Vaivenes Flamencos

Las clases de 'Historia del flamenco' en streaming de esta semana versarán sobre estos temas (Inscripciones: [email protected]): - Lunes 23 ‘Flamenco y vanguardia II: Pastora Imperio y otras’ (plazas agotadas). - Miércoles 25 ‘Flamenco y vanguardia III: Antonia Mercé ‘La Argentina’ y la creación del ballet flamenco’. - Viernes 27 ‘Flamenco y vanguardia IV: ‘El sombrero de tres picos’. Todas a las 13 horas de España.

Mientras sigamos confinados, siguiendo las indicaciones de las autoridades sanitarias, trasladamos las clases de 'Historia del Flamenco' a la web. En directo por Skype seguimos la semana que viene con las clases siguientes:

- Lunes 16, 13 h 'Los grandes ballets de posguerra'.

- Miércoles 18, 18,30 h. 'Pepe Marchena' y 'Flamenco y República'.

XXIV Festival de Jerez.. ‘El sombrero’. Estévez/Paños y Compañía. Intérpretes: Alberto Sellés, Rafael Estévez, Valeriano Paños, Nadia González, Sara Jiménez, Macarena López, Carmen Muñoz, Iván Orellana, Jesús Perona, Benito Bernal, El Mati. Dirección, idea, coreografía, iluminación vestuario y espacio escénico: Rafael Estévez y Valeriano Paños. Lugar. Teatro Villamarta. Fecha: Jueves 5 de marzo. Aforo: Casi lleno.

El Festival de Jerez es uno de los pocos lugares en el que el programador tiene a bien ofrecernos espectáculos de Ballet Flamenco, esa genial invención de la genial Antonia Mercé que, por cierto, jamás empleó dicha denominación. Como tampoco la de clásico español como más comúnmente se conoce a este género de danza, término acuñado en la época en la que  Mariemma diseño los planes de estudios de los conservatorios españoles. Precisamente Mercé, que siempre habló de baile español a secas, se inspiró para su creación en 'El sombrero de tres picos', considerado por Gades “el gran ballet español” pese a que fue coreografiado por el ruso Leonidas Massine.

Estévez y Paños se han inspirado en esta obra para su propuesta 'El sombrero' que no es una revisión de la historia original, la del corregidor y la molinera, sino una mezcla exquisita de rigor documental y fantasía, allí donde este no llega, de las circunstancias en las que se creó esta magna contribución al ballet español y mundial. Por el escenario del Villamarta pasaron Diaguilev, Massine y Félix Fernández, un genial Alberto Sellés, además de otros protagonistas de esta historia como Manuel de Falla, Lidia Sokolova, Tamara Karsavina, La Macarrona, Ramirito …. y hasta me pareció atisbar por allí a María de Albaicín.

De hecho el guión se construyó con los libros de memorias de Massine, Sokolova y Karsavina, con citas directas, de esta última en el idioma original en el que escribió su libro. La puesta en escena disecciona la coreografía original de Massine para mostrarla en otro contexto narrativo, el de la creación de la misma y de la partitura, con lo que adquiere otro sentido narrativo: por ejemplo el proceso creativo de la maravillosa farruca, con un cuadro en el que se superponen las coreografías de Félix, Massine y Ramirito, con el proceso creativo de Falla. O el hallazgo de una música deliciosa por seguidillas en la guitarra de un músico ambulante ciego en las calles de Granada. O como Félix cambia la rítmica de la farruca y prácticamente dicta con sus pies la partitura al compositor gaditano.

La función está profusamente documentada, no sólo con los textos citados, también con elementos tomados de fotografías, el peinado de La Macarrona, filmaciones, registros sonoros, cuadros, etc. Pero lo mejor de la obra es la interpretación que sus autores hacen del desencuentro de Félix con Diaguilev y su proceso de enajenación que lo condujo al sanatorio de Epsom. Aquí Estévez y Paños se dejan llevar por su imaginación para mostrar la parte más sentimental, y emotiva, de la obra. De todo ello, interesante y complejo, me quedo con la relación de Sokolova con Félix porque Estévez y Paños han deducido, con razón, que si alguien entendió en esta historia a Félix fue la Sokolova, ella misma desplazada también del rol protagonista por la llegada de Karsavina, y que fue, en la fantasía de Estévez y Paños, la última visita que recibió Félix en Epsom. Las memorias de Sokolova son las más cercanas a la realidad, por la ausencia total de divismo que presenta el texto. Una verdad que, probablemente, no llegaremos a conocer jamás.

'Un rebelde con causa'. Cante: Manuel Gerena, Juan Pinilla, Manuel Céspedes. Guitarra: José Ignacio González. Lugar: Teatro Lope de Vega. Fecha: Miércoles 19 de febrero. Aforo: Media entrada.

Manuel Gerena vuelve al Lope de Vega, el escenario de tantos éxitos y también el de una de sus más sonadas prohibiciones, la que ocurrió en enero de 1976, cuando el de La Puebla cantó en la explanada del teatro, megáfono en mano, porque una orden gubernativa le impidió acceder al recinto. Anoche accedió, con sus músicos y con su público, que es particular. Porque el aficionado a Gerena no es, estrictamente, aunque también pueda serlo, el aficionado al flamenco, sino un tipo de diletante que valora lo que en su tiempo se llamó canción protesta. Algunas de las letras que cantó pertenecen precisamente a esa época, cantes por fandangos, abandolaos y tarantos, seguiriyas, bamberas y tonás con letras escritas por un joven Manuel Gerena que conectaba con el sentimiento de un país. Muchas de ellas están de plena actualidad. El único poeta al que ha cantado Gerena, al margen de sí mismo, es Miguel Hernández, al que dedicó un disco, y del que cantó en el Lope sus tremendas Nanas de la cebolla en la musicalización que llevó a cabo Alberto Cortez y que se hizo muy popular en los setenta en la versión de Serrat.

La voz del cantaor se fue abriendo y adquirió matices y color conforme avanzó el recital, siendo en la seguiriya y en las Nanas donde pudimos disfrutar de ella en su plenitud. Gerena es un cantaor con mensaje, no un estilista. No obstante, posee una voz cálida que ha llevado el cante a un público más allá de los estrictamente jondo. En este recital el de La Puebla pudo al fin cantar completas las Nanas de la cebolla que en su anterior comparecencia en Sevilla, en este mismo escenario, tuvo que dejar a la mitad, debido a una inoportuna afección de garganta. Gerena cantó y habló reincidiendo en su mensaje pacifista, ecologista y ruralista, que acuñó en una época en la que aún no se hablaba de la España vaciada. Los pueblos que se vaciaron entonces por la emigración, de hombres que se iban "buscando lo que no encuentran", siguen con los mismos problemas laborales. El mensaje de Manuel Gerena sigue, por tanto, vigente. 

'Inés Bacán'. Cante: Inés Bacán. Guitarra: Antonio Moya. Lugar: Flamenquería Sevilla. Fecha: viernes 7 de febrero. Aforo: Lleno.

Ella es un género en si misma. Formalmente se presenta una cantaora clásica, pero su apelación a la naturalidad la convierten en una rara avis de lo jondo de su tiempo, que es el nuestro. Por supuesto que dicha naturalidad es completamente desintencionada. Muchas de las mejores cosas ocurren así, sin proponérselo uno. Y, desde luego, una naturalidad forzada o buscada es una contradicción. A Inés Bacán el cante le sale así. Porque no tiene una potencia vocal asombrosa, ni unas condiciones técnicas excepcionales. No las necesita. Con esta cantaora el flamenco vuelve a un estadio previo, planta sus pies en la tierra. No canta para asombrar, ni para sorprender, ni para demostrar. Solo para mostrarse, para abrir su corazón, por la pura necesidad de expresión, de trasmitir su estado de ánimo, su emoción.

'Flamenco leaks'. Bajo: Carles Benavent. Percusión: Tino Di Geraldo. Saxos y flauta: Jorge Pardo. Lugar: Teatro Lope de Vega. Fecha: jueves 6 de febrero. Aforo: Casi lleno.

En el flamenco hay muchos Tíos pero un solo Trío. El Trío por excelencia del flamenco vuelve a Sevilla, 20 años después de que registraran su primer disco en directo en el Teatro Central. El conjunto, formado por el flautista y saxofonista Jorge Pardo, el contundente percusionista, bregado en mil batallas musicales, Tino di Geraldo y el inventor del bajo flamenco, Carles Benavent, presentó en el Teatro Lope de Vega su nueva propuestas, Flamenco leaks. Cuando sonó, al principio de la noche, la melodía de La leyenda del tiempo en la flauta de Pardo, recordé que el músico madrileño ya estuvo allí, en las sesiones de grabación de esa mítica obra. Luego, los sones de Camarón se mezclaron con otros de Paco de Lucía que fue homenajeado en diversas ocasiones a lo largo de la noche. No en vano el flautista y Benavent fueron bases fundamentales del mítico sexteto del guitarrista. Pardo le dedicó la mayor parte de su portentoso número en solitario. En el suyo, Benavent, mostró que es capaz de convertir el bajo eléctrico, no solo en un instrumento rítmico y flamenco, también melódico y armónico. Buscó y halló nuevos timbres, nuevos sonidos, cibernéticos, en su instrumento. Es, sigue siendo, el represetante máximo del flamenco eléctrico.

Es conocido como Maestro Ciro porque en su labor docente en Amor de Dios marcó a cientos de alumnos, algunos tan reputados como Javier Barón, Lola Greco, Blanca del Rey, Aída Gómez, Javier Latorre, Sara Baras o Juan Paredes. Su implicación con estos discípulos fue mucho más allá de lo puramente docente, coreografiando en muchos casos para ellos y apoyándolos siempre, desde la experiencia, en su trayectoria profesional. Porque antes de dar clases en Amor de Dios, Ciro fue bailaor en las compañías más importantes de su tiempo, singularmente la de Antonio, que era la agrupación de flamenco y danza española más importante de los años 50 y 60. También hizo su periplo por los tablaos madrileños, a los que llegó a los 20 años desde Valladolid, donde estaba estudiando derecho, abandonando la carrera de leyes en el cuarto curso por su afición al baile. Estudió con Alberto Lorca y La Quica, entre otros y en los 60 inauguró varios tablaos en Estados Unidos, algunos de los cuales eran de su propiedad. Contratado por el mítico Salomon Hurok, permaneció una larga temporada en Norteamérica para volver a los 52 años a España para dedicarse a la enseñanza y a la creación de coreografías.

Fue parte del primer Ballet Nacional de España, a las órdenes de Antonio Gades, formación para la que coreografió  Cadiz baila, Garrotín (1983) y Bailaora (1995). Trabajó para el teatro y el cine, firmando como coreógrafo la puesta en escena de Ay, Carmela (1989) a cargo de José Luis Gómez y la película El día que nací yo (1991) de Pedro Olea. Otras coreografías que firmó fueron Carmen (1971), La Traviata y Don Quixote (1973) para la American National Opera Company, El amor brujo (1976) para el Ballet Festivales de España, Te lo digo bailando (1980) y El muro para María Benítez, Torero (1986), sobre el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías para el Festival Internacional de Danza de Jerusalén, Bolero (1986) para Joaquín Ruiz y Farruca (1988) para Javier Barón, entre otras. Ciro Diezhandino Nieto nació en 1932 en Castrillo de Onielo (Palencia) y falleció el 4 de febrero en Palencia. Entre sus proyectos estaba la publicación de un libro autobiográfico.

'Diego de Morón'. Guitarra: Diego de Morón. Cante: Antonio el Carpintero. Lugar: Sala Flamenquería, Sevilla. Fecha: Viernes, 31 de enero. Aforo: Lleno.

El espectáculo al que asistimos en pleno corazón de Triana fue singular en muchos aspectos. Se trata de un intérprete de acusada personalidad dentro de una casa y una estética tocaora característica. Es un toque que parece sencillo al nivel técnico por el uso reiterado de la "cuerda pelá", esto es, de la melodía sin armonizar, que nos retrotrae a la guitarra decimonónica. Y Diego de Morón es, acaso, el tocaor más imaginativo de esta generación del toque de su tierra, a la sombra del genio de su tío, Diego del Gastor. De hecho, las falsetas de ambos, tío y sobrino, se suceden en el recital sin que el oyente perciba diferencias de calidad ni de otro tipo.

Imagen: Javier Fergo/Festival de Jerez

'Herencia'. Guitarra: Rafael Riqueni, Salvador Gutiérrez, Manuel de la Luz. Palmas: Diego Amador, José Amador. Percusión: Luis Amador. Baile: Rubén Olmo, María Moreno. Dirección artística: Paco Bech. Lugar: Teatro Lope de Vega. Fecha: Miércoles, 29 de enero. Aforo: Lleno.

Conoce los secretos de las íntimas relaciones de las notas pero sabe darle a cada una de ellas su espacio. Es el más joven de la familia jonda. ¿Quién se atreve hoy a dar un concierto de dos horas prácticamente solo sobre las tablas? Fue un Viaje a la semilla o El curioso caso de Benjamin Rafael Riqueni Button: del repertorio actual, las nuevas composiciones que presentaba, al de principios de los ochenta. Solo que los fandangos dedicados al Niño Miguel suenan de una actualidad pasmosa, una vez desaparecido el mítico tocaor onubense y que Riqueni haya tenido que seguir un destino similar al de aquel, aunque no tan dramático y con un hermoso final feliz que es la segunda juventud de la que está gozando el de Sevilla. También fue ganando confianza técnica conforme avanzaba la noche porque Riqueni, como los verdaderos maestros, atesora un enorme respeto a su público. En Riqueni vemos su pasado, lo que fuimos, y su futuro, lo que seremos.

Rafael Riqueni en el escenario del Lope de Vega.

Pero su música será siempre joven, tendrá ese marchamo de lozanía sentimental o tristeza rítmica. Nos romperá por dentro, otra vez, con esas armonizaciones sorprendentes, prodigiosas, naturales, y será infinitamente elegante, sutil, sencilla, comedida. Este músico es barroco y austero, sentimental y natural. Pero con toda la conciencia de lo que está haciendo. La música de Riqueni llega a todos los públicos porque es diáfana, porque sale de lo que nos une e iguala, del corazón, de la emoción: no es un intelectual de lo jondo ni tampoco un atleta. Nunca lo fue, menos lo va a ser hoy. Su música es fresca y al mismo tiempo ha patentado una forma morosa, pastueña, de componer y de tocar. Y de apoderarse de composiciones ajenas como Romero verde de Manuel Molina o Amargura de Font de Anta en la que se refleja en las mismas virtudes que adornan su propia obra. También ofreció pinceladas de Parque de María Luisa, esa obra infinita, su última obra maestra. Y el trémolo Cogiendo rosas que no entró en el disco, por el respeto del que hablábamos antes, pero que pertenece a la misma inspiración y que quizá forme parte de la nueva entrega disquera que prepara el guitarrista. Pura miel para cerrar un recital con el subrayado colorido, pleno de sensualidad e intimismo, de Rubén Olmo.

Para Franciso Bergillos Chamorro, in memoriam

XLVIII Festival de Arte Flamenco de Jódar. Cante: David Palomar, Jesús Méndez, Manuel de la Tomasa, La Yiya, Paco Marín ‘Dinerito’, José de Pinos, Antonio Heredia. Guitarra: Rafael Rodríguez, Miguel Salado, Raúl el Perla, Rafael Montilla, Johny de Pinos. Baile: Claudia la Debla. Percusión: José el Indio. Palmas: Diego Montoya. Lugar: Jardines de Luxor, Jódar. Fecha: Viernes 1 de noviembre. Aforo: Casi lleno.

El Festival Flamenco de Jódar camina ya con paso firme hacia su medio siglo de vida. 50 años, en un contexto nada proclive a la cultura en general y al flamenco en particular, no se cumplen todos los días. Para esta cuadragésimo octava edición se dieron cita en el Camino del Canónigo un puñado de jóvenes maestros de hoy. La excepción a esta norma juvenil la puso el cantaor local Paco Marín ‘Dinerito’, que abrió la noche con un recital muy completo.

La Yiya.

Los responsables artísticos del Festival de Jódar, la Concejalía de Cultura y la Peña Flamenca, tienen a bien programar cada año a un artista local, sabedores de la enorme afición que atesora este pueblo de la Sierra de Mágina. La Yiya sobresalió en los cantes por soleá de Triana en homenaje a su maestro Naranjito y Jesús Méndez cerró la primera parte con ese turbión de voz único, arrollador.

Jesús Méndez.

La sorpresa de la noche fue una joven granadina de tan solo 13 años, Claudia la Debla, que ofreció un recital muy completo de tres bailes donde demostró que, aunque aún le queda un largo camino por recorrer, es una de las jóvenes promesas del baile de la ciudad de la Alhambra. Atesora ese gestualidad extrema, casi paródica, del Sacromonte, con una expresión corporal que toma no pocos préstamos de la danza del vientre.

Claudia la Debla.

Manuel de la Tomasa fue también una sorpresa para muchos aficionados de Jódar ya que el joven sevillano cantó lo que su abuelo llama “el himno nacional de mi casa”, la seguiriya de Manuel Torre, con una entrega absoluta, que sobrecogió al público jodeño. Cerró la noche un joven maestro, David Palomar, que además de hacer el repertorio de cantiñas del Mellizo y Aurelio Sellés, se entregó por seguiriyas y nos hizo gozar con su cante y baile festero por tanguillos y bulerías. Un gran broche de oro para una noche de mucha emoción dedicada a la memoria de Rafael Valera Espinosa.

Manuel de la Tomasa.

'La dulzura de la Pascua'. Cante: Esperanza Fernández, Jesús Méndez. Guitarra: Manuel Salado, Nono Reyes. Percusión: Carlos Merino. Violín: Sophia Quarengui. Coros y palmas: Toñi Nogaredo, Ana Reyes, Macarena Reyes. Fecha: Jueves 20 de diciembre. Lugar: Sala Cajasol, Sevilla. Aforo: Lleno.

El villancico tradicional y el moderno. El repertorio de la zambomba jerezana en dos voces de excepción y un coro. El repertorio moderno, edulcorado, suena más rancio que la ‘Calle de San Francisco’, con su frescura y picardía costumbrista o que, incluso ‘Huyendo del rey Herodes’, glosa de los evangelios que Jesús Méndez cantó, portentoso, evocando a su tía La Paquera. También hizo el de Jerez, como un trueno, ‘El peregrino’ y ‘El patriarca Manuel’ del repertorio moderno porque, pese a que en el programa de mano se presentan como “clásicos populares” lo cierto es que son temas que, a ritmo ternario, compuso Fernando Terremoto en los inicios del siglo XXI.

Esperanza Fernández lo tuvo francamente difícil: la llamaron 24 horas antes del estreno para que sustituyera a Antonio Reyes, en cama por enfermedad.Cuando salió al escenario a cantar ‘Los campanilleros’ a dúo con Méndez le falló el inalámbrico y luego, cuando se sentó, fallo el micrófono de pie. Sin embargo sacó el recital adelante con una bulerías de temática navideña de la Niña de los Peines, ‘Por los balcones del cielo’, y dos temas tradicionales, por tangos y tanguillos, estos últimos de melodía endiablada, de la zambomba jerezana. Si hay una artista capaz de salir de este envite esa es Fernández que, pese a tener que cantar leyendo los textos, brilló a su altura habitual, cerrando la actuación con una pataíta muy gustosa. Con esa afinación prodigiosa que ha heredado de su madre, tiene, como ella, hechuras de matriarca. Los miembros del coro hicieron un par de temas tradicionales y luego tuvieron la oportunidad de lucirse individualmente cantando y bailando por bulerías en el fin de fiesta.

Antonio Cortés Pantoja (Algeciras, Cádiz, 26 de julio de 1948 - Sevilla 16 de diciembre de 2018) toma el nombre artístico de Chiquetete de su tío, que formó el trío Los Gaditanos con Manuel Molina y Flores el Gaditano. Cortés se inició también en formato de trío junto a Manuel Molina y El Rubio con el nombre de Los Algecireños que pasarían a denominarse Los Gitanillos del Tardón en los años 60, puesto que los tres estaban afincados en Sevilla. Se inició, dado su dominio rítmico, en el cante para el baile de Matilde Coral y Farruco, entre otros. Su debut discográfico tuvo lugar en 1977 con RCA con un LP en cuya portada aparecía, mofletudo, fotografiado junto a un arriate de rosas en el Parque de María Luisa.

Era una obra tradicional aunque ya encontramos en ella algunos elementos de canción aflamencada, por ejemplo en los tangos ‘Amada, amante’ que abren la entrega. Las guitarras las ponían Enrique de Melchor y Paco Cepero que hacían también de compositores de los temas porque, a pesar de tratarse de un disco de flamenco relativamente tradicional, incluía letras y melodías nuevas, sobre todo en los estilos de fiesta, que fueron los que lo convirtieron en un habitual de los festivales andaluces: tangos y alegrías principalmente. El segundo disco, publicado ese mismo año por Zafiro, que sería la discográfica a la que se mantendría fiel el sevillano durante la mayor parte de su carrera, es una obra que sigue la línea estética de la anterior y en la que renuncia a su propio nombre para figurar en la portada solamente su remoquete artístico, ‘Chiquetete’. Incluye la soleá de Triana que será una de sus señas de identidad durante toda su carrera artística. ‘Triana, despierta’ (1979) es precisamente el título de su tercer disco y, aunque incluye un nuevo tema de Enrique de Melchor, la mayor parte de los temas están compuestos por Paco Cepero, productor de la obra, y Pedro Rivera, que se convertiría en el letrista flamenco de moda por su trabajo con Lole y Manuel. De marcado carácter trianero va a resultar ‘Altozano’, su entrega del 80 que presenta la curiosidad de ser una obra mixta: la primera parte incluye 5 cortes por sevillanas, incluido el éxito ‘Mis dos amores’, mientras que la segunda se compone de tangos, seguiriyas, fandangos de Huelva y unas nuevas sevillanas. Pepe de Lucía se encarga de la composición de los temas flamencos en tanto que las sevillanas van firmadas por Paulino González y José Manuel Moya, que asume la producción.

1981 va a ser un año fundamental en la producción de Chiquetete ya que con su álbum ‘Tu y yo’ va a alcanzar finalmente el reconocimiento del gran público. En realidad el disco no es tan diferente de los anteriores e incluye una fuerte presencia jonda. Nos encontramos, incluso, con una cartagenera firmada por Fosforito. Pero el tema que da título a la obra, producido por Miguel Ángel Varona, va a sonar en todas las emisoras de música ligera del momento, cambiando para siempre el perfil artístico del cantaor que así, al año siguiente, se metamorfosea en cantante melódico.  Repite Cepero como compositor y productor y Enrique de Melchor como guitarrista.

Pero el éxito radiofónico de ‘Tu y yo’ nos trae en 1982 ‘Aprende a soñar’ convirtiendo lo que era un experimento del disco anterior en la norma en este, ya que todo el material está arreglado por Varona que impone la orquesta ligera. La fórmula volvió a ser un exitosa tanto en éste como en los discos siguientes: ‘Ser amante’ (1983) y ‘Eres mía’ (1984). Eso sí, la voz del cantaor, puesta al servicio de un material más o menos volátil, seguía siendo flamenquísima. A estos siguen otros discos con la misma fórmula (‘Bohemio en el amor’ 1986, ‘Madrugada’ 1987) pero lo cierto es que el cantaor no logró alcanzar los niveles de popularidad conseguidos con las entregas anteriores. Al menos como cantante melódico. No podemos decir lo mismo con el género de las sevillanas.

En 1983 vuelve al género con ‘Mis sevillanas’, ahora con los arreglos orquestales de Varona, aprovechando además su pegada como cancionista, alcanzando de nuevo gran popularidad. De hecho su último gran éxito será ‘A la puerta Toledo’ el single del disco ‘Sevillanas (Sevilla sin tu amor)’ de 1988, en donde regresa a su primera discográfica. Después de eso el éxito masivo no volvería pese a intentarlo con acreditados productores del género melódico como Juan Pardo (‘Canalla’ 1989) o volver a Paco Cepero y Varona (‘Profesor de sueños’ 1991).  Sus últimos registros, en los 90, serían de sevillanas de Romero San Juan y otros (‘Torero de las estrellas’ 1992, ‘Sigo siendo río’ 1996 ‘Andaluz’ 2002).

'Fruto y flores'. Cante: La Fabi. Guitarra: Paco Heredia. Palmas y coros: Zambullo, Joni Cortés. Lugar: Teatro Quintero. Fecha: Jueves 13 de diciembre. Aforo: Casi lleno.

Me gustó la seguiriya en la que La Fabi dijo cuatro letras que nos encogieron el corazón. Se trata de esos estilos cortos, abruptos, a ráfagas que requieren toda la entrega emocional. Todo eso que los creadores jerezanos imprimieron a este cante. Allí cesó el grito para dar paso a la queja, al llanto, o la rabia. También en la taranta de Jaén, con un emotivo recuerdo a Gabriel Moreno y esos endiablados melismas que patentó, de los que La Fabi salió airosa y con los que pocos artistas se han atrevido a enfrentarse después de que lo hiciera el maestro de Linares. Los temas a ritmo de cantiñas, tangos extremeños, alegrías, jaleos o bulerías apelan a lo que ya conocíamos de la cantaora. Apelan a la épica, a la contundencia sonora y emocional, a la zona más aguda de su voz. Al bajo, a las palmas frenéticas.

Por eso en los cantes a guitarra sola cesó el turbión y pudimos apreciar los muchos matices que tiene la voz de esta cantaora que es una habitual del acompañamiento al baile, sobre todo en la compañía de Farruquito, pero que con Fruto y flores se da a conocer como una excelente solista, con una gran proyección. Ese salirse de su zona de confort, del camino seguro porque es efectivo y porque en él tiene reconocida la maestría, pero que ya está trillado, aportó lo mejor del concierto porque supone buscar nuevos registros artísticos en una cantaora de contrastada profesionalidad. Además, rendir tributo a los maestros en vida, como en el caso del linarense Gabriel Moreno, es un ejercicio poco habitual en nuestro entorno y que agradecemos enormemente. Paco Heredia, que ejerce labores de compositor y productor en el disco, arropó a la cantaora con oficio y seguridad.

'María Toledo en concierto'. Voz y piano: María Toledo. Guitarra: Jesús de Rosario. Percusión: Isidro Suárez. Teclados: José María Cortina. Coros y palmas: Noemí Humanes, Tamara Heredia. Bajo: Natanael Borja. Lugar: Teatro Lope de Vega, Sevilla. Fecha: Domingo 10 de diciembre. Aforo: Lleno.

Un espectáculo con mucha energía. Dos horas de música y de entrega. Porque esta cantaora es una entusiasta. De su propio repertorio y del ajeno. Tiene una voz poderosa a la que se arroja sin red. Y se acompaña, además, de algunos acordes de piano, atreviéndose incluso a alguna otra variación melódica, lo que da variedad sin duda a su puesta en escena. Una intérprete de voz poderosa y también carismática, con una imagen muy potente. Y con un público entusiasta, que canta a voz en grito las canciones desde su butaca. Si hay algo que María Toledo hace a la perfección es involucrar a su público en la propuesta. No se trata de un concierto en el que el espectador adopta un rol pasivo.

‘Rancapino chico en concierto'. Cante: Rancapino Chico. Guitarra: Antonio Higuero. Palmas y jaleos: Tate Núñez, Manuel Vinaza, Manuel Cantarote, Luis Santiago. Lugar: Teatro de Los Remedios. Fecha: sábado 8 de diciembre. Aforo: Casi lleno.

Una voz cálida, absolutamente personal. Un enorme sentido del ritmo. Y una afinación prodigiosa. Además del respeto absoluto al canon paterno, que alcanzó su cénit en la malagueña del Mellizo, hito de una noche prodigiosa. Esos son los valores de Rancapino Chico, que le han llevado a escalar, en poco tiempo, un lugar privilegiado en el actual Olimpo jondo. Siempre desde una óptica tradicionalista del cante, a la espera de su primer disco en solitario, que está ya en la fase de postproducción y que, previsiblemente, no arrojará sorpresa alguna. Estamos hablando del concepto de clasicismo flamenco, respecto al género del cante, que se estableció en los años de hegemonía de Rancapino padre, los 70 y 80. Incluyendo, no sólo una revisión enfática del legado de Caracol, en los fandangos y en la zambra o Aurelio Sellés en las cantiñas y malagueñas. También los tangos melódicos con estribillos lolailos que hicieron furor en esas décadas y que fue uno de los números más aplaudidos en el Teatro de los Remedios.

Rancapino puede firmar sin que su discurso se resienta algunas letras y melodías compuestas para su padre por Paco Cepero. Por algo llevan el mismo remoquete artístico, mecionado hasta en tres ocasiones en el desarrollo de los cantes del recital de anoche. Lo que aporta Rancapino hijo es una visión reposada, autocontemplativa y extática frente a la naturalidad del modelo paterno. Y alguna ampliación de repertorio, más allá de la Bahía gaditana, por ejemplo en la soleá trianera que abrió el recital. Es decir, sin salirse del concepto del que hablábamos arriba.  Rancapino chico es un gran cantaor en la plenitud de sus facultades. Que domina los recursos y conoce a la perfección un repertorio que identifica con su propia historia, personal y familiar. Su mensaje ha ido calando como una lluvia fina y para muchos es una tabla a la que aferrarse frente a lo que ven como la disolución del canon tradicional y que no es otra cosa que dar un pequeño salto fuera de los tópicos para disfrutar de la música y la melodía real, de carne y hueso.

‘Altano'. Baile, coreografía y dirección: Rubén Olmo. Baile y coreografía: Eduardo Leal. Cante: José Luis García 'Cheo'. Piano: Alejandro Cruz. Percusión: David 'Chupete'. Palmas: Sofía Suárez, Aitana Rouseau. Lugar: Sala Cajasol. Fecha: Jueves 29 de noviembre. Aforo: Lleno.

Un espectáculo tenso, muy enérgico y técnico. Por eso el paso a dos del Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, recuperado para esta presentación, fue un reducto de paz, de lirismo, de dulzura. La compenetración de los dos bailaores es total en las tres piezas que hicieron juntos, incluyendo la seguiriya con las blusas de flecos, espectaculares en las vueltas, y el número final con los vistosos mantones llenando la escena toda. Pero me quedo con el paso a dos mencionado por la delicadeza y la verdad, porque ahí se paró el frenesí y pudimos disfrutar de la danza, del puro gusto de mover el cuerpo al compás de la melodía. Por la compenetración a la hora de usar el capote como si se tratara de un único intérprete.

Y ¡qué melodía! La que firma Rafael Riqueni. Correspondió un solo a cada bailaor, aunque las dos interpretaciones respondieron a una misma estética. Eduardo Leal hizo una soleá hipnótica, muy solemne, percusiva. Y el taranto fue, en algunos pasajes, atronador, conjugando el patetismo de los cantes mineros con el sentido lúdico del tango en el que Olmo se recogió y se gustó. Nos gustó.El grupo estuvo a la altura de la enorme exigencia técnica que se le requería desde el baile y nos ofreció un par de instrumentales a cargo del piano y la percusión. Al final del espectáculo su director ofreció un pequeño parlamento, algo que ya se está convirtiendo en norma en los últimos tiempos, recordando la grandeza de este ciclo que ha protagonizado el jondo sevillano en las dos últimas décadas y que poco a poco se va muriendo o lo van matando. Completamente de acuerdo.

Imágenes: Remedios Málvarez/Fundación Cajasol.

VIII Festival Rincón de Peñas. Baile: Manuela Carraco. Cante: Mari Peña, Antonio Reyes, Jesús Méndez, Enrique el Extremeño. Guitarra: Joaquín Amador, Antonio Moya, Diego Amaya, Manuel Valencia, Ramón Amador. Percusión: José Carrasco. Lugar: Teatro Lope de Vega, Sevilla. Fecha: miércoles 21 de noviembre. Aforo: lleno.

Manuela Carrasco volvió a Sevilla después de algunos años y con el flamante galardón que concede la Fundación Cruzcampo, el Compás del Cante, que recibió hace dos días, del brazo. Volvió con su baile más emblemático, la soleá, esa que forma parte del patrimonio flamenco contemporáneo y que ya ha pasado a la historia. Bailó la sevillana con esa convicción, con esa seguridad. Un baile reposado, pleno de poses, que de repente se desmelena y explota, empujado por la hipnótica rueda de acordes de la soleá. Y con el cante radical, poderoso, visceral, como el baile mismo, de Enrique el Extremeño. Esta pareja se conoce bien, son viejos amigos y esta soleá es su soleá.

Méndez trajo el compás y el carisma de Jerez. La entrega absoluta en cada tercio de la seguiriya, agotadora, muy exigente al nivel emocional. O de la bulería por soleá, ese cante jerezanísimo. Por fiestas caracoleo un rato, después de hacer los estilos cortos de su tierra, y terminó dándose una pataíta.

También el chiclanero Antonio Reyes se acordó del ‘Romance de Juan de Osuna’ y de otras zambras caracoleras que siempre arrancan el ole del público. Por soleá se mostró equilibrado como corresponde a los estilos del Mellizo y Paquirri el Guanté. Y en los tangos, ya saben, el estribillo lolailo en el que cabe de todo, incluso un fandango de Vallejo.

Mari Peña demostró el salto de calidad que ha dado su arte indagando con seguridad en ese compás reticente característico del arte de Utrera. Rotonda y al mismo tiempo cálida, su cante huele a profundidad telúrica, a tierra seca sobre la que cae un repentino chaparrón. Acabó su recital cantándose para bailar. En el acto se hizo entrega de la musa flamenca a Antonio Benítez y a José María Fatou, coordinador y tesorero respectivamente de la Federación de Entidades Flamencas de Sevilla, organizadora del acto.