#danthe

Acabo de terminar #Celeste en #NintendoSwitch Desde que lo compré por un precio muy bueno, lo he jugado entre partidas. Aunque queda un epílogo por pasar, quiero recomendar este juego por varios puntos:

Autoconocimiento: Celeste es un pico que el personaje quiere subir aunque no sabe por qué. En el camino, mediante diálogos nos daremos cuenta de su importancia para su autoconocimiento. El personaje sufre de crisis de ansiedad y de depresión. Junto a esta experiencia, se tratará estos problemas y nos enseñará cómo sobrellevarlos.

Historia: la historia cruza matices personales y cuenta con personajes carismáticos. Es una historia llena de empatía que insta a descubrir. A pesar que es un juego de plataformas, la historia y el diálogo no sobra.

Jugabilidad: Es difícil pero, se puede sobrellevar. Además, tiene distintas ayudas para disfrutar el juego. Celeste es una experiencia que se debe repetir y narra muy bien por lo que pasa su personaje. Cada vez que se termina una parte, uno se pregunta ¿era tan fácil? Superar cada prueba implica conocerse, aceptar que las cosas no salen bien en la primera y que a veces el problema es menos de lo que pensamos.

Distintos jugadores: Es un juego que gusta a jugadores hardcore como los light, como yo. Se puede disfrutar desde muchas ópticas y hasta en familia.

Esta idea de encapsular algo o alguien en un cuadro, el símbolo de conclusión y de compromiso recuerda mucho a lo visto en Retrato Oval de Edgar Allan Poe o bien, El retrato de Dorian Gray de Wilde. En efecto, esta película hará malabares con todos los lugares comunes y con una temática lenta y aburrida. Solo que, no es aburrida y la lentitud mantiene las ganas de que el tiempo no pase.

Esta Penélope no quiere que vuelva Odiseo

Quiero comparar la película con Odiseo pues hay muchas escenas que recuerdan este cuadro clásico. No obstante, en la historia narrada por Homero, la figura está centrada en Odiseo, su viaje y en la desesperación de Penélope. En Retrato de una mujer en llamas (2019) no hay necesidad de su regreso pero siempre está eminente. Además, la criada siempre está tejiendo. No hay huéspedes, el huésped es Marianne y logra conquistar a nuestra Penélope (Héloïse).

Por otra parte, el trabajo voyeurista de Marianne es fenomenal. Es una poética de la creación artística que nos hace recordar a una foto, una prohibida. Hace un tiempo, en un curso de la Universidad nos habían pedido fotografiar gente para usarlas en un estudio sociológico. Fue muy invasivo y retratar a alguien sin su consentimiento es muy delicado.

En la posición del artista, esta recurre a estrategias de tabula rasa y, por último, transcribe su trabajo en la noche. Penélope destejía en la noche, Marianne pinta de noche y no quiere rastros.

En su proceso, ocurre lo que se sabía y nos mantenía en tensión: se da la conexión sentimental. Pero, algo que sobresale de esto es que no hay escenas de sexualización. El erotismo se da desde los pinceles, desde la cercanía, desde los pigmentos, desde la confidencia femenina.

Otra clave de la técnica de la directora, Sciamma, se encuentra en los cuadros. Unos recuerdan a esa intromisión velazqueliana, sitúa en sus enfoques la tierra como principal elemento y, como más importante: no sobra nada.

A este elemento último, se debe agregar que no hay escenas de sexo explícito, no hay transición de pérdida en la despedida de Héloïse y Marianne. Y como destacado, su última escena es una premonición porque, hasta las visiones que tenía Penélope, las tiene Marianne.

Al final de la película, nos encontramos con un epílogo. Marianne extraña a Héloïse y se presenta como cuadro y luego, lejana en un teatro. Es que quizás, hay un antes y después del arte. Quizás, como todas las alertas de textos donde pintar arranca la magia de un algo y muy platónico, la forma y la esencia se distancian.

1:40:43 Marianne: Ven conmigo Heloise: ¿Cuándo sabremos que está listo?  Marianne: En un punto paramos. Está terminado. 

Nunca se sabe cuándo algo está concluso. Solo se abandona. En la escena citada anterior, se muestra un ars poetica. ¿Cuántas veces nos hemos preguntado por el fin de algo?

En fin, Retrato de una mujer en llamas (2019) es quizás una de las propuestas más artísticas, bellas y atropelladoras de Cannes 2019. Es una caricia a la pupila, un holocausto de oleo. #buenprovecho

Cine de calidad para el sector popular

El primer tropiezo de esta película es su público meta. Es cierto, los cómics se posicionan como material de culto, intenso, profundo y encadenado siempre apunta hacia un público amplio y variado. Es por eso que cuando sale una entrega debe tomarse en cuenta los nuevos espectadores y cómo entender todo sin haber conocido anteriormente las historias. 

Esto ha pasado en el espacio de los videojuegos. Nintendo ha reiniciado sagas como Mario o Pokémon para que sea fácil a los niños y nuevos videojugadores enfrentarse con universos tan amplios. Por supuesto, los puristas no han visto con agrado estos intentos.

Los cómics son ese sector que se ve como un campo fácil de consumir, algo de ocio pero que los fans conocen como territorio entramado y complicado. Por eso, es tan difícil aterrizar una película con tanto tiempo y que busca agradar a los nuevos y satisfacer a los fanáticos.

Aquí es donde peca esta película. Y viene un #spoiler para quienes no hayan visto la película. La trama de demencia del personaje principal, Fleck, se acerca a la alucinación de Fight Club. Sin embargo, el placer de la anagnórisis de Norton es mucho mejor lograda. Guasón explica lo lógico para caber en el público que busca: vuelve blanda la complejidad.

Horizonte de expectativa

Otro problema que enfrenta la película es la distancia entre contenido y título. En mi criterio, es aprovechar un nombre posicionado para presentar una trama que pudo corresponder a cualquier otro título sin ser Guasón.

Pudo llamarse Juanito y seguir teniendo la misma trama

Esa frase surgió de mi hermano en broma y poco a poco se hizo realidad. Es más claro cuando se evoca la estética de la recepción, en específico, el horizonte de expectativas. Cualquiera acudió a esta película con grandes expectativas debido a la acumulación de experiencias anteriores. A esta trama se le agrega, la cercanía a intención con #Lacasadepapel. (Sí, hay un paralelismo bien explícito, aunque se pueda decir que Guasón fue previo).

Debido a este horizonte de expectativas, la película que es buena por sí misma, recibe un apoyo que ningún filme alternativo hubiese tenido. Parece ser una excelente película con un nombre posicionado.

Punto Fuerte

La estética, la actuación y la historia es lo más ameno de la película. Es una ejecución perfecta de la técnica. Se incorpora todo lo que en estos años ha aprendido Warner en producciones taquilleras. También, es un conteo hacia la desgracia.

La presencia de elementos futuristas es un plus para el espectador esnob como yo. Las escenas de ciudad (a excepciones de unas cuantas) son indicadas y las específicas. La ciudad es presentada como un demoledor de personas, caracterizado por la rapidez y la máquina. Hay una escena en específico que resume ello: una toma aérea con la línea de tren en el centro (en realidad un poco descentrada y eso es lo que la hace genial).

Cada símbolo modernista y futurista es manchado en la película. Por eso, insisto en que el consumidor promedio irá por Guasón pero se llevará consigo, sin saberlo quizás, una colección de escenas bien logradas.

Lo negativo 

La película cae en el lugar común del mal como algo relativo. Es tan tedioso ver una película que gira alrededor de un anti-héroe exaltado. Quizás, al espectador promedio le parezca innovador pero el cine y la literatura lo viene presentando desde hace siglos.

Se puede justificar diciendo que esto ya se venía trabajando desde el cómic o en otras películas. Sin embargo, que aparezca ahorita, en la coyuntura social y política tiene mucho de conveniente.

Peligrosa

Último punto que me fue aterrador es el contenido político en esta película. Siendo sincero, me provoca un dilema moral pues no suelo criticar al arte desde lo moral. Sin embargo, no pude dejar de pensar en el alto contenido político y conflictivo para nuestro contexto bélico (EEUU). Me refiero a toda la idea purista y racial de distintos países.

Hace un par de años, en Costa Rica estaban alarmados ya que los jóvenes estaban leyendo Mi Lucha de Hitler. Decían que no tenían herramientas y terminarían haciéndose nazis. No solo los jóvenes no tienen herramientas. De hecho, un adulto bombardeado por los medios no estará listo para una película como Guasón.

Producciones como La Casa de Papel han herido de forma pop las luchas políticas. Eso es lo que logra la mediación fílmica. Por eso es tan peligroso Guasón.

El manejo desde lo comercial, el horizonte de expectativas, la empatía, la excelente ejecución y el mensaje político puede desatar en cualquiera un espíritu violento de limpieza. Es más, se puede ver como un La Purga con gran calidad. Esta comparación al tipo de fenómeno: trae conceptos clásicos y filosóficos de forma popular sin dar herramientas.

Conclusión

Quizás esta reseña pueda sonar pedante y elitista. Creo que es por mi estilo de escritura y por mi lectura desde mis profesiones. Guasón es una película peligrosa, que debe ser discutida no desde el universo de los cómics sino como fenómeno social.

Hace un tiempo, noto que hay canciones, poemas y en general, literatura que se enfoca en las cosas. La cultura pop está volviendo la vista hacia los objetos cotidianos. Por ejemplo, recuerdo haber leído un poema que trataba de audífonos y muchos con cuestiones de teléfonos en la Alt-Lit.

La acumulación de las cosas como elemento contemporáneo

Las cosas en la sociedad no aparecen de la nada. Todo obedece a necesidades, aunque no nos guste. Por ejemplo, las cosas negativas como el odio, guerras o competencia, se debe a necesidades sociales. Son producto de nuestras acciones. La acumulación de objetos es un bien cultural común. Se evidencia en productos pop, por ejemplo, las series de Acumuladores Compulsivos o la  de Netflix Marie Kondo que nunca vi porque es muy aburrida.

Quizás acumulamos por el vacío, misma motivación que lleva a escribir a las chicas de Cariño. Tengo una caja llena de cosas viejas y me resisto a abandonarlas. Muchos de los textos que escribo se relacionan a objetos. Puede ser, entonces, que haya una poética a partir de los objetos. Esos, que guardan historias y los que tiramos cuando cortamos con nuestra pareja.

En una entrevista, una de las integrantes decía que escribía porque decir te quiero en poesía suena mal. Lo cierto es que en música también. Sin embargo, la forma en la que se aborda en Cariño es una forma innovadora. Toda esta ternura melancólica y la música feliz es la que alimenta el lugar común y lo replantea.

Otro rasgo interesante de la música de Cariño son sus listas. Hay listas de compras, de desechos y de objetos significativos. La vida en sí es una lista. Cuando recordamos a alguien, enlistamos sus características. La lista es el enlace de las cosas con nosotros 

La poética de los objetos se debe a nuestro apego a las cosas

Dice por ejemplo “Canción de pop de amor” de Cariño: 

Voy a escribirte una canción Por cada vez que te he echado de menos Voy a llenar tu disco duro De canciones con te quieros Voy a triunfar para sonar en la radio Para que así me tengas que escuchar Voy a escribirte en un mensaje Que sin ti no sé flotar Voy a enviarte todas las cartas De las que nunca fui capaz Repletas de cupones descuento De mi amor sin caducidad

Las listas en Cariño tienen un tinte de catálogo de cosas en un apartamento. Algo que me recuerda, de nuevo una referencia contemporánea, a Tuca y Bertie, una serie de Netflix. En ella se narra las aventuras de dos amigas y, al inicio, ella se va del apartamento. Esa es la primera migración. Luego, en avanzados capítulos, se ve cuando Tuca acomoda su apartamento. Ahí es cuando nota su vacío.

Nos hemos vuelto humanos de espacios habitados por nuestros objetos. Luego de la limpieza, nos llega la melancolía. Limpiar es el problema de lo efímero. Por fortuna, la entropía siempre desordena todo.

El semestre pasado llevé un curso de retórica clásica y de ello saqué muchos temas recurrentes e interesantes para el análisis de lo inmediato. Uno de esos, debido a que en ese momento estaban las votaciones, fue la retórica del miedo. Sí, hablo del primer semestre del 2018 donde Fabricio Alvarado aprovechó el miedo para manejar a las personas. Según el profesor, es la estrategia más fácil: 

pathos mata a logos.

Sumado a esto, hay otro concepto interesante que puede dar luz a lo acontecido el 17 de agosto en San José (un grupo de personas se manifestó en contra la migración de nicaragüenses). Hay un libro escrito por Goethe que provocó en aquel entonces una cadena de suicidios. Por el título de ese libro, un sociólogo lo llamó “síndrome de Werther”. Desde que se sociólogo detecto esta peculiar epidemia, la prensa tiene limitada la forma de expresar estas noticias. Claro, la información es un arma.

Lo sabía Hitler, lo sabía EE UU con su propaganda roja, lo debemos de saber. Y claro, no hablamos de una prensa elitista, hablamos del sector popular, de horarios pico. Estas noticias, que enseguida se verán, estuvieron expuestas y redactadas para y desde el interés de producir miedo en el sector popular.

El génesis fue el video

Míren, este fue quizás uno de los más importantes, salió el jueves antes de la protesta. Video: http://www.repretel.com/actualidad/la-merced-disputa--territorio--asaltos-124363

De allí, se desprender varios titulares:

Hay un interés de problematizar, “mala leche” diríamos y no informativo. Es evidente el fin destructivo de la prensa. Seamos un poco utilitaristas: ¿de qué sirve saber que los emigrantes se quejan de estar en conjunto con otros? ¿Por qué incluir un comentario tan negativo como el de la entrevista?

Esta es la captura del reportaje que quizás detonó la marcha. Fue pasado un jueves y la manifestación ocurrió un sábado. Se pasó en varios horarios y fueron enfáticos en la idea de ir perdiendo territorio. Sumado a esto, la cobertura resaltada de los últimos crímenes a turistas.

Esta última, es evidencia de la atención que hay que poner al orden sintáctico. Además, ¿qué clase de información es “se dice está de manera ilegal”? ¿Es responsabilidad periodística o de corte editorial? ¿Será mejor la censura?

Como último punto, quiero traer a colación algo que he llegado a conversar con mis estudiantes. No es novedad decir que el lenguaje es ideología. Ahora bien, lo que se dice u omite, la forma y cómo se ordena las palabras dice mucho de quien se expresa. Por ejemplo, el poeta desordena las palabras en su sintaxis para darle énfasis a otras (hiperbaton). En español, ocurre una resta de valencias, por ejemplo, la construcción pasiva. 

Él me entregó la carta (contrucción tradicional)

La carta fue entregada (construcción pasiva que anula al sujeto.

Se entregó (contrucción impersonal)

Se quebró el vaso (construcción que anula la culpa del sujeto)