CineDeception

Vamos a criticar a DC, vamos a criticar a Pattinson por “Twilight” todo esto sin haber visto la película, de ahí se puede partir en diferentes rumbos, Warner y DC se retan una vez más para poner un nuevo Batman en la pantalla grande y para variar salir bien librados.

Matt Reeves tenía una labor difícil por un lado el personaje fue vapuleado entre “tengo fe Alfred fe!” Y Martha, más de 1 había perdido las ganas de ver de nuevo a este icono de los cómics en las salas de cine, de ahí el primer acierto, aquí no hay secuencias en cámara lenta remembrando aquel trágico momento que marcó la vida y el futuro de Bruce Wayne y la verdad es que se agradece. Reeves pone un Wayne que seguro sacó de “Year One” pero que importa si no lo leíste esta versión tiene su propia identidad, así de manera natural uno a uno los personajes entran a escena, Kyle pierde su carácter accesorio y toma peso dentro de la historia, un Colin Ferrell que se reivindica como actor y Paul Dano cierra esta trama de manera importante.

En esta ocasión nos presentan un Batman aún más obscuro y no hablando del paisaje, sin comparar los Nolan y Goyer lo rompieron emocional y mentalmente, aquí ya lo vemos roto y solo descendiendo más, un perturbado Wayne que solo atañe a que su misión sea casi suicida, habrá quien diga que mucho de este Batman se tomó muchas cosas prestadas de “Seven” y “Zodiac”, pero aparte del obvio guiño a “Long halloween” esta aventura del encapotado también es cercana a la exitosa “corte de los búhos” y lo importante es cómo se conjuga todo en el guion y funciona bien, tenemos una versión del héroe que homenajea al de los cómics pero funciona en la pantalla. Tal vez el error más importante del director sean sus muchos “close-up” y que el patone no pasa del sepia y los obscuros, pero se compensa con un guion bien estructurado y una historia que envuelve a pesar de su duración.

Vamos a criticar a DC, vamos a criticar a Pattinson por “Twilight” todo esto sin haber visto la película, de ahí se puede partir en diferentes rumbos, Warner y DC se retan una vez más para poner un nuevo Batman en la pantalla grande y para variar salir bien librados.

Matt Reeves tenía una labor difícil por un lado el personaje fue vapuleado entre “tengo fe Alfred fe!” Y Martha, más de 1 había perdido las ganas de ver de nuevo a este icono de los cómics en las salas de cine, de ahí el primer acierto, aquí no hay secuencias en cámara lenta remembrando aquel trágico momento que marcó la vida y el futuro de Bruce Wayne y la verdad es que se agradece. Reeves pone un Wayne que seguro sacó de “Year One” pero que importa si no lo leíste esta versión tiene su propia identidad, así de manera natural uno a uno los personajes entran a escena, Kyle pierde su carácter accesorio y toma peso dentro de la historia, un Colin Ferrell que se reivindica como actor y Paul Dano cierra esta trama de manera importante.

En esta ocasión nos presentan un Batman aún más obscuro y no hablando del paisaje, sin comparar los Nolan y Goyer lo rompieron emocional y mentalmente, aquí ya lo vemos roto y solo descendiendo más, un perturbado Wayne que solo atañe a que su misión sea casi suicida, habrá quien diga que mucho de este Batman se tomó muchas cosas prestadas de “Seven” y “Zodiac”, pero aparte del obvio guiño a “Long halloween” esta aventura del encapotado también es cercana a la exitosa “corte de los búhos” y lo importante es cómo se conjuga todo en el guion y funciona bien, tenemos una versión del héroe que homenajea al de los cómics pero funciona en la pantalla. Tal vez el error más importante del director sean sus muchos “close-up” y que el patone no pasa del sepia y los obscuros, pero se compensa con un guion bien estructurado y una historia que envuelve a pesar de su duración.

Marvel tiene 8 años replicando formulas y amontonando personajes en una y otra película, por lo cual era de esperarse que esto fuera otro “Infinity war” y no pasara mucho porque teníamos que ver “End game” para sorpresa esto esta lo más lejos posible del estilo Marvel y de los fallidos intentos de Snyder, que como han estado las cosas estos dos años en las salas ya es decir bastante.

Jon Watts es un villano clásico de la casa roja, una insípida “homecoming” y una atropellada “far from home” no daban las mejores señales cuando se develo que la tercera seria “no way home”, hasta aquí todo claro ¿no? Pues por eso es más sorpresiva esta última, tal vez y solo tal vez el problema no era Watts sino el equipo de escritores y el cínico de Kevin Fiege que le ha visto como volverse el imprescindible de Disney para los Marvel studios, pero ya basta de los villanos reales pasemos a los de la pantalla, Alfred Molina ya era un entrañable Doc Ock en la segunda entrega de Rami, tal vez el mejor villano de esa saga, Dafoe por su parte vuelve como el duende verde que está a la altura, gran villano y una vez más nos demuestra su gran rango actoral, Jamie Foxx más discreto pero no malo se desenvuelve mejor que en su anterior aparición. Thomas Haden Church fue de los pocos donde ya sabíamos su origen, pero este es un gran punto para esta entrega, a diferencia de la gran mayoría de películas de este universo por fin no se desperdicia ningún enemigo y Thanos no cuenta porque salió en 3 cintas. Rhys Ifans completa este grupo de sinestros que si bien no están inspirados en los de las viñetas funcionan para esta historia, en algún punto de esta se ve muy claro que además de los problemas de narrativa el casting del cual solo resaltaba Favreu.

Holland pasa una vez más por los chistes fáciles pero entre las desavenencias de ser adolescente y los momentos de torpeza deja momentos muy al estilo del agradable vecino y amigo de los comics, eso lo reivindica un poco de todo lo visto anteriormente, se ve un Peter tratando de madurar, esta ocasión el personaje si bien aún vive un duelo por las pérdidas las confronta y trata de sacar el mejor partido un poco haciendo guiños a lo que y habíamos visto en la saga original, esta serie de elementos más el factor sorpresa y todo el hermetismo logran hacer una buena película.

Netflix nos trae “Oxigen” cinta del francés Alexandre Aja con Mélanie Laurent como protagonista, la apuesta aquí es un monologo centrado en un único personaje, que si bien es una labor dura tanto el director como la protagonista logran llevar a cabo, lejos de ser una narración tediosa y abrumadora mantiene el punto de tensión desde la nimiedad del hombre en este basto universo, de ahí se desenvuelven una serie de desavenencias que ponen al límite a la protagonista todo esto acompañado con un discurso del hombre y el espacio, desde el gran Kubrick hasta el impresentable Cruise estas andanzas del hombre contra el vacío del espacio recurre a los miedos más primarios, Liz despierta en soledad, desorientada y con todo en contra, dentro de su lucha ella se conoce más a sí misma y se cuestiona sus decisiones pasadas, esto mientras un reloj corre para acabar con ella.

Sea el motivo que sea el director recurre a ideas prácticas, replica discursos que ya hemos visto en otras temporalidades y juega con el espectador a modo que el tiempo para el público no es un factor mientras que para la trama poco a poco se va volviendo todo, Liz mantiene la tensión de la historia mientras sus interacciones con los demás se vuelven confusas y erráticas mientras esto transcurre su mente va aumentando el juego de sus ideas, un gran valor de esta película es que en ningún momento se desvirtúa de su trama principal si bien los complementos no son muchos solo sirven para ir armando el rompecabezas en el que se encuentra la protagonista, a modo que llegan al último acto con el suspenso contenido pero bien llevado.

El baile de los 41 fue un escándalo de le gobierno de Porfirio Díaz último dictador que tuvo México, tomando en consideración la represión que se ejercía en la sociedad mexicana, era entendible que los grupos de hombres con otra orientación sexual vivieran escondidos. Con ese contexto comienza esta historia Ignacio se une en matrimonio con Amada hija del presidente Díaz, se establece que el contexto social siempre va jugar con los personajes, de ahí se parte en una serie de andanzas del joven marido interpretado por Alfonso Herrera, quien bien se desempeña en la historia, Mabel Cadena reinterpreta a la típica mujer abnegada de la época, pero que se va desenvolviendo y creciendo con forme avanza esta cinta.

La historia logra ser lo incomoda que puede ser, cruda desde la perspectiva del protagonista, pero que a momentos cae en el melodrama típico mexicano, dentro de esa flaqueza el filme pierde ritmo en ciertos momentos y ese puede ser un punto en su contra llega a ser lenta y tediosa, mientras los protagonistas entran en un vaivén de situaciones de pareja que se contraponen con la clásica imagen de un matrimonio, el guion hace su parte con diálogos sagaces y punzantes que critican los estándares de la sociedad, Ignacio lidia con un sinfín de cosas hasta el punto más álgido de esta historia con la figura presidencial que le persigue sin perseguirlo.

El Dorama nace en oriente, una mezcla de la serie norteamericana y el drama de las telenovelas mexicanas bajo esta narrativa innumerables Doramas han visto su éxito traspasar los límites de Asia, “Minari” aborda esta forma de contar una historia y nos aproxima a un drama asiático en medio de los Estados Unidos. La cinta transcurre en la gran estabilidad de Ronald Reagan y para hacer memoria historia fue una época de mucha prosperidad en ese país, no había una guerra, la economía era estable y se consolidaba “el sueño americano” ahí vemos a esta singular familia nuclear, mamá, papá, hija e hijo, algo que le debemos agradecer a la pandemia es que dejamos de voltear a ver las grandes producciones y pusimos la mirada en estas historias.

La familia emprende una aventura por el midwest norteamericano, Jacob sorteando su suerte lleva a la familia a un gran campo abierto para poder así llevar acabo su cometido, la historia parece sencilla pero a medida que se va desarrollando el espectador va empatizando más con esta familia, aunado a esta aventura la abuela entra en escena una abuela incómoda e incómodante, mientras vemos el drama familiar llegar a su punto álgido. En esta historia si bien vemos representada a la típica familia vemos algunas observaciones afiladas sobre la convivencia familiar, el dogma y las costumbres, a resaltar el pequeño David y la abuela que sin sentir se vuelven los protagonistas en una relación peculiar nieto-abuela.

En un mundo como en el que actualmente vivimos es inherente pensar en la fragilidad del humano, un proceso de evolución nos tiene viviendo en las condiciones actuales, la comodidad y la estabilidad hacen que olvidemos en ocasiones que aún somos pequeños vulnerables ante la naturaleza y ante nuestra propia naturaleza de hombres.

El padre es una narración que nos recuerda nuestra fragilidad, una remembranza de por qué las primeras civilizaciones veneraban y respetaban a los más grandes, dentro de esta trama encontramos todo tipo de emociones, mientras vemos cómo Anthony poco a poco entiende menos el mundo.

Frances McDormand y Anthony Hopkins nos llevan a través de un ejercicio actoral típico del teatro, espacios pequeños con grandes diálogos, Hopkins nos muestra como una persona se va derruyendo en nuestro entendimiento de cómo una se desenvuelve en la sociedad, pero no es más que el inevitable paso de la vida, mientras McDormand lo trata de sostener emocionalmente, todo en un espacio reducido, mientras el tiempo se distorsiona, y ambos se acompañan en el camino de la vejez.

Si bien es cierto que desde los fósiles más antiguos el hombre ha convivido en tribu, también diferentes ramas de la ciencia han puesto al hombre que vivía apartado si bien la supervivencia en aquellas tempranas épocas de la sociedad como la conocemos la supervivencia estaba a merced de los elementos. La depresión un tema recurrente durante los últimos años podría ser el punto de partida de la protagonista, pero a razón de que se va desenvolviendo ella en la historia se comienza a entender que es un viaje más de introspección que una interpretación del padecimiento.

Hollywood ha sido la meca del cine los últimos 100 años y aunque no siempre sea de la mejor calidad, es un referente o por sus grandes producciones, por sus grandes historias o por lograr mantener la ilusión de otros mundos donde la realidad es superada, aunque también existan esos claros oscuros donde el cine es más una excusa para los excesos que para contarnos grandes historias.

El controvertido Fred Durst nos plantea una historia del otro lado de Hollywood ese lado sombrío y turbio del que a la industria no le gusta admitir que existe, ese de los excesos del que poco se admite pero en que se ha hablado hasta de canibalismo.

Moose un entusiasta del séptimo arte es un pequeño personaje dentro del paisaje un hombre con claros problemas que aunque optimista es sabedor del mundo al que se enfrenta, historias cómo estás varias desde “atracción fatal” hasta el éxito más reciente “Joker” aquí el director enfrenta un problema que se ve claro, la falta de desarrollo del protagonista, causas probables muchas, pero eso no limita al genial John Travolta que nos entrega a un personaje que aunque controvertido llega a ser enternecedor, Devon Sawa idealizado como Hunter Dunbar pasa desapercibido hasta el clímax de la historia, como ejercicio actoral es un buen trabajo, pero todo a cuestas de Travolta y Sawa, aunque logra su cometido de tener contrapesos en la historia.

La industria cinematográfica ha lo largo de los años fue creando sus referentes, los monstruos, las historias eternas y los grandes de los efectos especiales, ahí nacen nuestros protagonistas, durante el último año Godzilla volvió a ser ese icono de la cultura pop japonesa, los nipones orgullosos de sus kaiju lo han vuelto parte de su memoria iconografía, por el otro lado King Kong una figura controvertida del cine estadounidense ha sido humanizado a lo largo de los últimos años.

Godzilla ha sido favorecido en sus últimas incursiones a la pantalla grande, por lo bien contadas que han sido sus historias, por su parte Kong ha sido más discreto pero no menos bueno. Así llegamos al enfrentamiento de estos dos titanes en la era digital y de los efectos especiales, en este particular punto tanto el lagarto como el gorila salen bien librados. Siendo honestos ¿había que dar una gran explicación de por que estos dos tendrían que enfrentarse? En los últimos años otros personajes se han enfrentado básicamente por que los estudios pueden enfrentarlos, así qué querer buscar grandes argumentos para enfrentar a estos dos sobran. Hace unos años la queja con la cinta de Godzilla fue la poca relevancia de los personajes humanos, pero ¿alguien realmente le importa? Milllie Bobby Brown está por qué está de moda, los demás están para que funcione la historia, pero si fuera otro elenco no habría mayor problema.

Habiendo leído DC de toda la vida uno entiende ciertas cosas, cuando DC planteó la idea de un universo compartido tuvo a Nolan y Goyer detrás de Zack Snyder el cual hizo un Superman diferente pero no malo se exploró una faceta que habíamos visto en “Smallville”, el lado humano. Su BatmanvSuperman fue terriblemente planteada, escenas cortas, símbolos y subtramas inconexos tomando las tal vez más importantes historias tanto de Batman como de Superman en las viñetas, la versión extendida atroz, siguió presentando los mismos errores, que no explicaban mucho que aun así hacían inconexa, de Justice League se vio una postura rara de WB y DC extraña y en el corte se ve claramente quien editó que, quien grabo que y el público continuo sin entender que reshoots no es volver a volver a realizar la cinta o escribir un nuevo guion y aunque eso no la hace buena tampoco hace mejor el trabajo de Snyder en DC.

Zack Snyder tuvo una buena presentación con  “Dawn of the dead” pero siempre ha mostrado que su creatividad está en lo visual y no en lo escrito, ejemplos varios, aquí es cuando uno siempre va a discrepar, el problema viene cuando el propio Snyder dice que su “BatmanvSuperman es de culto”(sic) de DC son de culto.

Así llegamos al Snyder cut, sinuoso, polémico, cuestionado y HBO Max habido de más suscriptores, si bien este corte es la idea original del director cabe recalcar que toma escenas y referencias de sus entregas pasadas, por fin entiende lo que ya había logrado al inicio de este universo o tierra paralela, por qué siendo honestos lo mejor que había entregado era “Man of steel” tenemos una primera hora lenta como BarmanvSuperman, pero a diferencia de aquella ocasión Snyder va tomándose tiempo(que en 4 hrs le sobra) para explicar bien a dónde quiere llegar. Siendo justos la polémica con Ray Fisher es entendida ahora Snyder le pone tiempo en pantalla para que el público empatice con Cyborg aunque esto no lo haga mejor presenta bien al personaje, trascienden algunas cosas con personajes secundarios que en realidad poco aportan a la historia principal.

Cabe resaltar que se dio tiempo para detallar a Steppenwolf y aunque sigue habiendo escenas en las que los efectos no se ven tan especiales pasan desapercibidos esta vez, Zack Snyder tiene un par de momentos brillantes con Superman al estilo de “Man of steel” y Flash que viene a ser el punto más alto en la gran secuencia de los superhéroes mientras Batman y Wonder Woman con un carácter más accesorio pero que le siguen siendo el peso de este grupo de súper héroes.

Un hecho innegable es que existen dos Estados Unidos el de los libros y las historias de libertad y el cruel y vil que nos demuestra la realidad en el día a día, si bien es un país de contrastes como todos lo que provoca discursa es cómo estás dos realidades se enfrentan desde hace siglos.

Daniel Kaluya se arriesga en este proyecto por que es un reto actoral un hombre joven y sencillo apegado a su fe que invita una chica a cenar, esa es toda la premisa. Desde los primeros instantes se nos muestra una realidad con la que conviven las minorías dentro de los Estados Unidos y con esto viene una sucesión de eventos que llevan a los protagonistas a situaciones que los confrontan con sus normas y forma de ser, un argumento con el que juega toda la historia es la moralidad por un lado vemos a estos protagonistas tratando de salir airosos y por el otro un nación que a más de 155 años de abolición de la esclavitud sigue segregando y viendo con superioridad a aquellos que no se les parecen.

Slim confundido y desorientado sigue a Queen sin poder mirar atrás mientras una guerra se esmera por alcanzarlos, hay grandes tomas desde la estrechez de la cabina de un auto, pero una gran labor técnica. Cabe resaltar que el gran valor de este filme recae en sus protagonistas por ellos son los que nos van contado esta historia con su interpretación.

Durante las últimas décadas una creciente tendencia a movido a las masas a alejar los horrores de la Segunda Guerra Mundial de los libros de historia, en algunas jurisdicciones a procedido en otras aún no y por eso el aporte de este largometraje es relevante, ningún conflicto bélico es bueno los honores para los militares es más por el valor de su supervivencia que el de las bajas que provocaron por que siempre el instinto de sobrevivir será el más fuerte en cualquier ser humano.

El capitán krause es un marino con la experiencia en años de entrenamiento pero que nunca a enfrentado a su suerte en mar abierto, este planteamiento es donde inicia esta historia vemos a un Tom Hanks a punto de inmiscuirse en una de sus historias más fraternales y hay que entender el contexto que desde aquí nos irá narrando.

Un punto muy importante es todo el trabajo técnico que se logra desde la pequeña cabina del barco con movimientos agresivos se va atrapando al espectador que poco a poco empatiza con los tripulantes del Greyhound, vamos conociendo a cada uno de los hombres que mantienen el barco a flote. Lo técnico del lenguaje utilizado realza la tensión y el suspenso que va desarrollando la ruta el juego del día y la noche con la iluminación adecuada va agregando más al ambiente todo esto mientras el capitán Krause y sus hombres enfrentan a ciegas a un puñado de submarinos alemanes.

Hanks por su parte y aunque ya lo hemos visto en otras historias similares desarrolla a su personaje como un hombre de fe que mantiene el temple durante todos los ataques, sin olvidar ese elemento humano de súper vivencia. En alguna parte de la película esto le es recalcado al espectador sin caer en las exageraciones, la historia sacada del libro de C.S Foster es bien adaptada.

Ha pasado mucho tiempo desde que se visitó una sala de cine y en todo este tiempo se a cuestionado más de una vez hacia donde va la humanidad el covid sacudió nuestra realidad como lo que siempre trata de hacer Christopher Nolan con sus historias.

Tenet es una versión más de Nolan, bien se ha dicho en otras ocasiones comprender a cabalidad lo que nos quiere contar a veces es complicado, así esta historia el director hace una historia complicada llena de giros y revés donde centra al protagonista y pone a prueba la atención tanto del espectador como del protagonista labor loable desde una época donde el tiempo promedio de atención a una pantalla no rebasa los 15 segundos.

Aquí podemos ver a un John David Washington llevando su labor histrionica hacia un rumbo donde el drama es la tónica de toda la cinta y donde el es llevado y lleva la narrativa, es claro que la idea tanto del director como del reparto es no dejar nada tan claro para el público, Robert Pattinson aparece por que su introducción es poco clara, hace las veces de un secuaz como de un guía, pero en todas sus apariciones no pasa desapercibido a tal punto que en alguna parte del filme pareciera que es el quien protagoniza, Michael Caine por otro lado es un gusto adquirido por Nolan su participación es pequeña y sustancial sin nada que probar, Elizabeth Debicki no es una damisela en apuros pero a medida que se va desarrollando la trama su personaje va tomando más fuerza y logra ser crucial.

Visualmente si a alguien no se le puede reclamar algo es a Nolan, todas las secuencias y movimientos de cámara son justificados, las escenas de cámara en mano ayudan a crear este ambiente de confusión en el que se va desenvolviendo la narrativa aunque conserva algunos vicios de sus días dirigiendo la trilogía de Batman.

“Usted está pensando fuera de la cubeta” todavía recuerdo la primera vez que vi a Les luthiers, una tarde de desquehacerado adolescente, “le nuits de paris” presentado por Marcos Mundstock un hombre de buen vestir y lenguaje impecable que distraía al público con juegos de palabras y atinados comentarios.

Entre sus intervenciones que recuerdo con más claridad está una brillante introducción de “quien conociera a maria amaría a maria” pero más allá de su prolífica pluma el maestro Mundstock era un comediante en toda la extensión de la palabra cabe recordar la rutina de “Esther piscore” que junto a Daniel Rabinovich son citas requeridas dentro del repertorio de Les Luthiers.

Mundstock dejó el mundo terrenal, pero su obra nos recordará al hombre que reclamó a la RAE habiendo ya recibido el premio príncipe de Asturias, al hombre que junto con un grupo de amigos revolucionó la forma de hacer comedia en el mundo hispano hablante, un caballero sobrio y cabal que con un smoking bien planchado, una carpeta roja y un micrófono nos dio risas y alegrías por más de 50 años.

El 26 de marzo de 1827 Ludwig van Beethoven fallecía después de una vida de batallas internas, el compositor alemán además de romper los esquemas del romanticismo estableció nuevos parámetros y volvió al compositor un artista, se alejó de la etiqueta de trabajador y vivió bajo sus propios términos.

Si bien “mi amada inmortal” romántiza muchos aspectos de la vida del compositor mantiene grandes aspectos técnico e histrionicos, como obra biográfica carece de valor completamente pero enfoquémonos en esa versión de Beethoven. Gary Oldman una prominente estrella británica había destacado ya dentro del cine, pero aquí vemos cómo empezó a desarrollar su propio estilo, su versión del compositor sobria pero firme nos mostró un hombre de muchas facetas, el Beethoven del que se hablaba en las calles de Viena, el compositor que increpaba a la aristocracia del imperio y la persona que luchó contra su condición desde muy temprana edad.

Parte de esta historia la complementan las mujeres con las que convivió durante su etapa de adulto joven, el guion nos lleva por momentos claves de la vida de Ludwig, como aquel concierto donde la sociedad descubrió su condición, los claroscuros de la vida son manejados con gran ritmo la historia no se apresurada y llega al momento cumbre sin que el espectador lo sienta, después de un par de horas y varias inconsistencias históricas Ludwig van Beethoven se consagra con la presentación de su novena sinfonía.

“Mi amada inmortal” presenta una historia sin intenciones más que de mostrar a un Ludwig como el hombre que era, un compositor con problemas de audición y que trató de ocultarlo a toda costa mientras trataba de consagrar su obra.

Sega fue el único competidor de Nintendo por años, su insignia? Un erizo azul que solo iba hacia adelante, después de algún tiempo Sega tuvo que parar un poco y en un acto de lucidez se unieron a Nintendo, el siguiente paso fue ver a Sonic compitiendo contra Mario y el siguiente paso fue contarnos un origen para el erizo azul.

Sonic básicamente era un juego lineal, su origen se contó durante los 90’s sin que tuviera relevancia, a duras penas logró mantener a la compañía y el primer acierto de esta cinta es contar el origen del protagonista, la forma es de mucho valor tiene un formato de cinta de las décadas pasadas, concreta y concisa con su tajo de acción.