Design Bowl

No sé de donde salió esta frase, si de uno de los libros que estoy leyendo o como una mezcolanza de conceptos que pidieron tener forma. Lo que me atrae de esta frase es la verdad absoluta que plantea para cualquier tipo de persona con lenguaje -con excepciones muy puntuales- ya que la metáfora es una herramienta que todos usamos ya sea consciente o inconscientemente.  

Joan Costa Y Daniel Raposo en La Rebelión de los Signos  describen al signo como la “unidad mínima de sentido”. El sistema del GameBoy tenía una unidad mínima de sentido al ser una pantalla, y todas las pantallas comparten esta misma unidad: el pixel. En muchos juegos el pixel era reutilizado casi en la misma trama para crear un elemento del juego completamente nuevo.

En un nivel una trama de píxeles formaban el mar en el horizonte en otro la misma trama se convertía en una constelación de estrellas. La unidad básica era la misma lo que cambiaba era el contexto, resignificando el signo.

10,000 años de relevancia

La resignificación del signo es algo que tarde o temprano ocurre porque el signo está atado al lenguaje y el lenguaje está mutando constantemente. A esta realización llegó un grupo de pensadores en Nuevo México, Estados Unidos, cuando se les dio la tarea de crear un signo que tendría que durar 10,000 años. En 1990, el gobierno federal invitó a un grupo de geólogos, lingüistas, astrofísicos, arquitectos, artistas y escritores al desierto de Nuevo México, para visitar la Planta Piloto de Aislamiento de Desechos. La planta es un depósito subterráneo de desechos radiactivos que en teoría resguardará la gente del exterior de los desechos altamente radiactivos que contiene, aún mucho después que cese su funcionamiento como instalación.

La tarea de este grupo multidisciplinario es crear un signo que mantenga alejada a las personas por 10,000 años, mucho después de que no haya nadie para restringir el acceso al lugar. Se puede leer más en detalle el proceso y el resultado del proyecto aquí. La parte que me gustaría enfocar es cuando intentar usar un símbolo y lenguaje para llegar a una solución. Carl Sagan sugirió utilizar el símbolo de la calavera con dos huesos cruzados para alejar a posibles visitantes.

 La calavera es el símbolo universal para veneno y peligro sin duda era la solución perfecta para el problema. ¿Verdad? Como descubrieron rápidamente este no era el caso, el símbolo de la calavera había tenido diferentes significados desde su concepción. El símbolo de la calavera comenzó, de hecho, como un símbolo de renacimiento durante la edad media, este símbolo era utilizado en pinturas y esculturas religiosas para referirse al renacimiento de Cristo. Siglos después los capitanes de barcos dibujaban este símbolo al lado de los nombres de los marineros que morían durante los viajes, así, asociándolo con la muerte. Los piratas tomaron el símbolo de la calavera con los huesos cruzados como bandera para instigar miedo a sus víctimas. En la década de 1940, el régimen Nazi lo adoptó para sus divisiones de cabezas de la muerte de la SS.  En los últimos años el símbolo de la calavera se puso de moda gracias a los medios masivos el símbolo se puede encontrar ahora en camisetas, mochilas, juguetes y hasta termos. La potencia del símbolo decayó mucho desde su creación. En última instancia la idea de usar lenguaje como herramienta de comunicación que perduraría por 10,000 años fue desechada.

Cualquier diseñador sénior que este leyendo este articulo sin duda puede imaginarse bastante bien la selección de clientes que un diseñador primerizo tiene a su disposición: start-ups y pymes.

Las necesidades de estos clientes son variadas pero he notado una necesidad recurrente: el diseño para no diseñadores. La necesidad de crear un subsistema dentro del sistema inicial que sea fácilmente entendible y accesible para no diseñadores (en muchos casos el mismo cliente).

Muchos diseñadores que están en la misma posición en la que me encuentro, al momento de escribir este artículo, se dan cuenta que sus clientes no solo necesitan un producto terminado sino una manera de poder continuar la producción de piezas, ya sean internas o externas, dentro del marco que el diseñador ha creado.

Esto implica una metodología que toma en cuenta la futura aplicación del diseño sacando al mismo diseñador fuera de la ecuación. Para dar un ejemplo sobre simplificado, es como crear una versión más compleja de un libro de colorear, las líneas están ahí pero es tu decisión si utilizas crayones, lápices, acrílico, marcadores u oleo para llenar el espacio.

La elaboración de este tipo de subsistema implica pensar no solo en el receptor del mensaje, sino también en el comunicador. Adaptar el diseño para comunicar efectivamente al público objetivo y facilitarle el uso al comunicador. Como ejemplo, se puede diseñar una serie de pósters que le hablen perfectamente al público seleccionado pero si el comunicador (cliente) no tiene forma de crear nuevos pósters para alimentar y sustentar la campaña que se creó, durante un buen tiempo, se está en cierto modo acortando la vida útil del diseño.

Diseñar un sistema para no diseñadores implica tener en cuenta:

La opción de reproducir y editar el contenido en software que es fácilmente accesible en cualquier computador. Ej. Microsoft Word, Power Point, Publisher.

Saber las limitaciones de los programas que el cliente va a utilizar.

Sabiendo las limitaciones, crear un lenguaje gráfico que pueda soportar ser editado múltiples veces.

Pensar cómo un no diseñador. Lo más importante es ponerse en los zapatos de alguien que jamás ha abierto Photoshop o escuchado la palabra tipografía en su vida.

Al comienzo estos dioses no tenían forma definida y solo estaban atados a elementos abstractos de la naturaleza, pero con el tiempo se les fueron agregando personalidades y su carácter icónico llegó  a ser igual que el de las mascotas actuales.  Uno de los ejemplos más importantes de esto es Amaterasu una de las diosas principales de la religión Shinto. Amaterasu es la diosa del sol, que con el tiempo pasó de ser representada por el sol a ser representada con forma humana, dándole atributos físicos y volviéndola un personaje  de alta carga simbólica. 

Uno de los primeros usos de personajes para la publicidad son las estatuas Tanuki. Basadas en el Perro Mapache japonés los Tanukis eran símbolos de buena suerte y se colocaban fuera de las tiendas o restaurantes para atraer clientes y traerle buena suerte al establecimiento.

Japón ha tenido personajes en su día a día por cientos de años, no es difícil de pensar que estos personajes que ya impregnaba varias partes de la cultura japonesa empezaran a ser utilizados con fines publicitarios.

Me encantaría que las mascotas tomaran un lugar más importante en la comunicación no infantil internacionalmente. ¿Estas nuevas oportunidades de comunicación son refrescantes y  porqué no intentar vender una mascota en tu próximo trabajo de diseño? 

Sabiendo esto ¿Cómo es que en Japón el uso de mascotas para cada aspecto del día a día es una práctica común y aceptada? En ninguna otra parte del mundo los diseñadores y publicistas consideran el uso de un personaje como primera opción cuando se quiere comunicar, por ejemplo, la identidad de un rascacielos o una nueva línea de aceite de sésamo.

Pipo-kun, es un excelente ejemplo de una mascota aplicada a una marca sin fines de lucro. En este caso, se trata de la Policía Metropolitana de Tokio la cual Pipo-Kun representa por medio de señales de tránsito, por televisión e incluso tiene su propia canción.

Pipo-Kun fue creado en los 80s y su nombre es una mezcla de las palabras “people” y “police” (las palabras para gente y policía en inglés). La antena en su cabeza demuestra que está bien informado sobre lo que ocurre a su alrededor.

Hikonyan es otro ejemplo de lo efectivas que son estas mascotas en la comunicación visual.  Hikonyan es la mascota creada para el aniversario número 400 del Castillo Hikone. El personaje causó un incremento de ¥ 1,700,000,000 (aproximadamente EE.UU. $ 21.000.000) en ganancias anuales entre ventas de recuerdos y visitas al castillo. La popularidad de la mascota es inmensa atrayendo visitantes de todas partes de Japón para ver el castillo y el show de Hikonyan que ocurre diariamente.

¿Porque Japón es tan susceptible a este tipo de comunicación y porque es tan prevalente?

Veremos esto en la parte 2. 

La crítica no debería ser algo que te llena de temor sino una parte integra del proceso de diseño. En gran parte me parece que el rechazo a la palabra viene de igual parte de personas que se apegan demasiado a su trabajo y gente que no sabe dar critica de manera correcta.

Esto es algo que siempre me pone consciente de mí mismo cuando me presentan el trabajo de alguien más. ¿Estoy dando la crítica que esta persona necesita? ¿Le ayude a ver algo diferente sobre su trabajo? 

Andy Mangold de “On The Grid” es docente de diseño e hizo pública una lista de pautas para hacer críticas dentro de clase. Coloco aquí algunos puntos traducidos que resonaron conmigo:

“Sólo ofrecer una crítica en el contexto de la intención del proyecto. No dar crítica sin antes hacer preguntas sobre el objetivo de la pieza.

Observaciones objetivas, como la apariencia de la obra, como hace que te sientas, o se diferencia de los otros trabajos en la pared, etc. son tan valiosas como la crítica y son válidos con o sin contexto.

Habla acerca de si o no las decisiones específicas tienen éxito o fracasan en el logro de los resultados deseados. Trata de evitar el gusto personal ("me gusta" o "no me gusta") y los juicios de valor ('Esto es bueno' o 'Esto es malo ") siempre que sea posible.

Decir "yo habría hecho ..." o "Me gustaría probar ..." no es una crítica adecuada. Reconocer que lo que harías dado el mismo problema no es una retroalimentación pertinente o útil.”

Texto original aquí<<

He puesto a prueba estos principios con resultados por lo general satisfactorios. Dar crítica inteligente es sin duda importante, pero recibir crítica es igual de importante. Especialmente cuando esa crítica proviene de un docente, la capacidad de analizar si lo que te está diciendo el docente y si  su crítica es válida o no (independientemente del ego) es una habilidad que cualquier diseñador debe afilar. El docente no siempre sabe dar critica que te beneficie, por lo general, cuando un docente te pide un cambio en el diseño sin explicar porque, me he dado cuenta que está haciendo una instancia del  “yo habría hecho ..." o "Me gustaría probar ..." sin explícitamente vocalizarlo (me parece valido aclarar que esto se aplica también a tus compañeros).

Este tipo de crítica no ayuda al receptor a llegar a una conclusión propia, solo te dice que lo que hiciste está incorrecto sin saber elaborar porque. Tener tu propio criterio es imperativo para poder recibir este tipo de crítica y no solo rechazarla si no abordar al docente y su decisión para poder llegar a una crítica inteligente.

La respuesta más simple que puedo encontrar y que ha sido corroborada por algunos docentes bajo los cuales he estudiado es “el diseño sirve para mejorar la vida de las personas”. Ya sea una señal de transito más legible hasta un app que te permita conocer los mejores restaurantes veganos para almorzar cerca de donde estés. Lo que me insatisface acerca de esta definición es lo general que es, tranquilamente podría aaplicarla a cualquier profesión y encajaría perfectamente.

Diseño es un afiche, un app, una señal de tránsito, una silla, un rascacielos, diseño puede ser muchas cosas a la vez y nada de esto. Generalmente solo vemos la forma final que toma el diseño. Hoy escuchando el podcast de diseño Through Process por Namdev Hardisty y Mitch Goldstein uno de ellos dijo una frase que me pareció bastante interesante: “Design is not a noun it’s a verb. El diseño no es sustantivo, es un verbo”. Esta frase se refiere al proceso de diseño como parte del producto final. Es la idea de que no estas creando un resultado  final, en ves estas creando un proceso hecho a medida para llegar a ese resultado. La frase resonó mucho conmigo y en parte, para mí, es la razón por la que definir que es diseño es tan difícil. El diseño no es esta única cosa tangible es un proceso siempre en movimiento que cambia y se adapta con cada proyecto.

Después de escribir esta primera entrada al blog todavía no tengo una definición concreta, pero definitivamente tengo un mejor entendimiento de lo que implica definir el diseño.

¿Ustedes que opinan?  ¿Tienen una definición propia?