Goodidea Style

Ian Strang, CEO e co-fondatore di Funeralbooker, l’agenzia che stà riscrivendo le regole dei servizi funebri e non parliamo di TAFFO. Detta così con tutta probabilità alcuni avranno già interrotto la lettura ma è assolutamente da scoprire sia per user experience del sito, identità visiva e mascotte e chissà magari qualcuno in futuro potrebbe scegliere di utilizzarlo.

Questa non è la solita agenzia funebre che ci aiuta a scegliere una nostra foto con il giglio, dietro si nasconde un marchio che offre servizi in modo davvero innovativo. Insomma scoprirete di avere al vostro fianco una guida, o meglio,  un personaggio che vi seguirà senza approfittarsene di voi e del vostro momento di difficolta.

LO SVILUPPO DEL MARCHIO

Come abbiamo detto poco fa la strategia dell’azienda è stata quella di creare un personaggio, e quindi una mascotte che ti guida passo dopo passo nella navigazione del sito e nella scelta dei servizi di cui hai bisogno. Lo studio del brand di Beyond è iniziato lavorando prima di tutto sull’analisi dei competitor e sul brand book. Grazie ad un approccio “look and feel” hanno potuto scegliere senza troppa difficoltà il colore che sarebbe poi diventato quello che identifica Beyond,  il giallo. Un caldo, positivo e coraggioso giallo, molto pop, che nessun altro competitor aveva utilizzato fino ad oggi, quindi quello giusto. Un’approccio rivoluzionario in questo settore, non possiamo non ammetterlo a noi stessi, geniale. Ci piace!

La seconda fase di analisi ha portato lo studio a identificare come desuete tutte quelle immagini stock, colombe, composizioni floreali e religiose, utilizzate per dare un senso di aldilà, le conosciamo tutti le vediamo nei manifesti funebri. Il fenomeno strano di questa omologazione visiva può tradursi in “isomorfismo mimetico” ed è strano quanto stupido che ci si sia fossilizzati in questo senso. Quindi, con il coraggio che di certo non gli è mancato e come se non gli bastasse, hanno creato anche una mascotte e le icone, utilizzando una font classica, il ParaType. Ma il rebranding è sempre dietro l’angolo, perché chiunque può offrire un feedback, come è successo in passato, e cambiare alcuni dettagli visivi e migliorarne l’immagine.

LA MASCOTTE

Fearless Creativity è il motto dello studio inglese Taxi fondato da Spencer Buck. La tua comfort zone è bella e confortevole? Ne siamo certi, ma sappi che non è il posto giusto per fare esplodere la tua creatività. E’ per questo che Taxi utilizza l'animazione per aiutare i laureati in design a superare le loro paure creative. Nasce così il corto d’animazione Creative Discomforts dove le leggende del design come Laura Jordan-Bambach, Jim Sutherland e Jack Renwick, sono degli adorabili personaggi animati pronti ad aiutarti

Tutti i protagonisti dell’animazione rappresentano la creatività, quella senza timori, come Jim dello Studio Sutherl& una delle agenzia più premiate dal D&AD nel 2017. Uno studio che ha ottenuto risultati incredibili resi ancora più incredibili dal fatto che è composto da due sole persone.

Schizzi, disegni, lettere scarabocchiate, frammenti di lavoro che spesso non hanno importanza, tranne se sono cimeli di 90 anni presenti nell’archivio della Fondazione Bauhaus Dessau. Allora si che diventano dei tesori nascosti.

Erik Spiekermann insieme ad un team di giovani studenti, hanno riportato alla luce questi caratteri e hanno realizzato delle font.

Dal lettering creato da Karl Marx durante il suo primo semestre, lo studente Hidetaka Yamasaki ha realizzato la font “Karl Marx ”mentre Luca Pellegrini ha lavorato su un alfabeto disegnato da Xanti Schawinsky e così via gli altri:

Joschmi, di Flavia Zimbardi;

Alfarn, di Celine Hurk;

Reross, di Elia Preuss.

“È difficile modificare o lavorare opere d’arte che esistono da 90 anni. È sacrosanto in un certo senso. Per questo abbiamo dovuto dimenticarlo e immaginare cosa invece avrebbe fatto il progettista se qualcuno avesse dato loro Font Lab o Glyph o Adobe Illustrator” Spiega Spiekermann.

Lo spirito del progetto è stato quello di ripensare queste font oggi e come verrebbero usate. La tecnica è diversa i risultati sono diversi.

Un modo per immergersi in un’altra dimensione e andare oltre la paura di migliorare il passato.

"Devi fare una certa quantità di errori per scoprire come non funziona - dice Spiekermann - devi solo essere reattivo e farlo di nuovo, lasciarlo riposare per alcuni giorni e guardarlo di nuovo, ascoltare i molti commenti diversi, e poi attuare il tuo pensiero. Non c'è scorciatoia, ci vuole solo tempo.” Ecco perché Spiekermann dice che è una buona idea iniziare ricreando qualcosa che è accaduto prima. "Metterti nella mentalità di qualcun altro – consiglia - perché hai poi qualcosa con quale confrontarti. Penso che sia un metodo utile, piuttosto che iniziare da zero e reinventare l'alfabeto latino. È un compito arduo."

Il progetto è stato trasformato in una design challenge da Adobe.

Hanno lanciato una campagna la “Hidden Treasures” le font sono disponibili per tutti i clienti di Creative Cloud.

Adobe vi invita quindi a usare le font per creare uno di questi 4 elaborati:

#1 logo,

#2 poster

#3 bigliettino da visita

#4 homepage

Quanto riportato di seguito è la triste storia di una giovanissima rapper vittima di ripetuti attacchi sessisti da parte di un pubblico cinico e ignorante, quello del rap mainstream italiano, coadiuvato dalla totale indifferenza di artisti e di parte dei responsabili dell'organizzazione del festival Indiegeno. Quello che è successo sotto gli occhi di tutti è la triste fotografia di un mainstream alla deriva culturale.

Di seguito la lettera aperta di Caroline in arte CRLN.

Quando ho accettato l’apertura a Gemitaiz all'Indiegeno Fest sapevo a cosa andavo incontro ma speravo in un altro esito questa volta. Sapevo a cosa andavo incontro perché l’avevo già vissuto due anni prima al MIND Festival, a Montecosaro, nelle Marche, nella mia terra. Quella volta aprivo a Marracash e sotto al palco, oltre alle orde di ragazzini impazziti che avevano atteso il proprio idolo dal primo pomeriggio e avevano deciso di sfogare la loro stanchezza su di me, c’erano anche i miei genitori e mio fratello ad assistere a quelle scene “lapidatorie”.

Mi ricordo che cantavo un verso di un mio pezzo che dice “voglio aprire io le danze” e tra i cori c’era chi mi correggeva urlando che avrei dovuto aprire le gambe e non le danze, con l’aggiunta di qualche “troia” volante.

Le battute e gli insulti erano di uno squallore così grande che me ne sono vergognata.

Quella volta non reagii bene. Dissi una frase con una parolaccia, un “non rompete il cazzo, tra poco arriva il vostro Marracash” e i giorni dopo scoprii che in fondo al pubblico c’era chi era rimasto offeso dal mio linguaggio scurrile.

Avessero saputo le cose scurrili che ho dovuto sentire durante tutta la mezz’ora del live.

Nessuno può averne la più pallida idea.

Quella volta non incontrai mai Marracash perché lasciò all’organizzazione la disposizione di farmi cacciare dal backstage appena finito il mio live.

All’indiegeno Fest è successa la stessa cosa. Una seconda volta. Un dejavu.

L’ordine di lasciare il backstage appena scesa dal palco, l’attesa paragonabile a quella di un agnellino che sta andando al macello, il confronto con un pubblico stanco e impaziente di vedere il proprio idolo, i cori sessisti, gli “ollellè ollallà, faccela vedè, faccela toccà”, gli “apprezzamenti” di gruppo, il taglio di 4 pezzi del repertorio, la voglia di scappare da lì sopra il prima possibile, la sensazione che ti stanno in qualche modo violentando, erano tutte cose che avevo già vissuto.

Questa volta però al secondo coro avevo la risposta giusta, diretta e concisa “ragazzi, basta con i cori sessisti. Non siamo nel Medioevo”.

Poi in quei casi l’orgoglio magari ti fa scendere dal palco e parlare della situazione appena accaduta in modo cinico e maturo. Cazzate, perché due ore dopo piangevo sulle spalle di una delle fantastiche organizzatrici che mi aveva manifestato con tutta dolcezza la sua solidarietà.

Anche questa volta dell’artista headliner neanche una traccia. Anche questa volta zero interesse, zero solidarietà, zero indignazione, zero voglia di cambiamento.

Ho deciso di parlarne perché ho capito che il silenzio ingigantisce solamente dei mostri che possono essere fermati solo sensibilizzando.

Da Gemitaiz mi aspettavo semplicemente una presa di coscienza della situazione e del proprio pubblico. Mi aspettavo una presa di posizione, anche solo un “raga, non ci si comporta così”. Anche solo una steccata sui social il giorno dopo il live. Invece l’omertà, per l’ennesima volta in questa lunga storia quale è quella del femminismo, che dura da secoli e non riposa mai, ha vinto su tutto. Ha vinto ancora il silenzio, l’egoismo, il pressapochismo e in questo caso anche l’incoerenza di chi prende posizione solo per ciò che gli fa comodo.

Io credo fortemente che il pubblico vada educato. Il legame che si crea con il proprio pubblico ha come punto fondamentale il rispetto. Ed è proprio grazie a quel rispetto che diventi detentore di un potere educativo così forte da avere il privilegio di influenzare ed insegnare ai tuoi ascoltatori tutto ciò che è più giusto.

Il fatto che io mi sia ritrovata ben due volte nella stessa imbarazzante situazione mi fa pensare che ci sia qualcosa che non funziona sia nel rapporto tra certi artisti e fanbase, sia nel sistema musicale, in particolar modo in quello del nuovo mondo rap/trap, che in questo periodo storico utilizza dei concetti che tendono ad offendere l’ideale della donna e in quest’epoca si sta dimostrando solamente una realtà a sé, chiusa nei propri confini. I confini temporali del medioevo.

Ringrazio Giorgia D'Eraclea di Giorgieness che ha suonato il giorno dopo di me e ha parlato di quell’episodio dedicandomi un applauso del suo pubblico ed esprimo la mia infinita riconoscenza ai tantissimi amici, colleghi/e artisti (come Dutch Nazari primo artista maschio, tra l'altro appartenente a quel mondo rap sano che piace a me, a dissociarsi dall'accaduto), magazine, persone sensibili e ragazze fantastiche che mi hanno dato coraggio e hanno dimostrato la loro solidarietà su questo tema condividendo l’episodio e di conseguenza il problema nei propri social. Io l’ho presa bene questa volta, ma è pieno di ragazze musiciste che hanno subìto e continueranno a subire questo tipo di trattamento da branchi di ragazzini maleducati e abbandonati ai propri errori anche da chi avrebbe il potere di cambiare le cose e decide consapevolmente di non farlo.

Nel mio profilo instagram c'è un contenuto in evidenza che si chiama "MEDIOEVO" e riassume tutte le IG Stories di solidarietà

https://www.instagram.com/stories/highlights/17955413479129108/.

Vi lascio poi nei commenti qualche articolo in cui si discute e si parla di ciò che è successo.

Mister Empaty il personaggio disegnato e animato da Bruno Bozzetto che insegna ai bambini, grazie alla sua sensibilità, a provare empatia.

LeBron ha vinto tutto ciò che poteva vincere nell'NBA, trofei e medaglie olimpiche. Ma il giorno prima dell’apertura della sua scuola elementare la I Promise School ha twittato 

Questo è uno dei momenti più grandi (se non il più grande) della mia vita!

James è nato ad Akron 33 anni fa e in questi anni di successi ha investito molto nella sua città natale al fine di migliorarne la qualità di vita della popolazione meno abbiente, infatti, i 240 ragazzi di terza e quarta elementare della sua scuola sono studenti identificati dalle scuole pubbliche di Akron come “studenti disagiati”. 

Quando le persone mi chiedono, perché una scuola? Perché so esattamente cosa stanno attraversando questi 240 bambini. Conosco le strade che calpestano. Conosco le loro sofferenze. So tutto ciò che sognano. Conosco tutti gli incubi che hanno, perché sono stato lì. So esattamente cosa stanno passando. James LeBron

Ma grazie a James gli studenti della I Promise School avranno grandi opportunità. Innanzi tutto un rapporto studente-insegnante di 20 a 1, che nella scuola pubblica è una chimera, a tutti i suoi studenti verrà offerta colazione, pranzo e merenda. Il servizio navetta per i bambini che vivono a meno di due miglia e a tutti una bici gratis. Ma forse la cosa più importante è la garanzia di borse di studio che l’Università di Akron, grazie all’intermediazione di LeBron, offre a tutti gli studenti idonei della I Promise School.

LeBron ha affondato con una schiacciata in faccia alla politica di Trump accusando il presidente degli Stati Uniti di rovinare il clima di uguaglianza che si crea in ambito sportivo. «Usa lo sport per dividerci e questa cosa della razza è diventata dominante e non riesco a tollerarla nel mio mondo dove giochiamo nelle stesse squadre senza chiederci di che colore sia la nostra pelle. La funzione dello sport dovrebbe essere quella di unirci, non di dividerci » 

Ed è proprio questo il tragico “sport” che fa vincere a Trump la partita della politica nel tempo dell’odio.

È il 31 luglio 1968. Un giovane nero sta leggendo un giornale, quando a un tratto il suo sguardo si posa su un dettaglio. Con le lacrime agli occhi, il giovane comincia a urlare e correre per tutta la casa, in cerca di sua madre. Anche lei rimane senza fiato di fronte a quella pagina: mai pensava di vivere così a lungo per vedere una cosa del genere.

E così in altre case del paese.

Cosa avevano visto madre e figlio? La prima apparizione di Franklin Armstrong sull'iconico fumetto Peanuts.

Il personaggio di Franklin nasce grazie a una lettera che un'insegnante, Harriet Glickman, scrisse a Charles M. Schulz.

Martin Luther King, Jr. era stato appena ucciso con dei colpi di arma da fuoco fuori dalla sua stanza d'albergo di Memphis. Glickman, lavorando coi bambini e avendone di suoi, era consapevole del potere del fumetto tra i giovani. "Mi resi conto che i bambini neri e i bambini bianchi non si vedevano mai raffigurati in classe insieme". E ancora: "Dalla morte di Martin Luther King, mi sono chiesta continuamente cosa potessi fare io per cambiare quelle condizioni che hanno portato all'assassinio e che contribuiscono a questo clima di incomprensioni, odio, paura e violenza".

Glickman, nella sua lettera, chiese a Schulz di prendere in considerazione l'aggiunta di un personaggio nero nel popolare fumetto: un modo per riunire il paese e dimostrare ai neri che non erano esclusi dalla società americana.

L’insegnante aveva scritto anche ad altri autori: tutti però temevano che i tempi non fossero maturi, avevano paura per le loro carriere o di essere scaricati dal sindacato.

Charles Schulz avrebbe potuto ignorarla. E invece trovò il tempo di risponderle: era intrigato dall’idea, ma non era sicuro che lui fosse la persona adatta o che fosse la scelta giusta. Non voleva peggiorare le cose o sembrare condiscendente.

Glickman non si è arresa. Ha continuato a scrivergli, e sorprendentemente Schulz non ha mai smesso di risponderle. L’insegnante ha coinvolto altri amici neri, per spiegare i motivi delle loro battaglie e dare all’autore qualche suggerimento su come introdurre il personaggio senza offendere nessuno. La conversazione è andata avanti finché un giorno, Schulz, ha detto a Glickman di controllare il giornale. Era il 31 luglio 1968.

È in questa data che Charlie Brown incontra un nuovo personaggio di nome Franklin. Franklin è un ragazzino ordinario, che fa amicizia con Charlie e lo aiuta nelle sue avventure. Suo papà è a combattere in Vietnam. Alla fine delle tre strisce, Charlie invita Franklin a dormire da lui qualche volta.

Nessun annuncio in pompa magna, nessuna formalità per l'introduzione di questo nuovo personaggio: tutto inizia con una naturale conversazione tra due bambini, dove non contano le differenze di pelle. Ma Schulz non dimentica una dichiarazione importante: un bambino nero ha un papà in Vietnam, a combattere per l'America.

Per Schulz l’introduzione di Franklin era naturale e rilevante fino a un certo punto: non hanno pensato la stessa cosa alcuni fan, soprattutto negli stati del sud, che hanno protestato così tanto da far diventare la notizia un caso nazionale.

Un editore del sud ha dichiarato: “Non mi interessa se c’è un personaggio nero, ma non va mostrato a scuola insieme agli altri”.

Schulz finì a colloquio con il presidente della società di distribuzione del fumetto, che era preoccupato di questo nuovo personaggio che avrebbe potuto influenzare la popolarità dell’autore. Molti giornali in quei giorni minacciarono di tagliare le strisce di Schulz.

La risposta di Schulz: "Ricordo di aver raccontato di Franklin a Larry. Ne abbiamo parlato a lungo al telefono, voleva che lo cambiassi. Mi sono seduto e ho detto <Bene, Larry, mettiamola così: o si stampa come lo disegno io, o me ne vado. Che ne dici?>.”

Alla fine, Franklin divenne un personaggio dei Peanuts a tutti gli effetti e - nonostante le proteste – a scuola si sedette di fronte a Peppermint Patty, mentre giocava come centrale nella squadra di baseball.

Più di recente, Franklin è tornato sotto i riflettori nel 1973, dopo una serie di polemiche sulla serie"A Charlie Brown Thanksgiving" in cui il ragazzino appare seduto da solo su un lato del tavolo, mentre i suoi amici siedono insieme sull'altro lato, di fronte a lui. Schulz ha dichiarato di non avere controllo sulla serie animata.

Aveva invece il controllo sulle sue strisce di fumetti, e la sua presa di posizione, ancora oggi così importante, lo dimostra.

Glickman avrebbe raccontato più avanti di essere cresciuta con i valori dei suoi genitori, che hanno instillato in lei e i suoi fratelli valori di uguaglianza e rispetto. Valori che nel corso degli anni li hanno resi consapevoli su questioni di razzismo e diritti civili in America. ”Ogni giorno vedevo, o leggevo, di bambini neri che cercavano di andare a scuola e di folle di bianchi che gli urlavano e sputavano contro... e delle percosse… e dei cani… ma anche del coraggio di tante persone in quel tempo".

È grazie a Glickman e a Schulz se tutto il mondo oggi conosce e ama un ragazzino di nome Franklin.

"On the Beach” è il titolo della copertina di Gauld, un tributo a quella categoria sfortunatissima costretta a trascorrere l'estate in città. 

In una recente intervista l’autore racconta che l’idea nasce da una fotografia del 1940 di Weegee, che ritraeva la spiaggia di Coney Island completamente ricoperta di gente.  

Emanon è il nome del nuovo album del leggendario musicista jazz Wayne Shorter che sorprendentemente è anche un graphic novel grazie alla collaborazione con il fumettista Randy DuBurke.

La storia del graphic novel, anch'esso intitolato Emanon ovvero "no name" al contrario, è scritto dallo stesso Shorter, per chi non lo sapesse un vero appassionato di fumetti come testimonia la foto di un autoprodotto del 1949.

Come racconta lo stesso DuBurke fu lo stesso Wayne a contattarlo con una email nel 2013 e a chiederli di lavorare insieme alla produzione di un fumetto a cavallo tra fantascienza e mitologia africana. Ma l’idea di mettere in contatto i due l’ebbe Don Was presidente della label jazz Blue Note.

Il concept che si cela all’interno dell’album e del graphic novel è un viaggio metafisico tra misticismo e fisica quantistica, “nessun nome” è il medium per intraprendere un viaggio nell’io interiore, a cavallo tra religione e fantascienza. Nel team anche la sceneggiatrice Monica Sly.

Monica racconta di essere arrivata fino in Svizzera più precisamente al CERN su suggerimento dello stesso Wayne che è strenuamente affascinato dalla teoria del Multiverso. Da qui l'idea di quattro mondi, che rappresentano quattro paure, del Multiverso Emanon.

Il primo Pegasus rappresenta la paura del proprio potenziale. Il secondo Lotus, la paura l'uno dell'altro. Il terzo Le tre marie, rappresenta la paura della conoscenza. Il quarto Prometeo illimitato, la paura dell'ignoto. In ognuno di questi mondi, l'eroe deve superare una paura che lo debilita.

Come racconta Randy la cifra stilistica del graphic novel vuole ispirarsi ad artisti come Norman Rockwell, Al Parker e Thomas Blackshear. Ma anche al pittore Gustav Klimt e illustratori come Paul Sienkiewicz. Ma ciò che alla fine vuole raccontarci veramente è una storia, quella di un protagonista che ad ogni ostacolo diventa sempre più proattivo, che non cede ma invece reagisce con grandi qualità di attivista in un universo multiplo dominato dalle paure.

Il progetto presentato da Acli Arte e Spettacolo di Rimini e dal Festival Internazionale del Cinema d’Animazione Cartoon Club, in collaborazione con ASIFA Italia, l’associazione che riunisce autori e professionisti del cinema d’animazione italiano e con la partecipazione di Rai Ragazzi e del Centro Sperimentale di Cinematografia Piemonte, Animazione è parte del bando: “Sillumina Copia privata per i giovani, per la cultura” sez. Periferie Urbane, promosso da SIAE e Mibac.

In ogni Comune che ospiterà la rassegna, saranno organizzati dei laboratori di cinema d’animazione rivolti ai bambini. All’interno dei laboratori guidati da uno staff di giovani artisti e professionisti di ASIFA Italia, i bambini affronteranno in prima persona tutte le fasi necessarie alla realizzazione di un cartone animato di qualche minuto. I laboratori saranno realizzati da Giulia Landi (Nini Calzini), Adolfo Di Molfetta e Massimo Ottoni.

In ogni Comune, a cura di Emiliano Fasano – Segretario Generale di ASIFA Italia – saranno proiettati cortometraggi in animazione realizzati da giovani autori italiani under 35 e, grazie alla preziosa adesione al progetto da parte di Rai Ragazzi, alcuni episodi delle serie animate in onda su Rai YoYo e Rai Gulp. Le società italiane di produzione, partner di Rai, hanno aderito al progetto con grande partecipazione: Rainbow con le Winx, Studio Campedelli e Cartobaleno con Atchoo, Lastrego&Testa Multimedia con Gatto Mirò, Enanimation con Mini Ninja, Misseri Animations con Mofy, Animoka con Paf il cane, Quipos con la Pimpa (©Altan/Quipos), Monello Production con Max & Maestro, Atlantyca Entertainment con Bat Pat, Showlab con Yoyo, Maga Animation Studio con Extreme Football e Acqua in bocca, Studio Bozzetto con Topo Tip.

Il manifesto di Passo Uno è stato realizzato da Marino Guarnieri, consigliere di ASIFA Italia e co-regista di Gatta Cenerentola, il lungometraggio premiato ai Premi David di Donatello e vincitore del Premio Cartoon Club per la regia.

Passo Uno con la sua carovana dell’animazione sarà nei seguenti Comuni marchigiani: 30 luglio 2018 Monsampietro Morico; 31 luglio Caldarola; 1 agosto Amandola; 2 agosto San Severino Marche; 3 agosto Arquata del Tronto; 4 agosto Montegallo; 5 agosto Montefortino.

Your Black Friend è il fumetto di un giovane artista di New Orleans. Ben Passmore ha realizzato un fumetto ispirandosi alla sua esperienza personale di black punk, raccontando la differenza che intercorre tra neri e bianchi in contesti punk underground. Brevi storie a fumetti che l’artista fotocopia in versione home made fino a quando un piccolo editore di San Francisco di nome Silver Sprocket ha deciso di ristamparlo a colori. Un passaggio obbligato che ha portato Passmore e l’editore a lavorare su una raccolta dal titolo YOUR BLACK FRIEND AND OTHER STRANGERS . 

Your Black Friend è diventato anche un piccolo corto animato

E’ dell’illustratore e fumettista Lorenzo Mattotti il nuovo manifesto della Mostra del cinema di Venezia.

Una tempesta di critiche, da parte di artisti e attivisti, si abbatte in queste ore sul Design Museum di Londra dopo che questo ha ospitato l'azienda aerospaziale italiana Leonardo durante il Farnborough International Airshow.

Attualmente e fino al 12 Agosto il museo londinese ospita la mostra " Hope to Nope: Graphics and Politics, 2008-2018 " dedicata al visual design che ha influenzato società e politica negli ultimi anni, a partire dal famoso poster HOPE disegnato da Shepard Fairey per la campagna 2008 del presidente Barack Obama. La mostra include poster e altre opere realizzate per l’Occupy Wall Street e Hong Kong's Umbrella Revolution , così come i poster di " We the People " di Fairey per la Marcia delle donne 2017.

Sempre in queste ore OBEY ha realizzato un poster di protesta che ha lanciato su twitter. Critiche e una lettera aperta da parte degli artisti che minacciano di voler ritirare immediatamente le opere date in prestito al museo.

Sono molto deluso dal Design Museum di Londra, per la scelta di aver affittato il loro spazio ad una società che produce armi militari, mentre contemporaneamente ospita una Mostra d'arte attivista. Non sostengo questa decisione e prenderò provvedimenti. Shepard Fairey

Leonardo al Farnborough International Airshow

Siamo rattristati dal fatto che gli artisti potrebbero rimuovere le loro opere prima della fine della mostra. Design Museum

Secondo il suo sito web , Leonardo produce velivoli ed elicotteri commerciali e militari, satelliti, artiglieria navale, sistemi di sicurezza, missili e sistemi missilistici e altri dispositivi elettronici. Dei 40 aerei presentati durante l'airshow londinese, la stragrande maggioranza erano veicoli commerciali, aerei da trasporto e aerei militari storici non più in produzione. Un comunicato stampa comunicava la vendita di oltre 530 velivoli nei primi due giorni dell'evento, per un totale di $ 95,5 miliardi di vendite, ma non specificava quanti di questi erano militari. 

Come si può ben intuire è stata sicuramente un’operazione redditizia quella di affittare i propri spazi, che rischia però di trasformarsi in una catastrofe d’immagine. E’ la stessa direzione del museo a fare un passo in dietro, dichiarando di voler rivedere la politica interna relativa alle scelte commerciali e di fundraising.

Di seguito la lettera degli artisti indirizzata al Design Museum

Dear Design Museum,

We are writing as artists, designers and activists whose work features in your current ‘Hope to Nope’ exhibition, the museum’s permanent collection and on sale in your shop.

Last week, we were appalled to learn that the museum hosted an arms industry trade event as part of the Farnborough International weapons fair. This happened on the evening of Tuesday 17 July, the same time as a discussion about the role of social media and design in contemporary social justice politics as part of the Hope to Nope season of events.

It is deeply hypocritical for the museum to display and celebrate the work of radical anti-corporate artists and activists, while quietly supporting and profiting from one of the most destructive and deadly industries in the world. Hope to Nope is making the museum appear progressive and cutting-edge, while its management and trustees are happy to take blood money from arms dealers.

We refuse to allow our art to be used in this way. Particularly jarring is the fact that one of the objects on display (the BP logo Shakespeare ruff from BP or not BP?) is explicitly challenging the unethical funding of art and culture. Meanwhile, many of the protest images featured in the exhibition show people resisting the very same repressive regimes who are being armed by companies involved in the Farnborough arms fair. It even features art from protests which were repressed using UK-made weapons.

We therefore request that our artwork be immediately removed from the exhibition. The specific pieces are listed below. We will not associate our names and our work with an institution that actively supports the arms industry. This request is also backed by speakers and other contributors to Hope to Nope and its related events.

Following some private communications with senior museum staff, we now believe it is important to make this request publicly. The ethics of our national museums is a significant issue of public interest, and other artists and designers whose work features in the Design Museum also have a right to know that the gallery where their work is displayed is being rented out to arms dealers.

In your communications with us and others so far, you have not adequately engaged with our concerns. Instead, you have sought to avoid responsibility for the decision to host a weapons fair event, calling it a ‘private event for which there is no endorsement by the museum’. But by hosting an event for – and taking money from – an industry that many other arts institutions quite rightly see as beyond an ethical red line, you have made a very clear statement that you do not share these concerns and are happy to let war profiteers use your spaces if the price is right.

Museums are not neutral spaces – every decision about what is displayed, how it is labelled and how it is funded is political, and reveals something about the underlying values of the institution. By hosting an arms industry event, the Design Museum is presenting values that are strongly at odds with most of the art in Hope to Nope, which aspires to use the power of design to challenge powerful elites and promote peace and justice.

We want to make it clear that our criticism is directed at the management and trustees of the Design Museum, not the curators who have created a fantastic showcase of radical art and had no say in the arms fair booking. We were all proud to be included in Hope to Nope, and do not take this action lightly.

The museum could avoid these controversies in future by developing a publicly-available ethical funding policy that specifically refuses any funds from industries widely accepted as inappropriate partners for arts organisations, namely arms, tobacco and fossil fuel companies. Once this is in place, we would consider working with the museum again.

Please confirm that our work will be taken down by August 1st at the latest, as our art is now being displayed in your museum without our consent.

Signatories (people with specific art in the exhibition, permanent collection and on sale in the shop)

BP or not BP? and Stig, designer (BP ruff)

Pavel Arsenev, Laboratory of poetical actionism (‘You cannot even imagine us’ banner)

Roman Osminkin, poet, artist, activist, St Petersburg Russia (‘You cannot even imagine us’ banner)

Kathrin Böhm, co-founder of Company Drinks (6 bottles of Sour Brexit)

Keep it Complex, Make it Clear arts collective (Unite Against Dividers campaign material)

Peter Marcuse and Bill Posters, Brandalism Collective (subverted adverts)

James Moulding and Dr Richard Barbrook, Games for the Many (Corbyn Run)

Fraser Muggeridge (Spectres of Modernism installation)

Noel Douglas, Occupy Design Collective (Occupy Design website and materials)

Kiran Chahal and Stephanie Turner (Co-Designers of Grenfell ‘Wall of Truth’ – ‘The Truth Will Not Be Hidden’)

Paolo Pedercini, Molleindustria, (“Casual Games for Protesters”)

Jonathan Barnbrook (Brandalism VW poster)

The Space Hijackers (Official Olympics Protestor t-shirt)

Charlie Waterhouse and Clive Russell, This Ain’t Rock’n’Roll (Brixtopia & The Brixton Pound)

Peter Kennard (‘Union Mask’ in the permanent collection display ‘Designer User Maker’ – donated to Design Museum)

Occupy London (campaign materials and copies of Occupied Times)

Benny Tai, one of the initiators of the Occupy Central with Love and Peace Movement and a core participant of the Umbrella Movement in Hong Kong

Sampson Wong (Umbrella Movement Visual Archive)

Sarah Corbett, Craftivist Collective (Mini Banner craftivism DIY kits, in museum shop)

Jamie, Bristol Streetwear (Corbyn T-shirt with Nike swoosh)

Tim Fishlock, Oddly Head (Slogans in Nice Typefaces Won’t Save the Human Races poster)

dr.d (Curfew Social Cleansing poster)

Matt Huynh (Occupied Wall Street Journal cover)

Malu Halasa (author, Syria Speaks: Art and Culture From the Frontline)

Shelley Hoffman (Black Lives Matter quilt)

Supporters (people who have participated in events relating to the exhibition)

Ash Sarkar (editor, writer, lecturer)

Gavin Grindon (curator, Disobedient Objects, Victoria & Albert Museum)

Catherine Flood (curator, Disobedient Objects, Victoria & Albert Museum)

Matt Bonner (designer)

Mel Evans (author, Artwash: Big Oil and the Arts)

Michael Oswell (Studio Accelorata Jengold)

Sabrina di Nick Drnaso è il primo fumetto candidato al Man Booker Prize, il più importante premio letterario britannico. Il fumetto racconta della sparizione di Sabrina, protagonista che da il nome al graphic novel.

Un’analisi intelligente e agghiacciante della natura della fiducia e della verità e dell’erosione di entrambe nell’era di Internet. Chris Ware (The Guardian)

E’ ormai consolidato il rapporto di amicizia e collaborazione che lega l’artista visivo JR e lo chef Massimo Bottura. L’ultimo attestato di stima che lo conferma è il saluto che l’artista ha voluto dedicare a Bottura al simposio del Basque Culinary Center si tratta della sua ricetta per cucinare la pasta in tre mosse: 1. far bollire l’acqua 2. metterci la pasta 3. viva l’Italia 

(Foto di Eleonora Cozzella)

Ma come è nata la collaborazione tra i due?

Tutto è nato quando lo chef Massimo Bottura ha aperto un ristorante permanente a Parigi in Place de la Madeleine, chiamato Refettorio Paris. Come ormai sappiamo quasi tutti l’obiettivo dei Refettorio di Bottura è quello di trasformare lo spreco in opportunità! Non è beneficenza, è un progetto che viene innescato attraverso un processo culturale e comunicativo stravolgente.  Vista la natura rivoluzionaria del concept di ristorazione di Bottura non poteva mancare, forse in forma evocativa, come il famoso refettorio di S. Maria delle Grazie, l’aspetto visivo ed è grazie a questo che JR, insieme alla scultrice Prune Nourry, ha realizzato un'installazione artistica per lo spazio di Parigi.

Nutrire il pianeta non significa produrre di più, significa combattere lo spreco. Come combatterlo? Con la bellezza dell'immaginazione degli chef e degli artisti! Con la bellezza ricostruiremo la dignità delle persone che vengono a mangiare qui. Massimo Bottura

JR e Prune Nourry hanno creato delle istallazioni per gli interni del Refettorio, tra cui un paio di mani che abbracciano una volta in mattoni  e nella sala alcune nuvole fluttuano pendenti sopra i commensali. Un’atmosfera meravigliosa e perfettamente armonica.