#markefka

Dr. Veit Ziegelmaier (VZ): Ähnlich und doch anders als bei deinen “Lüstern” verwendest du auch bei den “Archiven” eine sehr reduzierte, tonale Farbigkeit. Und doch erscheint in einem Bild ein blaues Segment, das als primus inter pares aus der Reihe fällt und den Blick auf sich zieht. Ich nehme an, das ist ein absichtlicher Kunstgriff, der neugierig machen soll?

Silke Markefka (SM): Das Bild ist von 2005 und da ich in Serien male, wirkt ein Bild auf das andere ein. Also habe ich eventuell einen blauen Buch- oder Schallplattenrücken aus einem anderen Bild dieser Serie hier mit hereingenommen, den Pinsel eben einfach in eine andere Farbe getaucht. In Archiven sucht man ja meist etwas. Man sucht das eine, besondere Stück, das man gerade braucht, das Aufschluss gibt. Man könnte sagen, dass hier auch eine Referenz auf das Motiv der blauen Blume aus der Romantik mit anklingt...

VZ: Kommen wir zu deinem Werk aus der Serie "Von Vorhängen". Wieder ist es eine stark abstrahierte Wiedergabe einer konkreten Vorlage. Geht es dir hier in erster Linie um die Darstellung von Stofflichkeit und Struktur?

SM: Gaze, Spitze und auch Halskrausen, etwa in den Bildern von van Dyck, Rubens und Velázquez - um nur einige zu nennen -, üben eine große Faszination auf mich aus. Vor diesem Hintergrund habe ich mich immer wieder gefragt, wie man das im 21. Jahrhundert in die Malerei bringt. Dieses Thema beschäftigt mich schon lange. Es gibt eine frühe Serie "Umhalsen", in der ich mich damit bereits auseinandersetze. Diese Halbtransparenz oder dieser Hauch von Stoff - weil mich das als Thema der Malerei beschäftigt hat, bin ich zu den Vorhängen gekommen. Denn die kann ich ins Bild bringen, ohne weiteres Beiwerk, eben ohne Hals, Kopf, Körper. Das Bild als Vorhang - den Vorhang als Bild.

VZ: Das Motiv finde ich als solches sehr spannend. Der Vorhang trennt zwei Bereiche voneinander ab, ohne sie faktisch wie eine Mauer zu teilen. Im übertragenen Sinne hat das etwas metaphysisches oder transzendentes an sich. Etwas ist da, in unmittelbarer Nähe, aber zugleich wie durch einen Sichtschutz abgetrennt. Spielen solche Überlegungen für dich eine Rolle bei der Motivsuche?

SM: Ja, diese vorgeblichen Durchsichtigkeiten interessieren mich. Es lässt viel Platz für eigene Interpretationen und Empfindungen.

VZ: Der Maler Francis Bacon hat sich ja auch immer wieder mit dem Motiv des Vorhangs in seinen Werken auseinandergesetzt. Für ihn war der Vorhang eine Metapher für einen verklärenden Schleier, der sich langsam über die Dinge gelegt hat und den man wegreißen müsse, um sich dem Wahrheitsgehalt, der Brutalität des Faktischen, wie er es ausdrückte, anzunähern. Sind deine Vorhänge in gewisser Weise auch als eine Art Schleier des Vergessens zu interpretieren?

SM: Nein, darum geht es mir nicht - es geht tatsächlich um den Vorhang. Was dahinter ist muss ja nicht unbedingt spannend sein, was davor ist auch nicht - zumindest in meinen Bildern bleibt das offen. Rückzug, Intimität, Sehnsucht und auch das Versprechen eines Blickes hinaus, wenn man ihn zur Seite zieht - das steckt natürlich alles im Motiv des Vorhangs. Aber die Vorhänge selbst zeigen nicht das Davor und kaum das Dahinter, sondern eben das, was wie ein Hauch dazwischen hängt.

VZ: Ich assoziiere deine Vorhangbilder auch im erweiterten Sinne mit Erinnerung. Dabei denke ich an die Bühne und das Theater, wo nach einer unmittelbaren Aufführung der letzte gefallene Vorhang die gerade noch dagewesenen Geschehnisse verhüllt und uns um eine Erfahrung reicher zurücklässt. Kommen dir beim Malen ähnliche Assoziationen oder Gedanken in den Sinn?

SM: Nein, da denke ich vor allem an den Vorhang, den ich jeweils malen will. Es geht um meine Vorstellung von einem Vorhang, den ich gesehen habe und der jetzt quasi in der Erinnerung hängt, und die Frage, wie ich ihn aufs Bild bringe. Es hat also schon etwas mit Erinnerung zu tun. Um die Theatralik eines Final Curtains geht es mir aber eher nicht.

VZ: Kostbare Lüster und prächtig geraffte Vorhänge - mich erinnert das an die Welt der Oper oder des Theaters. Ein verbindendes Element zwischen beiden Werkserien ist aber auch die verheißungsvolle Darstellung von Licht vor einem dunklen Hintergrund. Und wie auch bei den “Archiven” haftet dem Dargestellten etwas Geheimnisvolles an. Ich glaube, anders als bei Francis Bacon, willst du diese Geheimnisse eher bewusst bewahren, als sie zu lüften?

SM: Nun, diese Geheimnisse sind ja in meinen Bildern gerade eben die Lüster oder Vorhänge. Sie selbst stehen für das, worum es geht. Um Oper und Theater geht es mir nicht direkt, auch wenn vielleicht einige Motive daraus anklingen. Meine Sujets zeigen mehr den verblassenden Glanz verheißungsvoller Gesellschaftsanlässe oder besonderer Augenblicke. Dieses Verlangen nach Repräsentation, dieser Versuch, herausgehoben zu sein, etwas Besonderes zu sein oder darzustellen. Es ist dieses Festhaltenwollen von Zeit und Augenblick, diese unerfüllbare Sehnsucht, das, was eigentlich nicht sichtbar ist. Und dieses Repräsentative hole ich selbst ins Bild, mache es mit sichtbar, als Abglanz, als uneingelöstes Versprechen, Vergänglichkeit, Taumel - und aber eben auch als Licht.

Dr. Veit Ziegelmaier, Director of Art bei 52masterworks (VZ): Nachdem der “Lüster” von Dir erfolgreich Einzug in die Gemeinschaftssammlung von 52masterworks gehalten hat, freuen wir uns, gleich drei weitere Schlüsselwerke aus den Serien “Archiv” und “Von Vorhängen” unseren Sammlern anbieten zu können. Das zeigt auch von Deiner Seite nachhaltiges Interesse wie auch Vertrauen und das Feedback unserer Community zu Dir wie Deiner Kunst war auch sehr überschwänglich. Insofern hast Du viele neue Kunstinteressierte begeistern können. Wie hast Du das für Dich empfunden?

Silke Markefka (SM): Der große “Lüster” ist für mich eine zentrale Arbeit, an der ich auch persönlich sehr hänge, insofern freut es mich natürlich, dass sich nun mehrere Sammler dafür begeistern und die Arbeit wertschätzen. Es ist schön, dass zu diesem Bild nun noch Werke aus anderen meiner langjährigen Serien dazukommen. So wird innerhalb der 52masterworks-Sammlung gut sichtbar, was mich in meiner Malerei beschäftigt. Und mit diesen drei Bildern habt ihr euch wiederum Werke ausgesucht, die mir viel bedeuten.

VZ: Du warst im letzten Jahr wieder in etlichen Ausstellungen vertreten und im Sommer hattest Du ein weiteres Künstlerstipendium, diesmal in Österreich, wo neue Arbeiten entstanden sind. In unserem letzten Blog-Interview hast Du gemeint, dass Dich die Auseinandersetzung mit "Selbstportraits” reizen würde. Kannst Du uns dazu schon etwas verraten und was sind Deine weiteren Pläne für 2016?

SM: Das war noch im ”Tiefland”, und ein klassisches Selbstportrait ist bislang so noch nicht entstanden. Meine Bilder erinnern sich ja oft an Orte und da war ich natürlich gespannt, was während meiner Zeit am Arlberg passieren wird. Landschaften sind es dann schon geworden, im weitesten Sinne, aber auch neue Begegnungen mit alten Themen. Ölpastelle auf Papier, Wachspastelle auf Leinwand. Einige Bilder, die vor Ort entstanden sind, sind derzeit auch dort in der Artist in Residency-Ausstellung zu sehen (A.I.R. Ausstellung 14/15, bis 17. April 2016, St. Christoph am Arlberg). Und von Ende Februar bis April 2016 habe ich eine Einzelausstellung bei Karin Wimmer Contemporary Art in München. Da gibt es erstmals einige Arbeiten aus meiner Serie “Ansammlung von Welt” zu sehen, die für mich eigentlich auch eine Art Selbstportrait darstellen.

VZ: Eines der Generalthemen in Deiner Kunst ist die visuelle und emotionale Vergegenwärtigung von Erinnerung. Dein aus dem Dunkel vage aufglimmender monumentaler Lüster gibt davon ein beredtes Zeugnis. Aber auch Archive als Wissensspeicher und Orte der Vergegenwärtigung haben Dein Interesse erregt. Was konkret fasziniert Dich daran und wo waren diese Arbeiten schon zu sehen?

SM: Für mich sind diese Archive wie abstrakte Gemälde. Wenn man an Bibliotheken denkt, hat man ja Buchreihen in Regalen vor Augen, man denkt an ein Bild, nicht an Texte. Bibliotheken als Bücheransammlung sind Abstraktionen. Man erinnert sich kaum an einzelne Buchrücken, sondern an Regalformationen. Meine Archivbilder lösen sich vom Gegenstand und werden zu Feldern aus Farbe und Form. In einer Serie mit größtenteils in ihrer Farbigkeit zurückgenommenen Bildern nähere ich mich so den Aporien der Speicherung von Zeit und Wissen an und bringe das Archiv als immer schon von Auflösung, Unordnung und Vergessen bedrohte Sammlung in den Blick. Zu sehen waren Archivbilder beispielsweise in der Gruppenausstellung “Liquid Archives” in der Platform, 2009. Einen umfangreicheren Einblick in die Serie von 2005 bis 2014 gab dann meine Einzelausstellung “Archiv”, die in der Artothek in München 2015 zu sehen war.

VZ: Manchmal fokussierst Du Dich auf Ausschnitte einzelner Regalreihen, manchmal ist es der Blick auf einen ganzen Saal. Auch wenn Du Deine Arbeiten neutral hältst, gibt es bestimmte Orte, die Dir als Vorbild dienen und die Du immer wieder aufgesucht hast? Machst Du Skizzen, Fotografien oder versuchst Du den Gesamteindruck aus dem Gedächtnis wiederzugeben?

SM: Ja, ich suche Orte auf - oft sind es aber auch Eindrücke, die sich einfach ergeben: alte Bibliotheken, Privatarchive, und auch große, überfüllte Plattenläden und besondere Buchhandlungen, überquellende Räume. Ich mache Fotos, als Anhaltspunkt, verwende den Fotoapparat dabei wie ein Skizzenbuch. In der Malerei geht es mir dann um ein Erinnerungsbild und nicht um realistische Abbildung.

VZ: Archive, Biblio- und Mediatheken dienen nicht nur der Bildungs- und Forschungsarbeit, sondern sind auch als zivilisatorische Wissensspeicher angelegt. Trotzdem befindet sich das Archiv bei Dir in Auflösung. Durch den dünnen Farbauftrag, entstehen vereinzelt Rinnsale, die die Konturen auflösen, die Regalreihen erscheinen zudem transparent wie bei einer ausgeblichenen Fotografie und die tonale Farbigkeit unterstreicht diesen Eindruck weiter. Sind wir, wie bereits vergangene Hochkulturen, mit unserer Zivilisation am Ende? Oder anders ausgedrückt, wird der Betrachter in deinen Bildern schon ein Stück weit zum Archäologen?

SM: Nicht unbedingt. Indem das Archiv Bild wird, kommt es eben anders in den Blick. In meinen Archiven kann man ja nicht mehr ein Buch aus dem Regal ziehen - das Archiv entzieht sich also auch dem Zugriff, während es sich gleichzeitig als Bild öffnet. Und dieser fehlende Zugriff lässt es natürlich auch rätselhaft werden - und eben abstrakt.

VZ: Die “Archiv”-Arbeiten konzentrieren sich auf einen Gesamteindruck auf die Masse als (An-)Sammlung. Ein zugrunde liegendes Ordnungssystem ist zu vermuten, wird aber nicht ersichtlich. Das einzelne Medium ist nicht näher identifizierbar und daher wohl auch nicht wichtig für Dich. Mich erinnert die Darstellung Deiner “Archive” immer auch an Strichcodes, die etwas Kryptisches an sich haben, aber dennoch konkrete Informationen bereithalten. Kennst Du die Inhalte der Regalreihen oder blendest Du das bewusst aus?

Den Namen unserer neuesten Künstlerin in der Sammlung “Ausgezeichnete Meisterschüler/Emerging Artists” sollten Sie sich auf jeden Fall ab jetzt merken: Silke Markefka.

Schon früh wurde ihr die Leidenschaft, sich kreativ zu betätigen, in die Wiege gelegt und so machte Markefka (*1974) ihre ersten künstlerischen Gehversuche bereits in jungen Jahren in ihrem Heimatort Mühldorf am Inn, wo sie in lokalen Ausstellungen vertreten war.

Während ihres Kunststudiums an der Akademie der Bildenden Künste in München beschäftigte sie sich viel mit Raum und Raumeindrücken - und ein wieder erinnertes Erlebnis aus ihrer Jugend wurde nun zum Auslöser eines Bildthemas: Ein Besuch in der Münchner Oper mit ihren prächtigen Kronleuchtern und Lüstern, der so prägend und einschneidend war, dass sie sich nun auf ihre ganz eigene, künstlerische Art und Weise mit dem Erlebnis auseinandersetzte und es bis heute tut. Ein zentrales Motiv war somit gefunden: der Lüster.

Fasziniert vom Erscheinungsbild greift sie ihn in verschiedenen Varianten immer wieder auf, malt ihn aus ihrer Erinnerung. Vor ihrem inneren Auge vergegenwärtigt sie sich den emotionalen Moment dieser Begegnung und den Eindruck des Überwältigtseins  und überträgt die aufscheinenden Bilder und Gefühle unmittelbar auf die Leinwand Die Werkreihe der Lüster begleitet Markefka nun schon seit vielen Jahren und entwickelt sich stetig weiter, wie die Künstlerin selbst.

So wollte sie auch bei keinem geringeren Professor als Günther Förg, einem der renommiertesten Maler, Bildhauer und Fotografen der zeitgenössischen Kunst in Deutschland (1952 - 2013) in die akademische Lehre gehen. Also studierte sie nach erfolgreicher Aufnahmeprüfung von 2002 bis 2008 an der Akademie der Bildenden Künste in München und wurde seine Meisterschülerin.

2007, noch während ihres Studiums an der Akademie, erhielt sie den renommierten Villa Romana-Preis. Der seit 1905 vergebene Kunstpreis gilt als bedeutende Auszeichnung und Förderung für zeitgenössisches Kunstschaffen in Deutschland und ermöglicht den Preisträgern nicht nur nationale Aufmerksamkeit, sondern auch einen zehnmonatigen Aufenthalt in der Villa Romana in Florenz.

Villa Romana, Florenz 2007, Sicht ins Studio Villetta mit hier entstandenen Bildern aus der Serie “Lüster” von Silke Markefka

Ein Stipendium, das unter anderen schon Max Beckmann (1884 – 1950) erhalten hatte. Markefka arbeitete wie 100 Jahre zuvor der bedeutende deutsche Künstler. Dabei war das für sie als Künstlerin gar nicht so inspirierend, wie man sich vielleicht denkt:

“Ich musste mich erst von ihm lösen, ankommen, ehe ich mein eigenes Ding machen konnte.” Silke Markefka in: “Ein Bild ist ein Fenster irgendwohin”, 14.12.2013, OVB online

Und das tat sie auch. Ihre künstlerische Antwort auf Beckmanns "Präsenz”: Er selbst portraitierte sich seinerzeit im Atelier vor einem Fenster mit Ausblick ins Grüne und Silke Markefka stellte ihn nun in ein Bild, bei dem Beckmann zu ihr ins Atelierfenster hineinschaut.

Max Beckmann: Selbstbildnis, Florenz 1907, 
Hamburger Kunsthalle, Leihgabe aus Privatsammlung

Silke Markefka: o.T. (”Im Studio Beckmann”), 2007

Danach entstanden im Flow der allgegenwärtigen italienischen Kunstgeschichte und Lebensart weitere ihrer Werkserien. Nicht nur “Lüster” bestimmen ihre Motivik. Inspiriert durch alltägliche Situationen in ihrer Umgebung verarbeitet sie ihre Eindrücke in Reihen, die sie “Touristen”, “Vorhänge“ oder “Zypressen” nennt. Die Serie “Archive” hält beispielsweise die Thematik des Erinnerns nicht nur in der Motivwahl fest, sondern unterstreicht das vage Gedankenbild des Erlebten und Überlieferten auch in der flüchtig skizzierenden malerischen Umsetzung. Anfang 2015 war eine Auswahl dieser Werke in der Arthothek in München zu sehen.

o.T. (aus der Serie “Archiv”), 2005

Im Jahr 2008 beendete Markefka ihr Studium bei Günther Förg mit dem Diplom. Es folgte ein Projektstipendium zusammen mit ihrem Lebensgefährten Nikolai Vogel, der ebenfalls Künstler ist. Gemeinsam fuhren sie die einstigen Schengen-Grenzen der Bundesrepublik ab, um die Eindrücke dieser “Grenzerfahrung” visuell aber auch akustisch festzuhalten. Im darauf folgenden Jahr bezog sie einen der begehrten Atelierplätze in der “Platform” München. Dort arbeitet sie bis heute. Mit der Debütanten-Förderung des Berufsverbands Bildender Künstler München, konnte sie 2010 eine umfassende Publikation zu ihrem Werk unter dem Titel “Licht, Lüster” realisieren.

2013 war sie die Preisträgerin des “Bayerischen Kunstförderpreises in der Sparte Bildende Kunst”. Noch im selben Jahr wurde ihr Werk in der großen Ausstellung “Villa Romana” neben Arbeiten von Künstlerpersönlichkeiten wie Georg Baselitz, Max Beckmann und Arnold Böcklin in der Bundeskunsthalle Bonn gezeigt. Damit reiht sie sich also ein in die Riege der ganz Großen in der Kunstwelt und man darf gespannt sein, wie sie und ihr Œuvre sich noch weiter entwickeln werden.

Auch in diesem Jahr hatte sie schon eine ganze Reihe an Ausstellungen, darunter auch im Kunstverein Bellevue-Saal in Wiesbaden. Zudem waren einige ihrer Werk in Shanghai zu sehen und weitere Vorbereitungen für künftige Werkpräsentationen und weitere Projekte sind bereits am Laufen.

Die Künstlerin in ihrem Atelier in der Platform München

Wir freuen uns, dass Silke Markefka Zeit für unser Sommerabschluss-Event gefunden hat und vor allem natürlich auch darüber, dass sie uns ein Schlüsselwerk ihrer “Lüster”-Serie für die Sammlung von 52masterworks zur Verfügung stellt. Die beeindruckende monumentale Arbeit wurde auf unserem Event am 23. Juli 2015 in der Galerie Karin Wimmer Contemporary Art in München mit einem Künstlergespräch bei sommerlichen Drinks präsentiert. Überzeugen Sie sich von der großartigen Arbeit der Künstlerin und der tollen Atmosphäre der 52-Events. Die Bilder dazu finden Sie in unserem Flickr-Account...

Sie wollen noch mehr über Silke Markefka erfahren? In unserem Interview steht die Künstlerin unserem Director of Art, Dr. Veit Ziegelmaier, Rede und Antwort und gewährt ganz persönliche Einblicke in ihre Sicht- und Arbeitsweise...

Beteiligen Sie sich an einem Werk der gefragten Nachwuchskünstlerin Silke Markefka bei 52masterworks...

Wir haben Veit Ziegelmaier, Director of Art bei 52masterworks, gefragt, warum Silke Markefkas Werk aus der Serie “Lüster” in der ersten Crowd-Kunstsammlung weltweit nicht fehlen darf:

Diese Arbeit von Silke Markefka, einer mehrfach prämierten Meisterschülerin von Günther Förg (1952 - 2013), ist ein absolutes Schlüsselwerk aus ihrer Werkserie der "Lüster”, die idealtypisch für ihr Schaffen stehen kann. Nicht ohne Grund ist dieses Werk auch das erste, was man auf der Startseite ihrer Internetpräsenz zu sehen bekommt. Mit 2,70 x 1,90 m hat die Leinwand schon fast monumentale Ausmaße.

Das Motiv des Lüsters bietet der Künstlerin ein ideales Sujet, sich mit den grundsätzlichen Themen und Herausforderungen der Malerei auseinanderzusetzen, nämlich der Darstellung von Licht, Form und Raum. Dabei verwendet sie eine sehr reduzierte Farbpalette, die auf starke Hell-Dunkel-Kontraste setzt. Im Spannungsfeld zwischen Abbild und Abstraktion entsteht das Bild eines aufglimmenden Kronleuchters, bei dem Markefka mit gekonnt gesetzten malerischen Kürzeln Details andeutet, ohne sie konkret auszuformulieren. Auf diese Weise verdichtet sich die Darstellung zu einem bewusst vage gehaltenen Gesamteindruck, der einer Vergegenwärtigung von Erinnerung entspricht und ganze individuelle Assoziationen und Emotionen beim Betrachter hervorruft. Durch die Fokussierung nur auf das Bild des Kronleuchters, der nicht in einer konkreten räumlichen Umgebung verortet ist, erhält der Lüster etwas geheimnisvolles, ja märchenhaftes und unwirkliches.

Markefkas Arbeit bildet innerhalb der Sammlung von 52masterworks ein kongeniales Pendant zu Robert Longos “Untitled (Cathedral)” von 2010. Beiden gemein ist die Reduzierung auf Hell-Dunkel-Kontraste, die Untersicht auf das Bild-Sujet und ein ähnlich assoziativ aufgeladenes Bildthema. Ist es bei Longo der erhabene und demutsvolle visuelle Eindruck einer gotischen Kathedrale, so ist es bei Markefka der feierliche Lüster als Sinnbild von Glanz und Pracht repräsentativer Orte, die in ihrer opulenten Machtdemonstration nicht selten auch etwas Unheilvolles verkörpern.

Obwohl Dein Werk aus mehreren Serien besteht, sind Deine “Lüster”-Bilder gewissermaßen zu einer Art Markenzeichen von Dir geworden. Wie und wann kamst Du auf dieses Motiv?

“Der Lüster ist ja ein komplexes Gebilde, wo Raum und Licht zusammenfallen. Das Hauptthema in der Malerei. Er verweist auf sich selbst. Und das verdichtet sich in meiner Serie, nachdem ich so lange an dem Thema arbeite. Es geht letztlich nur um die Malerei und das Licht. Das hat mich natürlich in meiner Kindheit schon fasziniert. Die Kronleuchter hängen in Prunkbauten, in Schlössern, Opernhäusern, Villen, Palazzi - einer Welt, die sich ja nicht mit meiner deckt, und einer Welt, die in unserer Zeit immer auch etwas Gespieltes, Verkleidetes an sich hat, Simulakrum einer Märchenwelt.”

Dein Bild ist ausschließlich auf die Darstellung des Lüsters konzentriert, der selbst ganz Licht geworden ist, und sich strahlend von einem dunklen Hintergrund abhebt. Dadurch, dass Du bewusst auf die Verortung im Raum verzichtest, erhält der Kronleuchter etwas Geheimnisvolles aber auch Unwirkliches. Was verbindest Du sinnbildlich mit dieser Art und Weise der Darstellung?

“Es ist eine Abstraktion der Erinnerung. Ich nähere mich Schicht für Schicht meinem Thema an. Dieses Aufglimmen, Aufscheinen aus dem Bildgrund interessiert mich. Wie dringt das Licht nach vorne. In dieser Serie, aber auch in den Serien “Archiv” und “Von Vorhängen”, beschäftige ich mich mit dem verblassenden Glanz verheißungsvoller Augenblicke sowie der Vergeblichkeit des Versuchs die Zeit festzuhalten. Mit verglimmendem Licht und nur vorgeblichen Durchsichtigkeiten schaffe ich Balance-Akte. Bilder, die weder in realistischer Abbildung, noch abstraktem Konzept aufgehen. Der Lüster hängt darin, wie ein Relikt aus einer vergangenen Epoche, die ich mit ihm assoziiere. Abwesenheit, Unwiederbringlichkeit und der Ausdruck einer uneinlösbaren Sehnsucht klingen damit an. Ein Bild bringt ja immer Dinge in den Raum, die nicht da sind. Der Lüster als Stellvertreter für Macht und Repräsentation. Indem ich diesen Abglanz schaffe, mache ich die Repräsentation erst sichtbar. Aber ohne zu werten. Der Lüster verweist auf sich selbst.

Auch wenn es für manche Deiner Lüster zum Teil konkrete Vorbilder gibt, geht es in Deiner Malerei nicht um die möglichst realgetreue Abbildung, sondern eher um eine Art der Erzeugung eines Erinnerungsbilds. Das überträgt sich auch auf den Betrachter, denn er sieht wiederum ein leicht nebulöses Gesamterscheinungsbild eines Kronleuchters, das Details andeutet, aber nicht unbedingt ausformuliert. Damit könnte man diese Bilder als Auslöser für individuelle, aber auch kollektive Erinnerungen und Assoziationen deuten. Denn man kommt ja kaum umhin, nicht an die Foyers von Opernhäusern oder an venezianische Palazzi und Märchenschlösser zu denken, also an Eindrücke, die prinzipiell jeder im Kopf hat und dennoch mit seinen persönlichen und emotionalen Erfahrungen verbindet.

Auffallend ist, dass Du Dich als Malerin ganz auf Hell-Dunkel-Kontraste fokussiert, was ja im Prinzip etwas sehr Grafisches an sich hat und dennoch sind Deine Bilder sehr malerisch aufgefasst. Das man Licht natürlich erst durch den Kontrast zum Dunkel wahrnimmt, mag sicherlich ein Grund dafür sein. Aber auch in Deinen anderen Serien verzichtest Du vielfach bewusst auf Farbe. Ist dies ein Grundprinzip Deines künstlerischen Schaffens?

“Durch die Reduzierung meiner Farbpalette bekomme ich mehr Intensität und Konzentration. Ich bin gleich da, wo ich hin will. Bin nicht abgelenkt. Es ist eine Haltung. Ich will nicht mit Farbe locken, ich will es nicht einfach sexy machen. Die Bilder brauchen Zeit, bis sich die feinen Farbnuancen zeigen, auch Sehzeit für den Betrachter. Das ist essentiell für diese Serie, in der es aber durchaus auch sehr farbige Bilder gibt. Etwa Lüster vor weißem Hintergrund, in deren Prismen sich verschiedene Farben reflektieren - sozusagen meine "Tageslichtlüster”. Auch in anderen Serien werde ich bisweilen sehr bunt. Das kommt darauf an, was für ein Sujet ich wie angehe. Meine "Touristen” etwa habe ich in der Farbigkeit, wie sie überall auftauchen und herumstehen aufgegriffen - in Florenz war das Beige, Rot und Blau.”

Für die Sammlergemeinschaft von 52masterworks hast Du ein monumentales Schlüsselwerk aus der Serie Deiner "Lüster”-Bilder zur Verfügung gestellt, das auch auf der Startseite Deiner Internetpräsenz zu sehen ist. Wie wichtig ist Dir gerade diese Arbeit, die sicherlich idealtypisch für die Serie der "Lüster” stehen kann? Und kannst Du uns darüber hinaus auch etwas zur Entstehungsgeschichte speziell dieses Bildes berichten?

“Ja, dieses Bild aus einer meiner Hauptserien ist bisher auch das größte Format in dieser Serie. Beim Malen hieß das: Leiter rauf, Leiter runter. Anhand von diesem Bild sieht man ganz gut wie ich arbeite und was mich interessiert. Das zieht sich auch durch die anderen Serien und zeigt meine Herangehensweise. Ich arbeite meist in seriellen Bildfolgen sowie auch an Variationen desselben Themas. Eher ungewöhnlich für dieses Bild war, das ich die - sagen wir Inspirationsquelle - eben diesen Kronleuchter, den ich in St. Petersburg gesehen habe, erst über ein Jahr später aufgegriffen habe und es bisher auch keine weiteren Variationen davon gibt. Eigentlich wollte ich nach dem Besuch der Eremitage meine Serie "Touristen", die ich während meines Villa Romana-Stipendiums in Florenz begonnen hatte, fortführen. Touristen, allgegenwärtig, die alles verstopfen, musste ich erst mal wegmalen, damit der Blick wieder frei war, so etwa auf die Loggia dei Lanzi in Florenz. Erweitert habe ich die Serie dann in Paris um die drei berühmten Frauen im Louvre: "Venus von Milo”, “Nike von Samothrake” und “Mona Lisa” mit ihren um sie versammelten Touristen. Anknüpfen wollte ich nun mit den Touristenmassen in der Eremitage. Ein so volles Museum habe ich noch nie erlebt, wir standen völlig zusammengepfercht unter anderem vor dem letzten Bild Rembrandts, die "Heimkehr des verlorenen Sohnes”, während es dann in den wunderbaren Sälen mit den unvergleichlichen Großformaten von Matisse angenehm leer war. Anlass der Reise war eben dieses Museum und in St. Petersburg bin ich noch vor dem Museumsbesuch in der Auferstehungskirche - und zwar natürlich ebenfalls mit großem Touristenandrang - auf diesen riesigen Kronleuchter gestoßen, der es dann auf die Leinwand geschafft hat. Die Eremitage und deren Touristen hingegen sind noch nicht gemalt...”

52masterworks verfolgt ein innovatives Konzept, bei dem sorgsam ausgewählte Kunstwerke individuell und mit einem persönlich festgesetzten Budget von einer Sammlergemeinschaft anteilig erworben werden können. Was hat Dich als Künstlerin dazu bewogen, an diesem Projekt mitzumachen und Teil dieser Sammlung zu werden?

“Mir gefällt Euer Ansatz, eine Sammlung aufzubauen, der Meister und Meisterschüler in den Blick nimmt, nebeneinander stellt und Bezüge aufbaut. Mit Robert Longos “Cathedral” habe ich ein wunderbares Pendant und es würde mich natürlich persönlich auch freuen, wenn künftig ein Bild von Günther Förg, meinem Professor an der Akademie, dazukommt.”

Ja, Deine Arbeit bildet innerhalb der Sammlung ein perfektes Pendant zu Robert Longos "Untitled (Cathedral)” von 2010. Damit befindet sich Dein Werk in bester künstlerischer Gesellschaft. Wo würdest Du für Dich Gemeinsamkeiten sehen?

“Licht, das gerade durch die Dunkelheit sichtbar und eindrucksvoll wird. Und dann stammt das Vorbild für diesen Lüster tatsächlich aus einer Kathedrale...”

Du hast, wie gerade auch angesprochen, Dein Diplom als Meisterschülerin bei Günther Förg (1952 - 2013) an der Akademie der Bildenden Künste in München gemacht. Wie sehr hat Dich diese große Künstlerpersönlichkeit geprägt und was hast Du speziell für Deine Kunst von ihm gelernt?

“Es ist eine Haltung. Er hatte eine echte Leidenschaft für die Malerei. Und ohne die geht es nicht. Und er hat sich alles immer ganz genau angeschaut. Und auch geäußert, dass man in erster Linie selber wissen muss, was man macht, dass es darum geht. Man muss einfach sein Ding machen. Ich glaube eben, er wollte keine Studenten, die versuchen, so zu malen wie er, sondern, dass sie ihre eigene Sprache finden und entwickeln.”

Für Deine Kunst bist Du ja schon mehrfach ausgezeichnet worden, so etwa mit dem Bayerischen Kunstförderpreis und dem Villa Romana-Preis. Deine Werke sind darüber hinaus regelmäßig in unterschiedlichen Ausstellungen zu sehen. Neben einer Präsentation im Kunstverein Bellevue-Saal in Wiesbaden waren Arbeiten von Dir auch 2015 in Shanghai zu bewundern. Welche Pläne und Projekte hast Du für die weitere Zukunft?

“Demnächst habe ich eine Artist-in-Residence auf einem Berg, genauer gesagt am Arlberg bei St. Anton in Österreich und nachdem sich meine Bilder meist an Orte erinnern, wer weiß... Meine aktuellen Archivbilder sind ja schon fast Landschaften im weitesten Sinne. Aber worum geht es mir eigentlich im Moment. Ich beschäftige mich schon länger mit dem Thema des “Selbstporträts”, aber nicht im klassischen Sinne. Sondern “Selbst” auch als die Dinge und Blicke, die einen ausmachen. Und über die gedankliche Auseinandersetzung mit dem Selbstporträt kam ich dann auch zum Stillleben, an dem ich auch jetzt wieder arbeite. Also werde ich noch viele Bilder malen, bis zum Selbstporträt.”