moviola

Las manos dan forma o deforman la realidad; crear y recrear en una búsqueda cíclica e infinita, el eterno retorno1. Cocer el fruto de la tierra es un ritual sanador del espíritu, que le da sentido al vacío ilusorio, un momento sagrado de trance, de choque y fusión de energías, de liberación y depuración del espíritu. El paso del agua irriga la tierra, la fecunda y la ablanda. Al transmutar en una pasta que cocida a fuego lento se vuelve un objeto, que si es hueco le da forma efímera al aire, es hacer conciencia de los cuatro elementos2 y las cuatro direcciones3.

Este abordaje que se conecta con lo ritual desde una perspectiva fenomenológica4, se escapa de ser algo encomendado al Dios de los vacíos5 y más bien, es un rito que libera la tensión, los dedos revientan agujeros cuál burbujas entre el barro húmedo, para que pase la luz y se ilumine, para que pase el viento y refresque y haya eco y acústica y música y también sea contenedor y vertedero de toda materia cuyo estado le permita fluir, catarsis del universo, el arte de la tierra6.

Un hoyo negro absorbe la luz para convertir la materia, en cascara con agujeros vivos como poros a gran escala, para que todo, lo que está de paso, transite como los ánimos del ser y del cuerpo. Antes de realizar el ritual de la wasichina7 en la madre tierra, hacer casa, se le pide permiso para iniciar la minka8. Una casa para que habiten los cuerpos y los espíritus, los elementos, la oscuridad, la luz, la sombra, el sonido, el ruido y el silencio. La tierra pasada por agua, viento y fuego, fecunda, alimenta9 y abriga, la vida es el éter10.

Julia Coronado Pin (30-11-2020)

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Lograr que la experiencia pueda extenderse incluso después de la inauguración, no sólo por las características de las obras, sino por el mismo diseño de la curaduría a través de dispositivos de mediación, hacen de la curaduría experimental una practica artística. La administración eficiente de su lenguaje, amplia el horizonte y los alcances de la conceptualización e investigación curatorial, con la finalidad de materializar el contexto de las obras, haciendo de la museografía, una herramienta que provea una experiencia, más que la disposición de cuadros y otras piezas en un espacio.

Distinguir a la curaduría experimental como subyacente de la curaduría contemporánea, obedece a la inquietud e interés que producen los constructos conceptuales que propone. El involucramiento particular que implica este tipo de curaduría logra la mediación de las obras pero también busca hacer partícipe al espectador. La polisemia, limitada a ser un manojo de interpretaciones, se convierte en la exploración de las posibilidades de la obra como dispositivo y vuelve al espacio en algo más que un contenedor: es el contexto narrativo de una coexistencia y convivencia real. Estos giros que presenta la curaduría experimental, permiten que la articulación de la muestra proponga una experiencia más dinámica y significante para el espectador.

La investigación para la conceptualización es parte de toda curaduría contemporánea, que como tal, puede recurrir a conceptualizaciones novedosas en determinados casos, sin que eso la convierta en necesariamente en experimental. La selección parcial o total de proyectos artísticos que utilizan nuevos medios o formas alternativas no tradicionales1 tampoco es lo que distingue a una curaduría experimental. Es la puesta en escena de otro tipo de recursos conceptuales que se evidencian al materializarse en objetos o intervenciones materiales tangibles que sin llegar a ser obras ni robarles protagonismo, vinculan las obras discursivamente.

En la ejecución de la curaduría, la experimentalidad trasciende la noción básica de selección y ordenamiento en el espacio disponible y de la enunciación de los conceptos/razones por los que se selecciona las obras o los artistas. En la visión de Mary Anne Staniszewski, las exhibiciones construyen cultura visual, al analizar conceptualmente2 los montajes con valores de contexto como la historia, el escaparatismo (como gesto) y la estética. Por tanto, es válido inferir que las exhibiciones son constructos históricos.

En este punto es pertinente abordar la noción de experimentalidad en curaduría. Al hacer referencia a lo experimental se alude a la experiencia y al experimento. Los autores José Ramón Fabelo, Isabel Fraile y Carolina Nieto Ruiz2 indican que las prácticas curatoriales se relacionan con el reconocimiento del valor de las obras y de los artistas. La curaduría experimental realiza «proyectos que transgreden los discursos instituidos y que buscan una pluralidad interpretativa muy acorde con el contexto social en el que se realiza la exposición»3

Este texto es una adaptación y una actualización de una extracto de la tesis Un animal Articulado: Curaduría experimental en Guayaquil, periodo 2012 -2017, que es de mi autoría. El presente texto fue editado por última vez el 21 de enero del 2022.

Nuevo medio se refiere a la tecnología como nueva técnica y alternativo en cambio refiere a materiales y técnicas creados para otra finalidad cuyo uso es subvertido para las artes.

Fabelo, José, Isabel Fraile y Carolina Nieto. «Hacia una curaduría artística», en Universalidad y variedad en la estética y el arte. Puebla, 2013

El concepto del Noise es una construcción cuya carga conceptual, experimental y política es consecuente con las prácticas artísticas contemporáneas. Es relacional a sus medios y su contexto, donde lo lúdico y los medios que utiliza rebasan el ruido como fenómeno sonoro y lo vuelve una categoría transversal donde lo instalativo, lo interactivo y lo experiencial conforman un cuerpo con sus órganos y extremidades. Cultura Noise, es una categoría desde la que se puede cartografiar una suerte de nueva contemporaneidad. Ante la necesidad de teorizar o discursar sobre aquello que la historia del arte (HDA), dejó de periodizar y revisar en su morfología y discurso debido a parámetros parámetros cada vez más heterogéneos, la pintura analógica llegó a agotarse como marco referencial de toda la HDA.

La novedad en cuanto a técnicas dejo de ser algo que aporte frescura por sí solo a las formas de hacer. La globalización ha logrado que lo extranjero se amalgame con lo propio en un solo pastiche cultural. El realismo social conlleva cada vez menos revoluciones y en cambio se engorda con tendencias maniqueistas. La tecnología en las artes utiliza instrumentos propios de su prácticas en diversas áreas del arte pero, desde una mirada Noise, los ensamblajes de partes y piezas, y la creación de mecanismos que luego generan una estética y un ambiente, conceptualizan y dan estructura a la puesta en escena. El objeto hallado desde lo sonoridad, la materialidad y lo intangible, establecen diálogo con el espacio también a través del cuerpo por el carácter experimental de una presentación o grabación de un set de noise.

La Cultura Noise no pretende incluir o excluir a las diversas prácticas que desde entonces se han generado o han evolucionado, sino atender al hecho de que lo contemporáneo y postmoderno en el arte, comenzaron a resultar cada vez más genéricas y ambiguas para clasificar propuestas que surgen del cruce entre diferentes campos de conocimiento. Se puede percibir que lo transdiciplinario, lo instalativo, el internet y la tecnología, hoy son reconocibles como nuevos-nuevos medios, paradigmas y antecedentes culturales. Por tanto, se trata de un contexto que ya puede ser categorizado para hablar de obras y artistas que entran en esta consideración. Lo que caracteriza a la cultura Noise por lo experimental en un sentido transversal de las prácticas, los medios, los materiales y los conceptos, al ritmo y velocidad con que el contexto social se fragmenta, deforma y reconforma.

En lo político el noise inserta, sin pretenderlo (o sí), lo que muchos consideramos la abolición de la etiqueta cultura underground. Los géneros, prácticas artísticas, circuitos artísticos y otras clasificaciones son heterogéneos en intereses, medios y abordajes de las temáticas locales y globales. Si bien la existencia o inexistencia de la legitimación determina un status dentro del circuito artístico y lo underground se identifica con lo que no está legitimado, lo mismo puede decirse de lo que por lo común (a veces despectivamente), se reconoce o se le acusa de ser arte contemporáneo. De éste se discute si es para todos o no desde miradas enfrascadas en lo canónico, cuando incluso lo canónico desde la aparición del impresionismo no es un concepto totalizador ni homogeneizante.

El ordenamiento esquizofrénico, que implica esta mirada remite al punto 1 de las cadenas postmodernistas de Hassan1: la indeterminación es un síntoma que abraza nuestra propuesta. Citando a Hassan, las indeterminaciones penetran nuestras acciones, ideas, interpretaciones, que constituyen nuestro mundo. Un mundo construido por una amalgama de sonidos o ruidos visuales, audiovisuales, sonoros que suceden en contextos y comunidades de toda la sociedad. La disponibilidad para albergar exhibiciones o funcionar como galerías o centros culturales que amplían los márgenes del circuito del arte, inclusive geográficamente, se impone. El Ruido emitido desde plataformas en línea, fan pages, blogs dedicados a la difusión y el uso de las redes sociales, descentraliza la potestad de curaduría, comunicación, difusión, producción y gestión. La tokenización de la cultura inició cuando a través de la programación se creo el internet para globalizar las comunicaciones y surgieron géneros como el net art, el code art, la música electrónica, la digitalización de la fotografía, la gráfica, la animación, el cine, el sonido, el ruido y la música. La cultura del Ruido o Cultura Noise, reconoce que nuestros paradigmas actuales son híbridos y heterogéneos y por tanto extemporáneos a la contemporaneidad en las artes, estamos viviendo la neo contemporaneidad.

Los anti-patrones, transversalidades y manifestaciones culturales que fortalecen esta mirada, difuminan la línea entre baja y alta cultura para dar cabida a otro entendimiento del hacer y el pensar, que en las artes constituye una suerte de nueva contemporaneidad. El valor de las artes digitales en sus diversos formatos se eleva en nuestro tiempo, cuando los activos físicos se adhieran a la ventaja de ser figitales (aquello cuyo cuerpo físico se respalda en un valor único digital, un token no fungible o NFT). Las criptomonedas, la www3 y la inteligencia artificial, son manifestaciones del metaverso: un mercado del arte en que la plusvalía de la autoría se descentraliza, una nueva subversión del cubo blanco, un replanteamiento de lo tangible y lo intangible, la revalorización de la memoria en bits, economías que buscan reemplazar recursos no renovables con energías limpias. Las piezas de arte y las experiencias presenciales de hoy, persisten e importan simplemente están cambiando las maneras para lograr autenticidad trascienda a la posteridad y avale la materialidad.

Editado por Julia Coronado Pin, por última, vez en Guayaquil, el 21 de febrero del 2022.

Desde fines del 2016, comenzamos a levantar vuelo como la plataforma Tráfago. Julia Coronado Pin es la ideóloga del concepto actual de Tráfago, luego de que pasamos de la idea inicial que teníamos de hacer un blog de crítica, con Ismael Chock Méndez y otro compañero que se retiro antes del comienzo. Ismael sumó al concepto actual la idea de erigirlo a través de videos, cuyo contenido materialice las posturas de ese concepto a través de la curaduría de ambos en los temas a presentar. 

Si bien el pensamiento crítico y el delineamiento de nuestra línea editorial es inminente como en todo proceso, en ese momento coincidimos que la crónica verbal, visual, sonora y todas aquellas que de distintas maneras podamos abordar, son testigos más ecuánimes a la hora de esbozar relatos que puedan generar debate, opinión, registro y discernimiento. Ambos desde distintas perspectivas, aunque ambas relacionales, coincidimos en el interés por abordar los temas más allá de una voz especializada, sin desconocer nuestras influencias teóricas académicas que dan postura a nuestro proyecto.

El enfoque fundamental de Tráfago es el no-arte y arte y curaduría experimental. A través de una mirada ecléctica, transversal, heterogénea, diversa y académica y disidente, queremos extender redes colaborativas e integradoras en la ciudad de Guayaquil y a futuro, el resto del Ecuador. Nuestros textos en diverso formato, buscan visibilizar las obras de arte y no-arte en contexto, desde las voces  de los autores, el público y todos los que de diversas maneras, son parte de los circuitos en que las artes visuales, sonoras, musicales, teatrales, literarias, performáticas, y el ruido hacen del caos un sitio de convergencias y colisiones que se suceden transversalmente. Aportamos a la construcción de la historia de nuestro tiempo con relatos descriptivos escritos, visuales y audiovisuales provenientes o complementados por las/los voces de los autores y las experiencias del público. 

Quienes materializan el cuerpo de Tráfago siendo engranajes físicos de su enfoque somos: 

Julia Coronado Pin es la directora editorial, productora, co-productora, diseñadora, investigadora, gestora, relacionista, community manager y camarógrafa/fotógrafa de la mayoría de los proyectos. Ismael Chock Méndez es el productor audiovisual, co-productor, corrector de textos y co-editor de contenidos y en ocasiones también investigador y/o camarógrafo/fotógrafo. Ambos a la cabeza de nustras funciones permanentes o por proyecto, colaborando creativamente en las propuestas de ambos. Nos hemos ido acoplando orgánicamente a las diversas funciones específicas y necesarias sin que esto excluya eventuales intercambios de roles de acuerdo a la circunstancias, en términos generales. La ayuda de diversos colaboradores con la toma de registros o generaación de textos han sido  también aportes valiosos para nuestras actividades; estamos abiertos a recibir propuestas colaborativas siempre. La academia también es un vehículo para transitar esta ruta. No somos reporteros ni periodistas; somos artistas investigadores inmersos en los procesos para generar conexiones relacionales.