#rethinkingconceptualism

The cultural magazine Amauta was founded and directed by Peruvian writer, journalist and politician José Carlos Mariátegui. The magazine collected contributions from intellectuals of the Peruvian avant-garde of the time and was responsible for disseminating the indigenist movement. It also introduced in Peru the Latin American avant-garde, as well as different European currents of thought and artistic movements of the time (psychoanalysis, surrealism, cubism, futurism or the new Russian narrative). 32 issues were published in its four years of existence (1926-1930) and it was distributed both nationally and internationally. 

Among its local collaborators were Peruvian intellectuals and artists from different regions of the country, such as the indigenists: the artist José Sabogal and Julia Condesido (Lima), the historian and anthropologist Luis Eduardo Valcárcel (Cusco), the poets Alejandro Peralta (Puno) and César Atahualpa Rodríguez (Arequipa), and the writer and poet Enrique López Albújar (Piura). In addition, the politician Víctor Raúl Haya de la Torre (La Libertad), founder of the American Popular Revolutionary Alliance (APRA), collaborated from exile. Among his international contributors were Filippo Tommaso Marinetti, Jorge Luis Borges, Miguel de Unamuno, André Breton and Diego Rivera.

Peruvian art historian Natalia Majluf co-curated with Beverly Adams (Blanton Museum of Art) the exhibition The Avant-garde Networks of Amauta: Argentina, Mexico, and Peru in the 1920s, which was presented at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) (February 27-May 27, 2019) in Madrid, with stations at the Museo de Arte de Lima (MALI) (June 21-September 22, 2019) and the Blanton Museum of Art at the University of Texas at Austin (February 16-August 30, 2020). The press release of MNCARS highlights the following:

“The project questions the binary oppositions between nationalism and internationalism, localism and cosmopolitanism, criollismo and indigenismo, or tradition and modernity that have so far organised the discussion on this period. The magazine reflects a less dogmatic and polarized reality. (…)

In the same way, even today the group of indigenist painters led by José Sabogal is seen from the perspective imposed by the modernists of the 1930s and 1940s, who labeled these artists as traditionalists, excluding them from their particular historical narrative of modernity. The exhibition not only recovers indigenism to the field of the avant-garde, but – more broadly – it applies Amauta’s pluralistic gaze to rethink Latin American art of this period.”

The José Carlos Mariátegui Archive has digitised the magazine, that you can download here >>

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La revista cultural Amauta fue fundada y dirigida por el escritor, periodista y político peruano José Carlos Mariátegui. La revista recogió contribuciones de intelectuales de la vanguardia peruana de aquel entonces y se encargó de difundir el movimiento indigenista. Asimismo, introdujo en el Perú el pensamiento de vanguardia en Latinoamérica, así como distintas corrientes de pensamiento y movimientos artísticos europeos del momento (el psicoanálisis, el surrealismo, el cubismo, el futurismo o la nueva narrativa rusa). En sus cuatro años de existencia (1926-1930) se publicaron 32 ejemplares y tuvo una distribución tanto nacional como internacional. 

Entre sus colaboradores locales destacan intelectuales y artistas peruanxs provenientes de distintas regiones del país, tales como lxs indigenistas: el artista José Sabogal y Julia Condesido (Lima), el historiador y antropólogo Luis Eduardo Valcárcel (Cusco), los poetas Alejandro Peralta (Puno) y César Atahualpa Rodríguez (Arequipa), y el escritor y poeta Enrique López Albújar (Piura). Además, colaboró desde el exilio el político Víctor Raúl Haya de la Torre (La Libertad), fundador de la Alianza Popular Revolucionaria Americana (APRA). Entre sus colaboradores internacionales se encuentran Filippo Tommaso Marinetti, Jorge Luis Borges, Miguel de Unamuno, André Breton y Diego Rivera. 

La historiadora del arte peruana Natalia Majluf co-curó con Beverly Adams (Blanton Museum of Art) la exposición Redes de vanguardia. Amauta y América Latina, 1926-1930, que fue presentada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) (27 de febrero al 27 de mayo de 2019) en Madrid, con estaciones en el Museo de Arte de Lima (MALI) (21 de junio al 22 de septiembre de 2019) y el Blanton Museum of Art de la Universidad de Texas en Austin (16 de febrero al 30 de agosto de 2020). El dossier de prensa del MNCARS destaca lo siguiente:

“El proyecto cuestiona las oposiciones binarias entre nacionalismo e internacionalismo, localismo y cosmopolitismo, criollismo e indigenismo, o tradición y modernidad que han organizado hasta ahora la discusión sobre el período. La  revista refleja una realidad menos dogmática y polarizada. (…)

De la misma forma, todavía hoy el grupo de pintores indigenistas liderado por José Sabogal es visto desde la perspectiva que impusieron los modernistas de los años treinta y cuarenta, quienes calificaron a estos artistas como tradicionalistas, excluyéndolos de su particular narrativa histórica de la modernidad. La exposición no sólo recupera el indigenismo para el campo de la vanguardia, sino que, de forma más amplia, aplica la mirada plural de Amauta para repensar el arte de América Latina de este período.”

El Archivo José Carlos Mariátegui ha digitalizado la revista, la cual pueden descargar aquí >>

In her article “Brazilian Modernism: Feminism in Disguise”, published in Frieze Masters, issue 7, 2018, with the title ‘Feminism in Disguise’, Claudia Calirman explains how women artists played a crucial role in the development of the arts in Brazil. During Brazil’s dictatorship (1964-1985), some of them created strategies to challenge both the repressive regime and the patriarchal structures.

According to Calirman:

“The 1960s saw an explosion of great women artists such as Lygia Clark, Anna Bella Geiger, Anna Maria Maiolino, Lygia Pape, Wanda Pimentel and Letícia Parente, among many others.

(…) many artists resisted being labelled as ‘feminists’ since it was perceived as limiting one’s artistic significance or, even worse, as being divisive and counterproductive. (…) Though many canonical works by leading female artists questioned assumptions around gender, their attempts to explore or respond to feminist issues were often disguised or hidden.”

Despite this, “they forged new ways of representing women’s subjectivities and – even if they did not label themselves feminists – conceived a particular form of feminism unique to their country at a critical historical juncture.”

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En su artículo “Brazilian Modernism: Feminism in Disguise”, publicado en la revista Frieze Masters, n° 7, 2018, bajo el título ‘Feminism in Disguise’, Claudia Calirman explica cómo las mujeres artistas desempeñaron un papel importante en el desarrollo de las artes en Brasil. Durante la dictadura (1964-1985), algunas de ellas crearon estrategias que desafiaron el régimen represivo y las estructuras patriarcales.

Según Calirman:

“Durante los años sesenta hubo una explosión de grandes mujeres artistas, tales como Lygia Clark, Anna Bella Geiger, Anna Maria Maiolino, Lygia Pape, Wanda Pimentel y Letícia Parente, entre muchas otras.

(...) muchas artistas se resistieron a ser etiquetadas como ‘feministas’ ya que lo percibían como una limitación de la importancia artística de cada una o, peor aún, como algo divisivo y contraproducente. (…) A pesar de que muchas obras canónicas de destacadas mujeres artistas cuestionaban los supuestos en torno al género, sus intentos de explorar o responder a temas feministas a menudo fueron disfrazados u ocultados.”

Sin embargo, “forjaron nuevas formas de representar las subjetividades de las mujeres y – aunque no se autodenominaron feministas – concibieron una forma particular de feminismo única en su país, en el contexto de una coyuntura histórica crítica.”

Although things have been changing in the last years, history of art has generally been written from a European or U.S.-American perspective. This situation has led to understand other art histories as derivative from the Euro-American canon. But, what happens if a European artist has been appropriating ideas from artists from other non-European latitudes? In her essay “La rivoluzione siamo noi: Latin American Artists in Critical Dialogue with Joseph Beuys, Katarzyna Cytlak” explores this topic, focusing on works by Joseph Beuys and his experience in Latin America. Beuys, considered one of the most famous German artists, has been celebrated for his “ecological works.” However, some of these ideas did not stem from his imagination, but were influenced by the ones of his Argentine peers, notably the works by Nicolás García Uriburu and Víctor Grippo.

As Katarzyna Cytlak noted:

“In the last years of his life, Joseph Beuys became interested in Latin American art as he reinforced his discourse on ecology. His collaboration with Nicolás García Uriburu reproduces the schema of the colonial power relationship, as the Argentinian artist is never officially mentioned in documentations of their actions. Beuys’s works from the mid 1980s, shortly before his death in 1986, could be described as derivative of Víctor Grippo’s and García Uriburu’s artworks.”

This essay not only shows that history needs to be rewritten. It also sheds light on the simultaneity of artistic explorations that were taking place in different parts of the world. To contrast the idea of derivative art, the works examined in this text indicate that Latin American artists had their own explorations, without having to adhere to what was coming from other latitudes.

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Aunque las cosas han ido cambiando en los últimos años, la historia del arte se ha escrito generalmente desde una perspectiva europea o estadounidense. Esta situación ha llevado a entender otras historias del arte como derivadas del canon euro-americano. Sin embargo, ¿qué es lo que sucedería si un artista europeo se apropiara de las ideas de artistas de otras latitudes, no europeas? En su ensayo “La rivoluzione siamo noi: Latin American Artists in Critical Dialogue with Joseph Beuys” (La rivoluzione siamo noi: Artistas latinoamericanos en diálogo crítico con Joseph Beuys), Katarzyna Cytlak analiza este tema, centrándose en las obras de Joseph Beuys y su experiencia en América Latina. Beuys, considerado uno de los artistas alemanes más famosos, ha sido celebrado por sus “obras ecológicas”. No obstante, algunas de estas ideas no surgieron de su imaginación, sino que fueron influenciadas por la de sus pares argentinos, entre las que destacan las obras de Nicolás García Uriburu y Víctor Grippo.

Como señala Katarzyna Cytlak:

“En los últimos años de su vida, Joseph Beuys se interesó por el arte latinoamericano al reforzar su discurso sobre la ecología. Su colaboración con Nicolás García Uriburu reproduce el esquema de la relación de poder colonial, ya que el artista argentino nunca fue mencionado oficialmente en las documentaciones de sus acciones. Las obras de Beuys de mediados de la década de 1980, poco antes de su muerte en 1986, podrían describirse como derivadas de las obras de Víctor Grippo y García Uriburu”.

Este ensayo no sólo muestra que es necesario reescribir la historia. También arroja luz sobre la simultaneidad de exploraciones artísticas que se dieron en distintas partes del mundo. Para contrastar la idea de arte derivado, las obras discutidas en este texto muestran que varixs artistas latinoamericanxs realizaron sus propias exploraciones, sin tener que adherirse a lo que venía de otras latitudes.

Katarzyna Cytlak, “La rivoluzione siamo noi: Latin American Artists in Critical Dialogue with Joseph Beuys,” Third Text, vol. 30, n° 5–6, (2016): 346-367.

Click here to read the full essay / Clica aquí para leer el ensayo completo

Buchpräsentation: Lena Geuer “Arte argentino - Ästhetik und Identitätsnarrative in der argentinischen Kunst”

26. Mai 2023, 18.30 Uhr in Andenbuch, Berlin

Die Monografie "Arte argentino – Ästhetik und Identitätsnarrative in der argentinischen Kunst. Ausgewählte Arbeiten von Marta Minujín und Luis Felipe Noé" von Lena Geuer erschien 2022 im transcript Verlag. Das Buch liefert für den deutschsprachigen Raum eine erste umfassende Studie, die den Begriff der ‚arte argentino‘ mittels postkolonialer und sinnlich-materieller Ansätze kritisch durchleuchtet. So hat die Autorin das Verhältnis zwischen Eigenem und Fremdem in Hinblick auf Identitätsnarrative in der künstlerischen Praxis sowie in der nationalen und geopolitischen Aneignung von Kunst ausführlich untersucht.

In den 1960er und 1970er Jahren lebten Marta Minujín und Luis Felipe Noé in den internationalen Kunstmetropolen Paris und New York, bevor sie in den 1980er Jahren nach Buenos Aires zurückkehrten. Die Künstler:innen haben die global vernetze Kunstrezeption ab den 1960er Jahren durch ihre Arbeiten mitgestaltet und nachhaltig geprägt. Vor dem Hintergrund der Global Art History widmet sich die Studie auch eurozentrischen Narrative in der Kunstgeschichtsschreibung, die durch das Potenzial der ‚arte argentino‘ dekonstruiert und in transkulturelle Erzählungen transformiert werden konnten.

Die Veranstaltung findet in deutscher Sprache statt, mit einer kurzen Einführung in spanischer Sprache.

Moderation: Katerina Valdivia Bruch

Buchhandlung und Kulturraum Andenbuch, Bergmannstr. 59 (im Hof), 10961 Berlin

Víctor Vich, one of the speakers of the symposium “Rethinking Conceptualism,” held last year, has contributed to LA ESCUELA with the essay New Pedagogies: Art Practices and Citizen Activism in Peru on three civil initiatives, that suggest “new ways of approaching history, our relationship with heritage, and linguistic diversity.” These examples of civic activism show how much one can learn from schools working with art collectives that are encouraging new ways to address pedagogy.

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Víctor Vich, uno de los ponentes del simposio “Repensando el conceptualismo”, que tuvo lugar el año pasado, ha escrito el ensayo Nuevas pedagogías: prácticas del arte y del activismo ciudadano en el Perú para la LA ESCUELA. El artículo trata sobre tres iniciativas civiles, que sugieren “nuevas formas de abordar la historia, nuestra relación con el patrimonio y la diversidad lingüística.” Estos ejemplos de activismo civil muestran lo mucho que se puede aprender del trabajo entre colectivos escolares y artísticos, que proponen nuevas formas de abordar la pedagogía.

Online Reading Session # 13: Francine Birbragher-Rozencwaig “Essays on 20th Century Latin American Art”

17 November 2022, 18:00 h (GMT +1) via Zoom

Invited guest: Francine Birbragher-Rozencwaig, PhD

In this session, we will discuss a selection of essays on Central American and Caribbean art, art and politics in the 1960s and 1980s, and the carnival in Latin America.

Abstract of the publication:

“Essays on 20th Century Latin American Art” (New York, NY: Routledge, 2022) provides a broad synthesis of the subject through short chapters illustrated with reproductions of iconic works by artists who have made significant contributions to art and society. Designed as a teaching tool for non-art historians, the book's purpose is to introduce these important artists within a new scholarly context and recognize their accomplishments with those of others beyond the Americas and the Caribbean. The publication provides an in-depth analysis of topics such as political issues in Latin American art and art and popular culture, introducing views on artists and art-related issues that have rarely been addressed. Organized both regionally and thematically, it takes a unique approach to the exploration of art in the Americas, beginning with discussions of Modernism and Abstraction, followed by a chapter on art and politics from the 1960s to the 1980s. The author covers Spanish-speaking Central America and the Caribbean, regions not usually addressed in Latin American art history surveys. The chapter on Carnival as an expression of popular culture is a particularly valuable addition. This book will be of interest to students and scholars of Latin American history, culture, art, international relations, gender studies, and sociology, as well as Caribbean studies.

Biography of the author:

FRANCINE BIRBRAGHER-ROZENCWAIG is an art historian, independent curator, and writer. She holds a master's degree in art history and a doctorate in Latin American history from the University of Miami. She is an editor and contributor to ArtNexus magazine. Since 1989 she has been writing about contemporary art with an emphasis on Latin America and the Caribbean. As an independent curator, she has organized more than one hundred exhibitions in the United States and Latin America. She is the author of Essays on Latin American Art of the 20th Century (Routledge, 2022). She currently works on projects that question the limits between "high art" and "popular art," analyze gender and sexual identity issues, and suggest new historical readings from artistic expressions. She is co-curator with Juan Canela of the 23rd edition of the Bienal de Arte Paiz, which will take place in Guatemala in 2023.

The session will be held in English.

Limited number of spaces available. Registrations are free of charge and available via Eventbrite.

Artistic presentation “Between Personal Chronicles and Collective Memory: Artistic Perspectives on Memory, Oral History and Resistance from the Latin American Diaspora in Berlin.”

13 October 2022, 13.30 h (Bogotá), 20.30 h (Berlin), via Zoom

Participants: Katerina Valdivia Bruch, Daniela Lehmann Carrasco and María Linares

The event is part of the programme of the First Meeting of the Latin American Regional Group of the Memory Studies Association, held in Bogotá (in presence and online).

In this talk, Katerina Valdivia Bruch will speak about what inspired her to develop the exhibition Between Personal Chronicles and Collective Memory, and included a brief introduction to the exhibition.

The talk will continue with the participation of the artist Daniela Lehmann Carrasco, who will present her long term project on her family history, based on autoethnographic walks. Through these walks, the artist reflects on her family's memories and migrations (from Germany to Chile and from Chile to Germany) in two historical periods, the Second World War and the Pinochet dictatorship.

Arts & Conversation "Despatriarcalizar el archivo" con Karen Cordero Reiman, Natalia de la Rosa y Roselin Rodríguez

28 de julio de 2022, 18:00 (GMT +2) vía Zoom

Hay muchas maneras de trabajar con archivos de arte o de artistas. Una forma de hacerlo es tomando una postura crítica de acercamiento desde una perspectiva que desafíe al patriarcado. Sobre éste y otros temas hablaremos en nuestra sesión “Arts & Conversation” (Arte y conversación) con nuestras invitadas Karen Cordero Reiman, Natalia de la Rosa y Roselin Rodríguez, integrantes del seminario y taller “Despatriarcalizar el archivo” en Ciudad de México. Sobre Despatriarcalizar el archivoEl seminario y taller Despatriarcalizar el archivo es un grupo de trabajo formado desde febrero 2020, que reúne a investigadorxs diversxs – historiadores del arte, artistas visuales, antropólogxs y escritorxs, entre otrxs – con el fin de compartir experiencias y construir estrategias comunes para analizar y proponer alternativas a los “modelos patriarcales ligados a ejercicios de poder en el campo de la cultura y del arte”. Desde entonces, se ha convertido en una iniciativa colectiva que ha consolidado una primera etapa de reflexión y creación en este sentido, y que ha compartido este proceso y sus resultados iniciales en publicaciones en línea, conferencias y talleres.

Coordinación y moderación: Katerina Valdivia Bruch

Con la colaboración de Sara Vakili (Universidad de Tubinga, Departmento de Cultura y Literatura Inglesa & Estudios del Sur Global).

El evento será en español.