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O produtor e DJ Nel’Assassin estreou-se este ano como Niles Mavis, nome que resulta de um inteligente trocadilho com o nome de um dos maiores músicos de jazz Miles Davis. Niles é a sua mais recente identidade de uma carreira de personalidade camaleónica: Nelson Duarte é também DJ Assassino e Sr. Alfaiate. Mestre na arte do corte e costura musical, o seu primeiro álbum foi lançado há doze anos e desde então que conta com uma carreira repleta de colaborações e trabalhos de originais. Após uma actuação incrível na 30ª edição do Sofar Sounds Lisbon, acompanhado por um ensemble de topo, fomos falar com o Sr. Alfaiate sobre o disco novo e as influências antigas. 

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon? Ainda agora acabei mas acho que foi tão bom que é delicado para mim descrever agora. Mas mega positivo. Acho que nunca fiz concertos tão intimistas, acontecem sempre em palcos ou em night clubs, assim é mesmo diferente. Sou fã do Sofar.

Este ano lançaste-te como Niles Mavis, sendo que ao longo da tua carreira te tens vindo a assumir sob diversos nomes. Porquê esta diversidade de alter-egos? E quem é o Niles Mavis? Eu não consigo explicar bem, faço as coisas porque sinto que as tenho de fazer. Eu lido com os discos e com as edições como lido com a música dentro de estúdio, de forma espontânea e quero que seja assim sempre. Niles Mavis porque o jazz é capaz de ser a minha maior influência musical e acho que é preciso valorizar mais os oldies, a origem de tudo o que se passa agora. É um bocado uma homenagem aos grandes músicos, desde o James Brown ao Miles Davis.

Lançaste o teu álbum como Niles este ano, com todas as faixas produzidas e escritas por ti, sendo que tem uma aura jazzística e soul que nos transporta para o Bronx nos anos 80 e 90. Fala-nos um pouco sobre este disco e das suas inspirações.

Durante o processo do álbum tive de fazer viagens, fui a vários países e levo sempre o meu estúdio ambulante comigo. Nos hotéis, comecei a produzir este disco em sítios diferentes, ambientes diferentes, países diferentes. Houve temas que foram produzidos aqui, outros no Brasil, Estados Unidos e em vários países da Europa, então acho que ganha um conteúdo muito interessante e também importante para ti próprio. Acho que ter estado em vários países foi a grande influência mas musicalmente, como já te tinha dito, James Brown, soul antigo e o funk, a One Thing Clear, um dos temas do álbum, é assim mais electrónico, por exemplo. Não gosto de me focar só numa coisa, se a minha mente e o meu coração me pedem para fazer mais coisas e se tenho capacidade de as fazer então vou fazê-las. É como os nomes: Nel’Assassin foi o meu primeiro nome como DJ e Sr. Alfaiate faz sentido para mim porque surge como o nerd do estúdio a cortar waves e agora Niles Mavis com este álbum.

E na Pushin, um dos temas preferidos do álbum para nós, fazes uma homenagem incrível às Salt N’ Pepa também, com o refrão do tema Push it.

E era para meter um sample das Salt N’ Pepa mas esse tema da Salt N’ Pepa é uma grande influência, sem dúvida.

Que disco nunca falha quando actuas? Há vários que não podem falhar, mas posso dizer que a Saturdays [A Roller Skating Jam Named “Saturdays”] dos De La Soul.

Já contas com uma carreira longa na arte do djing e do scratch, por isso tens acompanhado de perto as suas mudanças em Portugal. Sentes que o papel do DJ tem vindo a ser cada vez mais reconhecido cá? Sem dúvida que tem, as coisas evoluíram e a internet ajudou. Venho de uma altura em que a internet já existia mas era tudo em vinil e não em digital, e o digital permite fazer várias coisas. O scratch está a evoluir bastante e a minha intenção desde o início foi essa, que houvesse pessoas que me entendessem e que levassem o legado para a frente como eu levei o legado dos outros que estavam atrás de mim, como o Stereossauro ou DJ Ride. Podia referir vários nomes, tenho uns 10 que considero que são importantes na cultura e que apesar de terem vindo depois de mim eu estou muito atento ao trabalho deles porque sozinho não se consegue fazer nada. É como se fosse uma team dispersa.

Entrevista: Inês Henriques e Filipa de Sousa

“Samuel Úria é o nome artístico de Samuel Úria”. O cantautor de Tondela começou o seu percurso na FlorCaveira, uma das mais distintas editoras independentes portuguesas. Com quinze anos de carreira, Samuel Úria conta com uma mão cheia de álbuns de originais, fora os lançados noutras colaborações, sendo que o seu mais recente trabalho é o Carga de Ombro (2016). Letrista exímio, responsável por alguns dos melhores versos cantados na língua portuguesa, Samuel Úria é blues, folk e rock no seu estado mais virtuoso. Após uma actuação arrebatadora no Sofar Sounds Lisbon, falámos com o músico sobre o seu mais recente trabalho, o processo de composição como exercício de auto-crítica e o panorama da música nacional actual.

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon? 

Foi óptimo. Confesso que mandei uma mensagem ao meu manager hoje a dizer que estava a chover e que as pessoas não iam sair de casa. Estava um ambiente incrível, mesmo acolhedor, e ver de repente a sala a encher foi muito bom. Gostei muito de ver os músicos que me precederam, Medeiros/Lucas, que já estava à espera de ver há muito tempo, como também a Lince e o Orlando. Foi mesmo muito bom. 

O Carga de Ombro (2016) é um disco com um ênfase grande no tom autobiográfico, com uma abordagem introspectiva que resulta, entre outras coisas, num conjunto de anotações dirigidas ao “eu” das canções. Já lhe chamaram o teu “Carrie & Lowell”. Fala-nos um pouco deste álbum e do seu processo de composição.

O processo de composição é sempre um bocado autista, até porque eu não quero chatear as pessoas nem estar a pisar calos quando estou a fazer músicas. Nesse sentido, os discos são irremediavelmente autobiográficos, até porque a matéria-prima que está mais à mão é a minha. Mas normalmente não são exercícios de ego, são mais exercícios de auto-crítica, apesar de achar que as lições que estou a retirar para mim próprio podem ser úteis para alguém, assim uma pessoa em mil que um dia consiga compreender mais ou menos os recados que eu estou a dar para mim. É uma bagagem que está sempre um bocado presente quando estou a compor: as minhas composições para mim próprio com o crivo de tudo o que eu acho que podia melhorar e que podia dar mais vezes a mão à palmatória. 

Isso está sempre presente e não é só por achar que me é conveniente estar a dar uma ensaboadela. Em termos criativos, ajuda partir desse ponto em que eu tenho a certeza que existem coisas que eu tenho de corrigir na minha vida, ajuda quando tenho uma folha branca à frente saber que vai ter de aparecer alguma coisa, porque se não aparecer eu devo estar armado em bom a achar que não há nada que eu precise de melhorar. Isto pode parecer a coisa mais pedante para se dizer, mas o processo criativo fica sempre facilitado quando assumimos que temos de passar por uma prova de fogo de humildade e de achar que há coisas que têm de ser refeitas. Nesse sentido, acho que a inspiração não me falta porque os defeitos também não me faltam.

Os alinhamentos dos teus álbuns juntam um conjunto de imaginários sonoros diferentes (folk, pop, rock) que contribuem imenso para a atmosfera de cada tema. A construção de uma viagem com diversos universos sonoros é um desafio?

É, de facto, um desafio. Neste disco chamei para trabalhar comigo o Miguel Ferreira porque eu sabia que ele ia ampliar alguns universos musicais e ia aos sítios certos das coisas que eu sabia que queria e, por dificuldades ou por pequenez técnica, sobretudo em relação a teclados que não são propriamente uma coisa que eu domine tal como os sintetizadores, sabia que o Miguel ia ser um bom tradutor das minhas ideias e ia concretizá-las. Costumo dizer que podia ser uma “prótese” engraçada das minhas ideias. 

Mas isso não só é um desafio como também, às vezes, os discos funcionam como um reflexo da minha prateleira de discos que não é só de um estilo, e eu quando estou a pensar nas canções não quero ficar refém de dizerem “O Samuel Úria é um cantautor folk e faz voz e guitarra”. A voz e guitarra é-me útil porque há alguma desenvoltura em fazer canções à guitarra, mas depois também gosto que essas canções não fiquem estanques e não fiquem reféns desse esqueleto inicial, às vezes até para fugir das expectativas das pessoas que gostam de discos mais coesos. A coesão poderia servir, se calhar até teria melhores críticas ou um público mais fiel se fosse mais coeso na maneira como visto as minhas canções, mas eu ia aborrecer-me se tivesse que pensar num disco só num estilo. Um dia poderei fazer um disco em que o lado conceptual tem que ver com a própria estrutura musical e não com a identidade das canções ou das letras sobretudo, mas para já eu gosto que o lado conceptual tenha essa disparidade.

Se este disco passa por diferentes sons, influências e até mesmo diferentes volumes é porque se calhar a mensagem também passa por isso e gosto dessa paridade.

Mas mesmo com toda a diversidade, há uma linha que une tudo. 

Eu fico contente quando as pessoas me dizem isso. Quando estou a escrever e quando estou no processo de produção identifico essa linha que é comum a tudo, mas depois penso que se calhar as pessoas não vão entender qual é a linha comum ou vão achar que é uma mera manta de retalhos. Mas fico muito contente quando existe um reconhecimento dessa coesão.

A componente visual deste álbum está também muito forte, não só no que toca a capa mas também por causa das ilustrações para cada canção. Quem foi o autor as mesmas?

Fui eu. Eu sou forreta, então para não ter que pagar a um ilustrador chego-me à frente e complemento o próprio universo visual. Fica um produto muito centrado em mim, de facto, mas, lá está, também não me estou a tornar mais bonito na maneira como me desenho. Até nos desenhos que faço há uma auto-crítica que acho que é necessária. Isto não é auto-comiseração, é mesmo auto-crítica, não espero que as pessoas me venham dar palmadinhas nas costas e me digam que não é bem assim. Há a necessidade que esta auto-crítica seja um argumento de apresentação e na componente visual isso também acontece, e julgo que as pessoas vão perceber que não me estou a fazer de coitadinho, mas a auto-criticar-me. 

O movimento/editora FlorCaveira contribuiu muito para aquilo que é hoje o panorama musical português e influenciou o surgimento de outros colectivos Do It Yourself com muita qualidade. Enquanto membro da editora, sentes que foram essa alavanca que motivou muitos a fazerem música? 

Eu sinto isso quando sou confrontado, sobretudo com músicos mais novos que prezam esse legado. Quando nós o fazíamos, brincávamos muito e fingíamos que éramos os maiores porque isso era uma espécie de exercício de estilo, mas não acreditávamos mesmo naquilo. Até o resgate do português, de fazer pop português e a cena do Do it Yourself e do lo-fi, aquilo era tão feio, tão bruto e tão propositadamente tão mal produzido que brincávamos com esse pedantismo e achávamos que as outras pessoas ou nos iam detestar ou nos iam detestar. De facto, é uma surpresa não só quando há malta mais nova que de facto nos confronta com essas influências mas depois também quando há malta mais velha que anda cá há mais tempo e que consegue traçar um panorama do que é que foi feito nos últimos quinze anos da música nacional e refere a FlorCaveira atribuindo-lhe não só essa importância do DIY e de assumirmos as edições caseiras como discografias, mas também o lado muito forte de resgatar o português e de não menosprezá-lo. O português não era um mero veículo para as canções, muitas vezes as canções é que eram um veículo para o português. Sinto-me muito lisonjeado, honra-me que isso seja considerado como um patamar importante na música nacional quando isso para mim e para nós não era importante, era natural. 

O futuro da música portuguesa está em boas mãos? Qual foi a última banda nacional por quem te rendeste? 

Acho que o futuro da música portuguesa está em muito boas mãos. Agora, como nunca, tem havido quantidade e qualidade a acompanhar. É verdade que no meio da quantidade há coisas com as quais não simpatizo mas acho que têm aparecido muitas bandas boas. Nos anos 90, surgiram muitas bandas que queriam imitar os Ornatos Violeta e agora acho que há bandas que têm uma identidade muito própria e, claro que há muitos miúdos de que eu gosto, como o Éme e o Luís Severo. No caso do Severo, não é um disco de estreia porque ele tinha trabalhos como o Cão da Morte, mas o disco de estreia como Luís Severo é de uma maturidade que é inacreditável. E eu tenho de referir os Capitão Fausto. Nunca conheci malta que vivesse tanto a música como eles vivem. Vivem a música 24h por dia e ainda por cima vivem juntos, então estão sempre a pensar em maneiras de se destacarem a fazer música e a traduzirem tudo o que façam em música. O último disco deles é singular porque tens ali canções, não é só experimentalismo, e no meio de tanta experiência surgem canções muito boas. Gosto muito do disco.

Entrevista: Inês Henriques e Filipa de Sousa

Em 2010, com o álbum de estreia Dentro da Matriz, nasceu OMIRI, um projecto original onde se junta a música electrónica aos sons do folk. Vasco Ribeiro Casais é OMIRI e desdobra-se em vários instrumentos para criar uma experiência única. A acompanhar a gaita-de-foles, o cavaquinho ou até o bouzouki português estão vídeos que proporcionam a quem vê e ouve uma reinvenção da tradição completamente diferente do que já foi feito até agora. Depois de nos ter posto a dançar no concerto que deu no Sofar Sounds Lisbon, fomos saber mais sobre este projecto peculiar.

Como foi a experiência no Sofar Sounds Lisbon?

Foi muito boa. Na altura em que estou na minha carreira, normalmente fico sempre sem saber se as pessoas vão gostar ou não, ou que público é que vai. Sei que algumas pessoas já vão para me ver mas outras conhecem o projecto nos concertos e aqui já sabia que a maior parte das pessoas estava mesmo desligada daquilo que eu fazia, foi fixe ver a reacção das pessoas à minha música e à música portuguesa tocada desta maneira.

OMIRI traz o tradicional ao meio alternativo e mostra uma outra forma de fazer remixes. Como é que surgiu a ideia para este projecto?

Há 10 anos atrás, estava cansado das bandas e das negociações, então decidi fazer alguma coisa sozinho. Fiz este projecto e entretanto conheci o Tiago Pereira que é o realizador dos vídeos. Ele filmou-me para um vídeo que estava a realizar e, depois de falar com ele, disse-lhe que tínhamos de fazer alguma coisa juntos, o que resultou nisto. No início, fazíamo-lo com vídeos de dança contemporânea de Anne Teresa de Keersmaeker e de outros nomes deste meio, mas depois o Tiago começou A Música Portuguesa a Gostar Dela Própria e as gravações destes sons tradicionais. Um dia, ele passou-me os vídeos, eu disse-lhe que ia montar uma coisa com eles, fiz a electrónica do som com os vídeos e depois dessa montagem pensámos logo que isto é que funcionava. O Tiago tem a vida dele e os seus projectos, então deixou de estar ao vivo, mas continua a ser o responsável pelos vídeos. Agora, a ideia do projecto é pegar na tradição, pegar nos senhores, senhoras, meninos e meninas, pô-los no vídeo a tocar, fazer electrónica com isso e depois fazer um baile, porque isto é música de baile, não no sentido de bailarico da aldeia, mas no sentido dos bailes mais tradicionais, tipo o “Repasseado” e o “Malhão”. Às vezes até acontece um 3 em 1 nos concertos: estão os videos a passar, eu a tocar e as pessoas a fazer as coreografias, fora as que estão só a ver o espectáculo.

Como e onde é feita a recolha das imagens que são utilizadas nos concertos?

Há imagens de todo o território nacional, inclusive das ilhas. Eu não tenho um papel nessa parte da recolha, quem o faz é o Tiago Pereira, que me vai perguntando se preciso de mais vídeos. Depois de me passar os vídeos que preciso eu trabalho sobre eles.

Sendo que, na tua música, recorres a estes registos visuais, como é que funciona todo o processo criativo de compor temas?

Há uma coisa que condiciona o processo à partida e que podia ser mais fácil para mim se não tivesse essa componente: a questão do baile. Por exemplo, eu penso que vou fazer um “Repasseado”, que tem uma estrutura certa de oito compassos a frase A, repete-se esta frase e depois a frase B tem mais oito compassos num tempo de 2 por 4, com uma batida e balança certos. Isto condiciona logo tudo porque a música tem de ser assim, tem esta estrutura fixa. A minha ideia era fazer isto com aquele power dos DJs e comigo a tocar com os velhotes na mesma. No entanto, sem querer entrar por entrar por questões muito técnicas, como grande parte da música tradicional funciona em compassos ternários e não quaternários [passíveis de ter uma batida mais forte], isso torna mais difícil ter aquele groove que puxa logo as pessoas. Isto é um desafio mas, quando começa a soar bem, soa mesmo de maneira diferente, não é possível comparar a esta ou aquela música porque a base é, desde logo, diferente. Portanto, a componente que me baliza também é a que faz com a que a coisa seja diferente.

Como é que as pessoas que são filmadas reagem a estes remixes das músicas populares que eles conhecem desde sempre assim?

Normalmente, principalmente as pessoas mais velhas, adoram, ficam mesmo contentes. Por exemplo, há um vídeo que surgiu quando eu fui fazer um concerto e os organizadores me falaram de uma senhora local que podia ser interessante participar no projecto, então eu fiz a canção com ela. Depois, convidaram a senhora para ver o concerto e vi que estava contentíssima. Já me aconteceu também uma vez ter uma sobrinha de uma senhora que participou e que, quando a reconheceu, disse logo que a tia dela não tinha autorizado isto, estava indignada e também estava um bocado tocada, na verdade. Por outro lado, uma das senhoras dos vídeos é a avó da minha mulher, falei com ela e ela concordou em filmar, depois quando se viu ficou muito contente. No geral, sentem muito orgulho em verem-se numa coisa nova.

Já tens um álbum como OMIRI, O Dentro da Matriz (2010). Está nos teus planos lançar um novo disco em breve?

Sim, eu tenho um segundo álbum pronto e já o podia ter lançado, mas agora trata-se de uma questão de estratégia porque ainda estamos a negociar algumas coisas lá fora e com editoras. O disco sai na Primavera de 2018, mas ao longo de 2017 vão sair vários singles, um por trimestre.

Reportagem: Inês Henriques e Filipa de Sousa

The Loafing Heroes são uma banda multinacional que começou com o irlandês Bartholomew Ryan (voz e guitarra) em Berlim e acabou por estabelecer-se em Portugal. A Bartholomew juntaram-se Giulia Gallina (voz, piano e concertina), João Tordo (contrabaixo), Jaime McGill (baixo clarinete), Judith Retzlik (trompete e violino) e João Abreu (percussão) para formarem esta “Sociedade das Nações da Música”. Vindos de vários países, estes heróis vagabundos contam-nos histórias em acústico folk e abrigam-nos em sítios livres e serenos. Falámos com Bartholomew e Giulia sobre Baron in the Trees (2016), o último álbum lançado pelo grupo, a formação da banda e o futuro da Europa.

Como foi a experiência de tocar no Sofar Sounds Lisbon?

Giulia: Eu gostei muito do ambiente e do jardim, não estava à espera de um sítio tão acolhedor, mesmo para respirar o verão. Ficamos inspirados. Foi muito bom.

Bartholomew: Gosto desta ideia dos concertos secretos. Não sabia nada sobre este conceito e achei foi muito bom. Foi uma surpresa para nós também porque só soubemos onde íamos tocar 24h antes do concerto. Foi muito bom. O público era muito diferente.

Como é que ocorreu este encontro de pessoas com tantas nacionalidades diferentes aqui em Portugal acabando na formação dos The Loafing Heroes?

Bartholomew: Muito naturalmente porque começo este projecto quando estava em Berlim e estava a escrever canções e encontrei o Jaime, uma pessoa da Alemanha e outra Americana, começamos a tocar e gravamos três álbuns juntos, mas depois fui viver para Portugal há quatro anos e o Jaime (baixo clarinete) continuou a tocar comigo mas depois encontrei outras pessoas como a Giulia e o João e Judith no violino. Então este grupo está sempre a viver sobre o mesmo nome e o tema e escrevo muitas canções. A banda pode sobreviver por causa da nossa flexibilidade, então temos um grupo muito internacional.

Giullia: Eu cheguei a Lisboa há seis anos, estava a tocar com outro projecto mas depois encontrei os Loafing Heroes há três anos e foi muito natural, juntamo-nos, temos gostos em comum, foi muito bom.

Bartholomew: E temos trabalhos muito flexíveis. Eu sou escritor e académico, o João é escritor, o Jaime é tradutor, a Giullia é interprete, a Judith é uma música da Alemanha então podemos fazer as diferentes coisas. vimos todos de vários sítios, mas a casa é sempre Portugal.

O vosso último disco Baron in The Trees (2016) foi buscar inspiração a um livro de Italo Calvino, um barão que, num acto de revolta contra a sociedade, decide subir a uma árvore e nunca mais desce. Falem-nos um pouco sobre este álbum. Pretendem mostrar essa busca da liberdade num qualquer outro lado tal como o barão?

Giulia: Sim, ficámos muito inspirados por esta história do Barão Trepador, gostamos muito do Italo Calvino bem como da ideia de este barão se recusar mesmo a adaptar-se à sociedade e decide muito novo subir a uma árvore e nunca mais descer. Para nós, este álbum é uma metáfora para expressar o nosso desejo de liberdade e de rebelião contra a sociedade em que tudo anda muito rápido e ninguém tem tempo para se concentrar em nada.

Bartholomew: E a banda chama-se The Loafing Heroes, loafing na perspectiva de errante, vagabundo e acho que o barão trepador tem isso também. Loafing não é no sentido de preguiçoso, tem mais que ver com imaginação e abrandar o ritmo. Acho que poesia e música sempre têm essa coisa e faz sentido juntá-las. Somos um grupo que gosta muito da palavra e música. As palavras são muito importantes também para pensar a música.

A literatura é uma influência grande na vossa música e está sempre presente no vosso acto de criação?

Bartholomew: Sim, muito, adoramos literatura. Poesia também, mas a poesia agora está um pouco fora de moda e acho que a música é uma boa forma de comunicar a poesia. A música é uma boa forma de ter uma conversa criativa tanto com os poetas como o público.

Li em vários artigos que vos chamavam a Sociedade das Nações da Música. Se fossem mesmo a Sociedade das Nações, que mensagem é que deixavam para o mundo?

Giulia: Eu começava por dizer: Europa Unida. Ficámos chocados com o que se passou com a Inglaterra e como nós representamos mesmo uma união de nacionalidades e somos, em primeiro lugar, europeus, deixo uma mensagem para que fiquem unidos. E criem música, literatura, poesia, qualquer coisa.

Bartholomew: Acho que prefiro o nome de cosmopolitismo. Vivemos uma cultura de medo, e é terrível, uma tragédia. Se vivemos com medo, a vida não é vivida. A Europa foi criada por causa da coragem para fazer coisas em comunidade e a música comunica fora de fronteiras. Podemos ouvir Zeca Afonso sem perceber as palavras mas perceber o sentido. A música tem este grande poder. No nosso caso, é bom sermos internacionais para a trocas de ideias. E claro que me considero muito mais Europeu que irlandês porque nos últimos doze anos vivi quatro anos na Dinamarca, quatro anos na Alemanha e agora quatros anos em Portugal. Viver em diferentes lugares ajudar a ser mais tolerante, a viver sem medo e o exemplo do que se passou na Inglaterra é um exemplo de medo e de má informação.

Texto: Inês Henriques

Surma é Débora Umbelino. Ou Débora Umbelino é Surma. Seja como for, estamos perante uma artista que transborda tanto talento como simpatia. Apenas com um single lançado, Maasai, o projecto desta one-woman band das teclas, do baixo, dos samplers e das loops stations é recente, mas já dá muito que falar, contando com inúmeros concertos por todo o país. Com uma sonoridade difícil de definir - e, na verdade, isso é o que menos importa -, Surma pretende transportar-nos para outra atmosfera através do seu universo musical. Depois do concerto incrível que deu na 21ª Edição do Sofar Sounds Lisbon, falámos com ela para saber mais sobre o seu processo criativo, o fascínio pela Islândia e projectos para o futuro.

Antes de mais, como foi a experiência no Sofar Sounds?

Foi fofinho... Eu já conhecia o conceito, via as bandas lá irem e só pensava que queria muito tocar lá, tanto que eu quando recebi o e-mail do João Alvarez fiquei mesmo muito feliz! Foi mesmo muito giro, o pessoal estar todo sentado, o ambiente foi mesmo acolhedor. Acho que nunca tinha tocado com pessoal assim tão perto, gostei imenso. Até me deu arrepios na primeira música, foi mesmo brutal.

Surma é uma espécie de alter-ego da Débora? As duas diferem muito?

Acho que a Surma é a Débora verdadeira, tanto que eu até sou um bocado tímida pessoalmente e acho que ponho tudo aquilo que quero ser da Débora na Surma. A Surma sou eu mesma, acho que é isso que posso dizer.

A tua sonoridade é difícil de definir, e essa dificuldade em encontrar um conceito torna tudo mais interessante porque nos aproxima muito mais da essência da música. O teu processo de criação vai neste sentido, procuras criar uma identidade sonora fluída, em que se vai descobrindo o caminho da música à medida que vai sendo composta? 

Eu não gosto mobilizar não só a minha música como todas as outras, não gosto dar um rótulo à música que se faz e no processo criativo é como tu disseste. É tudo muito fluído, não tem de ser pop ou rock, é o que me vem à cabeça no momento e, a partir daí, vou fazendo as músicas. Se vires um concerto meu hoje, passado três semanas as músicas já estão diferentes, estou sempre a mudar. Não consigo tocar as músicas de forma igual durante muito tempo. Não tenho uma coisa fixa na cabeça, é o que me vem no momento.

E quanto à escolha dos nomes que dás aos teus temas, há algum imaginário por trás deles?

Não sei, eu tenho uma “panca” pela Islândia e acho que vou muito por aí, tenho várias músicas com nomes islandeses. Tanto que o nome das músicas não têm nada a ver com as músicas em si, algumas nem têm nome. Lá está, penso nas coisas no momento e o nome das músicas vem sempre depois. Mas acho que é pela “panca” pela Islândia que escolho os nomes, vou por aí.

Disseste em várias entrevistas que, através da tua música, procuras que o pessoal se deixe levar para outros sítios. Para que dimensão sonora pretendes que sejamos transferidos?

É a dimensão surmatica, não sei. Quero que o pessoal se esqueça de tudo o que se passou no dia, na semana toda. Não sei explicar bem isto, mas quero que apaguem tudo o que têm na cabeça e fluam no concerto. Quero que fluam noutra atmosfera.

O jazz é um género que te acompanha há algum tempo e no jazz há liberdade para improvisar. Quando tocas o improviso é algo que está presente? Já te aconteceu estares a tocar ao vivo e surgir algo de improviso que acabou por complementar a música?

Sim, é muito isso que se passa ao vivo e, tal como eu te disse, é tudo à base do que se passa no momento. Eu não consigo tocar uma música igual, sempre, ou mudo um riff de sintetizador, ou ponho uma guitarra diferente, até mesmo a voz, mudo sempre qualquer coisa no concerto, não consigo ter uma música fixa. Não sei como é que vai ser no álbum, ter de tocar tudo igual…

Que artistas são uma influência para ti?

Eu sou muito de fases, mas as três maiores influências são St. Vincent - Annie Clark está no topo -, Agnes Obel e Nanome.

Para finalizar, estamos todos à espera que saia um bandcamp ou um álbum para ouvirmos coisas novas. Isso está para breve?

Estou a tentar gravar as músicas velhas em Julho para pôr no bandcamp, não vou pôr nenhuma destas músicas no álbum. O álbum vai ser todo feito de raiz e, se tudo correr bem, sai em meados de Fevereiro/Março.

Texto por: Inês Henriques