîtrisé de bout en bout qu'un album long truffé de morceaux moyens. Bref, on se trouve devant l'exemple typique d'un EP vraiment sympa qui ne demande qu'à être écouté et qui donne envie d'aller partager tout ça en concert. En attendant, What's Inside trouvera parfaitement ta place dans ta playlist de bringue et te donnera sûrement la force de vaincre ta timidité et d'inviter Stéphanie à boire un verre avec toi.

Maintenant, en parenthèse de conclusion (oui oui), j'aimerais parlé du magnifique outil développé par leur label : le band finder. Comme son nom l'indique, ce petit moteur de recherche permet de trouver des groupes. Il suffit d'entrer le genre de musique et la ville que l'on souhaite pour tomber sur une liste de divers groupes correspondant à ses critères. Ça ne paraît un peu con comme la Lune comme principe mais pensez-y : vous déménagez dans une nouvelle ville et vous voulez découvrir la scène locale ? BIM ! Vous en avez marre de vos groupes locaux et vous voulez vérifier si l'herbe est plus verte ailleurs ? RE-BIM ! (Et surtout) Vous avez un groupe et vous voulez organiser une tournée dans des villes que vous ne connaissez pas et vous voulez trouver des groupes avec qui jouer ? ET-BIM-DE-DER ! Bien sûr, quand on navigue un peu dans le "circuit" on peut très bien se débrouiller avec des associations, des tourneurs, des échanges de contact etc... mais justement, quoi de mieux que de directement échanger des contacts entre musiciens ?

Je pourrais prendre des pages et des pages de volumes sur l'indépendance pour expliquer en quoi c'est une bonne chose mais je vais résumer cela en quelques mots : le seul moyen de créer une véritable scène (que ce soit comme les punk de SoCal, l'école de Cambridge, le NY-HxC ou le Seattle Sound) c'est en faisant communiquer les groupes entre eux. C'est peut-être mes vieux réflexes proto-libertaro-communistes qui parlent mais quand les groupes mettent leur Ego de côté au profit de la coopération, cela donne des choses absolument merveilleuses : le partage de concerts, les split-albums, des labels indépendants, des collaborations artistiques collectives... bref tout ce qui peu ou prou sert de condition sine qua non à un mouvement artistique en bonne santé (cela vaut autant pour la musique que pour l'art en général, que ce soit en peinture ou en poésie). Je veux dire c'est simple : plus de voix = plus de bruit. Un groupe d'ados qui jouent vite dans un garage c'est juste une curiosité de voisinage, plusieurs garages qui font le même genre de bruit et qui échangent entre eux, c'est le germe d'un mouvement.

Blondstone : Mass Solace

Il y a peu, j'ai eu la joie de recevoir dans ma boîte aux lettres le dernier album du groupe nancéien Blondstone. Le trio, que j'ai eu la chance de pouvoir découvrir en concert l'an dernier au Royal (décidément) ainsi qu'au Quai'Son,a en effet enregistré une galette de 11 titres, et il me tardait de balancer mes oreilles là dessus.

Or donc, on chauffe les enceintes et on pose la galette en question dans le grille pain (oui je sais, je cuisine bizarrement). Ce qu'il faut savoir, c'est qu'en Lorraine, on a pu voir "émerger" une flopée de groupes naviguant sous les horizons du "stoner", ou plutôt pousser de façon anarchique comme des champignons. C'est bien simple, tu cognes dans un arbre et 10 groupes tombent (5 de stoner, et 5 de metalcore). Seulement, très souvent, les groupes en question ne proposent qu'un stoner sans grande ambition et qui tombent très vite dans le cliché de la guitare lourde et lente accordée plus bas parce que wallah-vas-y-on-est--trop-ténébreux-et-fâché alors que le résultat n'est qu'une piètre imitation de musique d'ambiance pour adolescents au cheveu gras fumant des joints... quelque part, le stoner a cette fâcheuse tendance à se réduire à un genre de reggae pour blancs... mais je digresse.

Tout ça pour dire que ce n'est pas le cas de Mass Solace. Et pour cause, le groupe se qualifie de "Desert Grunge", et j'avoue que cela résume plutôt bien l'intention du groupe. Il y a deux types de stoner (je grossis volontairement le trait vous l'aurez compris) : ceux qui tentent de faire des mauvais copier/coller de Electric Wizards ou de Kyuss, et ceux qui prennent la direction de QOTSA. Blondstone tomberait dans la deuxième catégorie. Que ce soit dans les gammes et les couleurs sonores utilisées, le trio emprunte au groupe de Josh Homme l'évocation de paysages désertiques et arides. Ainsi la guitare s'envole-t-elle aussi bien dans des mélodies octavées que dans des riffs incisifs et rock'n'roll, se perdant ça et là dans quelques delays et autres effets qui ajoutent leur petit grain de folie dans ce mélange explosif (c'est que le soleil, ça tape sur la tête). Le tout fusant sur un basse/batterie énergique de vieille locomotive métallique qui fait cramer le charbon dans la chaleur d'un fourneau de fonte. La voix n'a plus qu'à se poser en autant de mélodies efficaces, voire catchy pour parachever cet album à la cohérence irréprochable.

Blondstone nous propose donc avec Mass Solace un premier album de grande qualité qui ne manquera pas de vous faire remuer vos petits culs quand vous mettrez la galette à fond les ballons dans la stéréo de votre bagnole. En plus, les beaux jours revenant, Mass Solace se fait le compagnon évident de votre prochain road trip estival. Un album bourré de qualités donc, qui ne réinvente rien, mais qui a le mérite de poser les bases de l'univers musical du groupe avec une solidité et une cohérence qui force le respect. Mais ce ne doit être que logique quand on considère la maturité et le niveau musicales des bonhommes composant le groupe.

Pour pinailler, je dirais que l'album se finit de manière un peu trop abrupt. Au vu du potentiel explosif de certains morceaux, je m'attendais à quelque chose de plus épique... du coup, on remet l'album sur la première piste et on appuie sur start. De même, le style pêche peut-être par la maîtrise trop respectueuse des recettes que le groupe emploi, comme le fait d'alterner "couplet calme / refrain énervé / couplet calme avec variation / refrain énervé" que l'on retrouve dans tout groupe de grunge. Mais bien sûr je pinaille. Quand la musique est bonne comme ça, avec en plus un potentiel de fun en concert énorme (je pense à une chanson comme Oulala), on pardonne très vite ces "défauts" qui n'en sont pas vraiment, d'autant plus lorsqu'il s'agit d'un premier album. Du coup, on les attend au tournant pour la suite et on espère que le prochain opus nous mette une baffe encore plus grande.

Hier soir, nous sommes allés au Royal², comme à l’accoutumée,  pour nous abreuver de son et de picon. Les lyonnais de Zëro étaient en concert, et ne connaissant le groupe que de nom et de ce que j'avais écouté sur l'interweb, je peux affirmer que la découverte live fut tout bonnement splendide. Par ailleurs, je tiens à remercier le label Ici D'Ailleurs qui a eu la bonne idée de signer ces zinzins, ainsi que l'association Stylobrique qui a eu la riche idée d'organiser ce concert au Royal. J'ajouterai également que je ne cesse de m'étonner de la qualité du son que l'on peut avoir dans ce bar. Ca donnait fort et pas brouillon pour un sou (en même temps j'avais le caisson de basse dans les genoux, ça aide), avec un son solide qui enveloppe la salle et qui va apporter de la joie jusque dans la rue, là où les moins chanceux (i.e. les retardataires) ont dû profiter du spectacle. C'est que le bar est très souvent bondé lors des concerts, mais là, le rade était juste plein à craquer. Mon comparse n'a même pas pu entré. Bref, ça sentait la bonne ambiance rien que dans le pré-concert (et en général, quand on met Repeater de Fugazi en musique d'attente, c'est souvent gage de qualité et de bon goût).  

Or donc, hardi petit, s'extirpant du public, les quatre gaillards de Zëro entrent sur la piste. De la batterie, du synthétiseur analogique, de la guitare, et un bassiste/guitariste/chanteur gaucher qui joue sur des instruments droitier à l'envers. Une formule simple et concise comme je les aime. Musicalement, le groupe navigue sous une étiquette "post-rock-noisy" qui colle parfaitement à l'esprit de leur son. Quelque part, on se trouve devant ce que pourrait être les Jesus Lizard s'ils faisaient du post-rock. Car ce qui démarque clairement Zëro du reste du post-rock habituel, c'est que les bonhommes n'ont pas oublié que dans "post-rock", il y a "rock". Et le caillou a bien roulé ce soir là, tellement qu'il envoyait des graviers un peu partout, en nous éclatant la tronche au passage. Zëro en concert possède une force et un sens du "IN YOUR FACE" qui te prend par les pieds pour remonter jusque ton fondement. C'est une musique qui parle au corps, et le chanteur n'est que le berger qui nous guide dans l'univers sonore du groupe, nous appelant, nous invitant à monter dans le bateau psychédélique qui navigue sur les eaux tempétueuses d'un rock frénétique.

Zëro en concert, c'est une honnêteté, une franchise qui émane de musiciens expérimentés à milles lieux de toute facticité ou autre attitude calculé. Ils n'ont pas de shtick à proprement parlé, car la musique parle d'elle-même et pour elle. Cette attitude "no bullshit only music" est bien souvent la marque des bons musiciens, soucieux de délivrer une belle performance live où la musique prime avant tout. Et la réaction de l'audience aura été à la hauteur de cet esprit : chaleureuse et bienveillante, un public qui en redemande encore... On s'est pris une bonne claque et on les remercie pour ça. On est même prêt à tendre l'autre joue. Vous l'aurez compris, Zëro en concert, c'était vachement bien. J'ai souvent entendu que Lyon était comme la capitale du post-rock français, je ne sais pas si c'est vrai, mais les quatre types de Zëro pourraient bien en être la preuve. 

Fat Badgers, Fat EP, Fat Fonk.

Qu'on soit prévenu, les Fat Badgers contre-attaquent avec du gros. Souviendez-vous braves gens, je vous ai déjà parlé des gros blaireaux il y a de ça quelques temps, à propos de leur clip turbo-fonkisant. Du coup, c'est avec un nouvel EP que ces seigneurs de la Disco-miouzayk reviennent sonner au pavillon de nos oreilles.

Que dire de plus sur ce groupe que je n'ai pas déjà dit auparavant ? Pas grand chose en réalité, si ce n'est que cet EP n'est que la confirmation d'un talent déjà bien affirmé depuis longtemps. Du coup vous pouvez citer directement ce que j'avais dis dans l'article cité plus haut. The Fat Badgers, c'est un distributeur de groove qui te bitchslap le derche dès la première note. Je veux dire, encore quelques minutes avant d'écrire ce truc, j'étais d'humeur à balancer mon laptop par la fenêtre, et là, en réécoutant l'EP, je ne peux que m'empêcher d'oublier cette pulsion destructrice pour la remplacer par un irrépressible besoin de bouncer sur ma chaise de bureau.

Je rajouterai peut-être une chose, quant à la production de cet EP. The Fat EP est quelque part l'exemple même d'une indépendance vivace et triomphante. En effet, beaucoup sans doute pourront faire un parallèle entre cet EP grandement auto-produit et la machine à biffetons qu'est le dernier Daft Punk -- après tout, un mélange de funk-disco 70's avec des sonorités électroniques, c'est vrai qu'on est pas très loin. Seulement, là où je me suis fait littéralement chié à l'écoute de la dernière supercherie des bonhommes masqués, je prend un véritable plaisir à écouter et à réécouter ce petit EP de 4 pistes. On va dire tout de suite "who l'autre comment il y va, genre juste parce que c'est indépendant il fait caca sur les robots".

Et quelque part pourquoi pas ? Après tout, à quoi ça sert de débourser des millions de dollars dans une production pour qu'elle sonne comme une compilation de 76 de disco mal foutu alors qu'on peut très bien réaliser une synthèse du vieux et de l'actuel avec un budget indépendant ? Hein ? Alors ils sont où là les éternels mécontents qui vont crier leur haine de la production de masse dans les jours de galère et qui foncent acheter le dernier produit mainstream comme s'ils allaient à l'eucharistie ? Je l'ai déjà dis mille fois, la musique c'est aussi des valeurs. Et dans ce cas, lorsqu'un indépendant produit un artefact tout aussi voir plus efficace/ mieux foutu qu'une super-production, il faut la défendre et la mettre en avant (et pas vouloir remplacer les Daft Punk par une autre bouse commerciale... n'est-ce pas, Rachid Ferrache ?).

Une équipée sauvage. Voilà ce qu'on attendait à l'Autre Canal dimanche soir. Des cuirs, des motos, de l'huile de moteur et de la bière.

En guise de motards barbus, nous avons eu un publique relativement éclectique, avec du vieux, du moins vieux, du jeunot, du poilu, du métrosexuel, des madames, des gamines et quand mêmes quelques blousons noirs pour le folklore. C'est que la musique du Black Rebel Motorcycle Club est à l'image de son public : varié, contrasté, plein de nuances.

Arrivé en retard au cube rouge, on a un peu zappé les premières parties, mais le peu que nous avons pu entrevoir ne nous a pas trop emballé. Je veux dire, je commence à devenir allergique aux duos "rock" guitare-batterie. Qu'on se comprenne, le fait de vouloir se contraindre sciemment aux limites du duo ne dédouane pas du travail musical et sonore nécessaire à tout groupe. Et qu'on vienne pas me rebalancer l'argument du "ouais mais tu comprends pas, c'est trop l'esprit garage mec". C'est pas parce que les White Stripes ont réussi à imposer leur modèle de duo qu'il faut (mal) faire la même chose. Du coup on se retrouve bien souvent avec des sons de guitare aigrelets de poussin asthmatique ou des batteurs lançant des boucles sur ableton tapant comme des robots au métronome. Bon je m'emporte peut-être un peu, mais quand même, en septembre, on avait eu la chance de voir Lydia Lunch au TOTEM accompagné du Big Sexy Noise (un duo guitare-batterie justement). En live, on entend tout de suite la différence de travail : c'était gros, lourd, dans-ton-visage, et le manque de basse ne se faisait pas sentir. Peut-être est-ce le bassiste que je suis qui se révolte contre cette mode mais bon, si ça amuse les gens tant mieux pour eux moi je passe mon tour.

Du coup on boit des coups en attendant le main event. La salle est plutôt bien remplie, la lumière se tamise, les bonhommes en noir montent sur scène et démarre sur Let the day begin, issu de leur album de 2012, Specter at the Feast (album bien sympa, en passant). Je vous ferai pas le numéro du fan hardcore qui connaît tous les morceaux et qui suit le groupe sur toute ses dates tout simplement parce que je ne suis pas un fan hardcore de ce groupe. Comme tout le monde, j'ai le CD de leur album éponyme et je n'ai qu'une connaissance limité de tout leur répertoire, mais je suis loin de tout savoir.

Mon sentiment général quant à ce concert aura été un agréable contentement... même si je ne cache pas m'être posé quelques questions sur les conditions du live. Tout d'abord, le son était loin d'être vraiment bon, je veux dire, bien sûr le son de basse de Robert Levon Been est impressionnant dans sa façon de faire ronfler la distorsion, mais l'équilibre du tout manquait un tantinet de dynamique, voir de patate. Pourtant, le volume à son max arrivait à 103db (soit deux db en dessous de la limite légale française), mais la puissance n'était pas vraiment au rendez-vous... étrange... Mais surtout je me demandais si une SMAC était vraiment le meilleur endroit pour aller écouter en live le BRMC. Car si le nom du groupe évoque L'Equipée Sauvage avec Marlon Brando et Lee Marvin, sa musique quant à elle, l'évoque encore plus par son imagerie sonore. On s'imagine alors très bien les ambiances lourdes des bars de motards américains, où le groupe joue derrière un grillage et où des gros barbus se foutent des grosses mandales avant de boire des gros godets de bourbon. Disons que le romantisme du groupe contraste fortement avec le cadre aseptisé des salles modernes.

Mais ce ne sont là que des sentiments de rêveur qui sont loin de ternir le souvenir de ce concert qui était à la hauteur de mes espérances. J'y ai retrouvé ce que j'aime dans ce groupe : un subtil mélange de gaz d'échappement de harley emportant l'auditeur tour à tour autant dans l'excitation du rock bluesy que dans les vapeurs psychédéliques des sonorités shoegaziennes.

Un groupe à écouter donc, et à aller voir en concert assurément.

Kinkajous : electro-jazz londonien

Londres a pour réputation d'avoir toujours deux coups d'avance sur le reste de l'Europe en terme de mouvances et de modes musicales, notamment en musique électronique. Mais parfois, les anglais sont capables de pondre des électrons libres se démarquant des modes en question.

Kinkajous semble être un de ces groupes. Au croisement entre nu-jazz, electro et autres sonorités contemporaines, le premier morceau que nous propose les londoniens est à l'image des musiciens qui composent le groupe : une richesse tirée de la fusion, autant des influences que des esthétiques et de la diversité des timbres mises en jeu. Ainsi, si ce Bear of Paradise commence sur une note minimaliste rappelant l’œuvre d'un Steve Reich, on trouvera sur le pelage de cette ours des sons electro modernes ajoutant une touche d'acidité dans ce jazz maîtrisé.

Wolve / Sleepwalker : somnambulisme progressif

Aujourd'hui dans ma boîte aux lettres il y avait deux choses. De quoi faire la tronche, et de quoi se réjouir. La première lettre venait des impôts à payer, la deuxième était un petit colis de la part des parisiens de Wolve, groupe dont nous avions déjà parlé auparavant. Nous avons donc eu le plaisir de recevoir leur premier album et de pouvoir l'écouter dans son entier pour le chroniquer...

Et mâtin, qu'il est bon cet album !

L'album, intitulé Sleepwalker, nous propose de plonger dans un sommeil quelque peu agité, vagabondant quelque part entre le rêve et le tourment. Et quoi de mieux que les bras de Morphée pour porter les errances musicales d'une musique progressive à la narration tortueuse ? Ainsi, l'album s'ouvre-t-il sur ce que l'on pourrait prendre pour une berceuse, une tendre chanson folk invitant à la clôture des paupières, une sorte d'invitation au voyage en somme. Par ailleurs, je conseil vivement l'écoute de cet album au casque, comme tout bon album de rock progressif. En effet, il vaut mieux s'isoler complètement et se laisser porter par la musique, comme dans le silence de la nuit.

Mais cette berceuse ne nous endort que pour mieux nous réveiller de l'autre côté du miroir. Les morceaux suivants composant l'album (dont deux d'entre eux dépassent les 10min de lecture) se détachent radicalement de l'ambiance du premier : l'errance peut commencer. Le gros de l'album est donc un enchevêtrement de riffs tranchants et de plages à l'ambiance plus éthérée, respectant une narration musicale propre au genre, jetant la structure de la chanson pour lui préférer une structure plus complexe, plus erratique... mais non sans une certaine cohérence ! Car la musique de Wolve n'est pas le fait de musiciens ouvrant des tiroirs comme autant de prétextes pour étaler leur virtuosité technique (car les-dits musiciens sont bougrement doués). Au contraire, les divers changements et les coupures ne sont que les développements nécessaires à l'installation d'un climat, d'une ambiance, permettant l'émergence d'une histoire, d'une progression qui fait tout son sens.

On se laisse donc emporter au fil des différents environnements sonores dans lesquels Wolve nous invite. Ce premier album est un peu un tour du propriétaire de leur univers auquel ils nous convient. Wolve nous montre, par l'intermédiaire d'une suite de tableaux divers et variés, la collection de leur propre monde musical et de leurs influences qui ne se cachent pas. Le premier groupe auquel on pense est bien évidemment Porcupine Tree, influence que les membres du groupe ne peuvent pas renier. Mais on pourrait noter ça et là des touches de Radiohead, de Deftones ou de King Crimson (on notera la subtile utilisation du vocoder sur Ocean qui n'est pas sans rappeler certains morceaux de The Power to Believe du Crimson).

L'album se conclue sur une chanson folk, reprenant le ton de l'introduction, pour nous réveiller en douceur et boucler la boucle. Chanson folk qui d'ailleurs n'est pas sans rappeler, par son ambiance, certaines ballades de Radiohead telles que Exit Music (For a Film). La lecture s'arrête, on peut retourner au monde réel, non sans en être changé intérieurement. Car tout comme les différentes phases de sommeil et les structures chaotiques du rêve, la musique de Wolve est organique, progressive, et par là, en phase avec notre expérience réelle. Il ne s'agit pas de "parler de la vie", mais de nous offrir, au travers de l'abstraction musical, une tranche de vie, une expérience, un vécu, et de quoi renforcer son rapport au monde.

Pour conclure, on saluera donc le travail de titan et l'ambition de ce groupe parisien qui ne fait pas les choses à moitié, et qui se donne les moyens de proposer un album à la production léché et travaillé dans les moindres détails. Peut-être certains pourront être refroidis par le parti pris de la production, qui se veut peut-être trop lisse et trop riche. Et bien que les codes du genre soient tout à fait respecté et maîtrisé, les aficionados de musique progressive noteront sans doute le "manque d'originalité". Mais Wolve n'en est qu'à son premier album, et il me semble important de le saluer à sa juste valeur : un très bon premier album posant les bases d'un univers riche qui ne saurait se résumer en 6 pistes, aussi longues soient-elles. D'autant plus que l'on sent que les parisiens en ont sous le pied, et qu'ils pourraient très bien nous surprendre dans leurs efforts à venir. On attend donc la suite avec impatience.