7774LIFE™

THE STATEMENT 

SOBRE EL FUTURO DE DREAM CATALOGUE Y LA ESCENA DREAMPUNK.

Escrito por HKE.

INTRO – The Foundation

Construí la base de Dream Catalogue con un espíritu desenfrenado que buscaba la experimentación salvaje en la música y el arte. Lo que comenzó como una pequeña página de Bandcamp para que me metiera con proyectos paralelos pronto se convirtió en un sello discográfico genuino y en una operación comercial a tiempo completo a medida que el interés orgánico en el proyecto comenzó a crecer exponencialmente a mediados de 2010. Dream Catalogue con un espíritu desenfrenado que buscaba la experimentación salvaje en la música y el arte. Lo que comenzó como una pequeña página de Bandcamp para que me metiera con proyectos paralelos pronto se convirtió en un sello discográfico genuino y en una operación comercial a tiempo completo a medida que el interés orgánico en el proyecto comenzó a crecer exponencialmente a mediados de 2010. Con el tiempo, un cierto estilo comenzó a establecerse dentro de la cultura de la etiqueta, su lista y sus alrededores, que ahora se ha convertido plenamente en "hoy en día" después de numerosos períodos de cisma. Para una breve historia y explicación del movimiento y género dreampunk, mira el nuevo video de Seb, "Dreampunk: Soundtrack To Dreams" que acaba de salir. Esta es la primera vez que se publica una mirada periodística más profunda sobre la evolución de esta escena, por lo que es una visita obligada.

OIL AND WATER – The Decision

En los últimos años, mi inclinación personal a buscar el próximo potencial en música, arte y posibilidades estéticas me llevó por caminos que en este momento son demasiado oscuros para que la mayoría los aprecie (es decir, música FLAP o nuestro podcast experimental de Youtube 'CANVAS '). Se ha hecho evidente ahora que ha surgido una situación de "petróleo y agua", donde necesito hacer una llamada. Después de un período de reflexión, tomé la decisión de dejar que Dream Catalogue manifestara su potencial como una etiqueta Dreampunk. 

En lugar de ser una galería de mi gusto y curación personal, como lo ha sido durante la mayor parte de su existencia, ahora dejaré que Dream Catalogue florezca en la visión compartida por sus artistas más esenciales y los seguidores de la etiqueta. Por supuesto, todavía supervisaré el aspecto de curación de la etiqueta a este respecto, pero con la idea constante de dreampunk en mente: la definición que ha creado Dream Catalogue se debe a la cultura que ha desarrollado, y es algo que me sigue gustando a pesar de mis incursiones en nuevos territorios.

Durante el último año en particular, hemos pasado por muchos cambios significativos, con múltiples miembros del personal yendo y viniendo, mientras luchamos por descubrir nuestra dirección y método. Sin embargo, desde la llegada de Shima como nuestro gerente general, las cosas se han vuelto progresivamente más suaves hasta un punto en el que las cosas ahora son manejables para mí a nivel personal, finalmente. Como nuevo padre, esto también es algo que me ha sido muy necesario. Probablemente habrás notado que nos hemos vuelto más activos y rutinarios en los últimos meses, por eso.

Ahora también tenemos algunas asociaciones nuevas: con Vapor Memory, con quien hemos estrenado todos nuestros álbumes antes del lanzamiento oficial, y LIVEWIRE, con quien dirigimos "Gatecrash Radio" en asociación los lunes, así como el reciente LIVEWIRE FESTIVAL.

En cuanto a la comercialización física, hemos estado en conversaciones con un nuevo proveedor de vinilo después de algunas revisiones mixtas de uno de nuestros últimos lanzamientos, y estamos satisfechos con su experiencia y la calidad de su producción, por lo que avanzaremos con estos para todo nuestro futuro lanzamientos de vinilo: una compañía británica de gran reputación utilizada por muchos artistas y sellos discográficos. También volveremos a producir casetes, pero en cantidades limitadas, con el plan de lanzar una "pila de cintas" cada mes, con una mezcla de lanzamientos antiguos y nuevos que se pueden comprar individualmente o en grupo.

En cuanto a FLAP y CANVAS, estas cosas se trasladaron al NEW YORK FLAP EXCHANGE recientemente inaugurado, encabezado por su CEO, Flapzilla, quien ha asegurado un acuerdo de múltiples figuras por los derechos exclusivos para traer CANVAS al intercambio, que también busca imponerse como el destino principal para los medios FLAP. Entonces, si desea continuar siguiendo cualquiera de estas cosas, se recomienda suscribirse aquí siguiendo el video del canal:

LA DECLARACIÓN - Dreampunk por fin ... Dreampunk ha sido la historia definitiva de mi propia música hasta la fecha, por lo que después de una larga estancia en el ámbito de la vanguardia, recientemente volví a trabajar con este estilo nuevamente, tomándome mi tiempo para crear un nuevo álbum de Hong Kong Express que yo tiene la intención de lanzar en Dream Catalogue en un futuro próximo. Tal como están las cosas, creo que es uno de mis trabajos más fuertes y puede estar junto a algunos de mis álbumes más venerados del pasado, pero el tiempo lo dirá.

En una mezcla que preparé para Boiler Room en 2016, donde describí mi visión de lo que es dreampunk, escribí sobre el concepto "Dreampunk es música de ensueño para personas clandestinas que viven en esta realidad mundial de sueños cada vez más surrealista". Entonces, ¿qué veo en dreampunk en la década de 2020? Creo que todos lo hemos definido juntos en abstracto como una escena en los últimos cinco años, en nuestra música, arte y concepto, y todos podemos dar nuestra propia aportación única de lo que es. Pero una cosa que nos une a todos es estar aquí en este momento juntos, dar sentido a lo absurdo de la vida moderna a través del arte de una manera que tiene un cierto sentimiento tangencial y subterráneo, uno que nos habla en este momento.

No es algo que se pueda precisar fácilmente musicalmente, ya que encontrarás el ambiente exuberante bañado por la lluvia de Sangam que se encuentra con el duro y disonante techno de Halo Acid en una mezcla, pero juntos se sincroniza bajo el paraguas soñador. Dreampunk se convierte más en un ambiente, una estética y una actitud. En este sentido, su concepto siempre ha mutado a medida que avanzamos a medida que más artistas entran a la carpa y se exhiben.

Y ahora con este nombre que hemos necesitado durante mucho tiempo, muchas etiquetas y artistas están en la misma página en cuanto a cuál es nuestra intención mutua, construida a partir de la miríada de perspectivas únicas. Esto nos permite trazar completamente el potencial de dreampunk en el futuro como música y arte para esta década, con los últimos cinco años como referencia a nuestras raíces y de dónde venimos.

En consecuencia, he reunido una nueva mezcla de una hora que ve mi propia perspectiva de lo que 'dreampunk' es y puede ser, con una mezcla de viejas y nuevas canciones de viejos y nuevos artistas, de Dream Catalogue y la variedad de nuevas etiquetas. que han aparecido y han ayudado a construir la escena tal como está hoy, con nombres que representan etiquetas como Pure Life, VILL4IN, BLCR, No Problema, New Motion, Virtual Dream Plaza, Hollow Point One, Forgot Imprint.

 Esta combinación es "The Statement", que se presta a cómo Dream Catalogue comenzará a desenrollarse en los próximos años. Statement La Declaración ’es solo una muestra de lo que existe y alude a la mayor promesa de lo que aún está por venir de este movimiento.

https://dreamcatalogue.com/

Tracklist

Elegance of the Damned – Those Who Love Last Forever 2814 – Lost In A Dream Weniwasu – Buried Shima33 – Forest Sangam and Iona Dream – Wash Your Imperfections Away The Wushimi Complex – Lost In Neon H U I – trC Ross Khmil – Through The Prism Of Naivety Halo Acid – Tormented By Angels LILLITH twin x Castel – Madeleine Tyler Mathoyi – Quantum Jump Virtual Dream Plaza – 輝き [Extract] Pixelord – Robo (tropical interface upgrade) Loretta Aberdeen – All The Love In The World Kuroi Ame – Genesis Sent Down Girl – An Incorporeal Aura Of Rememberance BROKEN_CANYON – Tunnel AUT2M – Delta Wave (ft. Tinmixer) Chungking Mansions – Dual HKE – Pressure Drop Remember – Ennui

Windy and Carl - Allegiance and Conviction fue lanzado por el sello Kranky el 27 de marzo , 2020.

El legendario dúo de Dearborn, Windy y Carl, han estado creando vistas de la guitarra eléctrica y el bajo del espacio interior durante casi tres décadas, pero su última sensación se siente tan vital y vaporosa como cualquier otra obra en su vasto catálogo. 

Escritas y grabadas a lo largo de seis años, las canciones giran entre el minimalismo de shoegaze y la deriva de stargaze, sobre las cuales Windy Weber susurra narraciones poéticas veladas de transformación, aislamiento y escape. Allegiance and Conviction es su primer álbum desde We Will Always Be de 2012. 

Las seis composiciones son algo atípicas en su catálogo, de naturaleza más corta que la mayoría en sus lanzamientos anteriores. Todas las pistas están saturadas con el trabajo de guitarra característico de Hultgren, construcciones íntimas de murmullos, drones y su filigrana en capas característica, suavemente acumulada en atmósferas alternativamente más ligeras y pesadas que el aire. 

A pesar de ser su primer largometraje en más de media década, el álbum pertenece completamente a la fascinante galaxia del sonido que innovaron Windy y Carl y en el que siguen siendo los únicos ocupantes: música de umbrales, periferias y eternidades. Allegiance and Conviction es la versión contemporánea y multifacética de su sonido.

Kim Ann Foxman ha preparado una lista 🔥Hot Haus this de reproducción de Spotify esta semana: un montón de gemas subterráneas para mantenerte entretenido este fin de semana.

Apron new : Quaid  “ Dreem Staticby ” Del sur de Londres al espacio exterior.

~ Dreem Static: residual signal from machines in standby mode ~

Después de haber evocado un paraíso virtual en su último lanzamiento, ‘The Technological Afterlife’ nos llevan en una odisea de máquinas funk al espacio interior:

“Toda buena historia tiene una secuencia de sueño. Donde la narrativa se vuelve profunda y surrealista. Esto es mío. Hice toda la música a través de esta lente. Quería que las pistas estuvieran conectadas temáticamente en el estado de ánimo, por lo que hay un hilo si escuchas todo el tiempo. Espero que lo sientas. Dulces sueños. "

Recorded & Produced by J.Quaid at ‘The Odyssey’ London / Metropolis. Additional synths from Alex M. Mastered by Jason at Transition.

La compositora, artista y productora de la costa oeste, Kaitlyn Aurelia Smith, ha emprendido una carrera pionera con múltiples álbumes aclamados por la crítica desde 2015. 

Tras el lanzamiento de The Kid en 2017, Smith centró su energía en varias direcciones. Fundó Touchtheplants, un entorno creativo multidisciplinario para proyectos que incluyen los primeros volúmenes de su serie electrónica instrumental y libros de poesía de bolsillo. Ella continuó explorando las infinitas posibilidades de los instrumentos electrónicos, así como las formas, movimientos y expresiones que se encuentran en la relación del cuerpo físico con el sonido y el color. Es este interés que guía la vida el que forma las frecuencias fundamentales de su último largometraje, The Mosaic of Transformation, un deslizamiento sensorial brillante a través de fenómenos de ondas no unidas y el poder radiante descubierto dentro de uno mismo.

"Creo que en una frase, este álbum es mi expresión de amor y aprecio por la electricidad", dice Smith. Mientras escribía y grababa, abrazó una práctica diaria de movimiento físico, pasando electricidad a través de su cuerpo y en movimiento, en formas que reflejan su práctica de audio, que envía corrientes a través de sintetizadores modulares y al aire a través de altavoces. No es una bailarina según ninguna definición tradicional, se enseñó a sí misma un movimiento improvisador al darse cuenta de la flexibilidad, la fuerza e inesperadamente, lo que Smith llama "un lenguaje visual" (el término le fue presentado por el cineasta Sean Hellfritsch) derivado del cuerpo humano y compuesto de vibración formas Entendida como cimática, como ella dice, "como una referencia de cómo se pueden visualizar las frecuencias", como un mosaico.

Smith describe sus primeros encuentros con este mosaico; "La inspiración vino a mí en una repentina burbuja de alegría. Fue acompañada por una multitud de formas que se movían sin problemas de una a otra ... Mi práctica de movimiento ha sido una transformación constante pieza por pieza. Hice este álbum en de la misma manera. Todos los días transformaría lo que hice ayer ... en algo más. Este álbum ha pasado por unas 12 versiones diferentes de sí mismo ". 

Como ha llegado, en un estado completo, The Mosaic of Transformation es un juego holístico manifestación de movimientos encarnados. La curiosidad textural característica de Smith de que los fanáticos han llegado a adorar gira naturalmente en un estudio propioceptivo de la melodía y el timbre. El órgano aireado y la voz se entrelazan con burbujeantes burbujas armónicas generadas por Buchla.

"The Steady Heart" tiembla a la vida, salpicando chispas de órgano de madera entre sinuosas afirmaciones vocales. Al igual que con un cuerpo, mover una porción requiere un equilibrio y un contrapeso; aquí, las sutiles señales de tonalidad tonal se disparan junto con arias en espiral para crear un núcleo hipnótico. Cuando el ritmo llega a la mitad del camino, se consigue un vals vertiginoso y nervioso, una sensación de estasis en movimiento, un estado de flujo. Tan pronto como se sincroniza, desaparece de nuevo en los remolinos de la fuerza eléctrica.

Otras pistas se pierden en reinos físicos más reflexivos. "Carrying Gravity" está construido alrededor de almohadillas en forma de cuerdas que se expanden y contraen como un plexo solar, se enseñan y luego se sueltan. A medida que la respiración interactúa y se enfoca, de repente, el sistema nervioso se activa, delicada cascada de arpegios, similar a tomar conciencia de la transmisión de energía que ocurre entre los músculos y la mente.

Si el registro se puede resumir en un solo movimiento, es el conjunto de cierre de 10 minutos, un collage entusiasta llamado "Expanding Electricity". 

Las frases sinfónicas establecen la pieza antes de los lavados de repiques eléctricos brillantes y la hélice vibráfono sintetizada en foco. Pronto, la voz de Smith lo basa todo con un gancho vocal intuitivo, armonizado y aumentado por espirales concéntricas de sonidos de arpa y trompeta. La música de Smith no captura una emoción específica tanto como captura las alegrías de poseer un cuerpo y la capacidad de, con devoción y un corazón abierto y constante, maniobrar esa nave en el espacio a través de la electricidad a grados eufóricos.

https://kaitlynaureliasmith.bandcamp.com/

Cat No: LOC058 Título: Spa Commissions 2 Artista: Yamaneko Sello: Local Action Fecha de lanzamiento: 7 de mayo de 2020

Yamaneko, uno de los artistas más queridos de la música ambiental moderna, lanzará la secuela de su elogiado mini álbum de Spa Commissions este mes.

Lanzadas a finales de 2017, Spa Commissions compilaron una serie de piezas de relajación que Yamaneko recibió el encargo de crear para un spa europeo, desarrolladas en un material lleno de éxitos sin beat.

En Spa Commissions 2, Yamaneko usa comisiones recientes para el mismo spa como punto de partida para un nuevo mini álbum de ocho pistas que presenta muestras vocales dispuestas hipnóticamente, piezas de campana acuáticas, arpas arrastradas por el viento y más, lo que resulta en algunos momentos su música más distintiva y delicada hasta la fecha.

Esto también marca el primer lanzamiento físico para las Spa Commissionsa, después de varios años de solicitudes. Ambos 1 y 2 ahora están disponibles para comprar como un paquete de doble cassette de lujo limitado, alojado en una caja doble  con detalles impresos en papel holográfico.

Pueden escuchar y comprar en el bandcamp de Local Action.

Los primeros días de escribir All the Time, el primer álbum de Jessy Lanza desde Oh No de 2016, marcó un cambio radical para Jessy y su socio creativo Jeremy Greenspan. 

Después de Oh No, Jessy dejó su ciudad natal de Hamilton para irse a vivir a Nueva York. Escrito a larga distancia por primera vez, a través de la nueva instalación de Jessy en Nueva York al estudio de casa de Jeremy en Hamilton, y terminando en el estudio de grabación en el que Jeremy había estado trabajando durante este período.

A pesar de que la mudanza a Nueva York y el cambio en el trabajo remoto fueron difíciles, 'All the Time' resultó ser el conjunto más puro de canciones pop que el dúo ha grabado; reflexivos y refinados sobre el tiempo y la distancia que lo permitieron. Las yuxtaposiciones innovadoras suenan naturales, como el roce rígido de los 808 contra los delicados acordes en 'Anyone Around', las corrientes acuáticas inusuales apuntalan a Baby Love. La voz de Jessy es tratada, relanzada y editada en canciones como Ice creamy y los sonidos gestuales parecen responder a sus letras en canciones como Like Fire.

Muchos de estos sonidos provienen de experimentos en vivo usando equipos semi modulares / modulares como Mother 32 y Dfam y Moog Sirin. Jessy dice ‘Tenemos todas las máquinas hablando entre sí y correríamos patrones. Muchos de los pequeños eructos, charlatanes y garabatos que se escuchan en canciones como Anyone Around, Like 'Fire', 'Face' y 'Badly' son de esos experimentos. Ahí es cuando me divierto más, haciendo música e improvisando a través de tomas de la canción y editando juntos los mejores sonidos de gorgoteo después ".

Más que antes, las letras de All The Time fueron un foco importante para Jessy, articulando sentimientos difíciles en su música exteriormente alegre. "La ira es un sentimiento familiar y seguro para mí. El álbum se convirtió en una conversación conmigo mismo sobre por qué es eso. Algunas canciones se refieren a cosas reales y legítimas por las cuales estar enojado; 'Lick in Heaven' apunta a lo que la cultura espera de las mujeres. El cinismo que sentía hacia las personas a mi alrededor seguía apareciendo y todo el tiempo es una exploración de esos sentimientos y una conversación conmigo mismo sobre otras posibilidades en lo que respecta a mi perspectiva de la vida ".

A medida que los elementos finales del álbum se pusieron en su lugar, todo cambió de la noche a la mañana. Su gira europea se vio truncada y voló a Nueva York rápidamente, los planes para el futuro previsible se disolvieron. Además, su contrato de arrendamiento estaba en su departamento y no pudo encontrar otro en Nueva York debido a restricciones de cuarentena, así que empacó lo que pudo en su camioneta y se dirigió a San Francisco para estar cerca de su familia, deteniéndose en el camino cada vez más vacío moteles mientras viajaba de costa a costa.

‘Aunque todo el tiempo fue escrito en 2019, los temas se sienten aún más relevantes ahora. Al igual que muchas personas, todavía estoy luchando con la realidad de que la vida es difícil de predecir y es aún más difícil no volver a cometer los mismos errores, tratando de controlar lo que soy capaz y dejar el resto ". La foto de portada de Jessy en su camioneta fue tomada antes de estos eventos, pero desde entonces tiene más importancia. ‘A través de muchas situaciones cambiantes, mi minivan me da consuelo. Parece algo muy americano para decir. Me doy cuenta de que es un símbolo de una lucha existencial mucho más grande en mi propia vida, pero independientemente de que quería que fuera parte de la portada del álbum. Sentarme en mi camioneta me hizo sentir muy cómoda y es raro que sienta eso.

Todo el tiempo ha terminado siendo un triunfo, canalizando sentimientos difíciles en algo que tiene energía y estilo.

Lanzamiento el 24 de julio de 2020 por Hyperdub .

Escrito y producido por Jessy Lanza y Jeremy Greenspan.

El sello Domino se enorgullece en presentar su nueva artista, Ela Minus, nacida / criada en Colombia y con sede en Brooklyn, y presentar su nuevo sencillo / video,"They told us it was difficult, but they were wrong."

Ela fusiona máquinas con su cuerpo vivo, creando una música electrónica compleja que irradia una calidez vibrante y una afirmación cruda y festiva de que nuestras respiraciones no son infinitas. Hecho a sí mismo y de espíritu punk, Ela usa solo sintetizadores de hardware para realizar, escribir y grabar.

Antes de forjar su camino como artista electrónica en solitario, Ela era baterista en una banda de adolescentes hardcore. Se unió a la banda cuando tenía solo 12 años, actuando con ellos durante casi una década. 

Ela luego se mudó a los Estados Unidos para asistir al Berklee College of Music, donde se especializó en batería de jazz y diseño de sintetizadores. Este fondo itinerante le inculcó la creencia de que todos tenemos el poder de cambiar las cosas, y a medida que profundizó en su trabajo con los sintetizadores, vio una conexión clara entre la libertad de la escena DIY en la que creció y la cultura del club.

El título de este sencillo debut para Domino,"We were told it was difficult, but they were wrong,"  podría ser fácilmente una línea gritada por Fugazi, una banda que Ela cita como inspiración. Con un ritmo estimulante y un sintetizador staccato, las voces controladas y transpiradas de Ela son motivadoras: “si tienes que ir al fondo de un agujero para encontrar lo que está mal, déjalo ir // todos nos dijeron que es difícil, pero estaban equivocados // cuando amas, lo amas todo y nada parece imposible ".

El video que lo acompaña, dirigido por Will Dohrn, comienza con niebla y montañas, un homenaje directo a los Andes de Colombia. Ela atraviesa su mundo desorientador, desaturado y extraño, y le aporta luz y color. Usando coreografías y transformaciones estéticas, el video “nos dijeron que era difícil, pero estaban equivocados” cuenta una historia que se eleva de la pesadez a la alegría. Es una poderosa declaración visual de contrastes: entre lo orgánico y lo técnico y lo industrial, la luz y la oscuridad.

"Cuando se nos quita todo, la capacidad de elegir nuestra actitud y crear nuestro propio camino hacia adelante es la única certeza que tenemos", dice Ela acerca de "nos dijeron que era difícil, pero estaban equivocados". No tenemos control sobre nada excepto nosotros mismos."

El segundo álbum magistral de Kelly Lee Owens, Inner Song, encuentra a la productora y cantante / compositora de techno sumergiéndose profundamente en su propia psique, excitando las luchas que ha enfrentado en los últimos años y explorando el dolor personal mientras abraza la belleza del mundo natural. Es un salto en el arte de un músico que irrumpió en la escena con un sonido rico y seguro, y es infinitamente atractivo cuando se trata de lo que Owens es capaz de hacer.

Inner Song sigue el debut estelar del álbum homónimo de Owens en 2017, una combinación quijotesca de ritmos conmovedores y composición introspectiva que obtuvo numerosos elogios críticos. Owens ciertamente ha recorrido un largo camino desde su pasado como enfermera; desde entonces, lanzó un disco de dos pistas de forma indeleble, "Let It Go" de 2019, en blanco y negro, "Omen", y se asoció con el autor de ideas afines Jon Hopkins en "Luminous Spaces".

Su último álbum proviene de lo que Owens describe como "los tres años más difíciles de mi vida", un momento emocionalmente tenso que, en sus palabras, "impactó mi vida creativa y todo lo que había trabajado hasta ese momento". No estaba seguro si podría hacer algo más, y me tomó mucho coraje llegar a un punto en el que pudiera hacer algo nuevamente ".

Inner Song  fue en gran parte escrita y grabada durante un mes el invierno pasado. Al igual que con su debut, Owens se escondió en el estudio con el colaborador James Greenwood. Soltarse en el estudio y estar abierto a cualquier capricho sonoro era esencial para la artesanía de Owens. "Con el primer álbum, estaba tan obsesionada con obtener el sonido correcto de inmediato, lo que obstaculizó el flujo de ideas", explica. "Esta vez, dejé de lado mi perfección en el momento inicial para que las ideas florecieran completamente y se convirtieran en lo que quieren ser".

Si bien la versión inesperada del "Arpeggi" de Radiohead podría parecer una forma poco convencional de abrir un segundo esfuerzo, para Owens la versión sinuosa de la melodía clásica, grabada un año antes de que se inicie correctamente el trabajo en Inner Song, representa el tipo de renacimiento sónico eso es tan esencial para el aura del álbum.

"Soy un gran fanática de Radiohead, por lo que es un sacrilegio en cierto modo", se ríe. "Pero quería dar mi opinión sobre una pista que siempre sonaba como correr a través de arpegios de sintetizador para mí. Para mí, parece surgir de algo bastante sombrío y sin esperanza, y resurgir, un regreso de donde estaba". 'Arpeggi' lleva a 'On' de Inner Song, un susurro atisbo de electro-pop que da paso a los sintetizadores yo-yo y un ritmo duro como el clavo: el alfa y omega de la experiencia de Kelly Lee Owens, que refleja su habilidad para contienen multitudes sonoras y emocionales dentro de una sola canción.

Las raíces personales de Owens están tan presentes como sus predilecciones sonoras, ya que su compañero artista galés y leyenda de vanguardia John Cale presta sus pipas distintivas al presagio "Corner of My Sky". "John y yo trabajamos juntos anteriormente en una sesión y formamos una conexión. Me di cuenta de que podía escuchar su voz en esta canción de cuna psicodélica. Me atreví a preguntarle si contribuiría a la canción y usaría un idioma galés allí".

En otra parte, 'Melt!', Una de las últimas canciones escritas para Inner Song, se sumerge en el tema cada vez más apremiante del cambio climático, hasta su composición estructural: "Siempre necesito al menos un techno banger para equilibrar las cosas". Sabía que quería crear algo que sonara duro con muestras orgánicas: una de esas muestras estaba derritiendo hielo glacial, otra era gente patinando sobre hielo. Sentí que esas eran grandes representaciones de lo que estaba sucediendo en el mundo. Cada momento estás respirando y durmiendo, esto está ocurriendo ".

El título evocador del álbum está tomado del opus de 1972 del maestro de jazz libre Alan Silva. “Esas dos palabras realmente reflejan cómo fue hacer este disco. Hice mucho trabajo interno en los últimos años, y esto es un verdadero reflejo de eso ". El bajo espeluznante y las texturas de cosquillas de Inner Song conducen a casa que Owens todavía está encerrado en ofrecer el máximo placer sonoro, como se ilustra por la decisión de hacer que el lanzamiento del vinilo del álbum sea un sesquialbum, o álbum de tres lados: "Todavía estoy obsesionado con las frecuencias que no funcionan bien en el vinilo si no tienen el espacio".

"El poder de conceptualizar quién eres realmente ha informado este álbum", afirma Owens sobre la esencia de Inner Song, y su segundo álbum es realmente un descubrimiento de sí mismo.

Kelly Lee Owens “Inner Song” aparece el 28 de Agosto por el sello Smalltown Supersound.

La estrella emergente de Manchester FINN toma el timón para el próximo lanzamiento en el sello Ruf Kutz con dos golpes crudos contemporáneos hiperrealistas diseñados para el máximo impacto emocional respaldados con remixes de grandes armas de RK RUF DUG & GLOWING PALMS.

Finn es un nombre para seguir de cerca, jefe de los geniales sello Local Action y 2 B REAL, radio residente en NTS, veterano en Boiler Room, un Old Boy de Defected Records y también tiene la cuenta de Twitter más fría en la autopista de la información .

TRICK TRICK y BELLE THEME contienen muchos de sus adorados sellos distintivos, al tiempo que muestran nuevas vías creativas: el título del EP seguramente alude a lo que Finn está a punto de sacar de la manga.

BELLE THEME da rienda suelta al ritmo y la tensión armónica con un abandono maníaco cuando nos encontramos en el territorio familiar de más de 130 de Finn, pero mientras el ritmo es vertiginoso, de alguna manera se las arregla para cubrir todo con una capa de encaje.

Finn produce emotivos discos de baile basados ​​en Filter House, Speed ​​Garage, UK Hardcore y Detroit Ghetto-Tech, pero su música va mucho más allá del mero homenaje a estos géneros. Desde su clásico instantáneo, "Sometimes The Going Gets A Little Tough" (Defected), hasta sus entrenamientos extravagantes y de alto octanaje en Local Action (la etiqueta de Londres que comparte con T. Williams, Dawn Richard, DJ Q e India Jordan), Hay una honestidad y exuberancia en los lanzamientos de Finn que solo puede provenir de un lugar independiente de las tendencias, algoritmos u otros cálculos contemporáneos.

La música que Finn reproduce y muestra en su programa de radio mensual con NTS, una de las mejores fuentes de música underground del Reino Unido, refleja sus inclinaciones estéticas en el estudio. Sus sesiones de DJ, mezclas y actividad de radio están llenas de rarezas en la pista de baile que pueden ser ligeramente excéntricas o construidas de una manera peculiar, pero que comparten una seriedad apasionada y autenticidad alejada del cinismo o la exageración. La libertad de Finn de la tiranía de los complacientes de la multitud también permite un cierto nivel de versatilidad: está tan a gusto jugando B2B con Skream, Mumdance, Mella Dee o Eclair Fifi como está a toda marcha en sus sets en solitario, como se ejemplifica en su reciente  Boiler Room.

Después de completar una trilogía de discos aclamados por la crítica en Local Action, Finn entregará más de sus propias producciones a finales de este año.

Squarepusher estrena nuevo video para "Detroit People Mover" track perteneciente al EP Lamental, lanzado el viernes 10 de abril por Warp Records.

Tras el lanzamiento de su álbum Be Up A Hello a fines de enero, y el EP Lamental, Squarepusher presenta un retrato conmovedor y espeluznante de la ciudad en su video para "Detroit People Mover", la odisea del sintetizador cinematográfico que está presente en el corazón de ambos lanzamientos recientes.

Durante mucho tiempo hubo una intención de filmar un video para esta pieza en el propio Detroit People Mover, el sistema de transporte público descuidado en la ciudad de EE. UU., Del cual la pista toma su nombre. A medida que la producción comenzó, fue evidente que el tren típicamente vacío tiene una resonancia peculiar con la desolación que se instala en las zonas urbanas de todo el mundo. El director Jacob Hurwitz-Goodman explora nuestro nuevo aislamiento en un viaje sin conductor por la ciudad, contrastando con el contacto humano en imágenes de la historia de Detroit producidas por una impresora correspondientemente autónoma.

Tom Jenkinson (Squarepusher) dice: "Me gusta la forma en que ambos videos articulan puntos destacados sobre nuestros entornos urbanos: en" Terminal Slam "sobre la prevalencia de la publicidad y las posibilidades de su subversión, y aquí sobre nuestras ciudades zombis que a pesar de la falta de el contacto humano cotidiano continúa marchando. La canción en sí es parte de una serie comenzada en 1993 inspirada en la música de Detroit ".