#rock_progressif

Artiste : Roger Waters Album : Amused to Death Année : 1992 Pays : Royaume-Uni Genre : Rock Progressif, Space Rock, Rock tout court... A écouter : En regardant BFMTV

Voilà déjà trente galettes majoritairement de rock progressif que je présente et je n'ai toujours pas de parlé de Pink Floyd. A priori je ne compte d’ailleurs jamais en parler, non pas que je n'aime pas ce groupe (au contraire) seulement la principale motivation de ce blog est de faire découvrir d'excellents albums aux non-adeptes du rock progressif, la notoriété des meilleurs albums de Pink Floyd étant bien connue du grand public, je ne vois juste pas bien l'intérêt d'en parler ici.

En revanche, les albums solo de Roger Waters, ancien bassiste, chanteur et principal compositeur de l'âge d'or de Pink Floyd, n'ont pas cette médiatisation écrasante qu'ont eu les albums de David Gilmour sortis ces vingt dernières années sous le nom de Pink Floyd. Ces albums ne sont pas inconnus, loin s'en faut, mais à coté de The Division Bell ou de The Endless River, les albums de Waters paraissent presque underground. Ce sont pourtant, selon moi, les dignes successeur de l'esprit Pink Floyd période 70.

Amused to Death est le troisième album solo de Roger Waters et, si l'on exclue la comédie musicale Ça ira traitant de la révolution française sortie en 2015, c'est aussi le dernier. Il s'agit d'un concept-album sur le thème de la télévision et de la médiatisation des atrocités du monde, soit un sujet on ne peut plus actuel en ces temps de trouble... Les thèmes des différentes chansons sont assez aléatoires comme si un singe (ou n'importe quel téléspectateur) zappait tout au long de l'album. On trouve ainsi des références à des éléments de l'actualité contemporains à la sortie de l'album comme la guerre du golf ou les manifestations de la place Tiananmen, entrecoupés de critiques de sujets chers à l'artiste comme la religion, la mondialisation ou la guerre.

De nombreuses personnes sont impliqués dans la création de cet album, 22 musiciens de tous instruments dont Jeff Beck et Randy Jackson, une dizaine de chanteurs et choristes dont Don Henley des Eagles ainsi que quelques personnalités comme Alfred Razzel, un vétéran de la première guerre mondiale, dont on entend le témoignage au sujet de la mort du soldat Bill Hubbard en ouverture et en fermeture de l'album ou encore le commentateur sportif Marv Albert qui commente la guerre du golf à la manière d'un match de football dans Perfect Sense part II.

Le résutat de tous ces sujets et de toutes ces collaborations est un album très puissants, ou des passages avec choeurs presque gospel, côtoient des solos et des couplets planants purement Floydiens, où des foules en délire clament des slogans et des samples multiples nous saturent d'information, le tout enrobée de la voix souvent douce mais parfois inquisitrice de Waters, d'une guitare assez Gilmourienne et des voix féminines de Katie Kisson et de Doreen Chanter.

Comme tout album de Roger Waters (avec ou sans Pink Floyd) on trouve dans cette galette de multiples références plus ou moins cachées à d'autres œuvres, par exemple le titre lui-même qui est une référence au livre Amusing Ourselves to Death de Neil Postman ou encore les samples de la voix de Hal de 2001 L'Odyssée de l'Espace que l'on entend dans la piste Perfect Sense, ce film a d'ailleurs inspiré la pochette de l'album représentant un singe assis devant une télévision. On trouve aussi de nombreuses autoréférences à d'autres chansons de Pink Floyd comme la phrase « I looked over Jordan and what did I see » dans The Bravery of Being Out of Range que l'on trouvait déjà dans Sheep sur l'album Animals ou encore « Doctor, Doctor », premières phrases de la dernière chanson de l'album et également premières phrases de la toute première chanson écrite par Waters sur l'album The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd.

Artiste : Kraftwerk Album : Kraftwerk II Année : 1972 Pays : Allemagne Genre : Krautrock instrumental, tendances Industrial et Expérimental A écouter : Dans une usine désaffectée.

De nos jours, très peu de personnes écoutent du rock progressif. C'est un fait. Et même si Dark Side of the Moon ou The Wall traînent dans tous les mp3, on peut affirmer que, du point de vue du grand public, le Rock progressif n'est plus qu'un genre désuet, peu médiatisé et peu écouté depuis la fin des années 70, les artistes populaire que ce courant a inspiré se comptent sur les doigts de la main genre Muse, Tame Impala et Linkin Park (j'ai entendu quelqu'un dire ça un jour) mais finalement, si ce genre n'avait jamais existé, le paysage musical serait globalement le même aujourd'hui.

En êtes-vous sûr ?

Pas besoin de prendre de DeLorean pour s'apercevoir que c’est faux : si on remonte l'évolution de la musique, on se rend compte que tous les principaux genres de musique populaire actuelle (House, Electro, Hip-Hop, Pop moderne) sont inspirés, directement ou non de la New Wave, de la scène élecronique des années 80 de Détroit (qui a vu naître le Hip-Hop) ou Berlinoise (qui a vu naître la House). Et quelle inspiration tous ces genres ont-ils en commun ? Le groupe Kraftwerk.

Kraftwerk, oui, ce groupe allemand qui déchaîne encore les passions aujourd'hui à base de places vendues à 40 000 $ au marché noir pour un concert de 8 jours au MOMA, qui réalise en ce moment une tournée en 3D (oui, il faut mettre des lunettes, pour aller les voir), et qui se trouve être le deuxième groupe le plus samplé de tous les temps après James Brown. Get Up !

Et si Kraftwerk est considéré à posteriori comme un des pionniers de la musique électronique et comme le premier groupe du genre a avoir connu une notoriété internationale (dès 1974), n'oublions pas qu'avant de dériver, d'expérimentations en expérimentations, sur une musique totalement computeurisée, Kraftwerk faisait du Krautrock, la branche allemande du rock progressif, ancêtre expérimental de toutes les musiques électroniques (au sens large). Donc, pas de rock progressif, pas de Krautrock, pas de Krautrock, pas de Kraftwerk, pas de Kraftwerk, pas de musique actuelle. Ouais, c'est un peu gros mais j'aime bien me dire ça parfois, bref venons en à notre galette...

Si tous les albums de Kraftwerk peuvent être plus ou moins considérés comme des albums de Krautrock, plus on se rapproche des débuts du groupe, plus on touche l'essence même de ce style industriel et expérimental.

L'album Kraftwerk II, (contre tout attente, leur deuxième album) sorti en 1972 est ainsi un manifeste du Krautrock pur et dur tout en amorçant très discrètement un style léger et pop qui fera plus tard la renommée du groupe.

On trouve de tout dans cet album, sauf des paroles - le groupe commencera à jouer de sa voix robotique seulement dans l'opus suivant, Ralf und Florian - et des synthés, le groupe utilisant à cette époque uniquement des guitares, flûtes, violons, xylophones, pianos, orgues et boîtes à rythme, puis bidouillant leurs sons pour obtenir cette ambiance électronique. On trouve de tout donc, bruits industriels oppressants inspirés par l'environnement sonore de la Ruhr, instants relaxants ponctués de flûte et de piano, une piste fantomatique où seule une respiration artificielle et angoissante nous parvient, une autre qu'on jurerai sortie d'un album de Post-Rock des années 2000 ; quelques pistes de 3 minutes, une autre de 9 minutes, sans oublier la géniale Klingklang et ses 17 minutes, on trouve de tout je vous dis...

Cet album est certes très expérimental (au moins autant que leur premier), il l'était encore plus dans le contexte de son époque de sortie et n'est finalement pas si différents du son de certains artistes aujourd'hui à la mode. Il faut donc croire que, dans cet album, tout comme dans leurs futurs, Kraftwerk expérimentait dans le bon sens, dans le sens que la mode a choisi par la suite de suivre, ce qui leur permet d'être aujourd'hui taxés de visionnaires, alors que lorsqu'on expérimente dans le mauvais sens, on reste... expérimental. 

Artiste : Steven Wilson Album : Hand. Cannot. Erase. Année : 2015 Pays : Royaume-Uni Genre : Rock Progressif avec quelques sonorités électroniques et metal A écouter : En déambulant dans le cimetière Rakowicki

Après avoir présenté The Book of Souls de Iron Maiden, Je vais maintenant vous parler de mon album préféré de 2015 pour l'instant (et, sauf très bonne surprise en fin d'année, il risque de le rester), Hand. Cannot. Erase. du magicien Anglais Steven Wilson.

On a déjà parlé de Steven Wilson dans l'album Fear of a Blank Planet de Porcupine Tree, le groupe qui l'a fait connaître, mais ce dernier est seulement un des nombreux projets du multi-instrumentiste britannique. Récemment, Steven Wilson s'est lancé dans plusieurs albums solos pour notre plus grand bonheur car tous ces opus sont exquis et d'une grande variété musicale.

Le précédent album, The Raven That Refused to Sing (and Other Stories) sorti en 2013 avait notamment provoqué un petit tremblement de terre dans le monde du rock progressif, la critique l'acclamant unanimement, le magazine Prog Mag le propulsant 9ème dans son classement « The 100 Greatest Prog Album of All Time », entre The Lamb Lies Down on Broadway de Genesis et Fragile de Yes. Après ce succès total, on aurait pû penser que Steven allait rester dans cette veine « hommage au prog des années 70» qui avait fait l'unanimité dans the Raven, on aurait aussi difficilement imaginé qu'il fasse mieux que cet album déjà culte… Contrairement à ce prodige de la musique, on manquait d'imagination…

Car si il fallait établir un classement entre The Raven et son nouvel album Hand. Cannot. Erase. sorti en Février dernier, avec tout le respect que j'ai pour The Raven, je crois bien qu'il obtiendrait la seconde place. En effet Steven Wilson nous a offert cette année une galette non seulement différente en tous points de son précédent chef d’œuvre mais tout aussi exceptionnelle, dans un registre bien plus actuel, inspiré et construit.

Le meilleur moyen pour parler de cet album est de procéder de la façon dont il a été créé, en commençant par l'histoire. Hand. Cannot. Erase. est un concept album fortement inspirée du fait divers de Joyce Vincent, une femme londonienne retrouvée morte dans son appartement en 2006, 3 ans après son décès. Cette femme avait de la famille, des amis, et pourtant elle n'a manqué à personne pendant 3 ans. Steven Wilson cherche ainsi à retracer virtuellement les raisons de cet isolement, d'une enfance et d'une routine banale jusqu'à une déconnexion totale, par la force des choses, de ce monde et cette grande ville où tout paraît hyper-connecté et où les liens virtuels paraissent si réels mais parfois si futiles.

Cette histoire poignante de mélancolie et si représentative de l'état des rapports humains au XXIème siècle dans les grandes villes se devait, elle aussi, d'être actuelle, urbaine et mélancolique. Ainsi Steven Wilson a opté pour une toile de fond calme et électronique, mélangeant le son de son Mellotron qui lui est si cher à une ribambelle d'autres claviers aux sonorités plus actuelles pour une atmosphère envoutante et maussade. Seulement, c'est une vie entière que le Britannique nous raconte dans cette galette, on doit donc aussi trouver dans la mélodie une grande diversité d'instants et d'émotions représentatifs de cette vie, dans ses meilleurs et ses pires jours. Palette d'inspirations à la main, Steven nous trace donc d'énergiques et joyeux riffs à la Rush, des instants Porcupine Tree sombres et puissants, une chanson uniquement parlée et très ambiant évoquant le son d'Incredible Mind Fuck (un autre projet de l'artiste), des refrains pop et pleins d'espoir. Comme il s'agit de l'histoire d'une femme, Steven a aussi fait appel à la chanteuse Ninet Tayeb pour certaines chansons, ce qui colle encore d'avantage la musique à l'histoire et apporte une touche de plus de diversité.

Et toutes ces couleurs, toutes ces émotions, toutes ces mélodies, sont orchestrées et arrangées d'une savante façon, en 11 pistes variant entre courts instants instrumentaux, chansons relativement complexes de 4 à 6 minutes et suites phénoménales de 8 à 13 minutes. Tout cela si bien organisé qu'écouter les cinq premières minutes suffit à donner envie d'écouter un peu plus jusqu'à engloutir l'album sans même s'en rendre compte.

Bien que débordant de complexité, je suis sûr que cet album, par son son très actuel, son mixage irréprochable et ses instants pop frôlant la perfection, peut être accessible bien au delà des cercles de fans de prog. La preuve, non seulement Steven a reçu cette année trois Prog Awards pour son album mais a en plus été acclamé par le magazine Rolling Stone et plusieurs autres médias « classiques ».

Artiste : Gentle Giant Album : The Power and the Glory Année : 1974 Pays : Royaume-Uni Genre : Rock Progressif / Experimental / Jazz Fusion A écouter : En période éléctorale.

Aujourd'hui, nous allons parler politique. Contrairement à ce qu'on pourrait penser, la politique n'est pas un thème très courant dans le rock progressif bien qu'on trouve aux racines de ce genre des idées de changement et tout l'esprit révolutionnaire des années 70. Bien sûr, le prog évoque de nombreux thèmes s'y rattachant comme l'écologie, la paix, le rêve d'un monde meilleur et des paraboles critiquant la société mais de la politique pure et dure, c'est assez rare...

Avec The Power and the Glory, le groupe britannique Gentle Giant nous donne leur vision de la politique, sombre et sans espoir de changement, cela explique peut-être pourquoi si peu de groupes évoquent ce sujet.

L'album raconte en effet l'histoire d'un homme sincère avec de grands espoirs de changement qui rentre en politique, voulant mettre fin aux abus de pouvoir et aux inégalités. Il se laissera tenter par le pouvoir et la gloire, au fur et à mesure de l'album et de sa progression en politique, jusqu'à abuser lui-même du pouvoir et devenir l'un de ceux qu'il a toujours combattu.

Coté mélodie, cet album est certainement l'un des plus aboutis de Gentle Giant, on perçoit une grande unité entre les chanson, le doute étant le sentiment omniprésent de cette satire de la société. Le style jazzy et un poil expérimental sied parfaitement à cette atmosphère incertaine et vaine tout en apportant dynamique et technique à la mélodie.

Une réédition est sortie en 2014 contenant une version vidéo avec des visuels animés et les paroles de l'album, ainsi qu'un remixage en 5.1 (réalisé bien évidemment par Steven Wilson de Porcupine Tree comme toute les rééditions d'albums de rock progressif ces dernières années). Bien que n'étant pas le fruit d'un énorme travail, cette vidéo permet d'écouter l'album avec une attention toute particulière aux paroles et ainsi, avec l'émotion associée, chose qui n'est pas à la portée de tous les auditeurs non-anglophones de naissance (J’entends par là ceux qui ont le luxe de pouvoir arrêter de comprendre l'anglais lorsqu'ils écoutent une chanson).

Album : Misplaced Childhood Artiste : Marillion Année : 1985 Pays : Royaume-Uni Genre : Neo Prog (ou rock Néo-Progressif) A écouter : au moins une fois dans sa vie.

Mais qu'est-il arrivé au monde du rock progressif dans les années 80 ? Si vous regardez sur le menu de ce blog (cliquez en haut à gauche) vous verrez que très peu de galettes des années 80 et 90 ont pour l'instant été chroniquées, et ce pour la bonne et simple raison que ces année ont été très creuses pour le genre. Bien sûr, quelques galettes emblématiques du prog ont sorties au début de cette décennie (The Wall de Pink Floyd en 1980 ou Moving Picture de Rush en 1981), mais plus on avancera dans le temps, plus le rock progressif se fera rare et faible jusqu'à être presque considéré comme mort à l'aube des années 2000 ou il renaîtra de plus belle.

Que s'est-il donc passé dans ces années ? Eh bien il y a eu ce qu'on appelle communément une extinction de masse. Pour certains, elle serait due à une météorite géante ayant percuté la progoshère, pour d'autres, il s'agirait d'une réaction en chaîne entraînée par de multiples éruptions volcaniques, certains vont même jusqu'à dire qu'elle serait tout bonnement due à un désintéressement des radios et des maisons de disque pour le rock progressif, préférant miser sur le punk et les autres genres moins complexes et plus radiogéniques en vogue à l'époque. Quoi qu'il en soit, cette extinction de masse fit de nombreux dégâts dans le monde du Prog et si certaines espèces ont tout simplement disparues durant cet événement, d'autres ont au contraire réussi à survivre en évoluant et en s'adaptant à ce nouveau milieu.

C'est ainsi que naquit le Neo-Prog, étrange hybride entre musique Pop et progressive, du Prog taillé pour survivre au contraintes commerciales des années 80 sans oublier la folie et l’innovation de ses parents. Crée par certains groupes de Prog des années 70 ayant su s'adapter avec brio en rendant leur son plus Pop (c'est bien à toi que je pense Phil !), ce genre fût renforcé par de tous nouveaux groupes nés durant cette sombre période comme Marillion, le groupe qui nous intéresse aujourd'hui.

Marillion, qui voulait à la base s'intituler Silmarillion mais a bien vite raccourci son nom, les références au Seigneur des Anneaux n'ayant pas non plus survécu à l'extinction de masse, est en effet le premier groupe à porter l'étiquette de Neo-Prog dès sa naissance ou presque et à en avoir fixé les codes. Son album Misplaced Childhood est le plus célèbre et, selon mon opinion, le plus aboutit et le plus représentatif de ce qu'est le Neo-Prog.

Cet album est un concept album traitant, comme son nom l'indique d'une enfance gâchée et malheureuse et des répercussions de ce passé sur la vie adulte du personnage principal. Tandis qu'il peut être perçu par les programmateurs de radio comme un album contenant dix chansons de 2 à 9 minutes, pour la plupart pop et accrocheuses, soit environ six tubes potentiels, il sonnera aux oreilles d'un fan de Prog comme deux suites de 20 minutes correspondant aux deux faces du vinyle dont les parties s’enchaînent avec grâce et puissance.

C'est ce son à la fois Pop et légèrement expérimental, concis dans certaines chansons mais riche en éléments psychédéliques dans d'autres qui caractérise le Neo-Prog. Du Rock Progressif oui, mais qui rentre malgré tout dans les cases imposées par les radios et les maisons de disque, des intermédiaires indispensables à la réussite d'un groupe à cette époque pré-internet.

Album : Tarkus Artiste : Emerson, Lake & Palmer Année : 1971 Pays : Royaume-Uni Genre : Rock Progressif, Point barre. A écouter : En faisant... Euh... Je vois quatre possibilités : La bataille navale, la drogue, la taxidermie ou les trois à la fois.

Il y a deux semaines, nous avons parlé de Transatlantic, un supergroupe des années 2000, cette semaines, on va se pencher sur l'un des plus vieux et des plus célèbres supergroupes de l'histoire du rock progressif : Emerson, Lake and Palmer, souvent abrégé ELP.

Je vais peut-être vous surprendre mais Emerson, Lake and Palmer est composé du claviériste Keith Emerson (ex The Nice), du bassiste/guitariste/chanteur Greg Lake (ex King Crimson) et du batteur/percussionniste Carl Palmer (ex Atomic Rooster). On remarquera deux faits intéressants, tout d'abord, hormis pour Greg Lake avec King Crimson, la renommée de ce supergroupe a largement dépassé celle des groupes dont proviennent les différents membres. Ensuite, ce groupe a l'originalité d'être un trio Clavier/Basse/Batterie, ce qui est très peu commun dans l'histoire du rock et permettra au claviériste Keith Emerson de devenir le leader, voire la diva de ce groupe, popularisant au passage ces marginaux instruments que sont l'orgue Hammond ou le Modular Moog.

L'album Tarkus qui nous intéresse aujourd'hui est leur deuxième album mais le premier à avoir véritablement été composé par le trio, leur premier album étant majoritairement constitué de composition de Keith ou de Greg réarrangées par le groupe.

Cet album présente deux faces très différentes. La première est la véritable raison d'être de l'album, on y trouve une unique suite éponyme de 20 minutes et 40 secondes, considérée à juste titre comme l'une des suites les plus cultes et les plus anciennes de l'histoire du rock progressif. Cette suite est composée de sept parties, trois possèdent des paroles et sont entourées de parties où seuls s'expriment les instruments. Cette suite raconte l'histoire de Tarkus, un hybride entre un char d'assaut et un tatou issu d'une évolution décadente et régressive, d'un bouillon de culture, d'une explosion volcanique ou de radiation nucléaires, selon votre interprétation de la première partie instrumentale Eruption. Après cette naissance tourmentée, on assiste à divers combats entre cette chimère et d'autre créatures tout aussi hybrides  dans les parties Stones of Years, Iconoclast et Mass. Tarkus en sort toujours victorieux jusqu'à affronter sous l'orgue grondant de Keith Emerson, la Manticore (ou Manticoré), ultime chimère qui anéantira Tarkus après une épique bataille.

Outre le fait que cette histoire sans queue ni chenilles sied parfaitement à la musique à la fois expérimentale, futuriste, baroque et abracadabrantesque d'ELP, elle cache un tas d'allégories, sur l'évolution, la guerre et la vanité de la vie qui ne cessent encore d'impressionner même leurs créateurs. La mélodie, quant à elle, est semblable à une forêt impénétrable que l'on peut dompter et arpenter pendant des années sans cesser de découvrir un nouveau recoin, une nouvelle fleur à chaque ballade. Inutile donc de vous préciser qu'il vous faudra plus d'une écoute avant de vous en faire un quelconque avis.

La seconde face de cet album est totalement différente, constituée de six pistes courtes (1:41 à 3:54)  très variées dans le fond et la forme. Beaucoup voient cette seconde face comme assez faible et sans intérêt comparé à ce monument de musique qu'est la suite Tarkus. On ne peut en effet dire que les deux faces de l'album se valent, mais bien qu'elle soit inéluctablement dans l'ombre de la face A, la face B recèle de bons moments musicaux qu'il serait dommage de rater. C'est vrai, la première piste Jeremy Bender et la dernière Are You Ready Eddy ? n'ont que peu d'intérêt si ce n'est leur coté humoristique et leurs airs de musique de vieux Saloon de Western (notamment dû à l'usage du piano de honky-tonk), il n'empêche, le reste de la face n'a rien à envier aux parties qui composent la suite Tarkus, que ce soit Bitches Crystal qui oscille entre Hard Rock, Blues et Jazz déjanté, The Only Way (Hymn) et Infinite Space (Conclusion) qui forment une petite suite avec des paroles très fortes évoquant l'absence de Dieu et la cruauté de l'homme sur fond d'Orgue d'Eglise, la partie intrumentale, Infinite Space peut paraître déstabilisante, il y règne en effet le doute et l'incompréhension pour mieux méditer sur les paroles de The Only Way. A Time and A Place, enfin, est impressionnante de concision, c'est une pièce heavy à la fois catchy et expérimentale.

Album : Terria Artiste : Devin Townsend Année : 2001 Pays : Canada Genre : Rock/Metal Progressif, Alternative, Ambiant, Metal Extrême A écouter : En marchant dans de vastes plaines vertes et paisibles.

Cliquez ici pour écouter l’album complet

Si un jour, vous participez à Qui veut gagner des Millions et vous tombez sur la question « comment concilier musique progressive ambiante et Metal extrême ?», que répondez-vous ? Le mieux, c'est encore d'utiliser le coup de fil à un ami et d'appeler Devin Townsend. Avec son emplois du temps extrêmement chargé de projets solo, de groupes et de tournées en tous genres, pas sûr que ce dernier vous réponde mais avec un peu de chance, le multi-instrumentiste Canadien vous donnera la meilleure réponse qui soit, Terria.

Terria, c'est le cinquième album solo de Devin Townsend, un mec qui a, en seulement vingt ans de carrière, réalisé 23 albums ! Cette galette est un concept-album décrit comme introspectif et dédié à la terre natale du musicien, le Canada. Et on ressent bien cette proximité avec la terre, la nature et les paysages du grand Nord américain, que ce soit par les paroles, les mélodies ou les nombreux samples de cet album.

On a donc une toile de fond de vert et de bleu, à l'image de la pochette, constituée d'éléments d'ambiance, new-age, acoustiques ou folk. Sur cette toile, des éléments puissants et brutaux apparaissent tout en élégance. Cette intégration d'éléments aussi hétéroclites est permise non seulement par le talent de composition et d'interprétation de Devin Townsend mais aussi et surtout par la grande qualité du mixage, aussi réalisé par ce control freak hyperactif Canadien. Le mixage à la sauce Devin, il faut l'écouter pour le comprendre, du multipiste poussé à l'extrême, de nombreux effets « mur du son » pour des sonorités à la fois ambiantes et lourdes, comme une tonne de plumes. Si bien que même les passages ambiants ont quelque chose de puissant et même les passages les plus Metal où Devin hurle et les guitares grondent se fondent dans le paysage paisible de l'album.

Ce mélange atypique donne lieu à de nombreuses pépites musicales au cours de l'album, réparti en pistes de 3 à 9 minutes et laissant la part belle à l'instrumental. Parmi mes pépites préférées, je citerais le puissant pont/refrain industriel de la piste Earth Day ou encore la longue montée instrumentale sur la chanson Deep Peace, à la fois puissante et relaxante, elle ne manque pas d'éveiller en moi d'intenses frissons dignes de ceux que j'aurais pu ressentir lors d'un hiver canadien. Des petits instants magiques comme ça, il y en a tout un tas dans l'album, bien qu'à la première écoute, je vous l'accorde, ce dernier soit un peu déroutant.

Après plus d'une heure d'une musique, certes envoûtante et puissante mais aussi et surtout progressive et difficile d'accès pour un oreille non habituée, on découvre une dernière chanson qui dépeint totalement en terme de style avec le reste de l'album mais s'y intègre bien grâce au sacro-saint mixage de Devin Townsend. Je parle de la chanson Stagnant aux airs d'hymne Rock FM avec son refrain et ses couplets accrocheurs, sa structure simple et ses paroles faciles à retenir. Une chanson un peu pop dans un album progressif, c'est somme toute assez courant, mais le fait de la placer à la fin de l'album lui donne une certaine force symbolique, comme une sortie du tunnel, comme une fin des complication. Cette chanson évoque le début de l'été et permet de finir l'album sur une touche d'espoir, non pas que le reste de cette galette soit déprimant, loin de là, cela permet seulement d'ancrer plus profondément ce sentiment dans l'esprit. Bien qu'on trouve par moments des mélodies assez sombres, des paroles évoquant des thèmes graves comme la pollution, il s'agit bien au final d'un album positif pour se ressourcer, se recycler.

Album : The Whirlwind Artiste : Transatlantic Année : 2009 Pays : USA, Suède, Royaume Uni Genre : Rock Progressif Symphonique A écouter : Pendant un voyage en avion, siège coté hublot. Je conseille le Stockholm-Paris qui a l'avantage de durer environ 78 minutes, soit l'intégralité de l'album.

Oh mon Dieu ! Tout est lié ! Il existe un groupe réunissant Neal Morse (ex chanteur/claviériste de Spock's Beard) dont on a déjà parlé avec Sola Scriptura, Roine Stolt, guitariste/chanteur des Flower Kings dont on a déjà parlé avec Flower Power, Mike Portnoy (ex batteur de Dream Theater) et Peter Trewavas (bassiste de Marillion) dont on a pas encore parlé mais ça ne saurais tarder, il paraît même qu'ils sont parfois rejoins en live par Daniel Gildenlöw (guitariste/claviériste/chanteur de Pain of Salvation) dont on a déjà parlé dans BE. Qu'est ce que c'est que cette mascarade ?!

Ce groupe est ce qu'on appelle dans le jargon un supergroupe (on parle parfois d'All-Stars Band mais bon...). Et vu le très grand talent de composition et d'interprétation de ses différents membres, ce supergroupe doit très vraisemblablement produire des super galettes ! Vous imaginez une super galette ? Eh bien vous en êtes encore loin de The Whirlwind... Car comme nous l'a prouvé Einstein, la fusion de quatre éléments crée non seulement un élément plus lourd mais libère en plus une quantité phénoménale d'énergie ! Voilà pourquoi on parle d'All-Star Band d'ailleurs.

Mais trêve de physique atomique, intéressons nous à cette galette, The Whirlwind qui se trouve être la troisième du supergroupe. Les deux premières sont sorties en 2000 et 2002, il s'est donc passé pas mal de temps avant que les quatre musiciens ne se retrouvent pour travailler sur cette galette. L'emploi du temps des différents membres étant assez ministériel, les sessions d'écriture et d'enregistrement d'un album de Transatlantic durent en général deux semaines maximum, deux semaines pendant lesquelles un paquet d'idées musicales sont explorées et organisées en quelques grosses pièces si bien qu'un album « classique » de Transatlantic contient généralement deux suites de 20-30 minutes et quelques chansons de 4-6 minutes pour faire passer la pilule.

Mais la galette dont nous parlons arrivant après sept ans d'absence du groupe, il fallait marquer le coup, voilà pourquoi The Whirlwind est une énooorme suite en douze parties de 78 minutes de long. Ça n'est sans doute pas la chanson la plus longue du monde, on trouve toujours plus gros que soi, mais c'est certainement la plus longue à pouvoir rentrer sur un CD de capacité maximale de 80 minutes. Et heureusement qu'il existe une capacité maximale, j'ose à peine imaginer ce que ces monstres de créativité auraient pu nous pondre avec plus de deux semaines de travail et plus de 80 minutes de capacité...

Bon, donc The Whirlwind est long, très bien. The Whirlwind est fait par des gens connus, très bien. Mais bon, ce qui compte c'est le contenu, que trouve-t-on dans ces 78 minutes ? On trouve une suite épique et majestueuse, aérienne et tourbillonnante comme son nom, ordonnée, variée et inspirée comme ses créateurs. Le principal défi avec une suite aussi longue est d'à la fois justifier que c'est bien une longue suite unique et non un album avec plusieurs chansons sans interruption, tout en créant assez de diversité pour que ces 78 minutes ne paraissent pas trop longues ou ennuyantes.

Heureusement, la plupart des membres du groupe sont déjà familiers avec les suites très longues, on a déjà parlé de Garden of Dreams de Stolt dans Flower Power qui est à la fois unie et très variée mais qui passe par des instants calmes et ambiants qui n'ont que peu d'intérêt si on les écoute à part et ne collent pas avec The Whirlwind dont chaque instant doit être intense et indispensable pour contrer les mauvaises langues qui oseraient dire que cette suite est « trop » longue. Donc oui, avec The Whirlwind, Transatlantic a réussi a créer un album sans interruption, assez unifié pour pouvoir parler d'une seule suite, et dont chacune des douze pistes peut très bien s'écouter indépendamment.

Même si je préfère pour ma part les suites plus aérées comme Garden of Dreams, c'est indéniable The Whirlwind est un chef d’œuvre. Tout d'abord, les ingrédients de base sont de très bonne qualité : un tas d’excellentes idées musicales planantes, entraînantes, touchantes, puissantes, de très bon refrains, un thème principal détournable de mille manières mais reconnaissable entre mille et de très bon instrumentistes pour des soli d'une grande technique. Ensuite, le dosage de ces ingrédients frôle la perfection : les différents mouvements sont assez longs pour exploiter les différentes mélodies sans laisser le temps de s'ennuyer, le thème principal revient assez souvent pour conserver l'unité sans pour autant apparaître comme redondant, les solos de tous les membres sont en quantité raisonnable et en qualité respectable... Pour couronner le tout, les paroles, abstraites et poétiques parlant du voyage initiatique d'un homme perdu dans le « tourbillon de la vie », peuvent se comprendre de différentes façons, littéralement comme une lutte impossible contre une grande tempête ou métaphoriquement sous de nombreux angles si bien que tout le monde peut s'identifier d'une manière ou d'une autre à cet ouragan de musique et d'émotions (Cf. Stéphanie de Monaco).