Casa

Por Anna Tusell, escenógrafa y vestuarista de Casa

“La realidad, mejora mi imaginación”. Este ha sido mi lema a lo largo de todo el proceso creativo de Casa, tanto en lo referente al espacio escénico como al vestuario.

Ha sido mi primera incursión en el teatro documental, lo que ha hecho replantearme muchas de los hábitos de trabajo adquiridos a lo largo de los años: el contexto es diferente al del teatro convencional, ya que en este caso se trata de intérpretes que sirven como vehículos del testimonio de personas reales.

          Así como los intérpretes han tenido que ser fieles no sólo al  texto de las transcripciones, sino  incluso a los más leves matices de voz de las personas a las que dan voz, en mi caso, en lugar de buscar una pieza de mobiliario atendiendo al  contexto histórico, o con fines dramáticos o a criterios meramente estéticos, he podido preguntarle a la propia persona cómo es la silla en la que se sienta o con qué prenda de ropa se siente más identificada.

          Este enfoque por parte de Lucía, este respeto por la persona representada, que dignifica al personaje, debía ser trasladado también a la elección del vestuario o el mobiliario, aunque en algún caso pudiera implicar elegir una silla menos apropiada estéticamente, o una prenda menos acorde en términos puramente teatrales. Ha sido por tanto un proceso creativo inusual, pero también muy motivador. Al derribarse la barrera del texto como una herramienta de pura creación y trabajarse desde testimonios reales, se conecta con esas historias en un plano emocional, tanto en el proceso de creación como -espero que también- en el resultado.

   El hecho de que estas personas hayan compartido sus historias de forma tan íntima y generosa, impone una enorme responsabilidad a todos los que hemos trabajado a partir de este material, y esta responsabilidad, nos obligaba a ser fieles a la realidad y a los personajes de cada historia, pero no por ello debía suponer freno para construir también una estética coherente que configurara el universo de Casa.

             Dentro de todo este proceso creativo, conocer a las personas que iban a ser representadas en la primera lectura del texto fue muy emocionante y enriquecedor. Poder hablar con ellos, observarles y tener la oportunidad en algunos casos de mantener la comunicación durante el proceso, me ha situado en una posición muy distinta como creadora.

   Esta manera de trabajar desde la realidad, desde lo concreto de la persona, te hace reflexionar sobre ciertos estereotipos que frecuentemente manejamos a la hora de escoger vestuario, quizá con la pretensión de que el espectador pueda contextualizar fácilmente, pero que pueden empobrecer la construcción de los personajes.

         Por otro lado, Lucía quería que el escenario no estuviera aforado, de manera que todos los objetos y prendas estuvieran a vista de público.

       Lo que a priori parecía una dificultad, debido a la gran cantidad de objetos y prendas de procedencias y estilos tan diversos, acabó por convertirse en una de las ideas principales del espacio. Creamos unos camerinos a vista de público con todos los objetos y vestuario que narraban cada historia, articulando de algún modo una especie de casa, un hogar común donde pudieran convivir los objetos de los 30 personajes que cuentan esta historia.

         Para ello forzamos ligeramente la gama de color, de manera que todos estos objetos coexistieran armónicamente y se facilitara así la identificación de los distintos personajes por parte del espectador. Es cierto que para conseguir esta unidad, en lo cromático no fuimos necesariamente fieles al objeto real, pero sí a sus características principales, intentando mantener la esencia del objeto y su componente emocional: Por ejemplo M me mandó una foto de la maleta con la que hizo el viaje de Venezuela a España y a pesar de que no era roja, como finalmente apareció en la pieza, era enorme,  y esta fue la característica que mantuvimos: cuenta más el tamaño de una maleta cuando abandonas tu hogar, que no el color o forma de la misma.

¿ Qué hacen dos muppets en un espectáculo de teatro documental? ¿ Cómo se trabaja con una muppet? ¿ cuál es la relación con ella? En este video post Ángel Perabá, actor de Casa nos lo cuenta. 

Por Efraín Rodríguez, actor de Casa

“Podría poner el micrófono debajo de mi boca, pero no se me ocurre un sitio más aburrido que ese. Prefiero ponerlo en otros sitios, en las historias que no se han contado”

Matthew Herbert

Esta cita del músico M. Herbert también podría ser una buena definición de lo que es el Teatro Documental Verbatim. Considero que lo más importante de esta técnica está, por un  lado, en el relato de las personas entrevistadas, que a partir de sus historias nos acerca a otras realidades y, por otro lado, el sonido que le da forma e identidad a ese relato, y que al mismo tiempo se convierte en un elemento artístico para la construcción de los personajes.

Ocurre algo mágico cuando cierras los ojos y trabajas a partir de la escucha activa, sobre todo en estos tiempos en los que el sentido más estimulado es la vista. El proceso de una obra documental Verbatim, se trabaja desde dos líneas: En primer lugar está la dramaturgia; Lucía Miranda, escribió el texto de Casa con el material transcrito, obtenido de las aproximadamente 40 entrevistas que realizó a personas muy diversas entre sí. Y en segundo lugar la creación de los personajes a partir de la voces reales de las personas entrevistadas. El reparto formado por 5 actrices/actores, construímos los  25 personajes y 5 coros que habitarán esta Casa.

Me he acercado a esta herramienta desde varios sitios, pero esta es la segunda vez que me enfrento a un espectáculo creado en su totalidad a partir de esta técnica. Han pasado 4 años desde el estreno de Fiesta, Fiesta, Fiesta, y no recordaba el trabajo tan minucioso que requiere intentar captar la esencia de las personas entrevistadas y habitar sus cuerpos, sus voces y sus emociones sin detenerme en poner un punto de vista como intérprete. Se necesitan horas y horas de escucha fuera de la sala de ensayo para poder ser preciso con el relato, emoción, fluidez, acento, respiración, incluso idioma. El proceso que suelo seguir es analizar las voces en casa, escucho las entrevistas completas durante unas semanas, y el resto del tiempo fuera de ensayos, hago mi vida con los auriculares puestos: voy a la compra, paseo, cocino, hago ejercicio con los fragmentos de la entrevista que han sido seleccionados para la dramaturgia, en bucle. Tampoco recordaba la frustración que me generan las primeras fases del proceso, tardar tanto en empezar a ver el resultado en mi cuerpo de horas y  horas de escucha. Mientras los escucho me  pregunto constantemente: ¿Cómo conseguir transmitir fielmente lo que la persona entrevistada ha querido comunicar?, ¿cómo no caer en un ejercicio de mera reproducción de sonido?, ¿puedo construir la corporalidad y la gestualidad del personaje partiendo exclusivamente de la información que me ofrece su voz?, ¿cómo encontrar el punto de equilibrio en el cuál ser respetuoso con esa persona convertida en personaje y con su relato, sin dejar de lado que es un espectáculo y que debe sujetarse como tal? Para esto es fundamental el trabajo mano a mano en la sala de ensayos con Lucía Miranda, directora de la pieza.

Aunque de entrada parezca un proceso muy encorsetado, en el Verbatim, como actor, encuentro un lugar creativo muy amplio desde donde explorar asuntos que llevan tiempo interesándome, como por ejemplo: cómo desacademizar el lenguaje y el habla, para diversificar la manera de relatar, que es completamente opuesto a lo que  estudiamos en la mayoría de las escuelas de Arte Dramático. Normalmente el teatro se empeña en estereotipar los acentos, corregir las faltas gramaticales, los tartamudeos, las trabas, en eliminar los espacios para el silencio, las frases que textualmente no dicen nada, como si todos los personajes fueran eruditos del habla, y eso tiene que ver con los relatos que históricamente se han contado [o no contado], quiénes han elegido contarlos [o no contarlos] y a quiénes se han querido contar [y a quiénes no]. 

Por Pilar Bergés, actriz de Casa

Es mi primera vez trabajando con Cross Border y poco a poco voy descubriendo su lenguaje escénico y su visión del teatro. Nunca antes había trabajado verbatim, y nunca antes había trabajado el espacio sonoro de una pieza de la manera en que lo hace esta compañía.

Normalmente, he trabajado en obras en las que el sonido ya había sido imaginado por el director o en las que se iba desarrollando a medida que lo hacía la propia obra, pero siempre era el trabajo de una sola persona, máximo dos.

Aquí me he sentido parte activa del proceso de creación de esos sonidos y, de alguna forma, ya los siento un poco míos.

La premisa era: “Vamos a hacer un taller sonoro con gente de Venezuela”, ya que en Casa, una de las protagonistas venezolana. Yo no sabía muy bien qué era eso de un taller sonoro… Podía intuir, pero no sabía en realidad.

Nacho Bilbao creó, a través de juegos y dinámicas, el ambiente propicio para que entendiéramos qué trabajo íbamos a hacer y nos centrásemos en darle el protagonismo al sentido del oído. Esas mismas dinámicas también sirvieron para que las mujeres venezolanas generosas y amables que se prestaron al juego, vencieran su timidez y nos abriesen las puertas de su memoria sensorial. Esa que las devolvió por unos instantes a su país, su ciudad, su barrio... que, de repente, fue el barrio de todas.

Todas estábamos en ese autobús en el que hay que pedir la parada aplaudiendo, o tarareando la melodía que anuncia al vendedor de helados, o entendiendo que las motos suenan de manera diferente. Me vi a mí misma haciendo el trabajo inverso, interrogándome sobre las sonidos de España o de la ciudad en que nací.

Y cayendo en la cuenta de que los sonidos también conforman nuestra identidad e idiosincrasia. Algo en lo que quizá no reparemos o no tengamos muy en cuenta, pero que para mí, se hizo presente durante el taller.

Creo que sacamos material muy interesante que poder llevar al escenario y honrar sobre él a la hora de contar esta historia. Que es su historia. La de ellas y ellos. Porque esta manera de trabajar me está llevando a la raíz de lo que para mí es el trabajo del actor: ser canal y usar todas las herramientas a mi alcance para ponerme al servicio de la historia.

Espero estar a la altura.

“Me llena mucho saber queee

 lo que yo viví

 las cosas que sé, están ayudando a crear algo.”

Victoria, participante del taller

“ ¿Cómo me he sentido?

 Me sentí bien. 

Yo nunca había hecho esta vaina, 

en plan teatro

 y fue bien.

Me gustó poder compartir 

sonidos que en verdad no me había dado cuenta que eran tan icónicos en mi vida. Como pájaros, 

sonidos, cantos raros…”

Por Macarena Sanz, actriz en Casa

El viernes 15 de octubre fue el primer ensayo de Casa, el nuevo proyecto del Cross Border. Al día siguiente, hicimos una lectura para las personas que han prestado su voz y su historia para construir la obra.

Se trata de una obra de teatro documental, creada a partir de entrevistas que Lucía Miranda ha hecho a diferentes personas afectadas y atravesadas en el tema de la casa, del hogar; y como en Fiesta, Fiesta, Fiesta, la técnica con la que trabajamos los actores es verbatim. Por si alguien no sabe lo qué es, lo explico en un momento: se trata de estudiar el texto de la obra a través de los audios de las entrevistas, es decir, tienes que reproducir, en la medida de lo posible, la voz, el acento, las pausas, carraspeos, risas, respiraciones, etc, de los entrevistados.

Que el segundo día de ensayos hiciéramos una lectura, con el verbatim que llevábamos estudiado desde que nos dieran el texto, unas dos semanas antes, daba mucho pero que mucho vértigo. Lucía nos habló de la importancia de esta lectura, era necesario que las personas que se habían abierto para esta obra, escucharan qué es lo que se había construido a partir de sus entrevistas, y cómo se había hecho. Y además tan pronto ¿no?, sus opiniones eran claves para que el texto se cambiara o no, y hacer la lectura el segundo día permitía que eso fuera así, es decir, que hubiera tiempo para que los cambios que propusieran se pudieran efectuar.

El público empieza a llegar a medio día, estamos todas nerviosas. Nos sentamos frente a frente, comienza la lectura. Yo apenas levantaba la vista del texto por el respeto que me daba estar poniendo voz a las personas que tenía enfrente, pero las veces que lo hice encontré mucho cariño. Pasaron muchas cosas y no es fácil escribir sobre ellas, porque siento de verdad que fueron muy íntimas.

Llama el Festival Cuéntalo de Logroño. Un Festival realizado con mimo, con cuidado, con el amor de lo pequeño que hace cosas grandes. Esta edición 2020 van a trabajar sobre la muerte. 

Ahí te quedas. 

La muerte en un año en el que no queremos ni oír hablar de ella. Y yo planteo #lamuerteencasa. 

Es la primera vez que realizo un proceso así. No será la última. 

Desde el Cross Border y los proyectos documentales que abordamos siempre trabajamos con un AGENTE LOCAL. Es decir, alguien de la comunidad con la que vamos a trabajar, alguien que conoce bien la población, la ciudad, a quién pedir un favor, cómo conseguir acceso a un sitio donde solos no podríamos. Un aliado, un cómplice. Que a largo plazo, y tras compartir juntos comidas, cafés, y escuchas tremendas, se convierte en amigo. 

Cuéntalo propone que los agentes locales de este proyecto sean los integrantes de AESCENA, profesionales de las artes escénicas de La Rioja. Así, en dos sesiones vía zoom establezco las bases de qué es el teatro documental, cómo se hace una entrevista, cómo se transcribe el material… Facilito ejemplos dramatúrgicos, y un listado de posibles perfiles a entrevistar que se van ampliando en nuestra conversación. 

Juntos hacemos UN MAPEO de Logroño y mano a mano con Amaia en la producción, una buena hoja de ruta con su excell para que nadie se nos pierda. En la creación documental hay una gran labor de trabajo de campo, de producción limpia y clara, de antropóloga finísima. Ellos buscan entre sus amigos, familiares, amigos de amigos. 

Y viajo a Logroño. Con Julia y su primera fiebre y abuelos incorporados como cuidadores. Lo nombro, porque como madre creadora es imprescindible nombrarlo. LA CASA A CUESTAS. Los cuidados tan fundamentales en este trabajo, lo son también para que yo ejerza mi profesión. Para no perderme en esta nueva etapa. 

Tres días maratonianos de entrevistas y talleres de 9 a 9. Una sala luminosa, silenciosa, cómoda. Los profesionales de Logroño entran y salen de allí acompañados de personas que puede que sean personajes: una enfermera de cuidados domiciliarios, una psicóloga de duelo, un bombero, una hija que descubre a su madre tras suicidarse, una madre que descubre a su hija muerta una mañana… hasta a un tanatorio fuimos. ¿ De qué color es la bufanda de tu madre? ¿cómo tomaba tu padre el café? ¿ cómo seguiste viviendo en aquella casa? ¿ cómo fue cuando abriste de nuevo aquella habitación? ¿ por qué quieres morir en casa?

Yo vuelvo a casa. 

A mi casa. Con  la grabadora que echa humo y abrazando fuerte, fuerte a Julia. 

Como dijo una de las entrevistadas: 

“ ¿Prepararte para la muerte? 

Vivir.”

“ O bien arraigarse, encontrar o dar forma a las raíces de uno, arrancar al espacio el lugar que será el nuestro, construir, plantar, apropiarse milímetro a milímetro de la propia casa: pertenecer por entero a nuestro pueblo, saber que uno es de la región de Cervantes o de Poitou. 

O bien no llevar más que lo puesto, no guardar nada, vivir en un hotel y cambiar a menudo de hotel y de ciudad y de país, hablar, leer indiferentemente cuatro o cinco lenguas; no sentirse en casa en ninguna parte, pero sentirse bien casi en todos los sitios.“  

NOTAS PARA UN DIÁLOGO 

No saben cómo, de repente la bicicleta estática del PADRE empieza a volar. 

Su HIJA  le sigue con una Torrot roja. 

PADRE.- Pero,  ¿tú qué haces andando en bicicleta, sosón, que te vas a caer? 

HIJA.- Anda, no te sorprende que se ponga a volar tu bicicleta estática pero sí que yo monte en la mía

PADRE.- Hija,  es que, que la mía vuele, pase,  pero que tú ahora seas Induráin...

HIJA.- Induráin no soy papá, soy Elliot. Y tú eres E.T.

PADRE.- Venga no jodas voy a ser yo ese bicho tan feo

HIJA.- Pero si te encanta la película

PADRE.-Ya rubia, una cosa es que me encante la película y otra que en tu sueño me convierta en un extraterrestre. Yo soy tu padre, cojona, un poco de respeto

HIJA.-Pero ¿no te gusta volar?

PADRE.-Sí, pero podías haber buscado una cosa más adecuada

HIJA.- ¿Como qué?

PADRE.- Pues no sé, un vuelo en el Concorde... 

HIJA.- Bebiendo champagne, no te jode, 

PADRE.-No champagne no, que es catalán, bebiéndonos un buen Vega Sicilia que es de la tierra

HIJA.- Y qué más, 

PADRE.-¿Que qué querrás?

HIJA.- Ni en mi sueño dejas de ser sordo...

“La casa es el cuerpo” me dice mi amiga Marina Santo, bailarina y coreógrafa. La frase es de Lygia Clark, artista brasileña.

Mi cuerpo es una casa. La casa de Julia. 

Camino y dentro hay alguien que duerme, come, respira,  escucha música. Alguien que un día decidirá salir por cuenta propia o sino, tendremos que sacarla. 

Alguien que en un futuro, y cuando sea mayor y yo ya no exista, reconocerá este cuerpo mío como un espacio que habitó, el primero. Mi cuerpo tendrá un olor que no será el de nadie más. Independiente de colonias, ambientadores, contextos. Como yo reconozco el olor de mi madre, Julia reconocerá el mío. Y habrá un regazo al que volver, como hay unas llaves que siempre permanecen en tu bolso. 

Me afano en limpiar mi casa con aceite de almendra.  En un confinamiento de 40 días, alargo la mirada a través de la ventana, para que se ventile bien el salón. Y mi pubis es más que nunca un felpudo de bienvenida en el que sacudirse para entrar en otro espacio. Más grande, más ruidoso, más impredecible. 

Imagen: Mujeres con barrigas que son casas bailan en un escenario. Niños que son huéspedes y dueños  y soberanos  de esas barrigas que son casas bailan en un escenario. 

Y aunque pienso en los versos de Luis García Montero ( “porque el mundo es arcilla/ aquí tienes tu casa” ), suena una voz de mujer ( no sé si con o sin barriga) a un micro diciendo: 

You were born.

And so you're free.

So happy birthday.

Seguro que esto Ángel Perabá me ayuda a montarlo en un pis pas. 

Desde el momento en que abandonamos los lugares de la infancia y empezamos a vivir nuestra propia vida, armados únicamente con lo que somos y tenemos, comprendemos que el verdadero secreto de los zapatos de rubíes no es “que se está mejor en casa que en ningún sitio”, sino que “casa” ya no existe, salvo, lógicamente, la que cada cual se construya o la que nos construyan, en Oz: es decir, cualquier sitio, todos los sitios, excepto aquel del que partimos

Salman Rushdie

Siempre vi en El mago de Oz una reflexión sobre el significado de “casa”.  Analiza Salman Rushdie en su ensayo sobre la peli ( un librito pequeño, muy de freaks de la peli, publicado por The British Film Institute en 2012) que Dorothy fuera de Kansas, nunca es tratada como una niña, sino como una heroína, pasando de vivir en un lugar en color sepia y deprimido a un espacio multicolor y mágico.  Creo que a mí me pasaba algo parecido de adolescente. 

Dorothy al final de la peli se debate entre las raíces y la aventura más allá del arco iris. Y a lo mejor ahí radica una de las ideas esenciales de lo que es una casa y el espacio de fuera. 

Verbatim + Música: ideas de cómo podemos usarlo

Nadia Fall es una directora inglesa que en 2013 presentó en el National Theatre de Londres su obra de teatro verbatim Home. 

De los videos y de la lectura de Home  una idea: el verbatim como una herramienta más, que no sea un factor limitante. Ella ha trabajado con un compositor ( como yo contigo .)) y con actores músicos. Ha creado un personaje que habla en beat box, porque responde al tipo de lenguaje de algunos de los jóvenes entrevistados. Y ha usado la música como sustento para llegar a un público que empatiza mucho más con el lenguaje musical que con el teatral.

Esto ya me rondaba la cabeza después de haber visto London Road, el musical que hizo ( también en el National) la dramaturga Aleckly Blythe sobre unos asesinatos.  Abajo puedes ver un trailer de la peli. 

The Source de Beth Morrison mezcla la ópera con el musical con el documental para trabajar con documentos de militares de la guerra de Irak y de Afganistán: https://www.mtnow.org/archive/mtn-2015/the-source/

Otro trabajo que me hizo pensar en el juego de los ritmos, la música y el verbatim fue el del francés Joris Lacoste, que explora la oralidad en Enciclopedia de la Palabra 

https://www.youtube.com/watch?v=1nwRjgSHqfA

https://encyclopediedelaparole.org/fr

Me gustaría para Casa, jugar con los sonidos, con la música. No vamos a hacer un musical pero sí  podemos explorar con alguna escena o personaje, que  leas el texto con esos ojos,  estoy abierta a reescribir partes si vemos que puede ayudar a contar ciertas partes de la historia. 

Por si te pones sesudo, aquí un artículo académico y en inglés sobre la musicalidad del teatro verbatim. Es completito y jugoso : The Document as MusicExploring the musicality of verbatim material in performance.

“¿Y vosotros? ¿Cuál es el momento más feliz que recordáis en la casa?“

Las cosas que se guardan en una casa. 

Los trofeos del colegio. Los juguetes. Algún libro de texto. Fotos, muchas fotos. Objetos que compraron tus padres en sus viajes. Cerámicas que nunca se usaron. Más objetos, esta vez los de tus abuelos, porque al cerrar sus casas, sus recuerdos pasaron a la casa de tus padres y  se convirtió en otra. Y la tuya, algún día, cuando vacíes la casa de tus padres también será una nueva casa. 

Dice el personaje de Paco Roca:  

“No necesitamos esta casa para acordarnos de papá”

Y yo me pregunto: 

¿A dónde volvemos cuando ese espacio ya no está? ¿ cuando tu casa se sintetiza en un montón de objetos?

¿ A dónde volvemos cuando nuestra casa está en nuestra cabeza, y la intentamos mantener limpia y bien amueblada a toda costa? 

La casa y los objetos que la habitan, los objetos que la hacen ser tu casa y no otra. Pensar en esto para la escenografía. 

Nota. Préstamo de mi amigo Álvaro, cuando le hablé de este proyecto.