Aujourd’hui, le jour de rendu du log book.

Que penser de l’exercice ?

La mise en pratique de l’écriture permet une réflexion sur les événements que nous vivons. D’ailleurs, j’ai  remarqué que je revenais sur mes articles pour les relire avec un regard critique. Non seulement pour améliorer le style mais aussi pour approfondir les références. J’ai également constaté qu’il était préférable d’écrire un premier jet rapidement après l’expérience afin de garder la spontanéité des émotions. Cependant ce premier essai est souvent trop linéaire et manque de recul. Le retour critique permet d’approfondir les remarques en confrontant les impressions avec de la documentation. Ces articles ne représentent qu’une partie de ce que j’ai expérimenté.

J’aurais voulu parler de certaines œuvres du Musée des Beaux-arts de Rennes qui me plaisent comme : - Les petits pois sont verts... les petits poissons rouges...

Le jeu de mot de ce tableau d’Yves Laloy m’a toujours amusé, peut être un lien avec mon enfance. Ma chanson préférée était à l’époque la maman des poissons de Boby Lapointe.

- L’exposition de la Société des Amis du Musée des Beaux-arts qui permet de comprendre les liens qui unissent une institution culturelle et les habitants d’une ville.

- Le vernissage de la rétrospective Thomas Huber mettait en lumière la scénographie spécifique d’une exposition d’ampleur. C’était l’occasion de s’interroger sur la politique culturelle d’un pays comme la Suisse.

- Je voulais aussi consacrer un article sur les murs, plus précisément les murs d’expositions qui sont souvent construits. J’avais une jolie collection de clichés à ce sujet.

Et bien sûr le voyage à Courtrais et le programme de visite méritait à lui seul plusieurs articles...

Je voulais aussi évoquer mes cours du soir de design graphique...

Ἐν οἴνῳ ἀλήθεια 酒後吐真言 נכנס יין יצא סוד Dans le vin, la vérité. L’expression est ancienne. On trouve des locutions similaires dans de nombreuses cultures. Pline l’Ancien la cite dans son Histoire naturelle. L’ivresse permettrait d’accéder à un degré de sincérité. L’auteur romain décrit d’ailleurs les fâcheuses conséquences des paroles prononcées après quelques coupes de trop. Toute personne qui a fréquenté les beuveries étudiantes a pu le constater. Au milieu des élucubrations d’un ivrogne, il n’est pas rare d’entendre des éclats de sincérité.

L’histoire naturelle est une œuvre encyclopédique sur les connaissances scientifiques et techniques de l’Antiquité romaine. Le livre XIV est consacré à la vigne, sa culture et la fabrication du vin. Sa lecture permet de faire un constat. Aujourd’hui, le palais des buveurs a changé : on coupe rarement son verre de bourgogne avec une rasade d’eau de mer. Mais les préoccupations autour de la culture de la grappe sont restées les mêmes. La lecture de Pline montre l’existence de terroirs et explique l’importance des cépages... L’auteur cite même quelques vignerons renommés et le montant des transactions financières autour des crus ou des propriétés. Le commerce du vin est stratégique pour l’économie de l’empire romain. Finalement, les récents engouements et spéculations autour du vin ne représentent que les fluctuations d’une très longue histoire. Les plantations de vigne se sont développées partout dans le monde, modifiant les paysages. Le vin et la gastronomie appartiennent au champ culturel en reliant les êtres et les époques. Je ne suis pas œnologue, mais j’aime partager une bouteille avec des amis. Samedi soir, nous avons accueilli au débotté un couple d’amis que nous n’avons pas vu depuis quelques temps. Le lendemain, au moment de mettre les bouteilles au container, plusieurs détails m’ont sauté aux yeux. Certes, nous avons sacrifié à la tradition du champagne, qui a, contre toute attente, atteint un prestige tel qu’il est devenu le symbole festif par excellence dans le monde entier. En regardant les étiquettes des bouteilles de vin rouge que nous avons dégustées ensuite, j’ai souri. Marcillac est un coin de l’Aveyron que je connais un peu. Presque immédiatement, je me suis souvenu des paysages façonnés par les moines justement pour implanter la vigne. Je me rappelle des foins, de la visite d’une forteresse médiévale en ruine et recouverte de ronces. Ce vin m’a rappelé un autre vin de pays dégusté à la terrasse d’un restaurant avec mon cousin, non loin de l’abbaye de Conques. Le Vacqueyras est un choix de nos amis. Nous nous sommes rencontrés à Nîmes, non loin du Vaucluse et de la vallée du Rhône qui produit des vins robustes, puissants aux robes sombres. De notre séjour commun dans le Sud, nous partageons le goût de ces vins.

« L'homme a créé le vin, il y a bien longtemps, à partir du fruit de la vigne et il a été si fier de son invention qu'il en a fait non seulement une partie importante de son alimentation, mais qu'il l'a intégré dans sa religion, ses traditions, ses plaisirs et même sa culture » Michel Bouvier, L'homme et le vin, Éd. Le Léopard d'Or, Paris, et Muséum d'Histoire naturelle, Lyon, 1994, p. 5.

Une bonne soirée commence parfois par un sms. La poche vibre au milieu d’une conversation. On hâte une phrase, une conclusion pour lire le message.

- Un ciné ce soir ? - Quel film ? Où ? - La la land ou le dernier Jarmusch ? - Comme tu veux ! - Pfff on verra bien :) La pluie fut notre conseillère. L’Arvor est plus proche des Beaux-arts que le Gaumont. Tant mieux, je suis resté un fan de Dead Man et de la bande son envoûtante composée par Neil Young. “Quelles sont les critiques ?” “Je ne sais pas, une amie d’amie a dit qu’il ne se passe rien...” “Bon, rien de choquant pour un film de Jarmusch. Le contemplatif, il connaît.” Passage en caisse : nous patientons en écoutant le caissier digresser sur le futur du paiement sans contact ou par téléphone. Vient notre tour : j’ai le plaisir de sortir ma carte étudiant pour le tarif réduit. Un peu de monde, nous nous installons. Les lumières s’éteignent, les bandes-annonces sont projetées. Le film commence.

Un quotidien poétique ou une poésie quotidienne. Les liens tissés entre les personnages de Jarmusch reposent sur des quiproquos, des défauts de communication ou des malentendus. La trame du western Dead Man repose en partie sur l’homonymie entre le héros, un jeune et naïf comptable incarné par Johnny Depp et le poète anglais William Blake. Dans Ghost dog, Raymond le vendeur de glace est francophone, personne ne le comprend. Cependant les dialogues avec Ghost Dog ne manquent pas de drôlerie et d’acuité.

Paterson est chauffeur de bus et poète à Pateron, NJ. C’est aussi le titre du recueil de poèmes de William Carlos Williams poète préféré du héros qui a vécu dans cette même ville de la région de New York. Comme le souligne Joachim Lepastier dans les Cahiers du cinéma de décembre 2016, il ne s’agit pas d’une simple blague d’auteur. Cette astuce et les autres artifices du film permettent de créer un climat, “un balancement continuel entre l’anodin et l’essentiel”. J’ai été particulièrement ému par la douceur des personnages. Le couple formé par Adam Driver et Golshifteh Farahani surprend par l’étrangeté et la spontanéité de leurs relations. Les personnages secondaires et les habitants, usagers du bus, créent des résonances, des boucles poétiques tout au long du film. Ce quotidien construit par le film est évidemment très éloigné des problématiques sociales réelles de la ville.

Le spectateur accompagne le héros dans l’observation de la réalité. A travers ses déambulations et son circuit de bus, nous contemplons la ville et ses habitants. Une des prises de risque du film est de proposer des mots pour les vers libres de Paterson, fort heureusement Jarmusch peut sur les textes de son ami poète Ron Padgett.

Mais d’où vient la créativité de Jarmusch ? Ses films sont bourrés de références. Pourtant ses citations ne sont pas élitistes et touchent un très large spectre de la culture : hip hop, poésie anglaise, littérature... En octobre 2016, Jim Jarmusch livre dans une interview des Cahiers du cinéma sa “Sainte-Trinité” de la créativité : le dilettantisme, l’amateurisme et la variation formelle. Le dilettantisme pour le réalisateur est la capacité de s’intéresser à tout et donc à nourrir le propos d’un film, car l’art du cinéma mêle écriture, musique, passage du temps, théâtre... Il définit l’amateurisme par “l’amour d'une forme, par opposition à l’exercice d’un métier”. D’où un art de la citation des sources d’inspiration plutôt qu’un camouflage. Cette vision de l’art lui donne une grande légèreté de ton. Libre d’exprimer son amour des créateurs, il peut se permettre toutes sortes de variations, de réinterprétations et finalement d’inventions. Je termine par les mots de William Carlos Williams. Ce poème récité dans le film m’a particulièrement touché : This Is Just To Say  

                                                                                               I have eaten

the plums

that were in

the icebox

and which

you were probably

saving

for breakfast

Forgive me

they were delicious

so sweet

and so cold

Le rythme intensif du MSc ne me permet pas d’entreprendre de grandes lectures. Cette année, je laisse tomber la lecture des œuvres intégrales. Je ne tournerai pas les pages en papier bible de la Pléiade. En ce moment, je picore, je glane. Le métro rennais est bien trop court pour pourvoir avancer un roman. Je ne m’en plains pas.

Toutefois, j’ai la nécessité de quitter les lectures utiles, articles et manuels. Mon astuce est de sélectionner des romans courts ou des recueils de nouvelles. Ainsi dès que se présente un moment libre, je dégaine mon livre et je m’offre un moment d’évasion. Ma dernière découverte est le recueil de nouvelles de l’auteur australien Kenneth Cook. Les histoires contées sont drôles et cruelles. Le narrateur se confronte aux dures réalités du bush, ces immenses zones inhospitalières qui couvrent l’essentiel de l’Australie. J’écris “dernière découverte”. Ce n’est pas tout à fait vrai, je ne découvre pas. On me conseille. J’ai une précieuse indicatrice... Katell. Je ne connais d’elle que son écriture, sur les bandeaux des Champs libres. Par gain de temps, à l’occasion de mes passages express à la médiathèque, je jette toujours un coup d’œil aux tables de présentations. Parfois un titre, un quatrième de couverture m’accroche. Sur le bandeau, un court texte m’incite à prendre le livre. Je le regrette rarement. A la manière des libraires, les bibliothécaires sélectionnent et présentent des livres au gré de l’actualité ou de leurs intérêts. Cette médiation crée un véritable rapport de confiance. Combien de découvertes et de plaisirs transmis par un livre tendu et la simple recommandation “tu devrais le lire...”? Merci Katell.

“Rien dans l'intelligence qui ne soit passé par nos sens.” Cette citation d’Aristote situe l’enjeu du design sensoriel : maîtriser les perceptions d’un objet pour mieux répondre aux besoin des usagers. Mercredi 25 janvier, l’EESAB recevait Régine Charvet-Pello, entrepreneuse et chercheuse. Cette diplômée de l’École Boulle fonde l’agence RCP à Tours en 1985. L’entreprise compte aujourd’hui vingt collaborateurs. Le développement du design sensoriel débute au début des années 1990. RCP collabore avec l’École nationale supérieure des arts et métiers, en particulier avec le chercheur Jean-François Bassereau pour adapter des techniques de l’industrie agro-alimentaire au design d’objet. Vingt ans de travail ont permis d’objectiver les sensations en créant des méthodes et des outils de mesure. L’Université François Rabelais, RCP et deux autres PME tourangelles ont créé le Centre d’Études et de Recherches sur les TEchnologies du SENSoriel CERTESENS. Cette plate-forme de recherche est soutenue par le pôle de compétitivité Cosmetic Valley. Le financement est porté par la communauté d’agglomération de Tours et le Fonds européen de développement économique régional (ou FEDER). CERTESENS dispose d’une matériauthèque non pas basée sur les caractéristiques physiques des matériaux mais sur des critères de sensations. Ce classement permet par exemple de rechercher un matériau brillant comme la porcelaine et souple comme le cuir.

Le design sensoriel déplace les points de vue de conception en plaçant les sensations en amont plutôt que comme des résultantes. Les sensations entrent dans le cahier des charges. Comme les sensations sont clairement objectivées, on peut identifier de manière plus fine les attentes des usagers. Ces critères scientifiques permettent de relier plus efficacement l’objet et l’utilisateur. RCP a mis en place une méthode et des outils d’étude spécifiques. L’agence utilise son savoir-faire dans de nombreux secteurs économiques : cosmétique, transport, tourisme, accessoires pour enfants, espaces publics… 

Régine Charvet-Pello rappelle qu’un objet, une fois le stade de la création passée, rentre dans la culture collective. Le poids et la profondeur de la laque sont les marqueurs sensoriels d’un stylo de marque Mont-Blanc. Le bruit de l’échappement d’une Harley Davidson est une signature caractéristique. Proust décrit très bien ces corrélations dans le célèbre passage de la madeleine. L’origine du trouble que vit le narrateur en buvant son thé et quelques miettes de gâteau n’est pas dans le « breuvage » mais dans la sensation qu’il éprouve : « Il est clair que la vérité que je cherche n'est pas en lui, mais en moi ». C’est-à-dire d’un point de vue physiologique dans la force des terminaisons nerveuses du goût et de l’odorat, et de leurs profondes connexions avec la mémoire.

Mais bien sûr que j’avais vu les affichettes scotchées dans les ascenseurs des Champs Libres. Oui ! J’avais bien entraperçu les annonces dans une des multiples newsletters que je reçois. Je savais qu’il se passait quelque chose d’intéressant dans le domaine du design aux Champs Libres. Puis par une fin d’après-midi de décembre, un peu par hasard j’ai poussé la porte de l’espace du citoyen de la médiathèque.

Cette maquette en bois représentant l’espace du citoyen est recouverte de gommettes. Mon esprit s’échauffe... les partiels sont passés mais le cours d’expérience utilisateur est encore frais. Regardons de plus près ce qui est demandé.

Les usagers sont invités à exprimer leurs besoins en matérialisant leurs réponses aux questions posées. Les questions sont formulées de manière concrète.  Grâce à une discussion avec Angélique Robert, qui travaille ce jour-là à l'Espace du citoyen, j'obtiens davantage d'informations sur la résidence DAA (Design-Art-Architecture) qui a permis d'intégrer les utilisateurs des lieux dans la réalisation d'un mobilier spécifique pour l'espace des Champs libres dévolu à un "regard sur le monde". Depuis d'octobre à décembre 2016, les 3 structures urbagone, studio mAAb et pelleteurs de nuages dont la pratique s’attache au domaine de l’architecture, du design, et de la scénographie et dont le travail porte sur des problématiques diverses, aussi bien sociales qu'environnementales... ont été conviés en résidents de marque à la bibliothèque de Rennes métropole.  Ils ont en particulier organisé des ateliers de fabrication avec les publics pour échanger autour de la résidence.

Le mardi 24 janvier 2017, avant une séance de théâtre avec ma classe, je retournerai assister à la séance de clôture de la résidence, permettant de revenir sur cette démarche passionnante de co-construction. Bibliothécaires, architectes, publics variés, salariés, sans nulle doute avec des objectifs différents ont expérimenté un nouveau regard et de nouvelles méthodes dans l'objectif d'un intérêt commun... Comment la commande initiale a-t-elle pu évoluer ? qu'a-t-on produit ? … un objet, une micro-architecture, voire une méthodologie ?

La démarche vaut sans doute la peine d'être renouvelée... au sein de cette même structure ou ailleurs.  (Edit : on peut retrouver plusieurs axes de discussion de la soirée dans les tweets d'Angélique Robert le 24/01. Pour ma part, j'apprécie particulièrement de pouvoir accéder aux résultats d'un travail, même quand celui-ci est terminé. D'où l'importance du partage... et de bien achever un projet par un compte-rendu et un archivage.)

Ce petit livre n’est pas un vade-mecum sur les tensioactifs. Le recueil regroupe quelques-unes des chroniques littéraires écrites par Raphaël Sorin et parues dans les journaux Le Monde ou Le Matin au cours des années 80. L’auteur est éditeur. Ce métier reste souvent assez mystérieux auprès du grand public. Sur quels critères choisit-on un texte plus qu’un autre ? Vous ne découvrirez pas dans ce court ouvrage les secrets des mythiques et nombreuses maisons d’édition pour lesquelles a travaillé cet ancien élève de Roland Barthes. Raphaël Sorin a notamment contribué à la publication de Michel Houellebecq et a fait connaître Charles Bukowski au public français. C’est lui d’ailleurs qui tient par le bras l’auteur américain, rond comme une queue de pelle, pour le faire sortir du plateau de l’émission littéraire Apostrophe.

A Rennes, si on porte un intérêt à la vie culturelle et que le calendrier le permet, je vous conseille la Dînée. Ce repas collaboratif est une opération de micro-financement proposée par l’association la Collective. Je lorgnais cet événement depuis que je l’avais découvert au hasard de recherches Internet. Le principe est simple. Limité à 30 personnes, le diner est un prétexte pour se retrouver autour de trois créateurs et de leurs projets. La participation de 15 euros par personne sert à adhérer à l’association (2 euros), à cuisiner (3 euros) et à financer un projet (10 euros). A l’issue de la soirée, les participants votent et une cagnotte de 300 euros est remise au projet élu.
 Ce principe est adapté de « Detroit soup » et des tontines. L’enjeu de la soirée n’est pas financier, les euros récoltés sont plutôt un coup de pouce. Le but affiché est de réunir un public autour des arts plastiques et du design. Il serait intéressant de savoir si des liens sur le long terme ont pu se nouer. Les organisatrices sélectionnent des projets différents et réalisables avec la somme récoltée. Je ne souhaite pas rentrer dans les détails du déroulement de la soirée car l’expérience mérite d’être vécue sans a priori. J’ai vraiment apprécié ce moment grâce au mystère entretenu par la découverte du lieu du repas et par l’excitation de découvrir les participants. On conseille fréquemment aux jeunes artistes ou aux amateurs d’art de fréquenter les vernissages. Cependant l’exercice s’avère souvent difficile.  La peur du jugement, le manque de connaissances préalables en art sont autant de freins à des rencontres lors d’une inauguration d’exposition. Pire : dans certains événements courus, le bruit et les flux de personnes ne permettent même pas d’apprécier les œuvres. A la Dînée, au contraire, la rencontre est favorisée entre convives et avec les artistes. Par cette action, la Collective utilise pleinement la définition de la convivialité. Dans la Physiologie du goût, le gastronome français Brillat-Savarin emprunte ce mot à l’anglais conviviality pour désigner le plaisir et les liens d’amitiés qui se créent spécifiquement entre des personnes qui partagent un repas. Cette soirée a été une réussite et m’a permis de rencontrer de nouvelles personnes. Je salue l’efficacité de la Collective et des nombreux bénévoles qui ont respecté le vingtième aphorisme de l’avant-propos de la Physiologie du goût :

XX. Convier quelqu'un, c'est se charger de son bonheur pendant tout le temps qu'il est sous notre toit.

Cette conférence a eu lieu à Rennes le 30/11/2016.

Cette image ne montre pas une séance de ring frisbee pour ingénieur senior mais un essai en apesanteur de la bouteille de vin - est-ce toujours bien d'une bouteille de vin dont il s'agit ? - créée par Octave de Gaulle, designer pour l'espace, diplômé de l’ENSCI.

Interrogeons-nous : quelles représentations avons-nous de l’espace ou d’un mode de vie en apesanteur ? En général, plutôt celle-ci :

C’est propre, c’est rond on dirait du mobilier d’Olivier Mourgue... ah oui c’est vrai que Stanley Kubrick a utilisé le mobilier design de son époque. Au passage, remarquons que le voyageur spatial du futur pourra regarder une tablette... Bref un univers sécurisant et propre. Il s’agit plutôt d’un imaginaire créé à partir de la Terre. Alors qu’en réalité...

... il s’agit plutôt d’un espace clos qui sent la chaussette avec des câbles partout. Le kit de l’astronaute contient avant tout de l’adhésif noir et des bandes scratch. Rien ne tient en place.

L’espace appartient depuis ses débuts aux militaires et aux scientifiques, des personnes efficaces mais en général peu préoccupées par le bien-être. L’histoire de la conquête spatiale est en ce sens révélatrice, puisqu’on considère que le développement des fusées démarre avec la fabrication des missiles V2 par les Nazis (ou plutôt par les prisonniers des camps) durant la Seconde Guerre Mondiale. 

Les astronautes ont en général une formation militaire et scientifique. Ils se succèdent dans les stations suivant des programmes d’études très stricts. Il n’y pas encore eu d’artistes dans l’espace. A vrai dire, le design spatial existe depuis longtemps. Raymond Loewy, le célèbre designer, a dessiné des plans de station en replaçant l’humain au centre des préoccupations, notamment en posant la question de l’hygiène.

Octave de Gaulle a cherché à replacer des espaces de culture dans la station. Le vin et le rituel convivial que celui-ci engendre s’est imposé comme une évidence. Le vin est un produit ancien, le résultat complexe d’échanges et de techniques au cours de l’histoire. On trouve abondamment des traces anciennes de son commerce : amphores, bouteilles... Le vin n’est pas qu’une consommation d’alcool, c’est aussi le plus souvent un moment de partage plaisant. Or les astronautes expliquent qu'un des moments les plus importants dans la station, lorsqu'on se retrouve en situation potentielle de danger, en apesanteur, est tout simplement le repas pris en commun. 

Il faut cependant prendre en compte cette fameuse apesanteur : les liquides forment des gouttes et rien ne reste en surface. Si on veut vivre pleinement une dégustation de vin, on doit tout repenser. En s’inspirant de brevets de moteurs de satellite, Octave de Gaulle a donc imaginé pour son diplôme un service à vin. Sans contacter d’agence scientifique. Il a fait ses recherches de son côté en expérimentant : lâcher de module du haut de falaises et d’immeubles pour observer le phénomène d’apesanteur, recherche de brevets en ligne... Il a abouti à cette forme peu habituelle : en apesanteur, le vin est aspiré par capillarité vers un bouchon en polymère qui s’ouvre par pression. En sortant, le vin forme une goutte qui vient se fixer sur un “verre” - qui ici est plutôt une palette calibrée à partir du volume d’un verre de vin normal.

Normalement, l’alcool et sa consommation sont interdits à bord des stations (comme des sous-marins). En réalité, la pratique est admise voire encouragée pour éviter les consommations excessives en cachette, plus dangereuses pour l’équipage.

Aujourd’hui, ce travail théorique a été remarqué par des entreprises privées car il est de plus en plus question d’envoyer des “touristes” privilégiés dans l’espace. La question de confort et de plaisir va donc sans doute devenir incontournable. En outre, le CNES (Centre national d'études spatiales) s'est intéressé à la recherche d'Octave de Gaulle et a utilisé sa “bouteille” lors d’un vol parabolique. Ce test a révélé plusieurs erreurs : le bouchon actuel n'est pas assez efficace et il est inutile de créer deux tubes capillaires. Un laboratoire de recherche médicale en apesanteur a posé cette question à Octave : “Pensez-vous qu’augmenter le bien-être en pensant le mobilier, les rituels et l’environnement des astronautes pourrait améliorer leur moral et donc leur efficacité ?” Réponse du jeune homme : “Oui, cela s’appelle le design”. :)

Et pendant ce temps là :

Cette conférence a eu lieu à Rennes le 24/11/2016. Ce duo de designers graphiques vit et travaille à Paris. Originaires respectivement de Suisse et d’Allemagne, ces créateurs sont venus en France au début des années 90 pour profiter de l’enseignement en typographie qui y était promulgué : avec notamment l'accent sur le dessin d'une lettre. C’était une période charnière où l’outil numérique était encore récent dans le monde du graphisme.

Cette conférence rentre tout à fait dans mes champs d’intérêts car je participe à un cours de design graphique le mardi soir à l’École européenne supérieure d’art de Bretagne. Notre enseignant Anthony Folliard, membre du collectif de créatifs artisans sérigraphes l’Atelier du Bourg, nous propose un travail historique et manuel autour de la lettre afin de prendre conscience de l’histoire de l’écriture. Cette culture est nécessaire car l’ordinateur a complétement modifié le métier de graphiste. J’ai vraiment apprécié le travail d'André Baldinger et Toan Vu-Huu. Leur atelier est composé de 4 personnes, mais selon les projets ils peuvent mobiliser jusqu'à 7 personnes. Leur formation de typographes leur donne la possibilité de créer des polices de caractères très spécifiques qu’ils ne se privent pas d’utiliser avec pertinence dans leurs travaux.

La conférence s’est déroulé selon un plan classique : présentation par l'enseignant qui les a invités à l'école, puis parcours respectif des orateurs, leur rencontre et enfin présentation de cinq projets. En fait, un projet est en réalité une multitude de travaux car le design graphique définit souvent une charte qui est ensuite diffusée sur plusieurs médias et nécessite fréquemment des ajustements a posteriori.

Cette conférence a eu lieu à Rennes le 23/11/2016. Maître Clara Viguié, avocate au barreau de Paris, exposait ce soir quelques précautions à prendre dans la création et l’utilisation de l’impression 3D. La conférence était proposée par Tony Côme, enseignant en Histoire du Design. Ce professeur a indiqué en préambule que la notion de protection intellectuelle n’était pas enseignée aux élèves de l’EESAB. Cela paraît assez handicapant pour de jeunes créateurs.

La conférence a d’abord débuté pour une présentation des principes généraux du droit de la protection intellectuelle. Le droit français distingue deux branches : la propriété industrielle (marques, brevet, dessins et modèles) et la propriété littéraire et artistique (droit d’auteur et droits voisins). La particularité du droit français est d’appliquer le “principe de l’unicité de l’art”, c’est-à-dire qu’en matière de dessin et modèle se cumulent la protection spécifique des dessins et modèles et le droit d’auteur. En outre, le droit d’auteur s’exerce dès la création alors que la propriété industrielle impose le dépôt des créations auprès d’un organisme, l’INPI en France. La consultation de ce site permet de facilement se renseigner. Je vais donc plutôt axer la suite de l’article sur les problèmes que pose l’impression 3D.

Imprimer en 3D implique de partir d’un fichier numérique. Ce dernier peut être créé par l’utilisateur à partir d’un scan 3D d’un objet existant, téléchargé grâce à une plateforme Internet ou dessiné à partir d’un logiciel 3D. Or la reproduction d’un objet sans l’accord de l’ayant droit est une contrefaçon. Examinons le cas du scan d’un objet : en créant un fichier numérique et en imprimant l’objet, on crée une contrefaçon de l’objet reproduit. Les principales jurisprudences existent pour le moment aux Etats-Unis et concernent des entreprises dont le métier est d’imprimer en 3D des fichiers envoyés par des clients. Parmi les demandes, il y a souvent des contrefaçons de figurines de personnages de bande dessinée ou de film. Les fichiers sont produits à partir des figurines éditées par des entreprises qui ont payé des droits de reproduction aux maison d’édition ou studios cinématographiques. Autre cas : le fichier lui-même peut être dupliqué. Or l’impression 3D réalisée à partir d’un fichier pirate est considérée comme une contrefaçon. Avant l’utilisation d’un fichier, on doit donc réfléchir à son origine et à l’utilisation de l’objet final. Il faut s’assurer de l’autorisation du (ou des) titulaire(s) des droits. On doit aussi mentionner le nom du (ou des) titulaire(s) des droits et ne pas dénaturer l’oeuvre. Si le fichier est téléchargé, l’utilisateur doit s’assurer de la licéité du site. On peut utiliser les oeuvres tombées dans le domaine public ou en licence libre. Dernier cas : la loi prévoit l’utilisation de la copie privée. A condition d’avoir acheté l’objet, je peux reproduire un objet pour mon usage privé s’il n’est pas destiné à la vente. On peut aussi privilégier les créations originales pour éviter les problèmes de droit.

Je l’ai reconnu Parmi les chefs-d’œuvre du LAM, j’ai été touché par ce lavis de Roberto Matta représentant le poète García Lorca. Ce Portrait automatique de Federico García Lorca date de 1940, soit à peu près quatre ans après son assassinat par les rebelles anti-républicains. Ce dessin est donc une réminiscence, un hommage posthume. L’artiste a rencontré Lorca en décembre 1934. L’historien de l’art Fabrice Flahutez, spécialiste du surréalisme américain, fait un rapprochement entre ce dessin et les masques de la culture Eskimo dans un article Portrait analogique et figure du poète Garcia Lorca selon Roberto Matta. Le contexte de la création du portrait est bien documenté car l’œuvre a été présentée dans le magazine View en 1940. Ce dessin à l’encre marque une évolution dans le travail de Matta et dans le mouvement surréaliste. André Breton, chef de file du mouvement, et l’ensemble de la mouvance artistique ont été fascinés par les arts et les cultes des sociétés “premières”. Les surréalistes apprécient la figure du chaman, “qui conçoit le monde comme un univers à modeler“. Selon Fabrice Flahutez, Matta s’approprie les éléments plastiques des masques chamaniques Eskimo. La figure “disloquée” du poète se mélange, se superpose à l’image du sage, de l’intercesseur entre le monde réel et le monde des esprits, car le poète est aussi un visionnaire.

« Trois opérations : Voir, opération de l'œil. Observer, opération de l'esprit. Contempler, opération de l'âme. Quiconque arrive à cette troisième opération entre dans le domaine de l'art. »— Émile Bernard, Propos sur l'art

L’œil a obsédé les artistes. Organe de la perception visuelle, il n’est en fait qu’un récepteur ; l’interprétation de l’image est cérébrale. Les réflexions sur la vision sont anciennes dans la culture occidentale. Ces interrogations ont conduit au concept de mimèsis. La perception visuelle fait de nous des témoins. La contemplation crée un dialogue entre la réalité et la conscience.

Cette œuvre de Matta m’a attiré parce que j’apprécie certains aspects de l’art surréaliste, mais surtout à cause de la figure de Lorca. Enfant, j’écoutais les 33 tours de mon père et j’ai rapidement mis la main sur les disques de Paco Ibáñez.

Ce chanteur est une figure de l’exil des Républicains espagnols. Il a mis en chanson de nombreux poèmes espagnols, des textes d’une grande portée protestataire vis-à-vis du régime franquiste. J’ai découvert les textes de Lorca et d’autres poètes grâce à ces disques. Il est facile de trouver les interprétations de Paco Ibáñez, Je vous propose une vidéo reflétant l’esprit des années 60, le chanteur interprète un poème de Gabriel Celaya, España en marcha.

Découverte du Lille Métropole musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut (LaM)

LaM, un petit surnom spirituel qui cache une des plus surprenantes collections de province. Le fonds initial est constitué par la collection familiale de Roger Dutilleul et son neveu, Jean Masurel. Ma surprise ne vient pas des grandes signatures mais de la très haute qualité des œuvres. D’après mon expérience professionnelle, la notion de collection est une source de malentendu auprès du grand public. De nombreuses œuvres aujourd'hui conservées dans les musées ont d’abord appartenu à des collectionneurs privés, souvent très aisés mais ce n'est pas forcément le cas. En outre, il faut gommer l’idée que l’art moderne en France n’a été apprécié que par les amateurs étrangers. C’est faux. Il suffit de regarder l’historique de nombreuses pièces pour trouver à l’origine un collectionneur français. Le problème principal est venu de la transmission ultérieure des œuvres, ou de la difficulté des institutions et des États à reconnaître la valeur de l’art moderne. 


Une autre particularité du LaM est d’abriter la plus importante collection publique d’art brut de France. Il s’agit en fait de la collection de l’Aracine, rassemblée après le choc du départ de la collection d’art brut de Jean Dubuffet vers la Suisse.

Dubuffet. Un des premiers livres d’art que m’ont offert mon père et mon frère est une monographie de ce peintre. Autant dire que j’ai apprécié la visite de la salle qui lui est consacrée. J’ai été très tôt sensibilisé aux productions de l’art dit “brut” (terme forgé par Jean Dubuffet) pour désigner les production de personnes n'ayant aucune culture artistique. Pour couronner la visite, le parc du musée abrite un ensemble de sculptures modernes et contemporaines.

Premier plan : avoir un enfant. Ce n’est pas simple quand on est célibataire. La suite est encore plus compliquée. Quand le cinéma prend pour héroïne une design manager...

Le métier de Maggie est d’aider de jeunes artistes et créateurs à travailler avec des entreprises. Rebecca Miller, la réalisatrice, pose un regard comique sur le monde universitaire new-yorkais.

Stop your runnin’ about It’s time you straighten right out Stop your runnin’ around Making problems in town

Portrait d’Anna Oppermann par Noel Tovia Matoff

Quand je suis arrivé au dernier étage du vaste bâtiment du Frac Bretagne où se déroulait l'un des principaux volets de la biennale d'art contemporain, j’ai découvert dans un coin un immense affichage de photographies et de documents, accompagné par une sorte d’autel.

Le titre de l’œuvre est inscrit en bas du mur : Ordre de recherche aux artistes pour solutionner un problème (problèmes d’espace) 1978-1984.

L’ensemble est pour Anna Oppermann (1940-1993) une collection diffuse d’objets, de photographies, de dessins autour d’un thème. En architecture ou en musique, on retrouve ce terme qui permet de réunir dans un même groupe des éléments disparates.

Chaque ensemble s’organise autour d’un objet trouvé, très simple, comme une fleur de tilleul ou une vieille armoire. Il peut s’agir aussi d’un sujet de recherche personnelle ou d’une observation. Ces œuvres sont des assemblages de pensées dessinées, de citations, de notes... librement associées. Ses “desseins” ne constituent pas une préparation à l’œuvre. Ils forment l’œuvre, qui s'étend inachevée dans l’espace d’exposition. J’ai été attiré par cette œuvre car j’y ai reconnu des processus de création. La créativité nécessite de déployer sa pensée. Les créateurs ont souvent besoin d’un bureau ou d’un atelier pour se réfugier. Certains penseurs ont leurs petites manies pour amorcer leur travail. L’exercice du dessin est une aide car, pour citer l’artiste, “dessiner était principalement un moyen pour arriver à une fin : la stimulation ou l’amplification de certains états de conscience.” Si bien que la mise en espace des processus de travail d’Anna Oppermann forme en lui-même son œuvre. Confronté à cet ensemble, le visiteur saute d’un dessin à une photographie. Comme un enquêteur, il entame un travail de reconnaissance et de compréhension. Chaque ensemble de cette artiste allemande évoluait dans le temps. A chaque exposition, il se ramifiait et devenait de plus en plus complexe.

Ordre de recherche aux artistes pour solutionner un problème (problèmes d’espace) 1978-1984 propose une réflexion sur le rôle de l’artiste en tant qu’observateur critique de la société. En 1981 à Paris, lors d’une résidence d’Anna Oppermann à la Cité Internationale des Arts et d’une présentation au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, elle avait construit une boîte en hauteur dans laquelle elle pouvait se cacher, dormir ou surveiller les alentours. Aujourd’hui, cette tour d’observation est symbolisée par la vitrine. J’ai pu mettre des mots sur mon expérience grâce au numéro 7 de la revue Roven sur le dessin contemporain qui contient un court mais éclairant article d’Ute Vorkoeper. Merci Roven !

Nous sommes incorporés ! “Incorporated!” : comment traduire et interpréter le titre de la 5e édition de la biennale Les Ateliers de Rennes ?

Les langues française et anglaise partagent le sens d’unifier, de former un seul corps. En cuisine, on incorpore les différents ingrédients pour faire une pâte. Ce mot désigne également dans les pays anglo-saxons une société légalement formée. L’entreprise devient une personne morale. In-corporation : cette décomposition laisse entrevoir l’origine économique du mot. Les corporations étaient les puissantes organisations des métiers. Elles régissaient leurs membres, organisaient le travail et les prix. En France, la Révolution avait interdit ces groupes d’intérêt. Peu à peu, au cours du 19e siècle avec l’émergence de la révolution industrielle, la création de sociétés privées a été autorisée à condition de respecter les règles de la libre concurrence. Que ce soit en France ou dans les pays anglo-saxons, les personnes morales ainsi constituées peuvent former de puissantes sociétés dont la responsabilité des actionnaires est diluée, tout en augmentant leurs moyens financiers et juridiques.

La peur des trusts, des concentrations verticales ou horizontales est légitime ; il suffit de se rappeler des pratiques des hommes d’affaires de la fin du 19e siècle comme Andrew Carnegie ou John Rockfeller. L’actualité économique pourrait fournir d’autres noms... Les mutations technologiques, en particulier le développement d’Internet, ont obligé les entreprises à s’adapter, à chercher les informations nécessaires à leur profit, au plus près de la vie des usagers. De nouveaux modèles économiques se mettent en place. La biennale Incorporated! “tente de capter ce qui aujourd’hui traverse les corps, les affects, les relations, et qui dissout notamment les limites entre le privé et le public, le singulier et le commun”.

Parmi les enseignements du MSc, j’ai, comme la plupart de mes camarades, particulièrement apprécié le cours d’expérience utilisateur (user experience). Cette technique vise à améliorer l’expérience de l’utilisateur en cherchant à qualifier et quantifier ses émotions. A partir de quand ce type de technique devient-il une intrusion ?

Le traitement des “big data” ou l’utilisation de technologies “block chain” risquent de modifier l’économie et notre quotidien. La littérature et le cinéma de science-fiction excellent à représenter un futur dominé par de puissantes sociétés. Je pense aux anticipations de Philip K. Dick :

à Norman Spinrad :

ou encore, l’univers glacé avec un final presque optimiste (?) de Gattaca :

A noter, la sortie d’une série américaine sur cette thématique, où l'on retrouve le titre de la biennale à l'identique :

Pour revenir à la biennale :

Parmi les œuvres qui m’ont plu, j’ai retenu d’Anna Oppermann présentée au Fonds régional d'art contemporain de Bretagne, Problemlösungsauftrag an Künstler (Raumprobleme) [Ordre de recherche aux artistes pour solutionner un problème (problèmes d’espace)].

Je présenterai cette œuvre à l’occasion d’un prochain billet.

Après "Valeurs croisées" en 2008, "Ce qui vient" en 2010, "Les Prairies" en 2012 et "Playtime" en 2014, l'édition 2016 de la biennale d'art contemporaine rennaise s'intitule "Incorporated". Le commissariat a été confié à François Piron, qui invite une trentaine d'artistes à exposer dans 12 lieux et structures associées.

La visite nocturne de l'exposition installée dans la Halle de la Courrouze a été suivie d'une visite en famille au Musée des beaux-arts le dimanche.