Artiste : Haken Album : The Mountain Année : 2013 Pays : Royaume-Uni Genre : Metal Progressif, sonorités Jazz et Badass A écouter : Pendant l'ascension de la montagne... de votre vie ! Avant un exam, un entretient d'embauche, le permis, une audition, un premier rendez-vous, un concours... Bref, la boule au ventre et plein d'espoir, vous verrez, ça fonctionne.

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Bon, j'ai pas été très assidu ces derniers mardi, et puis bon c'est ma 30ème galette alors pour me faire pardonner et pour fêter ça, j'en balance trois aujourd'hui. C'est aussi que j'avais très envie de parler du groupe Haken mais je n'ai jamais réussi à choisir lequel des trois albums de leur jeune et jolie discographie chroniquer. Donc voici les trois servis sur un plateau avec un peu d'eau et un peu d’œil.

Cet album est le dernier en date du groupe, je ne compte pas l'EP Restoration - dans lequel le groupe a remanié avec brio les meilleurs titres de leur démo Enter the 5th Dimension - pour la bonne raison que... c'est un EP. Bref, The Mountain est pour l'instant leur dernier album même si, à l'heure où j'écris ces lignes, je ne cesse de voir des extraits de l'enregistrement du quatrième opus sur le mur Facebook du groupe.

Le dernier mais pas des moindres puisque, croyez le ou non, il atteint, selon moi, un niveau encore plus prodigieux que les deux précédents.

The Mountain raconte, avec moult allégories, l'histoire de l'ascension du groupe, du plancher des vaches aux sommets rutilants qu'il a atteint après la sortie de cet album. Cet histoire faite de diverses péripéties (ce n'est pas une escalade linéaire, loin s'en faut) n'est pas uniquement significative pour le groupe, elle est assez vague pour permettre mille interprétations, cette montagne, c'est celle de votre vie, à vous d'atteindre votre sommet !

Un peu bateau me direz-vous ? Il faut l'avouer, l'histoire de cet album est un peu moins complexe que celle des deux autres. Mais son approche plus personnelle, plus émotionnelle, plus vague et plus métaphorique la rend aussi plus accessible, pas seulement aux fans de contes et de SF.

Musicalement, cet album nous offre d'avantage de pistes courtes (4 chansons de 3 à 4 minutes) et un bon lot de pièces plus longues (5 chansons de 7 à 12 minutes). Bien que dans l'ensemble plus courtes, ces pistes ne sont pas pour autant moins complexes ou moins « prog » que sur les précédents opus, le groupe a seulement gagné en concision.

Ces différentes chansons nous offrent, une fois de plus, un contenu très varié, bien plus Jazz que les autres albums avec parties A Cappella, solos de bass, de batterie et de piano tout droit sortis d'un Jazz Bar enfumé. Cet album est aussi l'occasion de tester des sonorités orientales, symphoniques et sacrées dans certaines pistes, tout en poussant à bout les riffs asymétriques et pseudo-aléatoires dans d'autres.

On ne trouve pas de pièce finale d'une vingtaine de minutes dans cet album, la construction de la narration plaçant en effet le point culminant du récit au milieu du disque, ce dernier se termine par une fin ouverte dans une majestueuse ballade de neuf minutes, ce qui est, avouons-le, bien plus original que la classique fin en apothéose dans une suite épique qu'utilisent la plupart des concept-albums de Prog Metal.

Artiste : Haken Album : Visions Année : 2011 Pays : Royaume-Uni Genre : Metal Progressif, sonorités Symphoniques, Jazz et New Wave A écouter : En cas d’insomnie, ça ne vous endormira pas mais ça divertit...

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Bon, j'ai pas été très assidu ces derniers mardi, et puis bon c'est ma 30ème galette alors pour me faire pardonner et pour fêter ça, j'en balance trois aujourd'hui. C'est aussi que j'avais très envie de parler du groupe Haken mais je n'ai jamais réussi à choisir lequel des trois albums de leur jeune et géniale discographie chroniquer. Donc voici les trois servis sur un plateau avec un peu de poissons et de cafards.

Voici donc Visions, le deuxième album du groupe Haken, sorti seulement un an après le premier et ayant été présenté pour la première fois en live au festival Power Prog USA 2011, quelques jours avant sa sortie. Dans cet opus, le groupe nous emmène au pays des rêves éveillés et des paradoxes temporels.

L'histoire de cet album est assez complexe et il est assez difficile d'en parler sans tout révéler. Pour faire simple, c'est l'histoire d'un homme persuadé que ses rêves sont réels qui se réveille un jour, se rappelant qu'il a tué quelqu'un dans ses songes. D'étranges prophéties à de mystérieuses sociétés secrètes, de voyage à travers les esprits à des voyages à travers le temps, la complexité de cette histoire permet surtout de créer une grande diversité de situation et ainsi, un paysage sonore, une nouvelle fois très riche.

On croise en effet, entre rêve et réalité, de nombreuses petites pépites au cours de cet album, qu'elles soient Pop, Metal, symphoniques, de petites ritournelles Jazzy à des samples de Super Mario, de solos de synthé électrisants, à des murs du son haletants. On notera la présence d'une piste instrumental Portals, tout bonnement spectaculaire et d'une ballade progressive Deathless planante à souhait. Le style légèrement New Wave ou Nu Prog qui se dégage de l'ensemble confère à cet opus une atmosphère plus électrique que les deux autres.

Cet album est très structuré avec une introduction présentant les différents thèmes de l'album, puis différentes pistes de 13 à 4 minutes avant de terminer par une suite de 22 minutes majestueuse et riche en rebondissements narratifs et musicaux. L'ensemble de cet album est très uni, la plupart des chansons s’enchaînent parfaitement et certains thèmes récurrents donnent l'illusion d'une seule longue chanson.

Tout cela fait de cet album le plus unifié du groupe mais aussi peut-être, le plus redondant. Attention, pour un groupe aussi varié musicalement que Haken, le fait que ce soit le plus redondant n'en fait pas un album monochrome, au contraire. En tout cas cet album est une nouvelle preuve du génie créatif de ce groupe et je ne saurais que vous le recommander vivement.

Album : The Book of Souls Artiste : Iron Maiden Année : 2015 Pays : Royaume-Uni Genre : Heavy Metal (progressif implicitement) A écouter : dans l'Ed Force One avec piloté par Bruce, tout en buvant une Trooper et en se faisant masser le dos par Eddy.

Bon… Jusqu'à présent, j'ai toujours présenté des galettes qui dataient d'au moins un an afin d'avoir pu les écouter maintes et maintes fois et d'en proposer un point de vue personnel (à défaut d'être pertinent). Mais après avoir beaucoup hésité, je pense qu'il est temps, de toute façon j'ai trop envie de parler de cet album, LE seul album qui trotte dans mes oreilles depuis bientôt deux semaines.

J'ai attendu cet album avec un sentiment très partagé. Je crois d'ailleurs jamais n'avoir ressenti cela pour aucun album auparavant, non pas qu'Iron Maiden soit mon groupe préféré mais c'est certainement le groupe que j'ai le plus écouté et, connaissant comme ma poche tous les albums du groupe, je me faisais une certaine idée globale de la discographie d'Iron Maiden comme quelque chose de fini. Cela me plaisait bien que The Final Frontier soit leur album final et que la dernière chanson du groupe soit Where the Wild Wind Blows, si majestueuse, puissante et mélancolique. J'avais un peu peur que ce nouvel album soit celui de trop…

Mais à mesure que la sortie de l'album approchait, je me disais de plus en plus qu'il fallait un dernier album, à condition qu'il soit excellent, qu'il fasse le lien entre le nouveau Iron Maiden et celui des années 80 et enfin que la dernière chanson soit la plus majestueuse jamais composée par le groupe. Ainsi, en découvrant la setlist de l'album fin Juin avec ses chansons de 4 à 6 minutes côtoyant d'autres de 8 à 13minutes et cette chanson finale de 18 minutes, toutes mes craintes de déception se sont changées en excitation, le groupe me prenant par les sentiments avec un double album proposant la chanson la plus longue de leur carrière tout en prétendant vouloir renouer avec les bons vieux tubes 80’.

Certain d'être séduit par cette galette, la joie m'envahit lorsque je reçut dans ma boite aux lettres le 4 septembre l'édition spéciale de l'album, très soignée avec ses allures de livre (pour 18€ seulement ça vaut le coup !). Ni une ni deux, je met le premier disque dans mon lecteur et en avant pour 90 minutes qui, je le sent déjà, seront historiques.

Dès la première chanson, If Eternity Should Fail, écrite et composée par le chanteur Bruce Dickinson, on est déjà pris dans cette atmosphère entre ancien et nouveau Maiden, sur fond d'imageries Mayas ayant inspiré nombre de pistes dans cette galette sans pour autant constituer un concept album à proprement parler. Les chansons s’enchaînent ensuite, d'une grande diversité dans leur longueur et leur composition, le tube au son nostalgique Speed of Light, The Great Unknown qui arrive à contenir en six minutes toute la force d'une pièce qui aurait duré près de 9 minutes sur leur dernier opus, The Red and the Black qui a l'inverse réussit à mantenir pendant 13 minutes toute la puissance d'un tube de cinq minutes avec son refrain sans autres paroles que Whoho et sa battle de solos de 6 minutes que j'ai tant hâte de voir interprétée en live. Le premier disque se termine par une autre chanson très période 80’, Where the River Runs Deep et la chanson éponyme, au contraire très période 2000’.

Entre les deux disques, une petite pause est conseillée, bien que le format des chanson soit très varié, elles restent toutes dans un registre sombre et épique ce qui peut rendre cet album quelque peu redondant, sentiment renforcé par les paroles qui tournent inlassablement autour de la mort, de l'âme et de la lutte entre bien et mal ; en même temps, ça reste du Iron Maiden, me direz vous, mais certains albums comme Dance of Death ou The Number of the Beast montraient un peu plus de variété dans les thèmes…

Bref, cet aspect monochrome continue dans le second disque, Death of Glory, selon moi la meilleure piste sauce 80’ de l'album, puis Shadows of the Valley et son intro piquée à Wasted Years, Tears of a Clown, pour le coup très originale tant dans le son que dans le thème abordé, le suicide de Robin Williams, The Man of Sorrows qui commence comme une ballade et termine de façon très heavy et enfin Empire of the Clouds.

Je pensais écrire un paragraphe entier sur cette majestueuse suite de 18 minutes mais finalement, ça ne serait que la desservir… L'écouter reste la meilleure chose à faire pour se faire une idée de ce que peut être l'oeuvre la plus longue, la plus épique, la plus chargée d'émotion et l'une des plus originales que Maiden ait jamais produit en près de 40 ans de carrière. Bruce Dickinson au piano et au chant, le reste du groupe suit et nous accompagne ainsi dans ce voyage en dirigeable vers la mort, dans cette dernière piste de la carrière de Maiden, allez s'il vous plaît, dites moi que cette fois, c'est bien la dernière.

Album : Twelve Step Suite (ou Alcoholics Anonymous Suite) Artiste : Dream Theater Année : 2002-2003-2005-2007-2009 Pays : USA Genre : Metal Progressif A écouter : Après un dernier verre...

Bon... Ça fait plusieurs semaines que je tourne autour du pot, j'ai déjà évoqué James Labrie, le chanteur dans The Human Equation, Mike Portnoy, l'ex batteur dans Sola Scriptura et The Whirlwind, je vais finalement vous parler du groupe dans son intégralité, le seul, l'unique DREAM THEATER.

Mais quel album présenter ? J'aurais pu choisir l'un de mes albums préférés du groupe, Scenes From a Memory ou Six Degrees of Inner Turbulence mais ces opus ont déjà tellement fait couler d'encre, même en français, je ne voyais pas trop l'intérêt d'écrire des choses déjà dites mille fois. D'ailleurs, TOUS les albums de Dream Theater ont déjà fait l'objet de moult chroniques en français. Tous ? Non... Un album résiste encore et toujours aux blogs francophones pour la bonne et simple raison que cet album n'existe pas...

Alors comment ça il n'existe pas ? Il n'existe plus comme le concorde ? Il n'existe pas encore comme la barbe de John Myung ? Non. Il existe... mais pas sous forme d'album.

La Twelve Step Suite est en effet une suite de cinq chansons présentes sur cinq albums consécutifs du groupe, de Six Degrees of Inner Turbulence en 2002 à Black Clouds & Silver Linings en 2009. Mises bout à bout, ces chansons créent une suite de douze parties et de près d'une heure, soit un véritable concept-album dont la musique et les paroles sont très cohérentes.

Coté paroles, cette suite détaille les douze étapes du programme des alcooliques anonymes. Très logiquement, chacune des douze partie de la suite correspond à une étape du programme. Toutes les paroles ont été écrites par le batteur Mike Portnoy qui a traversé une période d'alcoolisme et d'addiction à diverses drogues autour des années 2000, l'écriture de chansons comprenant deux ou trois parties de cette suite, album après album, de 2002 à 2009 a été pour lui une sorte de thérapie l'aidant dans son sevrage. Il en résulte des paroles très sombres et personnelles, teintées de regret, de colère, de religion aussi puisque c'est l'essence même du programme des alcooliques anonymes. D'après les livrets de chacun des albums, toutes les paroles de la suite sont dédiées à Bill W. Le co-fondateur des alcooliques anonymes.

Afin de vous y retrouver, voici la liste des parties et des chansons :

The Glass Prison (1ère chanson de Six Degrees of Inner Turbulence – 2002) 1. Reflection 2. Restoration 3.Revelation This Dying Soul (2ème chanson de Train of Thought – 2003) 4. Reflections of Reality (Revisited) 5. Release The Root of All Evil (1ère chanson de Octavarium – 2005) 6. Ready 7. Remove Repentance (5ème chanson de Systematic Chaos – 2007) 8. Regret 9. Restitution The Shattered Fortress (4ème chanson de Black Clouds & Silver Linings – 2009) 10. Restraint 11. Recieve 12. Responsible

Pas besoin d'être rusé comme un Bertrand Renard pour se rendre compte que toute les parties commencent par Re, ce qui serait une référence au mot Rehab, désintoxication en anglais. La quatrième partie, Reflections of Reality (Revisited), est une référence à la chanson The Mirror présente sur l'album Awake (1994) écrite aussi par Mike Portnoy et qui parlait déjà de l’alcoolisme. On trouve d'ailleurs dans la suite plusieurs autres références aux paroles de cette chanson. Pour ces raisons, certains voient The Mirror comme un préquel à la Twelve Step Suite.

Coté mélodie, on trouve dans cette suite les chanson les plus heavy et les plus noires de la discographie de Dream Theater. On trouve aussi de nombreux passages très groove, la première chanson de la suite ayant été écrite avec pour principales inspirations les groupes Pantera et Megadeath, ces touches groove ont ensuite persisté sur les autres parties de la suite. Afin de rendre plus digeste l'écoute de cette suite très sombre et de permettre une interprétation de l'intégralité de la suite en live sans tuer de musiciens, le groupe a tout de même orienté la troisième chanson, The Root Of All Evil un peu plus pop mais tout de même très heavy et la quatrième chanson Repentance plus douce, planante et psychédélique mais tout aussi sombre. Enfin, la dernière chanson, The Shattered Fortress, est une sorte de medley de toutes les autres en ajoutant une dimension épique permettant de clôturer avec panache cette monstrueuse suite. L'écoute de l'intégralité de cette œuvre est donc assez variée bien que plus monochrome, sombre et dureque n’importe quel autre album de Dream Theater, si vous n'avez jamais écouté de galette de ce groupe avant, je vous conseille de commencer par une autre (cliquez sur les liens un peu partout) afin de vous faire une opinion plus objective sur le groupe.

Ce qui me fascine dans cette suite, au delà de la qualité de la composition et des paroles, c'est cette double cohérence, non seulement au niveau de la suite dans son entièreté, mais aussi au niveau de chaque album. Un album de Dream Theater est en effet très souvent bourré de concepts un peu farfelus et difficiles à concilier avec une œuvre globale comme celle-çi. Par exemple l'album Six Degrees of Inner Turbulence se nomme ainsi car il contient une chanson éponyme parlant de six maladies mentales mais aussi parce qu'il contient six chansons évoquant un trouble interne différent. Parmis ces chansons, on trouve la première de la Twelve Step Suite, qui parle donc de l'alcoolisme, c'est bel et bien un trouble interne, double cohérence. Autre exemple, l'album Octavarium comporte huit chansons, chacune ayant une note fondamentale différente, ce qui donne une octave complète à l'échelle de l'album : Fa, Sol, La, Si, Do, Ré, Mi, Fa(une octave plus aigu). Non seulement la chanson The Root of Evil, (première de l'album et troisième de la suite) est en Fa, ce qui l'intègre au concept, mais en plus on y entend à la fin une mélodie au piano qui est un des thèmes de la dernière chanson (cohérence avec l'album) et qui fait office de transition vers la chanson Repentance, plus calme (cohérence avec la suite). Cerise sur le gâteau, son nom fait à la fois allusions aux étapes de la suite qui y sont traitées et au mot Root qui désigne la première note d'une gamme en anglais, double cohérence. Balèze non ?

A l'écoute de cette suite, un brin de mélancolie envahit tous les fans de Dream Theater puisque quelque mois après avoir clôturé cette suite, Mike Portnoy quitta le groupe, sans jamais avoir pu présenter la suite dans son intégralité en live. Et vu l'ambiance froide qui règne actuellement entre Portnoy et le groupe, l'interdiction morale pour Dream Theater de jouer la suite sans Portnoy et l'interdiction juridique pour Portnoy de jouer la suite avec un autre groupe, ils semblerait qu'une telle performance live soit aussi peu probable que la barbe de John Myung.

Outch... Je ne pensais pas que j'aurais autant de choses à dire sur cette vraie/fausse galette, et à vrai dire, il y a encore plein de choses que je n'ai pas dites alors je vais terminer cet article avec concision, façon Pull Me Under, Salut.

Album : Terria Artiste : Devin Townsend Année : 2001 Pays : Canada Genre : Rock/Metal Progressif, Alternative, Ambiant, Metal Extrême A écouter : En marchant dans de vastes plaines vertes et paisibles.

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Si un jour, vous participez à Qui veut gagner des Millions et vous tombez sur la question « comment concilier musique progressive ambiante et Metal extrême ?», que répondez-vous ? Le mieux, c'est encore d'utiliser le coup de fil à un ami et d'appeler Devin Townsend. Avec son emplois du temps extrêmement chargé de projets solo, de groupes et de tournées en tous genres, pas sûr que ce dernier vous réponde mais avec un peu de chance, le multi-instrumentiste Canadien vous donnera la meilleure réponse qui soit, Terria.

Terria, c'est le cinquième album solo de Devin Townsend, un mec qui a, en seulement vingt ans de carrière, réalisé 23 albums ! Cette galette est un concept-album décrit comme introspectif et dédié à la terre natale du musicien, le Canada. Et on ressent bien cette proximité avec la terre, la nature et les paysages du grand Nord américain, que ce soit par les paroles, les mélodies ou les nombreux samples de cet album.

On a donc une toile de fond de vert et de bleu, à l'image de la pochette, constituée d'éléments d'ambiance, new-age, acoustiques ou folk. Sur cette toile, des éléments puissants et brutaux apparaissent tout en élégance. Cette intégration d'éléments aussi hétéroclites est permise non seulement par le talent de composition et d'interprétation de Devin Townsend mais aussi et surtout par la grande qualité du mixage, aussi réalisé par ce control freak hyperactif Canadien. Le mixage à la sauce Devin, il faut l'écouter pour le comprendre, du multipiste poussé à l'extrême, de nombreux effets « mur du son » pour des sonorités à la fois ambiantes et lourdes, comme une tonne de plumes. Si bien que même les passages ambiants ont quelque chose de puissant et même les passages les plus Metal où Devin hurle et les guitares grondent se fondent dans le paysage paisible de l'album.

Ce mélange atypique donne lieu à de nombreuses pépites musicales au cours de l'album, réparti en pistes de 3 à 9 minutes et laissant la part belle à l'instrumental. Parmi mes pépites préférées, je citerais le puissant pont/refrain industriel de la piste Earth Day ou encore la longue montée instrumentale sur la chanson Deep Peace, à la fois puissante et relaxante, elle ne manque pas d'éveiller en moi d'intenses frissons dignes de ceux que j'aurais pu ressentir lors d'un hiver canadien. Des petits instants magiques comme ça, il y en a tout un tas dans l'album, bien qu'à la première écoute, je vous l'accorde, ce dernier soit un peu déroutant.

Après plus d'une heure d'une musique, certes envoûtante et puissante mais aussi et surtout progressive et difficile d'accès pour un oreille non habituée, on découvre une dernière chanson qui dépeint totalement en terme de style avec le reste de l'album mais s'y intègre bien grâce au sacro-saint mixage de Devin Townsend. Je parle de la chanson Stagnant aux airs d'hymne Rock FM avec son refrain et ses couplets accrocheurs, sa structure simple et ses paroles faciles à retenir. Une chanson un peu pop dans un album progressif, c'est somme toute assez courant, mais le fait de la placer à la fin de l'album lui donne une certaine force symbolique, comme une sortie du tunnel, comme une fin des complication. Cette chanson évoque le début de l'été et permet de finir l'album sur une touche d'espoir, non pas que le reste de cette galette soit déprimant, loin de là, cela permet seulement d'ancrer plus profondément ce sentiment dans l'esprit. Bien qu'on trouve par moments des mélodies assez sombres, des paroles évoquant des thèmes graves comme la pollution, il s'agit bien au final d'un album positif pour se ressourcer, se recycler.

Album : The Human Equation Artiste : Ayreon Année : 2004 Pays : Pays-Bas (et pleins de guest anglais, américains, suédois, canadiens, mexicains...) Genre : Prog Rock/Metal, Power Metal, Folk, Symphonique, Space Rock... A écouter : Sur un lit d’hôpital, dans le coma, après un grave et mystérieux accident de voiture.

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Aujourd'hui, comme vous aurez pu le constater, ça n'est pas un mais deux albums que je vais chroniquer, The Human Equation de Ayreon et Mercy Falls de Seventh Wonder. Pourquoi deux albums à la fois ? Eh bien parce qu'il s'agit de deux concept-albums de Metal Progressif tendant vers le Power Metal, datant de la même période et racontant une histoire très similaire. Pourquoi chroniquer les deux et ne pas en avoir choisi un seul alors ? Eh bien parce que ces deux albums, malgré toutes leurs ressemblances, sont très différents tant au niveau musical que sur la façon de raconter l'histoire et qu'ils peuvent tous deux, à leur manière, être considérés comme des références du Metal Progressif. Je vous invite donc à lire simultanément ces deux chroniques qui se recoupent et à écouter, dans l'ordre de votre choix, ces deux galettes si semblables et pourtant si singulières.

The Human Equation est le cinquième album d'Ayreon, un projet de l'auteur, compositeur, multi-instrumentiste et chanteur néerlandais Arjen Lucassen. Les albums d'Ayreon sont quasiment tous des concept-albums se rattachant à une trame narrative commune assez complexe, oscillant entre science-fiction et légendes folkloriques, permettant à ce compositeur virtuose de marier sa passion pour les instruments traditionnels avec son goût pour les sonorités Space-Rock et les claviers analogiques. On trouve également dans tous les albums d'Ayreon la présence de nombreux musiciens et chanteurs invités, aux origines, aux styles et à la notoriété très variables.

Dans The Human Equation, Arjen Lucassen délaisse son univers SF pour produire une œuvre très émotionnelle se déroulant intégralement dans la tête d'un homme dans le coma après un tragique accident de voiture. Contrairement à l'album de Seventh Wonder où Tommy Karevik est le seul chanteur, Ayreon a le luxe de s'entourer de 11 chanteurs qui vont, à la manière d'un opéra-rock, interpréter chacun un rôle. On trouve un rôle principale, Me, d'autres rôles sont des personnages qui viennent rendre visite à ce dernier sur son lit d'hôpital (son meilleur ami, sa femme, son père) d'autres enfin sont des émotions personnifiées dans la tête du protagoniste (la peur, la raison, l'amour, la passion, la fierté, l'agonie et la rage). Vous avez vu Vice Versa de Pixar ? Eh bien c'est totalement pompé sur cette galette.

On voit ainsi au cours des 20 pistes de ce double album, chacune symbolisant un des vingt jours de coma du protagoniste, ces émotions interagir et tenter de comprendre pourquoi il ne se réveille pas et quel mystère entoure cet accident. Au fil des jours on retrace ainsi la vie du protagoniste, ses émotions dans sa jeunesse, son rapport à son père, aux autres, à sa femmes, ses liens avec son meilleur ami, jusqu'au circonstances du drame. Comme dans Mercy Falls, il y a une histoire de tromperie derrière tout ça mais je n'en dit pas plus, cet album s'apprécie pleinement comme un film, avec le suspens de l'histoire.

Cette galette a la chance de pouvoir compter sur le talent et la renommée des chanteurs et musiciens invités, on y trouve entre autres James Labrie (Dream Theater) dans le rôle du protagoniste, qui malgré le caractère très émotionnel de son rôle ne surjoue jamais, Eric Clayton (Saviour Machine) et sa voix grave très juste dans le rôle de la raison, Heather Findlay (Mostly Autumn) et sa voix douce et légère symbolisant parfaitement son rôle de l'amour, ou encore Devin Townsend et sa voix puissante et agressive dans le rôle de la rage, ce dernier ne pouvant se résigner à l'idée de chanter des textes écrits par un autre a d'ailleurs grandement modifié les paroles et la composition des chansons dans lesquelles il apparaît, ce qui donne à cet album une teinte unique. La douce voix d'Arjen Lucassen qu'on a souvent le plaisir d'entendre dans les albums d'Ayreon apparaît cette fois-ci dans le rôle du meilleur ami, cela permet à l'auditeur de s'identifier au protagoniste puisque tout le monde rêverait d'avoir Arjen comme meilleur ami !

Musicalement, cet album est d'une grande richesse, on y trouve des guitares, toutes sortes de claviers analogiques, de violons, de flûtes et d'instruments exotiques, de la flûte de pan au didgeridoo. Malgré cette diversité de sonorité, l'ensemble sonne très harmonieusement et c'est bien là le génie du son si caractéristique d'Ayreon. Les chansons sont très variés, on trouve plusieurs pistes très tubesques, des refrains Power Metal, plusieurs ballades très douces, quelques titres folk quasi-instrumentaux et quelques chansons progressives assez complexes dans leur organisation. Tous ces styles sont généralement en concordance avec les paroles, les meilleurs exemples étant les passages très Metal où la rage du héros explose (Day Twelve) ou cet instant nostalgique évoquant la jeunesse du héros sous fond de claviers seventies (Day Seven). Cependant les instants folk chers au style d'Ayreon et habituellement très justifiés par les paroles apparaissent dans cet album comme un peu hors sujet. Quoi qu'il en soit, l'ensemble des chansons est très varié et les 1h40 de ce double-album filent en un éclair.

Ainsi, on trouve dans cette galette une plus grande diversité musicale que dans Mercy Falls peut-être légèrement au détriment de la cohérence. L'histoire est racontée d'une façon très originale avec ces émotions personnifiées mais est un peu moins recherchée que l'histoire narrée par Seventh Wonder et tombe un peu dans le cliché au cours de l'album. Cependant cette narration est sauvée par une double chute très inattendue aux dernières secondes de l'album qui, en quelques instants, rattache l'ensemble de cette histoire d'accident de voiture et d'amour brisé à la trame science-fiction des autres albums d'Ayreon. Et ça, c'est un vrai coup de génie !

Quoi qu'il en soit, je ne cherche pas à savoir lequel de ces deux albums est le meilleur, l'histoire est très proche, il est plus que probable que Seventh Wonder en avait conscience en écrivant Mercy Falls, quatre ans après la sortie de The Human Equation mais assez de différences dans le fond et dans la forme subsistent pour que l'on ne puisse crier au plagiat. Il faut dire que l'état du coma, entre la vie et la mort est très inspirant et très adapté au format du concept-album, que l'on peut écouter inerte, les yeux fermés. L'ouïe étant le seul sens sollicité, l'imagination peut s'emparer des quatre autres, les émotions peuvent ainsi être des voix sans apparence et des solos endiablés peuvent devenir une tempête sur un village...

Album : Mercy Falls Artiste : Seventh Wonder Année : 2008 Pays : Suède (Encore ?) Genre : Prog Metal, Power Metal A écouter : Sur un lit d’hôpital, dans le coma, après un grave et mystérieux accident de voiture.

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Aujourd'hui, comme vous aurez pu le constater, ça n'est pas un mais deux albums que je vais chroniquer, Mercy Falls de Seventh Wonder et The Human Equation de Ayreon. Pourquoi deux albums à la fois ? Eh bien parce qu'il s'agit de deux concept-albums de Metal Progressif tendant vers le Power Metal, datant de la même période et racontant une histoire très similaire. Pourquoi chroniquer les deux et ne pas en avoir choisi un seul alors ? Eh bien parce que ces deux albums, malgré toutes leurs ressemblances, sont très différents tant au niveau musical que sur la façon de raconter l'histoire et qu'ils peuvent tous deux, à leur manière, être considérés comme des références du Metal Progressif. Je vous invite donc à lire simultanément ces deux chroniques qui se recoupent et à écouter, dans l'ordre de votre choix, ces deux galettes si semblables et pourtant si singulières.

Mercy Falls est le troisième album de Seventh Wonder, un groupe suédois de Metal Progressif tendant vers le Power Metal qui commence depuis quelques années à se faire un nom dans le genre, à un niveau déjà international.

Il s'agit de leur premier concept-album (et le seul à ce jour). L'histoire parle d'un homme dans le coma depuis une très longue durée à la suite d'un accident de voiture. Certaines chansons se déroulent dans la tête de cet homme qui, au fil des mois passés endormi, s'est construit tout un village onirique appelé Mercy Falls qui recèle de mystères symbolisant les secrets et les souvenirs qu'il a tenté d'oublier. D'autres chansons se déroulent dans le monde réel où la femme et le fils du héros désespèrent de le revoir se réveiller et tentent avec le médecin un ultime traitement impliquant un don de moelle osseuse d'un membre de sa famille, en l’occurrence son fils. Cette possible guérison imminente est perçue par le héros dans le coma comme une terrible tempête qui va s'abattre sur Mercy Falls, non conscient de son état, il va ainsi tout faire pour tenter de faire survivre son village à ce cataclysme.

Je ne vais pas balancer la fin mais sachez que celle-ci est très bien amenée, et comme si cette histoire n'était déjà pas assez proche de The Human Equation, il est aussi question de circonstances mystérieuse de l'accident sur fond de tromperie.

Cette histoire, entre état d'inconscience dont le rock progressif est très friand et événements épiques propres au Power Metal, est tout à fait en accord avec le style de Seventh Wonder, ses riffs tortueux proches du style de Dream Theater, ses solos alambiqués et ses refrains épiques faciles à retenir. Cette formule, bien que bigrement efficace est un poil redondante au fil de l'album et les chansons, bien que toutes très bonnes se ressemblent un peu. On trouve tout de même quelques compositions complexes très originales et quelques ballades touchantes bien qu'un poil cliché qui viennent casser cette relative monotonie. Quoi qu'il en soit, rassurez-vous, les fans du genre seront servis généreusement d'une bonne dose d'épique parsemée de Prog.

Cette galette nous offre aussi des instants instrumentaux d'une grande variété et d'une grande technique, et ce pour tous les instruments, bien que je ne soit pas trop séduit par le style très électrique du synthétiseur de Andreas Söderin, préférant personnellement les claviers analogiques tels ceux que l'on peut entendre dans The Human Equation, mais cela n'enlève rien à la virtuosité de ce claviériste. Ces passages instrumentaux sont, qui plus est, toujours en accord avec la narration, on tremble lorsque la tempête frappe le village, on ressent la crainte, le désarroi, la tristesse du héros au travers des différents thèmes et solos si bien que la musique est aussi porteuse de message que les paroles.

A noter que, à deux reprises, on perçoit un léger clin d’œil à un des thèmes musicaux de Metropolis pt II : Scenes from a Memory de Dream Theater, il est vrai que même si j'ai aujourd'hui tenté d'aborder les liens entre cette galette et celle d'Ayreon par l'histoire, on en trouve aussi beaucoup, par le style, avec cette fameuse galette de Dream Theater.

Ainsi, même si ce jeune groupe ne peut rivaliser avec le casting All-Star de Ayreon, cette galette reste un très bon moment de musique, l'histoire a beau être racontée de façon assez classique par la superbe voix de Tommy Karevik, l'univers crée est bien plus original et saisissant que celui de The Human Equation (du moins sans compter les dernières secondes de cette galette). La musique est plus mono-orientée que celle d'Ayreon, cependant ses nombreuses chansons aux allures d'hymne Power Metal sont plus à même de plaire à un grand nombre et ont d'ailleurs garanti un grand succès à cet album, ce qui n'est pas donné à beaucoup de galettes de prog Metal.

Album : What Kind of Creature am I ? Artiste : Toehider Année : 2014 Pays : Australie Genre : Metal/Rock Progressif avec éléments Glam Rock, Punk, Folk, Alternative... A écouter : En dévalant en skateboard un cahier de coloriage jusqu'au cinq de trèfle à quatre feuilles A3 Mousquetaires intermarché de Noël.

Australie !

Voici le dernier album d'un artiste si talentueux, si prometteur et si créatif que le fait qu'il soit si peu connu est complètement absurde, presque autant que le personnage lui-même, j'ai nommé Michael Mills, plus connu sous le nom de son groupe, Toehider, le dissimulateur d'orteils.

Toehider, c'est donc un groupe mais avant tout ce mec, Michael Mills (rien à voir avec le bassiste de R.E.M), qui a commencé fort sa carrière en se lançant le défi de sortir un EP par mois pendant un an, ce qui aurait pu être un échec total mais s'est révélé être un véritable manifeste de la créativité et de la folie de ce type. Je vais un peu beaucoup tergiverser sur ce projet appelé sobrement 12 EPs in 12 Months parce que je pense qu'il est important pour comprendre la mentalité de ce groupe. Ce projet s'est déroulé de 2009 à 2010 et il contient les EP suivants, accrochez vous :

-Mai : Toe Hider, un EP (presque) éponyme assez puissant qui montre bien le style rock progressif déjanté, mêlé d'influances de Queen et de Punk que développera Toehider par la suite. -Juin : Not Much of a Man, un émouvant EP acoustique allant de la ballade romantique au folk, enregistré en grande partie en une seule prise. -Juillet : Old Old Old, constitué de chansons qu'on jurerai composées par Deep Purple, les Beatles ou Queen, montrant bien le génie de composition de ce virtuose Australien (mon EP préféré) -Août : Toehider Too ! Un autre EP dans le style de Toehider, exploitant d'avantage le coté Metal Prog et psychédélique -Septembre : How Did Counterquistle Lost His Pyjamas, un conte musical façon Pierre et le Loup complètement absurde et plein de petites pépites musicale au violon et au piano. -Octobre : Metaltarsus, un EP Metal allant du Heavy au Grindcore en passant par le Power Metal, le tout bourré d'ironie et de clichés sur ces genres. -Novembre : In All Honesty, un EP de rock « commercial » franchement sympathique si on arrive à passer le premier couplet de la première chanson, saturé d’auto-thune. -Décembre : Under the Mistletoe, l'inévitable EP de Noël, explorant différentes façons de créer une musique de Noël, de la petite ballade gentille à la chanson Heavy en passant par du pur style Toehider, c'est sans doute le meilleur album de Noël que j'ai jamais entendu. -Janvier : 9, un EP Post Rock instrumental aux chansons sans nom. Malgré quelques passages sympathiques, on s'emmerde un peu dans celui là. -Février : Do you  Believe in Monsters, un autre EP dans le style de Toehider et tout en puissance. -Mars : Never Mind the Hallux, un EP très punk qui se fout pas de la gueule du monde et pourrait avoir été composé par The Offspring. -Avril : Done and Dusted, une longue piste de près de 20 minutes brillamment composée qui retrace le parcours de ces 12 EPs et ou Mike se la pète allègrement, mais faut avouer qu'il y a de quoi.

Voilà, vous l'aurez compris, avec ces 12 EPs, ces 67 chansons, ces 4h30 de musique réalisées en à peine un an ainsi qu'avec la diversité des genre abordés dans ces EPs qu'on est face à un artiste qui touche à tout, et souvent. Après cet ambitieux projet, Toehider a sorti en 2011 un album simple, To Hide Her, un peu décevant par rapport à 12in12 puis vient l'album qui nous intéresse aujourd'hui, What Kind of Creature am I ?

Il me semble que, cette fois ci, malgré sa durée relativement courte comparée à l'étonnante productivité qu'on connaît à l'artiste, cet album ait réussi à combiner toute la puissance, toute la diversité et toute la qualité de composition qui faisait la force des les 12 EPs afin d'obtenir un résultat encore plus démentiel, puissant et inattendu ! Du Queen sous [insérer drogue quelconque ici] titraient les quelques articles qui ont couvert la sortie de cette galette, on comprend bien la référence vu le concentré d'énergie, la voix si Mercuriesque, les multiples références à des classiques et les éléments totalement novateurs qu'on y trouve.

Ça groove, ça swing, ça rock, sans aucune fausse note, c'est à la fois extrêmement accrocheur et pop tout en étant prog à souhait, pas forcément dans la durée ou la complexité des composition (exepté Meet the Sloth et se 13 minutes) mais plutôt dans les mélanges de sonorités et, à l'occasion, les rythmiques improbables. On a donc au résultat un Metal Progressif très accessible (aussi bien pour les non fans de Prog que pour les non fans de Metal) et dont chaque nouvelle chanson est une réelle et bonne surprise.

C'est aussi et surtout bourré d'humour, les paroles manquent cruellement de sérieux et varient entre la blague potache et l'absurde, la plupart des chansons évoquent des créatures étranges comme l'indique le titre mais aucune prétention de concept-album n'est cachée derrière. Cela fait vraiment plaisir d'entendre que l'on peut faire du rock progressif sans endosser tous les clichés de sérieux et de complexité qui vont avec. D'ailleurs, même la mélodie est pleine de dérision : qu'est ce que c'est que ce refrain hyper accrocheur dans la chanson Whoa entre les paroles glauques des couplets ? Et qu'est-ce que c'est que cette chanson Brutal Death/Grindcore qui parle d'oies garou à la fin de l'album, juste après une piste de 13 minutes qui termine en grâce et en douceur ?