Brötchen is back

Appel du large. Infini des possibles. Qui n’a jamais ressenti l’envie de tout plaquer, de tout recommencer sous des cieux plus cléments? Repartir à zéro, larguer les amarres, se sentir enfin libre, enfin vivant ?

C’est ce voyage vers l’inconnu, vers nos rêves les plus fous, si enfouis et inavoués fussent-ils, que nous propose l’écrivain Frédéric Martinez dans sous dernier livre publié aux Belles Lettres, L’Amérique.

Qu’est-ce que l’Amérique sinon le fantasme d’une vie meilleure, cet instinct qui nous pousse tôt ou tard à accomplir notre destinée, à se laisser griser par le goût de l’aventure? 

L’Amérique, ou presque, car chacun a son Amérique à soi.

A l’heure où la jeune génération (X ou Y, qu’importe) transcende les frontières et les expériences et ne se contentera plus jamais d’un seul et unique boulot dans la vie, à l’heure où la reconversion professionnelle est devenue banale, où les métiers manuels redonnent du sens au mot “travail”, rêver d’Amérique n’est plus seulement une possibilité, c’est presque un devoir.

A travers le destin de plusieurs personnages, dont certains finiront par se croiser, Frédéric Martinez met en scène cet élan vital, ce désir d’accomplissement qui prend aux tripes sans crier gare, ce champ des possibles qui questionne notre quotidien, notre bonheur, notre insatisfaction (chronique ?) et nous jette à la figure le vide de nos existences, nous fait prendre nos jambes à notre cou à la recherche de notre vrai "nous”.

Frédéric Martinez nous emmène au bord de la mer, sur une île de méditerranée, aux confins d’une jungle, jusque dans le pays perdu des souvenirs d’enfance et des étés qui s’étirent, dont on ne connaîtra plus jamais le délicieux ennui. 

On y croise de belles épouses dociles et raffinées, des femmes fatales, de jolies filles perdues (toujours beaucoup de belles plantes chez Frédéric Martinez, amoureux éperdu du sexe féminin), des détective privés ratés, des architectes désabusés, des obsessionnels dépressifs.  On y arpente Paris, Venise et Lisbonne, à la découverte de rues qui disparaissent, on se perd dans les jungles urbaines et la forêt amazonienne, on largue les amarres au large de la Normandie et de la Méditerranée, on suspend le temps dans un village de Creuse, et surtout, on tombe éperdument amoureux. 

C’est ça l’Amérique, quelque part, quelqu’un.

Frédéric Martinez écrit bien, et même très bien. Son premier succès est une biographie littéraire du poète Paul-Jean Toulet, Prends garde à la douceur des choses (Tallandier). Il s’est aussi penché sur la destinée du peintre Monet et sur celles, plus troublées et brèves, de Jimi Hendrix (Tallandier) et de JFK (Perrin).

Mais son livre qui m’a le plus touchée, et qui prend aussi la forme d’une mosaïque littéraire, c’est Petit éloge des vacances (Folio Gallimard), surtout quand il raconte ses souvenirs d’enfance, images fugaces d’un pays béni perdu à jamais. 

Un passage en particulier m’a émue aux larmes, lorsqu’il regarde, spectateur de son propre souvenir, s’éloigner la petite voiture qui le mène avec sa mère et ses grands-parents sur le chemin des vacances.

“Je revois la Simca glisser sur les routes heureuses, vers lesquelles coulaient doucement des prairies grasses chargées de trèfles et de fleurs, je revois ces visages aimés, disparus, ces silhouettes infimes retournées à la terre, corps glorieux sautillants, saturés de couleurs dans l’assomption du super 8.” 

Impossible avec ces mots de ne pas penser aux fantômes de sa propre enfance, visages aimants maintenant disparus, dont les contours s’estompent à mesure que les années passent. Les souvenirs jaillissent, vacances à la mer et parties de cartes sous le pommier, tours de magie et apéritif de 11h30 au bistrot (Pastis pour Papy et Orangina pour moi)... Tout un “continent perdu”, comme le nomme si justement l’écrivain.

Je ne résiste pas au plaisir de vous donner un avant-goût de son écriture avec ces courts extraits de L’Amérique : 

“Enfin. 

L’été éclatait comme un coup de feu. Juin riait sur toutes choses, enluminait la banlieue sud. C’était la fin des années 70. Le pétrole s’épuisait, la crise s’installait ; je m’en fichais pas mal. J’avais six ans, une coupe au bol et cette aptitude à la joie que seuls savent les enfants tristes. Les grandes vacances pointaient au bout de la classe. La maîtresse portait une jupe à pois. Je ne savais pas lire, derrière son visage, les promesses de l’été neuf qui poussait au creux de ses hanches ; ses jambes déjà hâlées scandaient la dernière heure et puis c’était maintenant : je me ruais dans le couloir avec la liberté en enfilade.”

Je m’étais dit, je n’écrirais pas de critique d’un film que j’ai détesté, le silence est la meilleure des contre-publicités. Oui mais. Mais Télérama, ELLE et une bonne partie de la critique française encensent le dernier film de Jean-Paul Rappeneau (sauf Eric Libiot de l’Express, avec qui je suis souvent d’accord et dont on pourra lire le coup de gueule ici). Rappeneau, par ailleurs réalisateur de petites merveilles classiques comme Le Hussard sur le toit ou Cyrano de Bergerac.

Mais là, il nous enfume le Jean-Paul, il nous prend pour des cons, avec son film ripoliné de tous les côtés.

Stupéfaction. Consternation. Après le visionnage du film début juillet pour le Prix cinéma des lectrices de ELLE, je me demande comment ce film a-t-il bien pu franchir la barrière des sélections ? Face au superbe The Lobster, l’inégal mais intéressant Maryland, le stimulant et féministe Suffragettes (on taira ici ce qu’on a pensé du dernier Julie Delpy, plus que mal inspirée pour son LOLO), il faisait piètre figure... Sur 70 jurés, à peu près une seule a trouvé ça “bien tricoté et amusant”. Dans la salle, c’était plutôt des rumeurs outrées qui traversaient les rangs, ponctuées de “putain, 8 millions de budget pour ça?”. Ben faut bien les payer les têtes d’affiches pour être sûr que le film ressemble à quelque chose.

Evidemment, on y retrouve tous les fétiches du cinéma français et des comédies “familiales” (et notamment dans  les derniers films d’Ozon, irregardables, excepté Jeune et Jolie, qui a révélé Marine Vacth) : une famille bourgeoise face à des problèmes d’héritage tout aussi bourgeois, des dialogues crispés qui sonnent faux, théâtreux et creux, des personnages insipides et des acteurs qui s’ennuient tellement qu’ils en font des caisses pour compenser, des intrigues et rebondissements improbables, une mise en scène outrée et bourrée de clichés machistes (ah, les fesses de Marine Vacht, ça garantit bien 100 000 entrées ça hein?. La pauvre, on espère pour elle qu’elle n’aura pas besoin de les montrer dans tous ses futurs films pour être la nouvelle "étoile innée du cinéma français” -selon Télérama- la nouvelle Belle de Jour qui subjugue toute la critique). 

Et donc, on en revient toujours à ça, le vide politique du cinéma Français (cf la couverture des Cahiers du cinéma du mois de septembre) et son incapacité à donner la paroles à ceux à qui on ne la donne jamais (et quand on la donne, on frôle le misérabilisme et on reste ras la caméra, comme dans La loi du marché), et à s’attaquer au film de genre, thriller, polar (intelligent), SF et anticipation, genres encore trop peu ou mal exploités (voir le semi-ratage de Maryland faute de s’assumer et l’enthousiasmant mais maladroit Ni le Ciel ni la terre).

A ce propos, on peut regarder la petite interview de  Nicolas Boukhrief, réalisateur entre autres du Convoyeur, et co-scénariste d'Assassin(s) de Mathieu Kassovitz "Le cinéma français, contrairement à ce qu'on croit, n'a jamais été très politique, très engagé. S'il n'y a pas beaucoup de films politiques en France, c'est parce que le public français n'aime pas spécialement aller au cinéma pour voir des films politiques."

Ce n’est pas une raison pour nous proposer des comédies convenues et décérébrées. Belles Familles est un film vide sans aucun enjeu dramatique, qui perd le spectateur effondré d’ennui dans son fauteuil après le premier quart d’heure. Ça sent la naphtaline et le vieux téléfilm, et ce n’est pas les belles images et les gesticulations des acteurs qui y changeront quoi que ce soit. 

Je suis dure, mais il serait temps que la tradition française des “filles et fils de” cesse de prendre le pas sur la vitalité créative de jeunes réalisateurs “qui n’en veulent”, et que le CNC fasse son boulot pour accompagner des talents qui le méritent vraiment.

Heureusement, il y a la télé. On se consolera donc avec la série 10 %, dont les deux premiers épisodes (sur six) ont été diffusés hier sur France 2, et qui a justement pour sujet la vie professionnelle (et personnelle, mais c’est pareil) des agents d’artistes (la série est écrite et produite par Dominique Besnehard, lui même ancien agent devenu comédien, et réalisée par Klapisch). Le générique est un peu raté (regardez donc Outre-Atlantique, le seul truc réussi dans True Detective 2 est son générique!) mais les personnages sont bien campés, le scénario bien ficelé et les acteurs ne boudent pas leur plaisir, et c’est communicatif ! Quel dur métier pourtant que celui de devoir gérer les angoisses de leurs clients et de répondre à leurs questions existentielles. 

“Tu les aimes mes fesses?”.

Avant même de commencer la lecture, de Detroit reviennent ces images, fortes, de bâtiments art déco sublimes et sublimement vides, désertés par une population que les crises successives ont fini par décourager : la fermeture des usines à la fin des années 50, les émeutes interraciales de la fin des années 60, la crise du pétrole, la crise des subprimes, toutes ces catastrophes qui ont vidé le centre-ville et le laissant en friche, colonisé par la végétation, et qui a fini par ressembler à un donut, mais version post-apocalypse, comme dans un film d’anticipation à la Mad Max. 

Detroit, terrain de jeu des fans d’Urbex, l’exploration des friches urbaines pour photographes amateurs de sensations fortes. Ces images qu’on a vues et revues, sont celles de deux photographes français, Romain Meffre et Yves Marchand, dans leur sublime The Ruins of Detroit. Images de désolation qui prennent aux tripes, pour nous Européens pour qui la pierre a tellement de valeur, qui préservons, classons mais réhabilitons avec parcimonie, nous laissant stupéfaits et incrédules devant la facilité du Nouveau Monde a abandonner ses lieux de vie sans se retourner, pour en recréer plus loin. Le pays est tellement vaste. 

Un ancien théâtre dont le décor de plâtre fond comme neige au soleil, contemplé aujourd’hui par les seules voitures qui viennent s’y garer, de belles maisons gothiques mangées par la végétation qui s’écroulent au ralenti, des usines désertes qui autrefois tournaient à plein régime pourrissent doucement, oubliées de tous, vestiges de ce que fut la puissante Motor City des années 20, des hôtels de luxe qui autrefois recevaient la crème de la crème et qui n’hébergent que des têtes à crack et des squatteurs.

Detroit est en faillite, elle a perdu plus d’un tiers de sa population depuis les années 50, et les no man’s lands qui la grignotent sont devenus des quartiers dangereux et infréquentables. Vous entrez à Detroit à vos risques et périls.

Dans Il était une ville (Flammarion), Thomas Reverdy s’attache à décrire, à travers quatre destins croisés, un Français expatrié et parachuté à Detroit pour remonter une usine, un gamin de 12 ans et sa grand-mère, tous deux aux prises avec les gangs qui pullulent, un flic quasi retraité qui enquête sur des disparitions d’adolescents dont tout le monde se fout, et une serveuse accrochée à son bar qu’elle ne veut pas quitter, de peur qu’il disparaisse lui aussi.

Il était une ville, c’est l’histoire d’une disparition, d’un engloutissement lent et inexorable d’une civilisation et de ses totems, usines, centre commerciaux, hôtels de luxe et infrastructures, toutes ces choses devenues inutiles et inutilisables, tristes vestiges d’un rêve américain parti en lambeaux.

Une phrase du livre m’a particulièrement frappée :  “ Courir, on ne sait faire que ça. Quand on se met à aller mal, on accélère - que faire d'autre? Au moment de leur chute, toutes les civilisations ressemblent à des canards sans tête”.

“Que le dernier qui parte éteigne la lumière”.

Il faut revoir le très beau film de Jim Jarmush, Only lovers left alive, où un vampire trouve refuge dans une de ces maison victoriennes abandonnées, pour saisir toute la poésie de la ville en ruine, l’étrange fascination d’une ville en putréfaction, en train de s’évaporer.

Justement, on se souvient du précédent roman de Thomas Reverdy, Les évaporés, qui raconte ce phénomène bien connu au Japon, celui de ces humiliés du quotidien (divorcés, licenciés) qui, rejetés par la société, décident de tout quitter (travail, famille) pour se perdre dans le Japon abandonné à la suite de la catastrophe de Fukushima. Ils disparaissent. S’évaporent. (Deux journalistes français ont aussi enquêté sur ce sujet, avec un livre paru aux Arènes, Les évaporés du Japon).

D’une traite. Tellement ça prend aux tripes et ça laisse sans voix, sonné et engourdi.

La Maladroite est le premier roman d’Alexandre Seurat (collection “La brune” des éditions du Rouergue), récit choral du destin tragique de cette petite fille, Marina, tuée par ses parents en 2009, après huit années de torture.

Dans le livre, la petit s’appelle Diana, prénom funeste de princesse fracassée.

N’ayez pas peur, aucun voyeurisme ni mauvais goût dans ce livre, juste la courte vie de cette petite fille, racontée par ceux qui l’on connue, à la manière d’une pièce de théâtre ou d’un scénario, sa grand-mère, sa tante, son frère, puis ses instituteurs successifs, le médecin scolaire, les policiers qui l’ont interrogée, les assistantes sociales, toutes les personnes qui ont assisté à l’évanescence progressive de la petite, qui n’ont pas voulu voir, qui ont vu trop tard, par peur, par choix, par lâcheté. 

Et qui n’ont finalement rien fait, qui se sont dit que ce n’était pas leur problème et que d’autres finiraient par bien faire le job, leur job... Après tout, elle déménageait si souvent....Impossible de faire un suivi correct et efficace qui ne se perde pas dans les méandres de l’administration française... A qui la faute? 

Fin 2014, “ La Cour de cassation a confirmé que l'État n'a pas de responsabilité dans les nombreuses défaillances du système de protection de l'enfance et du service public de la justice, qui n'ont pas détecté le danger dans lequel vivait Marina [...]  Après la réception du signalement effectué par la directrice de l'école pour absentéisme de l'enfant et suspicion de mauvais traitements, «le substitut des mineurs avait fait diligenter une enquête, prescrivant l'examen de l'enfant par un médecin légiste et son audition filmée». Elle constate donc que, «contrairement aux allégations des associations, aucun des éléments d'information communiqués par les enseignants au procureur de la République n'incriminait les parents de l'enfant dans les actes de maltraitance suspectés». La Cour ajoute que « les services de gendarmerie, qui avaient reçu les instructions le 2 juillet 2008, avaient réquisitionné le médecin légiste le 10 juillet suivant et informé les parents de leur enquête et de la date d'audition de leur fille» et qu'«il relève que l'avis circonstancié du médecin ne nécessitait aucun complément d'enquête auprès de ce dernier, qu'au cours de son audition par un gendarme spécialisé, l'enfant, souriante et qui ne montrait aucune appréhension, donnait une explication circonstanciée pour chaque cicatrice révélée par l'expert». Et pour cause, la petite fille aimante qui ne voulait pas créer d’ennuis à ses parents avait bien appris sa leçon. 

Tout au long de la lecture du livre, à l’écriture ramassée, au style dépouillé, aucune ficelle tire-larme, aucun misérabilisme, juste le constat de l’échec de nos institutions, de la société à protéger les plus faibles. On assiste, impuissants, au récit d’une mise à mort programmée, et d’autant plus révoltante que l’issue est connue. A la lumière de ce que l’on sait aujourd’hui, on ne peut que se demander pourquoi des professionnels n’ont pas fait leur travail, ont persisté à fermer les yeux et à donner crédit aux mensonges des adultes, face à la souffrance, bien réelle, d’une enfant. 

Le livre essaie, en donnant la parole aux différents protagonistes, de comprendre ce qui a pu se passer dans la tête des bourreaux, des éducateurs qui ont laissé faire. Des indices, des clés, pour tenter d’expliquer l’indicible, mais surtout pour dire l’immense tristesse et le sentiment de gâchis qui entourent cette tragédie.

Dans la veine du roman réaliste anglo-saxon (nonfiction novel), cette littérature inspirée de faits divers dont le De sang froid de Truman Capote a ouvert le bal dans la période contemporaine, mais loin de la crudité et du sentiment poisseux et oppressant que vous laisse la lecture éprouvante du Claustria de Régis Jauffret, La Maladroite est un roman nécessaire, engagé, qui laisse le le souffle court comme après un marathon, et qui hante longtemps son lecteur une fois refermé.

Je sors du cinéma là, et j’ai bien envie de dire au réalisateur Afonso Poyart, d’ailleurs connu de sa mère et de son père : “tu te foutrais pas un peu de notre gueule?”

Je préviens tout de suite, Prémonitions est un thriller mauvais. Afonso Poyart a totalement foiré son film, même avec Anthony Hopkins au casting. Et ce n’est pas notre ami Colin Farrel et son jeu pénétré qui vont changer quoi que ce soit. Je précise que je n’ai pas voulu voir ce film, justement du fait de l’absence totale de critiques dans la presse. Ce silence en disait long…

C’est l’histoire d’un tueur en série qui prévoit l’avenir et qui est traqué par un flic à la retraite, qui prévoit lui aussi l’avenir. Soit. Une chasse à l’homme comme préambule à tout bon thriller.

Sauf que comme dans bon nombre de films influencés par les séries policières ultra clippées type “Experts Miami, etc” (et oui, maintenant c’est la télé qui influence le cinéma, mais malheureusement pas le meilleur de la télé), tout y est vide, insipide, sans queue ni tête, et le spectateur finit par s’en cogner comme de sa première chaussette de tout ce qui peut arriver aux héros, totalement désincarnés faute de dialogues consistants et crédibles.

C’est le principe du cinéma, de faire voyager le spectateur, de lui donner la chair de poule ou des sueurs froides.

Mais le hic de ce sous-film, ce n’est pas seulement un scénario qui tient sur deux pages, avec des rebondissements incompréhensibles et ubuesques, c’est aussi les flashbacks et les plans stroboscopiques et ultras clippés, une musique effroyable et criarde, les (gros) plans inesthétiques au possible, un réalisateur incapable de tourner un plan fixe, alors que les personnages le sont et qu’il n’y a aucune raison de reproduire l’effet caméra à l’épaule, les courses poursuites en bagnole ratées faute de plans d’ensemble ou suffisamment longs (tout est haché et filmé de trop près), les dialogues sont inaudibles lorsque les personnages sont sous la pluie, le son est mauvais lorsqu’ils sont dans une chambre d’hôtel à l’acoustique déplorable (on dirait qu’ils sont aux waters)  - mais que fait la post-prod????????-, du gore de pacotille parce que faut-que-ça-saigne-sinon-c’est-pas-un-vrai-thriller depuis Saw. 

Et la salle était pleine. Soit c’est parce qu’il a beaucoup plu aujourd’hui, soit c’est parce que les gens sont prêts à avaler n’importe quelle daube estampillée thriller/action made in USA. Une question reste en suspens : comment ce film a-t-il pu voir le jour? Qui a pu accepter de produire cette horreur? Le casting (ici, il est insignifiant, même Anthony Hopkins a l’air de se demander ce qu’il fait là) ne fait pas tout. Ou bien peut-être que si, finalement?

Le film est basé sur un vieux scénario qui devait être la suite de sublime SE7EN de David Fincher.

Voilà. Je me disais aussi, ça me fait penser à quelque chose. Le truc, c’est qu’il ne suffit pas qu’il pleuve à torrents sur le bitume, qu’il y ait des meurtres en série et des néons lumineux en forme de croix pour faire du David Fincher. Il faut une âme. Il faut aimer le cinéma. Et les gens qui font le cinéma que j’ai vu ce soir n’ont pas l’air de l’aimer beaucoup. 

Je plains tous ces spectateurs qui ont lâché 11 euros pour  voir ce truc qui n’est pas un film (j’ai la carte UGC/MK2, ouf). 

Ça commence par un dégoût de soi (si, si, un peu quand même), quand on se surprend à se transformer en Godzilla quand le moindre truc ne se passe pas comme on l’a prévu.

“Fait chier, merde, putain, j’en ai marre, je suis fatiguée, ils me font tous chier”. Ces expressions font partie de mon quotidien. Et pourtant, je ne suis pas quelqu’un de méchant. Cynique oui, mais pas méchante.

Ces mots sont devenus un réflexe, une habitude, prononcés à la moindre frustration. Je les utilise plusieurs fois pas jour. Tous les jours. Je fais ça parce que ça me donne le sentiment de vider le trop plein de stress (je vis à Paris, une des villes les plus denses et les plus chères du monde, je sais de quoi je parle en terme de STRESS) et d’éviter le pétage de plombs après l’accumulation des contrariétés. Parfois, ça fait du bien de râler à deux ou à plusieurs, on crée du lien, on est solidaires. C’est comme les potins, les médisances, on se sent important en les disant, et on partage un moment de complicité (sur le dos de quelqu’un). Alors que finalement, l’image que l’on renvoie de soi dans ces moments n’est pas très glorieuse. Critiquer, juger, râler sur tout et tout le monde donne l’illusion de combler notre besoin de reconnaissance, mais c’est faux. Tout ce que ça crée, c’est de l’insatisfaction chronique, et l’impression de subir sa vie au lieu de la vivre pleinement. On finit par croire en la réalité de nos pensées négatives.

Pareil quand on ressasse ce qui ne s’est pas bien passé, et qu’on bloque sur ce qu’on aurait du faire ou ne pas faire, ou qu’on dramatise la moindre escarmouche ou le moindre incident. Plus on râle, plus on donne de l’importance aux choses négatives de sa vie, et moins on est satisfait.

Comme dit Gandhi (cité dans le livre en référence à la fin de ce post), “vos croyances deviennent vos pensées, vos pensées deviennent vos mots, vos mots deviennent vos actions, vos actions deviennent vos habitudes, vos habitudes deviennent vos valeurs, vos valeurs deviennent votre destinée.”

Les bouchons, la file d’à côté qui avance toujours plus vite que la nôtre, les gens qui ne nous laissent pas sortir du métro, le serveur qui n’arrive pas, la vendeuse qui ne va pas assez vite, La Poste, EDF, le métro bondé, la énième fuite d’eau, les voisins (Madame Connasse si tu nous écoutes…), les impôts, le train en retard, le taxi mal-aimable, les mioches dans le wagon, les enfants des autres, les mecs qui fouillent les poubelles, le café à 4.50€,  la fringue qu’on veut absolument mettre et qu’on ne retrouve plus, celle dans laquelle on ne rentre plus, la gorge qui pique les lendemains de fête, la gueule de bois, Runsatic, la pluie, le soleil, le froid, le chaud, les cons (surtout les cons), toutes ces choses qui sont contre nous, qu’on voit comme nos bourreaux et qu’on accuse de tous nos malheurs. La liste est longue et non exhaustive. On peut avoir une marge de manœuvre sur certains événements, et dans ce cas c’est à nous de changer, d’éviter de s’exposer à ces frustrations, d’anticiper pour les éviter. Pour les impondérables, il faut juste LÂCHER PRISE. Ou râler intérieurement (ça on a le droit).

La solution, c’est de passer à l’action au lieu de râler, et d’être l’acteur de son propre changement (encore Gandhi, “Soyez le changement que vous voulez voir dans ce monde”). De s’accorder des moments de gratitude pour remercier les autres et soi-même des bons moments de la vie. Voir la vie du bon côté en somme. Ça peut paraître cul-cul mais dans notre monde hyper cynique (si le Français est cynique, le Parisien l’est davantage), c’est une lutte de tous les instants. Je connais une jeune femme (Anne, tu te reconnaîtras), qui est toujours de bonne humeur, toujours souriante, zen, courageuse et qui déteste colporter les ragots, dramatiser ou casser du sucre en groupe. Quand quelque chose est compliqué, elle fait avec, sans (trop) râler.

Oui, j’aime bien râler, j’ai l’impression que ça me détend. Pourtant, j’ai une vie de Parisienne tout à fait confortable, dans un quartier sympa, un appart sympa (un peu trop petit mais on est à Paris, on doit accepter certaines réalités ou se casser), un boulot sympa, un mec génial, que j’aime et qui m’aime, peu de contraintes (lessive, ménage et courses une fois par semaine, mais si c’est pas fait c’est pas le drame), accès à tous les restaus, cinés, expos quand j’en ai envie. 

J’en profite pour décerner ici la médaille du courage à mon mec, qui lui, ne râle (presque) jamais, et qui profite en revanche amplement de mon langage fleuri et de mes soupirs ulcérés. Ma prise de conscience s’est d’ailleurs faite aussi grâce à lui (entre autres), lorsqu’il a perdu (plutôt oublié dans un jean que j’ai jeté) sa carte de ciné et que je lui ai fait un sketch de plusieurs heures, comme quoi on allait pas pouvoir aller au ciné, alors qu’il a reçu sa nouvelle carte le surlendemain. J’ai pu me passer de ciné pendant 2 jours, et je me suis surtout rendu compte qu’on s’était vraiment engueulés pour RIEN. J’étais en colère contre moi et contre lui pour ne pas avoir pensé à regarder dans les poches avant de jeter un vêtement (toujours vérifier), mais que pouvait-on y faire? Evidemment, ça n’a servi à rien de râler, de dramatiser, si ce n’est à empirer la situation et créer une tension qui n’existait pas quelques minutes avant.

Râler c’est comme dépenser des sous inconsidérément, faire la fête, boire beaucoup et fumer beaucoup, c’est FACILE. Ce qui l’est moins c’est faire attention à ce qu’on mange, à sa santé, faire du sport, faire ses comptes et mettre de côté pour prévoir (un minimum) l’avenir et voir à court terme pour réaliser ses rêves. Et pour ça, un seul mot : DISCIPLINE. Et aussi, PERSÉVÉRANCE. Rome ne s’est pas faite en un jour comme on dit.

Par définition, la vie, c’est un peu imprévu. Il y a des trucs qui se passent, et qu’on ne peut pas maîtriser. Parce qu’on ne peut pas contrôler tout et tout le monde, eh bien il faut réussir à s’en accommoder. Parce que si on ne s’y accommode pas, râler ne changera de toute façon rien, ça ne fera pas avancer le schmilblick, sauf à vous énerver encore plus, vous et tous vos proches. Et vous n’allez réussir qu’à faire le vide autour de vous. Les gens vont vous fuir vous et vos ondes négatives. Parce que plus on râle, moins on parvient à se réjouir des bons moments, plus on se place en victime, et plus on subit sa vie au lieu de la vivre.

C’est pour toutes ces raisons que j’ai décidé d’accepter d’être imparfaite, de ne pas tout contrôler, de prendre chaque jour comme il vient, bref de cultiver mon bonheur (merci Rousseau).

Et pour commencer cette période de grand changements (tada), je vais donc essayer d’arrêter de râler pendant 21 jours consécutifs, challenge proposé par Christine Lewicki, l’auteur du livre magique J’arrête de râler, et du blog du même nom http://jarretederaler.com/

Le but est de porter un bracelet élastique au poignet et de le changer de côté dès qu’on râle : on recommence alors le challenge des 21 jours à zéro (il faut en effet environ 21 jours pour changer une habitude). Il paraît qu’on met entre 2 et 10 mois pour y arriver. 

Un jour à la fois (merci Camille). 

Hier n’est plus, demain n’existe pas, aujourd’hui est à moi. 

Franchement, je vais peut-être mettre 1000 ans à réussir ce challenge, mais ce qui compte, c’est que je vais essayer, et je vais surtout persévérer dans cette voie, distribuer les hugs et les bisous.

Je vous aime.

Hi everybody, 

Vu qu’il m’est pour l’instant impossible de retrouver mes identifiants pour mon blog Wordpress  https://brotchenvsblonde.wordpress.com/ (si, si, c’est possible, en presque 3 ans de non activité d’oublier et son identifiant, et son mot de passe et de ne pas se souvenir de l’adresse mail du compte mais je n’ai pas dit mon dernier mot et vais harceler le service client jusqu’à la mort), j’ai décidé d’aller voir à la concurrence et de commencer un blog Tumblr. 

Comme vous le savez certainement, le festival de Cannes a commencé depuis une semaine, et on a bien hâte de connaître le Palmarès et surtout de voir tous les films projetés y compris ceux qui font polémique (Matthew? Gus?).  A ce propos, un qui n’a pas fait polémique et qui a réuni tous les suffrages l’année dernière puisqu’il a obtenu le  Prix de la mise en scène à Cannes en 2014, c’est Foxcatcher, de Bennett Miller (Le Stratège, Truman Capote).  J’ai bien envie de vous en faire une petite critique vu que je l’ai redécouvert dernièrement. 

Basé sur un tragique fait divers, le film raconte l’histoire du champion olympique de lutte Mark Schultz (Channing Tatum, boule de colère et d’égo rentrés) qui se voit proposer par le millionnaire et philanthrope John Du Pont (Steve Carell, dans un numéro d’imitation hallucinant de réalisme, il suffit de regarder le film promotionnel du vrai John Du Pont, la ressemblance est saisissante), un coaching dans sa « Foxcatcher Team », pour le préparer aux Jeux Olympiques de Séoul.

Mark Schultz est moins bon lutteur que son frère Dave, admiré de tous et également sacré champion olympique en 1984 (Mark Ruffalo, lumineux). Il souhaite se dégager de cette ombre bienveillante, et accepte la proposition du riche héritier à l’assurance aristocratique, qui croit en lui et lui promet le succès et l’argent qu’il mérite.

Cette soif de reconnaissance fait de lui une proie facile pour John Du Pont, héritier d’une lignée de magnats de l’armement, qui se définit lui-même comme un patriote. Il se fait appeler « Aigle doré » et sa bouffonnerie (il arbore tout au long du film un jogging violet qui boudine ses formes flasques) amuse autant qu’elle inquiète : la perversité et la folie suintent de ce visage figé, à peine animé par une diction hachée (Steve Carell porte un masque et un faux nez, qui l’obligent respirer par la bouche).

Cet homme aux hobbies étranges (l’ornithologie par exemple) est méprisé par une mère qui ne jure que par les sports nobles (l’équitation et la chasse, le filme s’ouvre d’ailleurs sur des films d’époque). Il est prêt à tout pour gagner l’amour et l’admiration maternels, dont il semble avoir été privé jusqu’à présent, quitte à se ridiculiser dans une scène de lutte pathétique visant à l’impressionner, mais dont personne n’est dupe.

Un malaise face à ce personnage troublant prend le spectateur aux tripes dès les premiers plans et ne le quitte plus jusqu’à la fin du film, à mesure que la folie de John devient de plus en plus palpable et qu’elle contamine Mark qui goûte à la drogue et à l’alcool sous son impulsion. Cela donne lieu à dans des scènes hallucinantes comme lorsque John tire au pistolet dans le plafond du gymnase en plein entrainement, devant les lutteurs ahuris.

Toute cette dangereuse mascarade est d’ailleurs admirablement mise en perspective avec la scène d’ouverture du film, magistrale, à la beauté brute en clair-obscur, où l’on perçoit à travers la maîtrise de leurs mouvements la complicité entre les deux frères, la sincérité de leurs rapports. Une scène de lutte filmée frontalement, un corps-à-corps presque sensuel où la caméra danse avec les acteurs dans un ballet harmonieux et instinctif, au plus près de leurs gestes, dans un silence amplifié par le claquement des mains sur la peau et le souffle de l’effort.

Une harmonie fraternelle gâchée par la folie d’un homme mal aimé, incapable d’envisager les relations humaines hors du prisme de l’argent. Le film, sorte de triangle amoureux malade et monstrueux, raconte l’opération de séduction d’un schizophrène paranoïaque qu’il aurait suffit d’écraser comme un insecte mais qui paralyse ceux qu’il domine par sa fortune, opération qui réussit  avec un des frères et échoue avec l’autre, et qui se termine par un immense gâchis et des vies brisées.