#allison knowles

Artists’ Book Display for the week of November 4th, 2019 

by Alison Knowles by Alison Knowles- New York: Something Else Press, 1965

Neve by Richard Tuttle- Galleria Marilena Bonomo, 1985

Stampland. by Clifton Meador- Atlanta : Nexus Press, 1988

From here to there by Stokley Towles- Seattle: Cling Peaches Publications, 1994

“Take me (I’m Yours)” fu presentata per la prima volta nel 1995 alla Serpentine Gallery di Hyde Park a Londra, luogo molto suggestivo che ben si presta (o si prestava), alle sperimentazioni, poiché l’ultima volta che ci sono stato mi è sembrato un padiglione per gli spassi ed i sollazzi dell’aristocrazia inglese, più che un centro di sperimentazione. L’idea venne ad Hans Ulrich Obrist (curatore) e Christian Boltanski, artista contemporaneo piuttosto noto. Alla base dell’idea c’è il gioco, che gioco rimane, quello di fare esattamente il contrario di quello che si fa in una esposizione d’arte: le opere si devono toccare, si possono alterare, si possono persino prendere e portare a casa ed altrettanto si possono depositare opere proprie. L’idea che guida questo curioso (ma non nuovissimo), happening all’Hangar Pirelli Bicocca di Milano, è quella della “dispersione”. Già nel 1995, Boltanski si cimentò con qualcosa di simile con la sua memorabile installazione intitolata “Quai de la Gare”: una montagna di indumenti che tutti potevano toccare, scegliere, prendere. La ricordo bene nel salone delle feste della Gare (Musée) d’Orsay. Cosa è cambiato dal 1995 ad oggi? Potremmo rispondere “tutto”, ma i curatori della mostra sottolineano come siano soprattutto due le condizioni ad essere mutate: la prima è l’assoluta policentricità dell’arte; gli happenings non sono più “eurocentrici”, le avanguardie non sono più ad appannaggio del mondo occidentale; non per nulla, nell’edizione dell’Hangar, lo spettro degli artisti è piuttosto variegato sia nei generi che nelle provenienze, si va da Alex Israel a Angelika Markul, da Rirkrit Tiravanija, da Mohamed Bourissa a Ian Cheng. Il secondo aspetto mutato è la concezione di “condivisione”, che da oscuro concetto paleo-comunista è diventato il verbo più usato nel nuovo mondo dei “social” e del Web. E anch’io come tanti altri visitatori-artisti ho voluto, disegnare, prelevare indumenti, strappare fogli, affiggere locandine, apporre timbri, anch’io insomma ho voluto giocare a questa simulazione d’arte diffusa. Ho portato con me tre oggetti rossi da deporre sulla scacchiera di Alison Knowles, ho lasciato una fotografia scattata a Beaubourg nel 1989 nello “Street Museum” di Yona Friedman, insomma anch’io ho giocato, come avevo giocato seminando grano sotto i grattacieli di Porta Garibaldi nella semina di Agnes Denes, qualche anno fa. A me piace giocare, oserei dire che non faccio altro. Per la verità però questo non era nemmeno un gioco, ma una simulazione di un gioco. Qui è come se vigesse un “facciamo finta che”, di modo che il pubblico si illuda davvero di far parte di un processo creativo, ma così non è, perché se gli stracci di Boltanski giocano il ruolo degli stracci, e tornano ontologicamente ad essere stracci, altri stracci dell’arte contemporanea, come quelli della “Venere degli stracci” di Michelangelo Pistoletto, non sono affatto stracci, ma sono ancora circondati dall’aura di cui parlava Walter Benjamin e soggetti a tutte le regole del mercato. Per concludere, è stato bello illudersi per un paio d’ore, di poter disporre delle opere a proprio piacimento, solo che come si diceva una volta “ci comunicano che non è vero”. Provate a disperdere le biglie di vetro di Mona Hatoum o tirare le piume a Titti di Jeff Koons e se riuscirete a restare fuori dalla galera, potremmo davvero dire che la nuova frontiera dell’arte siano la “dispersione” e la “condivisione”.

Artists’ Book Display for the week of April 1, 2019

Four suits by Alison Knowles- New York : Something Else Press, 1965

Crooning : The Golden Years by Munro Galloway- New York, NY: Chairman Editions, 1996

Real estate opportunities by Edward Ruscha- Los Angeles, E.Ruscha, 1970

Foxtrot oscar lima lima yankee by Clifton Meador- Purchase, N.Y. : center for editions, 1991

Es wurde ein neuer Beitrag veröffentlicht im Kunstblog von Kunstplaza unter http://www.kunstplaza.de/grafikdesign-2/roy-lichtenstein-leben-mit-der-kunst/

Roy Lichtenstein - Leben mit der Kunst

Im Artikel “Roy Lichtensteins Weg zum Ruhm” wurde eben dieser dargestellt, und auch wie das Ganze endete, nämlich in einer geradezu unglaublichen Wertsteigerung seiner Kunstwerke. Dabei hat Lichtenstein lange warten müssen, bis seine Kunstwerke ihn überhaupt ernährt haben:

Leben und Kunst oder Leben für die Kunst? Lichtenstein hat es ausprobiert

Roy Lichtenstein war fast 40 Jahre alt, als er seinen künstlerischen Durchbruch erleben durfte, und für diese Tatsache gab es auch Gründe: Lichtenstein hatte sich nie unter den Vollblutkünstlern eingereiht, deren Leben aus Kunststudium und Kunst machen und Zeit mit Künstlern verbringen und aus sonst nichts anderem besteht. Lichtenstein war Künstler und normaler Mensch – er begann eine Ausbildung zu einem ganz normalen (Lehrer-) Beruf und wurde zum Militär einberufen, er konnte den Umstand, dass das Militär ihn nach Paris geführt hatte, nicht wie geplant für seine künstlerische Fortbildung (und die Bekanntschaft mit Picasso) nutzen, weil er wegen einer schweren Erkrankung seines Vaters zurück in die Heimat musste. Er beendete seine Lehrer-Ausbildung an der Ohio State University nach dem Krieg und hatte dann zwar ein Studium zum Master of Fine Arts begonnen, aber 1949 seiner “freien Entwicklung als Künstler” ein weiteres Hindernis in den Weg gelegt, indem er heirate und in den nächsten Jahren mit seiner Frau Isabel Wilson zwei Söhne bekam.

Roy Lichtenstein auf der 33. Biennale, Venedig (1966); Fotografie von Erhard Wehrmann Quelle: Kunststiftung Poll [CC BY-SA 3.0 de], via Wikimedia Commons

Lichtenstein war also für die Ernährung einer Familie mitverantwortlich, und er arbeitete in den 1950er Jahren in allen möglichen Jobs, die weniger seiner künstlerischen Entwicklung und mehr der Bereitstellung des Lebensunterhalts dienten. So hatte er im ersten Teil seines Lebens wirklich nicht endlos Zeit, um sich mit künstlerischen Experimenten und der eigenen Stilfindung zu beschäftigen – er nahm in einem Umfang am wirklichen, prallen Leben teil, der es auch einem Kreativen nicht leicht macht, nebenbei ausgesprochen feinziselierte künstlerische Ideen zu entwickeln.

Aufwachen, Lichtenstein! Oder: Was ein neuer Job alles bewirken kann

Dieses Leben in Ohio mit gelegentlichen, der Kunst geschuldeten Ausflügen ins 750 km entfernte New York wäre vielleicht noch ewig so weitergegangen, wenn Lichtenstein nicht 1960 eine Lehrtätigkeit an der Rutgers-Universität in New Jersey angenommen hätte. Denn hier kam er in ein konzentriert kreatives Umfeld und lernte all die Künstler kennen, die heute zu den “Vätern der Pop-Art” gezählt werden.

An der Universität in Ohio hatten sich einige der wichtigsten zeitgenössischen Künstler versammelt: Jim Dine und Claes Oldenburg, Lucas Samaras und George Segal, George Brecht und Geoffrey Hendricks, Dick Higgins und seine Frau Allison Knowles, George Maciunas und Robert Whitman, alle scharten sich in New Jersey auf dem Campus der Rutgers University rund um zwei Professoren: Allan Kaprow, den “Erfinder des Happenings”, Robert Watts, Bildhauer und Expressionist und Fluxus-Freund.

So viel Kreativität beflügelte auch Lichtenstein erneut und bestärkte ihn, auch den verrückteren seiner Einfälle nachzugehen. Bisher war Lichtensteins künstlerischer Ausdruck eher dem Expressionismus zugeneigt, dem eigentlichen “künstlerischen Mainstream” der Zeit, in dem sich Lichtenstein nicht so richtig zwischen die zwei herrschenden Schulen einordnen konnte: “Action Painting” oder die “introvertierten Expressionisten”, die mit großflächigen Farbaufträgen “zur Meditation aufrief”. Die Werke, die bei diesen Positionierungsversuchen herauskamen, hatten auf jeden Fall in den New Yorker Ausstellungen bisher keine große Aufmerksamkeit erregen können, erst recht nicht, als er Ende der 1950er Jahre immer mehr an seinem Stil zweifelte.

Lichtenstein hatte danach bereits begonnen, mit Abbildungen verschiedener Comic-Figuren und Disney-Charakteren zu experimentierten, hatte diese ersten Disney-Bilder aber nie öffentlich gezeigt. Diese Bilder wurden vielmehr von ihm selbst wieder übermalt, er gab später zu, dass er sie eher als “Verzweiflungstaten” eingeordnet hatte. Schade eigentlich, denn diese Bugs Bunnys, Donald Ducks und Mickey Mouses hätten ihm gar nicht so viele Jahre später wahrscheinlich sehr viel Geld eingebracht.

Denn als sich Lichtenstein nun anstecken ließ von den Ideen der Kreativen um ihn herum, war das Ergebnis dieser Experimentierphase, dass er sein bisher erworbenes künstlerisches Können absichtlich komplett “vergaß” und als erstes Bild ohne expressionistischen Einschlag eben ein solches “Comic-Bild” schuf. Damit war der typische Lichtenstein-Stil geboren, “Look Mickey” folgten noch im gleichen Sommer 1961 einige andere Bilder in diesem neuen Stil, in dem er klare und durch kräftige Linien abgegrenzte Bilder mit einfarbigen Flächen, imitierten Elementen der industriellen Drucktechnik (Ben-Day-Dots) und der aus dem Comic bekannten Sprechblase kombinierte.

Im Herbst 1961 vermittelte Professor Kaprow ihm einen Termin mit Ivan Karp, dem Direktor der angesagten New Yorker Leo Castelli Galerie, dem Lichtenstein einige seiner Bilder im neuen Stil vorlegte. Karp schätzte die Bilder als vielversprechend ein und zeigte sie deshalb seinem Chef Leo Castelli, beim “Girl with Ball” soll Castelli entschieden haben, Lichtenstein zu vertreten, “Look Mickey”, die einzige Abbildung eines Comic-Charakters, bekam er nicht von Karp gezeigt.

Lichtenstein “in aller Munde” – ohne Castelli fast undenkbar

Vielleicht war es diese Unterlassung, die Lichtensteins Karriere erst ermöglicht hat, denn Andy Warhol hatte etwa gleichzeitig begonnen, Comic-Figuren in seiner Kunst zu verarbeiteten, er soll diese Comic-Bilder ebenfalls in der Castelli-Galerie gezeigt haben und damit abgelehnt worden sein. Anderseits – Castellis Ablehnung und die Vereinnahmung der Comics durch Lichtenstein sollen Warhol veranlasst haben, sich von den Comics ab und den Konsumgütern zuzuwenden, und damit ist er heute die Nr. 1 in der “ewigen Rangliste der Kunst”, und Roy Lichtenstein nur auf Platz Nr. 23.

Aber das kommt alles viel später, jetzt im Jahr 1961 hat Lichtenstein es erst einmal geschafft, in einer der damals gefragtesten New Yorker Galerien unterzukommen, und damit ging es steil nach oben: Die ersten Bilder wurden schnell verkauft, seine erste Einzelausstellung war ausverkauft, bevor sie eröffnet war, Lichtenstein konnte nun von seinen Bildern leben.

Er ordnete daraufhin sein Leben völlig neu: Die durch ein Jahrzehnt gemeinsam verbrachter Hinterland-Winter, die Jahre des Existenzkampfes oder sonstwie verschlissene Ehe mit Isabel Wilson wurde geschieden, Lichtenstein zog ins Kunstzentrum New York, er lernte andere Größen der Pop-Art wie Robert Rauschenberg and Jasper Johns kennen und konzentrierte sich nur noch auf die Malerei. Castelli hatte gute Verbindungen nach Europa, durch seine ehemalige Frau Ileana Sonnabend wurde Lichtenstein auch in Europa bekannt gemacht.

Tatkräftige Produktion im Lichtenstein-Stil

Das war’s – In der 1960er Jahren wurde Lichtenstein immer berühmter, 1963 entstand sein wohl berühmtestes Bild “Whaam!”, das schon 1966 in der Tate Modern in London hängt. Er erschuf in der folgenden Zeit eine Vielzahl von Kunstwerken, widmete sich unterschiedlichsten Themenbereichen, Plastiken und Installationen von Kunst-Objekten und malte nicht selten gleich in Serien. Vielleicht in bewusster Abgrenzung zu Andy Warhol nutzte Lichtenstein niemals Fotografien als Vorlagen, sondern setzt weiter auf Comicserien oder kommerzielle Druckerzeugnisse wie das Branchenbuch, aus dem “Girl with Ball” entstanden war, und er produzierte immer sichtbar im besonderen Lichtenstein-Stil.

Im frühen Werk hatte er noch viele Themen ausprobiert, mit teilweise nachvollziehbaren Vorlagen und unter Einbezug sehr einfacher Objekte, er ließ sich damals wie Warhol von der neuen Flut kommerzieller Werbung für neuartige Gebrauchsgeräte beeinflussen. So entstanden Bilder wie “Sock” (“Socke”), “Roto Broil” (“Friteuse”) und “Washing Mashine” (“Waschmaschine”), alle noch von 1961, die alle von Kunstkritikern verdammt, aber wegen der neuen und subtilen Darstellung von Castellis Kunden begeistert aufgenommen wurden.

Lichtenstein führte die Verbindung von Kunst und Kommerz gezielt fort, ein erster Höhepunkt war das Bild “Art” von 1962, das nicht mehr als eben dieses Wort auf fast zwei Quadratmetern darstellte. Es folgten Abstraktionen des Comicstils, die an Picassos Bilder erinnerten, Keramik- und Metallskulpturen und Landschaftsgemälde und Pinselstrich-Serien, immer gleich blieb die Zusammensetzung farbiger Flächen mit kräftiger schwarzer Umrandung und punktierten Bereichen.

Mit dieser Produktion beginnen die großen Ausstellungen: 1964 wird Lichtenstein als erster Amerikaner in der Londoner Tate Gallery ausgestellt, 1967 findet im Pasadena Art Museum in Kalifornien die erste Retrospektive seiner Werke statt und seine erste Einzelausstellung in Europa, die nach Amsterdam, London, Bern und Hannover wandert. 1968 nimmt Lichtenstein zum ersten Mal an der documenta (IV) in Kassel teil, 1969 folgt die erste Retrospektive im Guggenheim Museum in New York.

Die Zeit der Ehrungen, Ausstellungen und Sammlungen

1969 wird Lichtenstein auch von Gunter Sachs beauftragt, für die Pop-Art-Suite seines Palace Hotels in St. Moritz “Leda und den Schwan” zu malen. 1970 wurde er Mitglied in der American Academy of Arts and Sciences und kauft eine Remise in Southampton auf Long Island, wo er sich ein Studio baut und eine Zeit der relativen Abgeschiedenheit verbringt.

Im folgenden Jahrzehnt kam zu seinem Stil nicht viel Neues hinzu, er entdeckte die optischen Täuschungen und fertigte verschiedenste Stillleben, beschäftigte sich auch wieder mit Kunstgeschichte und malte Bilder nach dem Vorbild berühmter Künstler, wie 1974 den “Red Horseman” nach der Vorlage Carlo Carràs und 1980 die “Forest Scene” nach Claude Monet.

Bereits in den frühen 1960 Jahren hatte Lichtenstein Meisterstücke von Cézanne, Picasso und Mondrian reproduziert, insgesamt hat er mehr als 100 Interpretationen bekannter Gemälde berühmter Kollegen angefertigt, die Ausstellung “Roy Lichtenstein. Kunst als Motiv.“ im Museum Ludwig in Köln beschäftigte sich 2010 mit dieser Seite des Künstlers. Die hier gebotene Reise durch Lichtensteins Werk berührt Kubismus und Expressionismus, Futurismus und die Moderne, vom Stil der 1930er Jahre bis hin zu Minimal Art und abstrakter Malerei. Lichtenstein kopiert nicht etwa, sondern findet für seine Neuauflage der Klassiker so interessante persönliche Interpretationen, dass seine ausschließliche Reduktion auf Comic-Pop-Art vermutlich zu bedauern ist.

In dieser Zeit verarbeitete Lichtenstein auch bereits eigene Werke neu, in der Artist’s Studio-Serie entstanden 1973 und 1974 “Artist’s Studio, Look Mickey” und andere Neuauflagen. Dazu kamen weitere Auftragsarbeiten, 1977 ein Art Car für Autohersteller BMW, 1978 eine Skulpturen-Lampe für die Kirche St. Mary’s in Georgia und 1979 die “Mermaid”, ein öffentlicher Auftrag, sie steht heute vor dem Fillmore Miami Beach at Jackie Gleason Theater. 1977 bekam Lichtenstein auch seinen ersten Ehrendoktor, von California Institute of the Arts, 1980 wird er zum Ehrendoktor vom Southampton College ernannt.

In den 1980ern hat Lichtenstein dann offensichtlich genug von den Comics und wendet sich wieder mehr seinen Wurzeln zu, so entstehen Landschaften wie “Sunrise” von 1984 und “Landscape with Red Roof” von 1985 und eine ganze Reihe von “Landscape Sketches”. Weitere öffentliche Aufträge kommen herein: 1984 entsteht die Skulptur “Brushstrokes”, die heute am Port Columbus International Airport steht, im Jahr darauf die “Mural with Blue Brushstrokes” am Equitable Center in New York, 1992 anlässlich der olympischen Spiele die Skulptur “El Cap” in Barcelona und 1994 das riesige Wandbild in der U-Bahn-Station “Times Square” in New York.

Und weitere Ehrungen: 1987 wird er Ehrendoktor der Ohio State University, 1993 bekam er den Ehrendoktor des Royal College of Art, 1995 werden ihm der Kyoto-Preis und die amerikanische “National Medal of the Arts” verliehen, 1996 wird er Ehrendoktor der George Washington University von Washington D.C., insgesamt bekam er noch etliche Auszeichnungen mehr.

Lichtensteins letzte Arbeit war dann ironischerweise ein Firmenlogo, für DreamWorks Records und im typischen Stil, obwohl sich Lichtenstein doch von seinen Comic-Bildern inzwischen so weit entfernt hatte. Wenn ein Betrachter hier einen Widerspruch entdeckt, würde das den 1997 verstorbenen Künstler jedoch sicher nicht stören, Lichtenstein hat sich nie zu ernst genommen: “I don’t think that whatever is meant by it is important to art” (“Was auch immer meine Arbeit ausdrückt – ich glaube nicht, das es wichtig für die Kunst ist“) ist ein bekanntes Zitat von ihm (zu finden im Buch “Roy Lichtenstein” von John Coplans, erschienen 1972 im Praeger-Verlag in New York, S. 54.).

Die Kritik soll teilweise wirklich heftig gewesen sein, z. B. hat das “Life Magazine” einen Artikel mit der Frage überschrieben, ob Lichtenstein “the Worst Artist in the U.S.” (der schlechteste Künstler in den USA) sei, legendär ist auch der Ausspruch des berühmten Comic-Autoren und Pulitzer-Preis-Träger Art Spiegelman, nach dem “Lichtenstein did no more or less for comics than Andy Warhol did for soup.” (“Lichtenstein genauso viel oder wenig für Comics getan hat wie Andy Warhol für Suppe“).

Lichtenstein soll sich zwar gelegentlich zugegeben haben, dass Kritik ihn mitunter verletzt habe, wird aber insgesamt als freundlicher und in Bezug auf seine Bewertung ausgesprochener gelassener Gesprächspartner beschrieben.

Kunstwerke von Roy Lichtenstein auf Pinterest

Unschöner Nachhall

Wenn man von den Preisen ausgeht, die für einen “Lichtenstein” heute gezahlt werden, hatte er auch wirklich jeden Grund zu solcher Gelassenheit – die zu seinen Lebzeiten gezahlten Millionensummen haben sich seitdem ungefähr verzehnfacht.

Um so bedauerlicher ist es, wenn noch im Jahr 2013, also über anderthalb Jahrzehnte nach dem Tod des Künstlers, angebliche “Musen” auftauchen, die ohne jeden Respekt vor der fast drei Jahrzehnte währenden zweiten Ehe Lichtensteins am Vorabend einer großen Retrospektive seiner Werke Kapital aus der Bekanntschaft mit dem Künstler schlagen möchten.

 i almost died, now allison is getting tired of these, 

what youve missed:

head on collision with one caar whilst passing another

not knowing how to work the defogger whilst driving with my lights off at night