Arquitectura y Cultura Artística

Festival Internacional de las Flores

Del 20 al 29 de octubre Córdoba reviste sus patios institucionales de flores con el primer Festival Internacional de las Flores, FLORA.

En FLORA, ocho artistas florales de escala internacional trasforman los patios del festival en ocho impresionantes espacios localizados en edificios representativos de Córdoba.  Este evento singular y único en España permitirá un intercambio insólito entre los tradicionales patios cordobeses y un arte contemporáneo, formando un diálogo entre tradición e innovación. Los patios que forman parte del evento son cedidos por el Ayuntamiento de la ciudad y podrán ser visitados además de forma gratuita. 

El objetivo del Festival Internacional de las Flores es crear un intercambio cultural inédito en un lugar tan insólito como los patios cordobeses. Los artistas elegidos para participar son Alfie Lin, Flores Cosmos, In Water Flowers, Loose Leaf, Natasha Lisitsa y Daniel Schultz, Patrick Nadeu y Tomas De Bruyne.

Los patios que serán transformados en el Festival Internacional de las Flores:

Alfie Lin, artista procedente de Taipei (China) será el encargado de decorar la Fundación Antonio Gala. El antiguo convento del Corpus Christi, de la orden de Santo Domingo. El artista considera que las flores no sólo nos regalan belleza desde el punto de vista visual, sino una profunda experiencia emocional.

Flores Cosmos surge de la unión de Alberto Arango, Ciudad de México (México) y Ramiro Guerrero, Toluca (México). Ambos mexicanos residentes en Barcelona decidieron volver a México para montar una floristería. Ahora regresan a España para cerrar el círculo. Lo hacen decorando el Archivo Municipal de Córdoba. 

Loose Leaf está formado por Wona Bae, Muahn (Corea del Sur) y Charlie Lawler , Hobart (Australia). Ambos se conocieron en Alemania y pretenden introducir la naturaleza en nuestras vidas. Esta pareja será la encargada de dar un toque de color al Palacio de Orive. 

In Water Flowers, formado por Robert Hornsby, Peterborough (Reino Unido) dará un toque floral a la Sede Delegación de Turismo. El artista considera que “el límite lo ponen la imaginación y la creación del artista”.

Isabel Marías es una madrileña que estudió Diseño de Moda pero que acabó convencida de que le faltaba algo: las flores. Por eso viaja a Córdoba para decorar es Museo Taurino.  

Natasha Lisitsa, Kiev, (Ucrania) & Daniel Schultz, Nueva York (Estados Unidos) son un matrimonio que ha llenado de flores más de 1.500 eventos y bodas. Ahora en el festival se encargarán de dar un poco de color a la Plaza del Potro.

Patrick Nadeau, La Rochelle (Francia), se encargará del Museo Arqueológico, bajo el lema de “diseño vegetal”.

Por último, Tomas De Bruyne, Brujas (Bélgica), será el encargado de decorar el patio de la Sede de Vimcorsa.

Fuentes:

https://noticias.eltiempo.es/patios-cordoba-festival-de-las-internacional-flores/

WILLIAM MORRIS.

William Morris fue algo así como una reencarnación del ideal del hombre renacentista a finales del siglo XIX. Casi nada escapó a su curiosidad: fue diseñador, artesano, empresario, poeta, ensayista, ilustrador, tipógrafo, tejedor, agitador social, etc. Frente a la despersonalización debida a la industrialización y el gusto recargado de la época victoriana, reivindicó desde el movimiento “Arts & Crafts” la reconexión de la belleza pura del arte con la belleza utilitaria de la artesanía.

Arts & Crafts fue la corriente dominante en la artesanía y diseño británico hasta vísperas de la Primera Guerra Mundial. Su influencia atrajo a una nueva generación de arquitectos que defendieron un estilo de vida sencillo e inspirado en la naturaleza a través de objetos domésticos caracterizados por su calidad, funcionalidad y el respeto a la autenticidad de las técnicas y los materiales.

DIEGO CABEZAS, ESCULTOR DE HIERRO.

Para Diego Cabezas, escultor de hierro, todo empieza con un dibujo. En la tranquilidad de su estudio de Barcelona, entre bocetos y herramientas, se siente libre sobre el papel en blanco. En su obra, la escultura es una meticulosa traducción de lo que esboza el pincel, un mismo lenguaje y una misma expresión, que pasa de manera natural del lienzo a la realidad. Diego dibuja en el aire.

Su obra refleja un profundo interés por la naturaleza y la figura humana. Desde formas vegetales hasta rostros, Diego simplemente se deja llevar por la curiosidad. Sus dibujos quizás recuerden a aquellos de Picasso o Manrique, y en sus paredes cuelgan láminas de Miró junto con otras obras de amigos. Su imaginario es amplio, y su educación e interés le han nutrido de referencias, pero Diego vuela sólo, cómodo en la libertad que le brinda su profesión.

En un continuo impulso depurativo, sus piezas juegan con la sombra y el vacío como complemento del propio material. Así, la proyección del hierro sobre la pared es también parte de la escultura, al igual que el aire que mueve las piezas en suspensión. Su obra interactúa con el medio y adquiere un mayor sentido.

En su cuenta de Instagram, @diegocabezas00, nos abre las puertas de su estudio y nos muestra un amplio catálogo de obras y procesos, siempre con un aire natural y transparente. Sus esculturas se abren ya paso en destacadas plataformas como Exhibit A, en Londres, o la estadounidense Work in Progress Gallery, mientras su obra se depura y se enriquece con cada día de trabajo.

FUENTES:

Interiores en blanco

Bodega de vinos

Interioridades

El cielo a la vista

Trazo en el aire

VIDA ACUÁTICA

El estudio portugués de Guedes Cruz Arquitectos ha terminado una vivienda de lujo cerca de Lisboa, a las afueras de Cascais, Portugal. La impresionante vivienda de  3.600m², cuenta con dos piscinas exteriores se cruzan en el patio, una en el suelo y la otra flotando en un nivel superior. El espacio que queda en medio se llena de sombras, reflejos y movimientos, generando sugerentes percepciones visuales. Los arquitectos responsables del diseño han sido los portugueses Marco Martínez Marinho, César Marques y José Guedes Cruz, de Guedes Cruz Arquitectos. El proyecto se enfrenta al paisaje de la costa atlantica como un gran refugio de largos muros de hormigón, unicamente interrumpidos por grandes ventanales que se abren al paisaje. Una visión que contrasta con la ligereza visual frente a los pesados muros de hormigón prefabricado que componen la vivienda. La vivienda ha sido bautizada con el nombre The Wall House, y está situada a 25 km de la capital portuguesa, en la “Riviera portuguesa” una típica zona de veraneo vip desde que en el siglo XIX el rey Luis I de Portugal y la aristocracia del momento pusieran de moda la ciudad de Cascais, como zona de lujo para veranear. La vivienda tiene el siguiente programa: cocina gourmet, amplia sala de estar, 4 dormitorios y 5 baños, en dos alturas. Todo vinculado con el patio, los jardines exteriores y aprovechando el juego de reflejos que el agua proporciona.

Las últimas fotos no las he podido adjuntar como tales debido a que tiene un límite.

FUENTES:

https://www.metalocus.es/es/noticias/piscina-sobre-piscina-casa-muro-por-guedes-cruz-arquitectos

Revista Arquitectura y diseño Nº 198

LA UTOPÍA DE CIUDAD ALJARAFE: IDENTIDAD VECINAL FRENTE A LA CIUDAD DORMITORIO

Del  19 de junio al 28 de septiembre de 1982 el artista alemán Joseph Beuys  propuso plantar 7.000 robles, cada uno junto a una columna de basalto frente  al a la entrada del  museo Fridericianum de su  Kassel natal. Nueve años  antes, en Mairena del Aljarafe (Sevilla), el arquitecto Fernando Higueras proyectó una ciudad  en torno a un colegio en mitad de un mar de olivos; a los vecinos  se les propuso  plantar su propio  árbol

–un  ciprés-, como extensión del espacio doméstico, como conquista colectiva del  espacio público. Ambas acciones, separadas en tiempo y espacio, cosen al  individuo al territorio como génesis de la ocupación urbana. Higueras se enfrenta a un programa de 1192 viviendas sociales con la escala humana de cinta métrica y las  relaciones vecinales como dogma irrenunciable.

En 85  bloques –llamados conjuntos-, cuatro tipos de  tipología residencial  adquieren unidad material con el uso  del ladrillo de tejares –en  referencia explícita al material de la rampa  de la Giralda-, cubiertas a dos aguas  y galerías de conexión abiertas al exterior. Estos corredores en  altura permiten una ventilación cruzada, reforzada por una posición  retranqueada de cada uno de ellos con respecto al anterior, formando una  suerte de planta de dientes de sierra.

Para  Higueras y Miró la secuencia espacial de lo público a lo privado sigue el ritmo pausado  de la luz, amortiguada con voladizos, celosías de tejares y cipreses. La diferencia entre  ambos mundos queda  difuminada a la vez que el desafío al modelo de barriada periférica de las últimas dos décadas quedaba claro; Alison y Peter Smithson  construían, contemporáneamente, su icónico Robin Hood Garden  y las prioridades, para un determinado grupo de arquitectos, cambiaban.

De hacienda a barrio emblemático de Mairena del Aljarafe

Las 40 hectáreas de olivar que conformaron la Hacienda Cavaleri, propiedad de la familia que le dio nombre y que fueron convertidas a principios del siglo XX en segunda residencia de la familia Taviel de Andrade, han pasado a acoger hoy barrios tan emblemáticos e importantes de Mairena como el propio Cavaleri y Ciudad Expo.

Existe poca documentación acerca de esta histórica hacienda que se encontraba situada en terrenos del municipio colindantes con San Juan de Aznalfarache y relativamente lejos de lo que en ese tiempo era el núcleo poblacional de Mairena del Aljarafe, es decir, su Casco Antiguo.

Estas circunstancias, unidas al hecho de que estos terrenos no fueran eminentemente agrícola, como lo eran Porzuna o, por ejemplo, Rosales, hicieron que el vinculo de los maireneros con la Hacienda Cavaleri no fuera tan intenso como con las otras, a las que los unían relaciones laborales. Cavaleri era más considerada entonces un espacio de recreo que una hacienda.

Sin embargo, se sabe que la Hacienda Cavaleri contenía el que entonces era el único camino que unía el pueblo de Mairena con Sevilla capital, pasando también por el municipio de San Juan. Por éste y otros motivos, estos terrenos se acabaron convirtiendo en un enclave muy preciado desde el punto de vista urbanístico para el posterior desarrollo de la localidad.

En los años 60 del siglo XX, la Hacienda Cavaleri pasa a manos de la Caja San Fernando de Sevilla, como inversión inmobiliaria, iniciándose en los 70 la construcción de las urbanizaciones de Los Olivos, Las Brisas, Montealto y parte del mismo barrio de Cavaleri.

Ya en los años 80 se iniciaría la construcción del barrio de Ciudad Expo, levantado en su totalidad sobre estos terrenos, época en la que también el antiguo camino de San Juan que iba a Sevilla se convirtió en la actual carretera Mairena-San Juan.

Ermita de Nuestro Padre Jesús Nazareno.

Obra de finales del XVI, que sigue la orientación de la línea de equinoccios (punto  central del ciclo anual del sol sobre el horizonte). El vía crucis desciende hacia  el punto del ocaso en el solsticio invernal. La planta del templo encierra rectángulos áureos. En su tiempo fue lugar de intensa peregrinación movida por las sanaciones milagrosas atribuidas a la talla del Nazareno, cuyo primer milagro conocido habría sido el de la multiplicación del aceite.

Cuenta con una calzada para la ascensión a la ermita que a su vez es un viacrucis, donde la última cruz se encuentra en el centro de un pequeño patio que hay en la entrada de ésta

FUENTES:

Imágenes de María Inmaculada García Molina.

Iglesia conventual de las Carmelitas Descalzas.  

Bello ejemplo de arquitectura carmelitana. Levantada por el arquitecto local  Alonso Pérez Palomino, siguiendo el diseño de Fray Acisclo de San Rafael. El  eje principal de la iglesia está perfectamente orientado a Ávila, al templo  fundacional de la orden de Carmelitas Descalzas. Este émulo de quibla no  tiene parangón en la arquitectura carmelitana, y solo cobra algún sentido en  el contexto que inspira el conjunto de la arquitectura religiosa en Bujalance.

FUENTES:

Imágenes de María Inmaculada García Molina y A. Carazo.

Templo Parroquial de San Francisco.

Reconstruido a mediados del XX, siguiendo  los aspectos básicos del original del siglo XVI. Buen ejemplo de la arquitectura  franciscana. Está orientado al ocaso solar en la onomástica de San Francisco, también  en calendario juliano del XVI. Los últimos rayos de sol penetran por el rosetón del  pórtico y van a morir sobre la imagen del santo, que preside el muro del presbiterio.

FUENTES:

Imágenes de María Inmaculada García Molina y A. Carazo.

Templo Parroquial de Nuestra Señora de la Asunción.

También reconocida como la catedral de Bujalance, fue construida durante el XVI por la saga de arquitectos Hernán Ruiz. Su torre, de  principios del XVII, fue reconstruida en 1788. El templo está orientado al orto  solar en la onomástica de la Virgen de la Asunción, según el calendario Juliano  vigente en la época de su construcción. Su planta se compone de rectángulos  de razón áurea y la nave central parece seguir las proporciones del Arca de Noé.

Su torre, la torre de Pisa de Andalucía, cuenta con una inclinación de 3,5º cuando la torre de Pisa cuenta con 4º.

FUENTES:

Imágenes de María Inmaculada García Molina y A. Carazo.

ARQUITECTURA DEL SOL, BUJALANCE (CÓRDOBA)

Hubo un tiempo en el que el mundo, imperfecto y mutable, estaba hecho de cuatro elementos: tierra,  agua, aire y fuego; y el cielo, perfecto y eterno, de éter o quintaesencia.  La Tierra estaba rodeada por ocho esferas concéntricas, que albergaban al Sol, la Luna, los planetas, y las estrellas fijas, mientras que en la novena esfera comenzaba el reino de los cielos: la casa de Dios y de los Santos, el lugar al que anhela retornar el alma.  Las naves de las iglesias se orientan aquí, como flechas, apuntando con una precisión de décima de grado al lugar exacto del horizonte local por donde sale o se pone el Sol en el día de la onomástica del Santo titular, produciendo en esas fechas bellísimos “milagros de la luz”.  En la planta y el alzado de los templos se usa la Divina Proporción de Pacioli, el número de Dios asociado a la quintaesencia, la sustancia sutil que todo lo penetra y que engendra a los cuatro elementos del mundo sensible, la misma quintaesencia capaz de transmutar los metales en oro, o de sublimar el alma. Así, el Templo de la Asunción, orientado al orto solar en su onomástica, es una  morada filosofal, un lugar de bendición, donde la oración y la mediación de la  Santísima Virgen obrarían el milagro de acercar el alma a Dios.

Los cinco templos

Esos templos son las parroquias de la Asunción y de San Francisco, la ermita de Nuestro Padre Jesús Nazareno, la iglesia de San Juan de Dios, las dos torres en la Línea de San Pablo y la iglesia conventual de las Carmelitas Descalzas.

José María Abril, descubridor de éste hecho, además, descubrió una segunda característica singular: el uso en las proporciones de los edificios y sus emplazamientos relativos del número áureo y la raíz cuadrada de dos. Esto es, los dos números irracionales que se encuentran en los sólidos platónicos y en las teorías de la quintaesencia. Según José María Abril, en esta cosmovisión «la idea de Dios, la astronomía, la física aristotélica y las matemáticas conformaban una teoría del todo».

Las dos torres o la línea de San Pablo. 

Las torres de los templos parroquiales de San Francisco y la Asunción son coetáneas  (principios del XVII). Dos días al año el orto solar se alinea con las dos torres: el  día de la Conversión de San Pablo, y el día de la consagración de las Basílicas de

San Pedro y San Pablo (los dos pilares de la Iglesia). En la misma línea se sitúa la  espadaña-campanario de San Juan de Dios (antes del Corpus Christi), guardando  las proporciones de la raíz cuadrada de dos , el primer número irracional conocido, y usado con profusión  como “marca del arquitecto”.

FUENTES:

http://arquitecturadelsol.blogspot.com.es/

Si no la has visto aún no te quedará mucho para encontrártelo por algún rincón de tus redes sociales en los próximos días. Casi sin pretenderlo el coreógrafo Yoann Bourgeois ha conquistado Twitter, ya que decenas de cuentas han subido su último proyecto ganándose la atención de cientos de miles de personas.

El movimiento constante, pendular de varios hombres-estatuas en un bucle infinito, mece nuestros sentidos de la vista y el oído llevándonos casi a un estado narcótico por el que los bailarines casi dejan de parecer humanos y pasan a ser imposibles seres mágicos.

“El hombre en la historia: un intento de acercarse a un punto de suspensión”, así se titula su última obra dentro del ciclo Monuments en mouvement (Monumentos en Movimiento) que Bourgeois lleva años realizando y que ha expuesto su última instalación en el Panteón de París, exactamente en el mismo lugar que está el famosísimo Péndulo de Foucault y dialogando así con el descubrimiento de que la Tierra no deja de girar alrededor del sol.

El artefacto consiste en una escalera circular en movimiento por la que cuatro acróbatas, de gris, simulando ser personajes de la historia, van apareciendo y desapareciendo mientras suben a la cima y se dejan caer sobre un trampolín, generando en su acto unos instantes de suspensiónque son al mismo tiempo una imagen de la consagración humana y su fracaso, ya que sabemos que va a terminar intercediendo la fuerza de la gravedad. La acción se repite hasta el infinito con mínimas variaciones.

Es decir, se centra todo el poder visual de la obra en ese momento de poesía suprema, al borde del equilibrio y la caída, por el que comprendemos que, cual sistema mecánico, todo es una oscilación permanente, incluso nosotros mismos. Nuestra historia política no deja de ser el engranaje de un reloj por el que cada 12 horas se acaba de nuevo en el mismo lugar, esclavos como somos al igual que cualquier objeto de la física y del tiempo.

FUENTES:

https://magnet.xataka.com/un-mundo-fascinante/esta-es-la-hipnotizante-escultura-viva-que-representa-al-hombre-en-la-historia-y-que-se-ha-vuelvo-viral

CHRIS BURDEN, EL BODY ART Y LA PERFORMANCE

Conocido por sus performances en los años 70 y por algunas acciones urbanas, Chris Burden fue más que un artista excéntrico o fuera de lo común. Fue un pionero y uno de los padres de la performance, tal y como la entendemos hoy en día.

Burden fue uno de los representantes del body art en los años 70, movimiento en el cual se utilizaba como material principal el propio cuerpo de los artistas, y del cual surgieron performers tan conocidos como Marina Abramovic y Ulay.

Five Day Locker Piece

Chris Burden realizó una performance para su tesis en 1971 en la Universidad de California, llamada “Five Day Locker Piece”, en la que el artista se encerró durante cinco días en la taquilla número cinco de su facultad, con tan sólo unos litros de agua y una botella vacía para hacer sus necesidades. Más tarde declaró sobre esta performance y otras de la misma época: “No es como una pieza de danza de Joan Jonas donde tienes varias partes enlazadas que conforman un todo. Con mis piezas hay una cosa y eso es lo que hay.”

Shoot

Su segunda performance más famosa fue “Shoot”. Fue y es la más conocida y controvertida de Burden, la que han recordado más intensamente estos días los medios. En esta performance, el artista se presentaba ante su ayudante, quien le disparaba en el brazo con un rifle. “Todo el mundo intenta evitar ser disparado. ¿Y si yo lo hago a propósito?”, afirmaba Burden sobre “Shoot”. Pero esta acción era más que experimentar hasta dónde llegaban los límites del cuerpo, del dolor y de la voluntad humanos. También había un punto de inconsciencia, el necesario como para dejarse disparar. A la vez, era una llamada de atención sobre la cultura americana de las armas de fuego, sobre la guerra de Vietnam y la presencia de la violencia en nuestra sociedad, aceptada y normalizada, ya desde entonces.

 Deadman

Otra pieza cargada de denuncia fue la de “Deadman”(1972) en la que Burden se tumbó al lado de un coche aparcado enfrente de una conocida galería y se hizo cubrir por una manta, como si fuera un cadáver, señalizado por dos bengalas luminosas. Terminó siendo arrestado por falsa emergencia y Burden se lamentaba de que la policía arruinó su pieza irrumpiendo en la escena donde se desarrollaba la performance.

Bed Piece

Otra obra, de carácter menos violento, fue “Bed piece”(1972), que recuerda a “Five Day Locker Piece”, aunque con un desarrollo más introspectivo. Durante veintidós días, Burden vivió en el espacio de una galería donde instaló una cama. No podía hablar con nadie y nadie podía hablarle, al contrario que en “Five Day Locker Piece”, donde los estudiantes se acercaban a hablar con él. El comisario de la galería le proveía de alimentos, agua y lo necesario para poder lavarse e ir al baño. Los últimos días de la performance, el comisario, el galerista y la gente que visitaba la performance comenzaren a inquietarse, puesto que el artista parecía estar extrañamente cómodo en la cama, en el espacio observado. Tanto fue así, que el galerista rompió las normas y le pidió que no hiciera ninguna tontería y que no se viniera abajo mentalmente. Años después, Burden comentaba sobre esta performance: “Ellos dejaban comida para mí, pero muchas veces no comía porque en sus mentes yo me había convertido en un objeto… Al principio fue un auténtico aburrimiento. Era doloroso y duro de hacer, pero encontré que a medida que se acercaba el fin, yo comenzaba a disfrutar allí… El cambio del principio respecto del final fue bastante misterioso para mí y es por eso que estoy reinvestigándolo.”

Trans-fixed

En “Trans-fixed” (1974) Burden realizó otra de las obras más citadas de su carrera. Se clavó las manos en el techo de un Volkswagen, simulando una crucifixión: “Las puertas del garage se abrieron y el Volkswagen fue empujado a medio camino, en punto muerto. Comenzó a correr a máxima velocidad haciendo un ruido estruendoso. Entonces el coche se paró, fue empujado de vuelta al garage y las puertas fueron cerradas. Para los espectadores fue como una especie de aparición”, contaba Burden sobre esta performance, en la que lo sacrílego de la acción se mezcla con lo venerable de la publicidad y racionaliza sobre la religión y la desmitificación. En años siguientes, Burden comenzó a utilizar su cuerpo de una manera aún más violenta si cabe, haciendo que su organismo alcanzara límites del dolor y del autoconocimiento peligrosos.

Samson

Después, abandonó la performance para centrarse en la instalación y escultura. Chris Burden estudió Artes Visuales, Física y Arquitectura, y estos conocimientos influyeron enormemente a la hora de presentar obras como “SAMSON”, un artilugio montado en una exposición del artista en 1985 en el Museo de Arte de Newport, mediante el cual cada vez que un visitante entraba a la muestra, se ponía en marcha un mecanismo que activaba una estructura que empujaba las paredes de la sala. Cuanta más gente entraba, mayor era la presión que se ejercía sobre las paredes. La presión literal del público, del éxito de un artista se hacía patente a través de este artefacto 

Urban Light

Su instalación más popular fue “Urban Light” en 2008, colocada frente al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, donde más de doscientas farolas, provenientes de la colección personal del artista, fueron restauradas y colocadas siguiendo un minucioso orden. Afirmaba Burden sobre esta instalación: “Urban Light es arquitectura. Es un edificio con un techo de luz”. En definitiva Burden, fue un padre de la performance actual, una figura clave para comprender el cuerpo en el arte y un referente para todos los artistas contemporáneos; sin embargo, no hay que perder de vista lo que sabiamente dice la artista Esther Ferrer: “A ellos les toca inventar la performance de 2014, no copiar lo que se hacía en los años 60 y 70”.

Adjunto el trailer de un documental sobre Chris Burden donde salen algunas de sus obras

Fuentes:

La Wiener Musikverein de Viena, Austria, es un edificio que alberga varias salas de conciertos y otras instituciones musicales, que se abrió al público el 6 de enero de 1870. La sala principal es famosa por su acústica, que la sitúa entre las tres mejores salas del mundo en lo que respecta a la sonoridad, junto con el Symphony Hall de Boston, y el Concertgebouw de Ámsterdam. La sala acoge conciertos de las principales orquestas sinfónicas del mundo, destacando los conciertos de abono de la Orquesta Filarmónica de Viena.

El edificio fue construido por la Gesellschaft der Musikfreunde (Sociedad de Amigos de la Música), a la que pertenece. El lugar en el que se encuentra fue donado por el Emperador Francisco José I, y el proyecto se encargó al arquitecto danés Theophil Hansen , que se inspiró en el clasicismo griego. Al cabo de poco tiempo, el edificio recibió el nombre de Musikverein (lit., club de música).

Musikverein

Las salas de conciertos

La Goldener Saal (Sala dorada) tiene 48 m de longitud, 19 m de anchura y 18 m de altura. Cuenta con 1.744 asientos y unas 300 plazas de pie. Desde el momento de su inauguración hasta la actualidad, su calidad acústica ha sido considerada como excepcional, como resultado de la forma rectangular, el recubrimiento de madera, el espacio hueco bajo el suelo de madera, que actúa como caja de resonancia, el falso techo, también de madera, colgado del forjado, etc.

Goldener Saal

La sala de cámara, conocida desde 1937 como Brahms-Saal, con unas 600 plazas, fue muy pronto reconocida como un lugar ideal para conciertos de música de cámara y recitales. 

Brahms-Saal 

La Gottfried von Einem Saal, conocida hasta 1994 como “Kammersaal” se utiliza como sala auxiliar de la Brahms Saal. 

Gottfried von Einem Saal 

Desde 2004, el edificio dispone de otras cuatro salas más pequeñas, construidas bajo tierra, en las que se programan distintos tipos de actuaciones, recitales, conferencias, cursos, etc, y que disponen de modernas instalaciones técnicas para estos fines.

Magna Auditorium, o Gläsener Saal (“sala de cristal”), con 380 plazas.

Metallener Saal (“sala de metal”), con 126 plazas.

Horst Haschek Auditorium, o Steinerner Saal (“sala de piedra”), con 70 plazas.

Hölzener Saal (“sala de madera”), con 80 plazas

Les dejamos adjunto el enlace del concierto de año nuevo de 2017, es largo pero merece la pena

Fuentes:

José Delgado Brackenbury y Manuel Delgado Brackenbury

Manuel Delgado:

Manuel Delgado Brackenbury (firmaba con la versión españolizada, Bracqenbury) (Las Cabezas de San Juan (Sevilla) 1882-1941) es un escultor sevillano. Militar de profesión, se aficionó a las artes y a la escultura, de la que aprendió de la mano de Benlliure, Querol, Llimona y Coullaut Valera. En la prensa a veces ha aparecido escrito como Brackembury, pero el apellido anglosajón es con n.

Realizó varias obras importantes para la Exposición Iberoamericana de 1929 celebrada en Sevilla. Entre otras obras en la ciudad ha realizado las esculturas de la Portada de la Exposición de 1929.

Portada de San Diego (Sevilla)

Las esculturas de la Fuente de las Cuatro Estaciones, la Fuente de Híspalis de la Puerta de Jerez y las esculturas de la Glorieta de Covadonga.

Fuente de las cuatro estaciones. (Sevilla)

Fuente de Híspalis. (Sevilla)

Glorieta de Covadonga.(Sevilla)

José Delgado:

José Delgado Brackenbury fue un ingeniero español. Como ingeniero jefe de las obras del Puerto de Sevilla, realizó importantes infraestructuras fluviales, como el Puente de Afonso XIII y el Plan de Mejoras del Puerto a comienzos del siglo XX.

En 1902 el ingeniero vasco Luis Moliní Uribarri redacta el Proyecto General de Obras de Mejora de la Ría del Guadalquivir comprendida entre Sevilla y la Desembocadura. Entre 1909 y 1926 Moliní ejecutó su plan, que fue continuado entre 1927 y 1950 por Brackenbury.

Recibió como reconocimiento de su trabajo la Orden del Mérito Civil en junio de 1949.

Puente de Alfonso XIII. (Sevilla)

FUENTES:

https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Delgado_Brackenbury

J.W. Anderson siempre se ha confesado admirador del movimiento Arts & Crafts. Esa pasión se ha convertido en moda.

Cuando el diseñador irlandés Jonathan William Anderson entró en Loewe (una casa históricamente española, aunque desde hace años de facto en realidad francesa, pues pertenece al grupo francés LVMH y tiene su sede central en París), dejó muy claro que iba a centrar todos sus esfuerzo en conseguir mezclar en armonía su visión ultramoderna de la moda con la fortísima tradición artesanal de la firma. No era un farol.

Que el director creativo se haya empeñado en poner en marcha unos premios de artesanía internacionales con un jurado realmente imponente no es casualidad. Como tampoco lo es que la nueva colección efímera de la firma rinda homenaje a William Morris, fundador del movimiento artístico Arts & Crafts, defensor acérrimo de la artesanía como forma de creación humana superior y el hombre que influyó de manera más radical al diseño industrial del siglo XX, desde el Movimiento Secesión vienés hasta la Bauhaus

Morris, que creó su estudio de artesanía, Morris & Company, en 1891 creía rotundamente en el protagonismo esencial de la arquitectura de interior, para crear las condiciones de una vida digna y feliz. J.W. Anderson siempre se ha confesado gran admirador de la obra de Morris. De hecho, una de las primeras cosas que hizo cuando llegó a Loewe fue adquirir una Sussex Chair, una de las piezas de mobiliaria más icónicas creadas por el taller del británico a finales del siglo XIX.

Anderson ha esa silla usado como pieza central para inspirarse a la hora de crear la colección William Morris meets punk, en la que el director creativo de Loewe reinterpreta los elementos esenciales y más distintivos de la obra de Morris (como sus estampados florales, por ejemplo) para darles una nueva vida.

  FUENTES: