Notes from art-historian

Закончу нашу неделю, посвященную городским ансамблям Бернини, небольшим, но очень ярким и важным памятником - фонтаном Тритона на площади Барберини. Это был последний заказ Урбана VIII, первого патрона скульптора, установленный в 1642-43 годах. После возведения палаццо Барберини, которое Бернини помогал проектировать, Урбан VIII решил оформить к нему парадный въезд: заложил площадь и поставил на ней фонтан. Помимо «хотелки» сделать все красиво, папа руководствовался и другими более амбиционными целями: запечатлеть свое имя в истории Рима. Возведение фонтана как нельзя более точно соответствовало его замыслу. Питьевая вода подавалась из недавно отремонтированного акведука Аква Феличе и была доступна для всех жителей. А чтобы они знали, кого благодарить за ее доступность, фонтан должен был наглядно иллюстрировать это. В первую очередь Бернини думает над общим оформлением. Можно говорить, что он применил отчасти новаторский подход для решения этой задачи: до этого момента отдельно стоящие скульптуры в фонтанах были характерны только в оформлении частных садов. Здесь же художник «вытаскивает» типично парковую историю в городское пространство. Еще и богато украшает постамент Тритона фамильным и папским гербом Урбана VIII. А на дополнительном небольшом фонтанчике Пчёл, находящемуся на углу площади и предназначавшемуся для лошадей, Бернини и вовсе отводит прямое предназначение быть доказательством славного правления своего покровителя - он высекает памятную надпись и помещает на него пчёл, как родовое животное Барберини. В итоге, Бернини выстраивает доминанту в виде вертикально направленного фонтана и помещает ее не в центр, а смещает в наиболее узкую часть трапецевидной площади. Поэтому весь ансамбль приобретает черты некой авансцены, постепенно развертывающейся и служащей прологом к кульминации - дворцу, стоящему на холме. #СтильЭпохи #артблог #искусство #бернини #tytaknesmozhesh_italy #арт #искусствоведение #искусствовед #рим #барокко #архитектура #акведук #фонтан #скульптура #площадь #пчелы #история #барберини #тритон #фонтантритона (at Piazza Barberini) https://www.instagram.com/p/B4ReoSWA4Jt/?igshid=clspxmttmk10

Пьяцца Навона, пожалуй, одна из самых живописных римских площадей. Именно здесь в центре находится фонтан Четырех Рек - самый известный фонтан Бернини. В прошлом посте я уже упоминала о том, что этот ансамбль был построен при папе Иннокентии X, который Бернини не особо любил. Вообще, в этот период художник был не особо деятельным, но все, что он создавал, отличалось уникальным пониманием своей значимости, будто мастер чувствовал, что именно эти работы станут воплощением и квинтэссенцией не только его творчества, но и всего стиля барокко, характерного своим особым мироощущением и образной выразительностью. Конечно, в первую очередь, я имею в виду знаменитую алтарную группу в капелле Корнаро Санта-Марии-делла-Виттории, изображающую Экстаз Святой Терезы. Но вернемся к пьяцца Навона. Еще в 1453 году папа Николай V задумал реконструировать античный акведук Аква Вирго: нужно было придумать масштабное событие, которое утвердило бы его роль после Великого раскола, и заодно отметить юбилей церкви. В последующие годы к основному акведуку было добавлено множество каналов, которые заканчивались фонтанами, среди которых были и самые знаменитые, такие как Треви, Баркачча и все фонтаны на пьяцца Навона. В конце 16 века Джакомо делла Порта спроектировал два симметричных одинаковых фонтана на этой площади, которые «подпитывались» водами Аква Вирго. Бернини же взялся за дело век спустя, добавив к одному из них статую Нептуна. Несмотря на это, фонтан стали называть фонтаном Мавра из-за оригинальных черт лица и ракурса, дававших определенное сходство с жителями Африки. Что же касается самого фонтана Четырех рек, то тут все просто. Установленный в 1651 году, он изображает аллегории четырех рек в соотвествии с четырьмя частями света: Европа - Дунай, Азия - Ганг, Африка - Нил, Америка - Ла Плата. Они помещены среди своеобразного пейзажа с разнообразными животными, в центре которого стоит обелиск. Интересно, что этот обелиск не древнеегипетский, а древнеримский с гимном императору Домициану. #СтильЭпохи #артблог #искусство #бернини #tytaknesmozhesh_italy #арт #искусствоведение #искусствовед #рим #барокко #архитектура #акведуе #фонтан #скульптура #площадь #монумент #история #пьяцца (at Piazza Navona) https://www.instagram.com/p/B4Mdu1uAj_q/?igshid=ijtl26jqqjn4

Ансамбль площади Святого Петра по праву считается выдающимся произведением Бернини, став для Рима своеобразной визитной карточкой. Но этот город обязан архитектору и рядом других своих известных достопримечательностей. Мы опять возвращаемся к амбиционному плану Александра VII, большому покровителю искусств, задумавшемуся изменить облик города, который должен был соответствовать статусу мировой христианской столицы. При нем (помимо обновленной площади перед Святым Петром) возник обелиск Минервы в 1667 году (статуя со слоном на площади позади Пантеона), а вот перестройка моста перед замком Святого Ангела, существовавшего еще со времен императора Адриана, пришлась уже на его преемника Климента IX. Но на мой взгляд, самые интересные градостроительные решения Бернини воплотил в самом начале своей карьеры, когда ему покровительствовал папа Урбан VIII. Он был из рода Барберини, когда еще будучи кардиналом заприметил молодого скульптора и заказал ему статую Святого Себастьяна для своей личной часовни еще в 1614 году. А в 1623 году в первый год папства Урбана VIII, Бернини уже был главным в папской литейной мастерской и смотрителем римских акведуков. Именно это назначение позволило ему принимать участие в строительстве и реконструкции многих площадей с фонтанами. Среди самых выдающихся ансамблей этого времени - площадь Барберини с фонтанами Тритона и Пчел. О нем я расскажу отдельно. После смерти своего покровителя папский престол занял давний соперник рода Барберини представитель семейства Памфили Иннокентий X. При нем Бернини впадает в немилость и перестает получать масштабные заказы. Единственный крупный проект этого периода - капитальная перестройка Пьяцца Навона в 1647-51 годах, за фонтанами на которой он был ответственнен при Урбане VIII. Художник проектирует знаменитый фонтан Четырех Рек и перестраивает еще два по краям площади, возведенных еще Джакомой делла Порта в конце 16 века - Мавра и Нептуна. #СтильЭпохи #артблог #искусство #бернини #tytaknesmozhesh_italy #арт #искусствоведение #искусствовед #рим #барокко #архитектура #город #фонтан #скульптура #площадь #монумент #италия #пьяццанавона #обелиск #художник (at Piazza della Minerva) https://www.instagram.com/p/B4HcrbzgMT3/?igshid=1jq4lh0kigi38

В предыдущем посте я рассказала, как выбрала тему для своей диссертации. Но не всем везет так легко и заранее определяться со своей научной областью. В моей преподавательской практике бывали случаи, когда студент, обучаясь уже на втором курсе магистратуры, не мог решиться и выбрать тему для своей работы. Я хочу сейчас рассказать про варианты, как можно определиться с выбором, и как обычно это бывает. Возможно, кому-то информация будет полезна. Понятно, что все случаи индивидуальны, но все же можно выделить несколько алгоритмов: - классический. Студенту нравится какой-то популярный период или художник в истории. Он думает, как можно поставить главный вопрос так, чтобы выявить в изучаемом предмете новые аспекты. Например, в целом «Вазопись Древней Греции» звучит очень грустно, а вот, если сузить параметры поиска артефактов, то можно получить «Чернофигурная вазопись амфор классического периода Древней Греции». То есть обозначен период (классический), объект и форма (амфоры) и стиль живописи (чернофигурная). - продолжение ранее начатой работы. На первых порах (в нашей Строгановке на первых двух курсах) студенту обычно дают список тем, из которых он выбирает и пишет курсовую. Как вариант, можно за основу взять такую работу, сузив или наоборот расширив ее рамки. Я на втором курсе писала анализ скульптуры Брахмы из собрания Пушкинского музея, и если бы я продолжила эту тему, то могла бы ее завернуть следующим образом: «Развитие образа Брахмы в индуистской храмовой скульптуре 4-6 веков». - синхронизация с уникальным опытом студента. Это обычно характерно для тех, кто уже работает в сфере искусства. К примеру, научный сотрудник Бахрушинского музея может легко взять себе тему, связанную с театральным искусством. Или второй вариант, когда студент - потомок, родственник или друг какого-нибудь русского художника. Соответственно, свою работу он может посвятить своему именитому предку. У этих студентов есть уникальный опыт, а значит они могут привнести в науку свежий взгляд. Это, конечно, не все, но наиболее распространенные алгоритмы выбора тем для дипломной работы, которые я выделила исходя из своего опыта. (at Moscow, Russia) https://www.instagram.com/p/B1KAobaoZNB/?igshid=1bdy1lzzauubi

Если быть откровенно-честным, то я не помню, почему и когда выбрала, что прерафаэлиты станут моей самой большой любовью в мире искусства. Но я хорошо запомнила поворотный момент, когда я определилась с этим. Одиннадцать лет назад (боже, как давно это было!) я только закончила десятый класс, но уже была погружена в мир искусства и решила связать с ним свою жизнь. Третьяковская галерея анонсирует выставку «Искусство прерафаэлитов и русская живопись», которая позиционируется, как первая в истории России, посвященная этим художникам. Я помню тогда безумную жару и не менее безумную очередь (наверное, первую и последнюю такого масштаба для меня). И помню, как после твердо решила, что я не только буду изучать прерафаэлитов для удовольствия, но и защищу как минимум диссертацию по ним. Собственно, на этом этапе я сейчас и остановилась. На этом моменте хочу прерваться и рассказать немного про ту самую выставку. Её название, которое завлекало народ, не отображало сути самого проекта. От прерафаэлитов там было всего одно имя Джона Эверетта Миллеса (одного из сооснователей Братства) с небольшой работой «Приглашение на свадьбу». Но экспозиция заведомо не претендовала на уникальность и научность - это был предаукционный показ Christie’s работ русских художников, ну, заодно решили и англичан до кучи добавить, придумав такое обобщающее название. Фишкой стало то, что работ прерафаэлитов там-то особо не набиралось. Уже озвученная картинка Миллеса и серия небольших акварелей Эдварда Берн-Джонса, пожалуй, и все. Остальные полотна художников, живших на изломе 19 и 20 веков и испытавших влияние прерафаэлитов лишь отчасти, так как само направление к этому времени уже себя изжило. И у меня возникло подозрение, что именно оттуда пошло поветрие причислять работы Уотерхауса, Лейтона, Хьюза и других к прерафаэлитизму. А как вам кажется, на основании работ в карусели (они были на выставке) можем ли мы говорить, что эти художники были прерафаэлитами? #СтильЭпохи #диссертация #tytaknesmozhesh_disser #арт #тытакнесможешь #искусствоведение #прерафаэлиты #научнаяработа #артблог #самообразование #выставка #аспирантура #английскоеискусство #tytaknesmozhesh_preraphaelites #аукцион #исследование https://www.instagram.com/p/B08m21Kgzyn/?igshid=tq17e297lms8

Хотела как-то интересно подвести к последнему художнику, про которого я бы хотела рассказать в этой серии постов, но поняла, что Маурицио Кателлана будет проще всего противопоставить всем шести предыдущим авторам. Если анализируя Рихтера, Гурски, Уорхола, Кляйна, Польке и Баскиа можно напирать на то, что современное искусство исследует серьезные проблемы и существует как бы в своем мире, ставя фигуру художника на пьедестал, делая из него романтическую фигуру борца (как с Баскиа), алхимика (как с Польке) или чуть ли не бога (как с Гурски), то Кателлан твердо стоит двумя ногами на земле рядом с нами. Мы давно уже привыкли к тому, что окружающую действительность, какой бы тяжелой и невыносимой она не казалась, проще всего принимать с улыбкой на лице. Еще лучше, если она будет иронична. Кателлан своими работами накручивает ручку до предела, представляя реальность в гипертрофированной сатирой и иронией фильтре. Поэтому особо чувствительным эмоциональным людям на его выставку вообще лучше не ходить. Выбивает из колеи моментально. Появляются всевозможные жалобы и петиции убрать его с экспозиции. Люди начинают задумываться, а искусство ли это вообще, в чем же здесь талант художника? Но именно этого Кателлан как раз и пытается добиться: любыми путями заставить человека потерять равновесие. Искусство принято представлять совершенно отдельной областью мировосприятия, на языке которого могут говорить только художники. Кателлан же общается с публикой так же обычно и буднично, как все люди между собой. Он рассказывает о проблеме миграции и перенаселения (посмотрите, какая могла бы быть карта России, если бы художник не знал о существовании контрацепции), о насилии в школе и трудностях самореализации (вспомните, как нас заставляли сидеть за партой, но впоследствии понимали, что эта усидчивость помогла нам в дальнейшем), аллегорически интерпретирует исторические события (лошадь - Троцкий, как романтический герой, остановленный на бегу и подвешенный в воздухе). И чем острее и скандальнее Кателлан воплотит ту или иную идею, тем больший отклик он вызовет у публики, а значит обратит на нее большее внимание. #СтильЭпохи #tytaknesmozhesh_contemporary #современноеискусство #арт (at Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина) https://www.instagram.com/p/B0iamSaIdHi/?igshid=1qkda3xk5kqu1

Особенность получения быстрых фотографий на полароиде очень ценилась Энди Уорхолом за возможность запечатлеть себя с минимальной возможностью изменить итоговый результат. От обратного исходил немецкий художник Зигмар Польке. Он также использовал фотографию в своем творчестве, причем не только как вид искусства, но и как способ создания произведения. Проявка требует долгой и кропотливой работы, причем на этот процесс можно повлиять, отчего изображение может стать искаженным или приобрести дополнительные эффекты. Работа, хранящаяся в собрании фонда Louis Vuitton, была написана Польке в 1980-х годах и носит очень лиричное название «Ночной колпак». Здесь также как и в случае с Герхардом Рихтером (с которым, к слову, Польке крепко дружил в юности и разделял схожий подход к преобразованию искусства, придумав новое направление - капиталистический реализм, но об этом не сейчас), мы будем пытаться разглядеть что-то фигуративное, отражающее в названии, но спрятанное художником за абстракцией. К тому же, ему вторит колорит и само решение такой воздушной и облачной абстракции, напоминающее нам мистические миры романтиков, чьи мысли витали на границе между реальностью и фантазией. А сон или сновидение (с атрибутом в виде ночного колпака) - воплощение этого смежного состояния. Применительно к этой работе Польке использует метод длительного изменения работы, схожий с проявкой фотографии, о которой я писала в самом начале. Художник наносит поверх красочного слоя специальный состав, влияние которого непосредственно сказывается на том, что мы видим. Недаром мастерскую Польке называли алхимической лабораторией. Он как тот самый фантастический волшебник создавал произведения, которые продолжали жить и после его смерти. Краска на этой картине постепенно разрушается, чтобы в конечном итоге исчезнуть совсем. В карусель прикрепляю две фотографии для сравнения: первая взята с сайта фонда, вторую я сделала сама. На них хорошо видно, насколько состав успел разъесть краску. #СтильЭпохи #tytaknesmozhesh_contemporary #современноеискусство #арт #тытакнесможешь #выставка #пушкинский #гмии #луивюттон #артблог #самообразование #зигмарпольке #романтизм #проявка #фотография #фотоискусство (at Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина) https://www.instagram.com/p/B0fsuxaoZrX/?igshid=11e8wgg2zzib8