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Já chegou aos escaparates de ‘The Ascension’, o quinto e novo trabalho do norte-americano ‘Sufjan Stevens’, um registo que viu a luz do dia a vinte e setembro e que sucede ao excelente ‘Carrie & Lowell’, de dois mil e quinze, um trabalho que marcou o retorno do músico à folk mais intimista, nostálgica e contemplativa, depois de ter deambulado entre o caótico, o esquizofrénico e o genial em discos tão importantes como ‘Illinoise’ ou ‘The Age Of Adz’.

‘The Ascension’ é uma jornada eletrónica climática e intimista, mas também algo inquietante, feita de um psicadelismo eminentemente experimental. Depois desta evidência, que fica clara logo após uma primeira audição do alinhamento da obra, importa referir que ‘The Ascension’ é um marco na inflexão sonora que este músico de Chicago tem vindo a fazer ultimamente, não só no seu projeto a solo, mas também nas colaborações onde tem assentado arraiais, com particular destaque para o disco ‘Planetarium’ que assinou a meias com Bryce Dessner, Nico Muhly e James McAlister, há pouco mais de três anos. Mesmo contendo alguns dos tiques identitários que marcam uma carreira de quase duas décadas, impressos na intimidade dialogante da sua escrita, que atingiu o apogeu no antecessor que se debruçava sobre o súbito desaparecimento da mãe e na seleção de alguns arranjos e detalhes que ainda têm um travo folk inconfundível, ‘The Ascension’ oferece-nos, acima de tudo, um vasto e barroco festim eletrónico, justificado em diversas composições recheadas de uma vasta miríade de efeitos, distorções de guitarra, interseções e arranjos que, como é o caso da grandiosa composição America, servem bem à medida da imensidão e do silêncio que carateriza o vazio cósmico a que o músico de Chicago nos tem habituado ultimamente, não só nas obras já referidas, mas também no inquietanto trabalho ‘The Age Of Adz’, a comemorar dez anos de existência.

No entanto, não há um único fio condutor na descrição estilística de ‘The Ascension’, um álbum onde questões como a religiosidade, o sobrenatural e o abstracionismo, no fundo, conceitos que também servem para definir o conceito de amor de que Sufjan Stevens tanto gosta de explorar, são a pedra de toque de cerca de oitenta minutos que formam, no seu todo, moldura sonora estética que pode ser comparada a uma verdadeira jóia, em todos os sentidos. “Video Game”, talvez a canção da carreira do musico de Chicago que mais fielmente obedece ao formato pop dito convencional, mostra também um perfil radiofónico e acessível no disco, uma canção que, sendo melodicamente feliz, assenta num registo sintético proeminente, em que, numa espécie de dance pop psicadélico, vozes e batidas aproximam perigosamente Sufjan Stevens de um território sonoro dominado por alguns dos maiores mestres do R&B e do hip-hop atual.

Em suma, cinco anos após um período extremamente complicado da vida do músico, o entusiasmo, a inspiração e a apurada veia criativa regressaram a Chicago, envolveram Stevens, deram-lhe uma vontade de trabalhar fora do vulgar e o resultado é um disco cuja audição nos proporciona uma experiência ímpar e de ascenção plena a um estágio superior de letargia.

Espero que aprecies a sugestão...

Tracklist: 

Make An Offer I Cannot Refuse

Run Away With Me

Video Game

Lamentations

Tell Me You Love Me

Die Happy

Ativan

Ursa Major

Landslide

Gilgamesh

Death Star

Goodbye To All That

Sugar

The Ascension

America

Avaliação pelo HeadLiner:

⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐ (9/10)

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Review escrita por João Tavares.

Uma das grandes surpresas discográficas do momento é o registo homónimo de estreia do super grupo Muzz, um trio formado por Paul Banks dos Interpol, Matt Barrick dos The Walkmen e Josh Kaufman dos Bonny Light Horseman.

O projeto começou a ser incubado há quase meia década por Banks e Barrick, amigos dos tempos de escola que tiveram sempre em mente juntar esforços para compor e criar música. Josh Kaufman, exímio multi-instrumentista e habitual colaborador em diversos projetos, com especial destaque para os The National e o registo de estreia a solo de Matt Berninger, prestes a ver a luz do dia, foi a cereja no topo do bolo dessa ideia feliz e que dá agora frutos num alinhamento de doze canções com elevado travo indie e onde do rock alternativo à folk, funde-se o adn de Banks, que olhou sempre com gula para um registo eminentemente punk, com as sonoridades mais atmosféricas e luminosas do agrado de Barrick, admirador confesso de referências como Neil Young ou Bob Dylan.

Abrigado pela Matador Records, Muzz tem como excelente exemplo de toda a trama que o sustenta, o modo como um dramático piano se entrelaça com uma guitarra repleta de efeitos, enquanto alguns sopros deambulam pela melodia de “Broken Tambourine”, uma das canções mais bonitas do ano.

A partir daí, Muzz proporciona uma jornada sonora em que limpidez e sobriedade dão as mãos convictamente, para colocarem rédea curta num rock que não deixa de ser sedutor, adulto e até charmoso, mas que é minuciosamente arquitetado e alvo de um trabalho de produção irrepreensível. Mesmo quando as guitarras distorcidas se fazem notar desenfreadamente em “Red Western Sky” ou “Knuckleduster”, nunca é permitido o resvalar para territórios mais progressivos e rugosos. Apesar de Banks e Barrick serem as figuras públicas maiores deste coletivo, é Kaufman quem, no fundo, está na base a segurar todo o edifício sonoro do álbum, já que é ele o responsável pelo adorno dos temas, o dono de grande parte dos arranjos de cordas e o intérprete da maioria do arsenal instrumental utilizado. O intimismo sintético de “Evergreen”, a salutar e impressiva acusticidade de “Everything Like It Used to Be”, o pendor clássico e até pastoral de “All Is Dead to Me” e o modo como folk e eletrónica sustentam “Patchouli”, só são possíveis devido aos múltiplos recursos que este músico possui e à sua ímpar capacidade interpretativa.

Outro aspeto interessante durante a audição de Muzz é a percepção clara de que fica sempre à tona um salutar minimalismo que, diga-se, é o registo instrumental interpretativo que melhor faz sobressair a voz inconfundível de Banks, uma das mais sagazes do indie rock contemporâneo e que, podendo estar a perder alguma potência com a idade, está a ganhar claramente em afinação e sentimento.

Não sendo ainda claramente percetível em que direção pretendem estes três amigos talentosos caminhar, algo que até abona positivamente em relação às expetativas futuras relativamente a este projeto, é já certo poder dizer-se que Muzz é uma feliz e promissora estreia de um conjunto de músicos que parecem ter encontrado o ninho perfeito para deixarem a sua criatividade fluir livremente, sem os constrangimentos óbvios do adn sonoro das bandas de onde são originários. Em Banks, por exemplo, percebe-se que ele se sente feliz por finalmente fazer parte de uma banda em que não precisa de vestir um fato cada vez que tem de dar a cara por ela.

Espero que aprecies a sugestão...

Tracklist: 1. Bad Feeling 2. Evergreen 3. Red Western Sky 4. Patchouli 5. Everything Like It Used To Be 6. Broken Tambourine 7. Knuckleduster 8. Chubby Checker 9. How Many Days 10. Summer Love 11. All Is Dead To Me 12. Trinidad

Avaliação pelo HeadLiner:

⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐ (8/10)

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Review escrita por João Tavares.

Já chegou aos escaparates ‘Set My Heart On Fire Immediately’, o quinto registo de originais de Mike Hadreas aka Perfume Genius, um registo de treze canções produzido por Blake Mills, habitual colaborador do artista e que sucede ao muito aclamado álbum ‘No Shape’, com quase três anos de existência.

Figura ímpar e até central da indie pop contemporânea de Seattle, o norte-americano Mike Hadreas tem sabido, como mais ninguém, como conciliar o seu conturbado e problemático universo pessoal, com o processo de criação artística que tem desenvolvido e que tem o firme propósito de exorcizar muitos dos demónios que o atormentam, de modo a seguir de modo feliz a sua permanência neste mundo repleto de estereótipos e especialista na rotulagem simplista, baseada em primeiras impressões.

Assim, há quase uma década que Perfume Genius oferece-nos momentos sonoros que, sendo essencialmente soturnos e abertamente sofridos, ampliam continuamente, disco após disco, as suas virtudes como cantor e criador de canções impregnadas com uma rara honestidade, já que, como de algum modo já referi, são profundamente autobiográficas e, ao invés de nos suscitarem a formulação de um julgamento acerca das opções pessoais do artista e da forma vincada como as expõe, optam por nos oferecer esperança enquanto se relacionam connosco com elevada empatia.

‘Set My Heart On Fire Immediately’ não foge de tais premissas, proporcionando-nos mais um emotivo e exigente encontro com o âmago do autor e toda a intrincada teia relacional que ele estabelece com um mundo nem sempre disposto a aceitar abertamente a diferença e a busca de caminhos menos habituais para o encontro da felicidade plena, até porque ele coloca-se permanentemente a linha da frente de uma questão muito em voga no meio artístico norte-americano, relacionada com a transexualidade, cada vez mais uma arma de arremesso felizmente eficaz contra a opressão da direita conservadora. 

Disco que tanto aposta numa filosofia performativa que privilegia um aparato tecnológico amplo, mas também repleto de instantes orgânicos de profunda acusticidade e rara beleza, ‘Set My Heart On Fire Immediately’, começou a ser idealizado logo após a edição de ‘No Shape’ e importa ressalvar que Hadreas, durante este intervalo entre os dois discos, também criou os temas “Eighth Grade”, “Booksmart” e “13 Reasons Why”, para a banda sonora do filme ‘The Goldfinch‘ e participou em diversas colaborações, com especial destaque para a que o juntou com a coreógrafa Kate Wallich e com a companhia de dança The YC, num bailado contemporâneo e numa performance ao vivo, intitulada ‘The Sun Still Burns Here’. Estas experiências profissionais fora da esfera Perfume Genius acabaram por ter reflexo no conteúdo final deste novo trabalho do músico, que nos oferece o alinhamento mais coeso, límpido,  intenso, intimista e despojado da sua discografia.

Assim, se neste registo temos canções, como ‘On The Floor‘, que tantos nos levam numa intensa viagem no tempo até à melhor pop oitocentista, à boleia de guitarras algo divagantes e com efeitos metálicos bastante charmosos, mas também “Moonbend“, um soporífero frenesim sintético, outras, nomeadamente “Whole Life”, um tema assente num ilustre piano, assim como as harpas e os violinos de “Leave”, as cordas empoeiradas e o fuzz de “Describe”, a melhor canção do álbum, e a exuberância percussiva de “Without You”, oferecem-nos aquele pendor mais rugoso e impulsivo que caracteriza, com igual peso, os caminhos de expressão musical inéditos da discografia e das formas de Hadreas se revelar a quem quer conhecer a sua personalidade. No final deste equilíbrio perfeito, temos o disco mais consistente e feliz do músico, um registo que lança os holofotes não só sobre Mike, mas também sobre nós próprios, já que ajuda ao contacto e à tomada de consciência de muito do que guardamos dentro de nós e tantas vezes nos recusamos a aceitar e passamos a vida inteira a renegar.

Espero que aprecies a sugestão...

Tracklist:

Whole Life

Describe

Without You

Jason

Leave

On The Floor

Your Body Changes Everything

Moonbend

Just A Touch

Nothing At All

One More Try

Some Dream

Borrowed Light

 Avaliação pelo HeadLiner:

⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐ ⭐ (9 numa escala máxima de 10)

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Review escrita por João Tavares.

Nota Introdutória

Já faz uns anos que conheço o Afonso Dorido (sem ele me conhecer) de outro mundo musical do qual sou fã, os indignu (banda de post rock) no qual é guitarrista. A partir dai fui olhando de lés a lés no que ele ia criando. O Homem em Catarse entrou-me no ouvido numa noite em que ele tocou no aconchegante Oub’Lá (bar em Guimarães) começando aí a descoberta de outra faceta do artista.

O primeiro contacto pessoal com ele surgiu num evento organizado pela Gig Club, uma Listening Session no dia 23 de Janeiro, no qual ouvi pela primeira vez este ‘sem palavras | cem palavras’.

Fazendo um contraste ao seu primeiro LP ‘Viagem Interior’, um trabalho que nos faz viajar por entre os campos alentejanos áridos e de se perder de vista ou entre os montes verdejantes que se difundem entre os rios de trás-os-montes, o ‘sem palavras | cem palavras’ leva-nos numa outra viagem. Uma viagem mais introspectiva, uma viagem que para a concretizar só nos basta fechar os olhos, clicar no play, começar em “Tu eras apenas uma pequena folha” e deixar-nos levar pela poesia sem palavras onde o destino é incerto e simplesmente idealizado por nós.

por Luís Silva (gestor e administrador do HeadLiner)

Homem em Catarse é o alter ego musical do músico Afonso Dorido, um exímio guitarrista que começou a sua aventura musical há já meia década com ‘Guarda Rios’, um EP auto-editado. Dois anos depois veio o tão aguardado registo de estreia em formato álbum, um trabalho intitulado ‘Viagem Interior’ e que nos oferecia um percurso às principais cidades de Portugal profundo. ‘sem palavras, cem palavras’ é a sua nova etapa discográfica, um disco com um brilho raro e inédito no panorama nacional, feito por um projeto que não conhecia antes de ouvir este trabalho, mas que já percebi que é exímio a compor canções que cirandam entre os altos e baixos da vida e que nos mostram como é, tantas vezes, muito ténue a fronteira entre esses dois pólos, entre magia e ilusão, como se a explicação das diferentes intersecções com que nos deparamos durante a nossa existência fossem alguma vez possível de ser relatada de forma lógica e direta.

Logo na deliciosa intimidade que sobressai do piano de “Tu eras apenas uma pequena folha”, percebe-se que o Afonso não tem pudores em servir-se da música como um veículo privilegiado para nos mostrar, de modo realisticamente impressivo, o seu ímpeto criativo e como isso lhe alimenta a urgência que o seu âmago sente de comunicar connosco.

“Yo La Tengo”, faixa de ‘sem palavras | cem palavras’

Depois, a simplicidade melódica e o imediatismo planante das cordas que se entre cruzam na lisérgica “Hey Vini!” e o banquete sintético de forte cariz progressivo que conduz “Hotel Saturnyo”, acabam por personificar com excelência a (apenas) dicotomia de um título, que pode transmitir a ideia de que a idealização do conteúdo do registo não teve como premissa essencial o desejo de transmissão de ideias concretas, quando aquilo que acontece, ao longo da audição do trabalho, eminentemente instrumental, é, exatamente, um bombardeamento constante de pensamentos, conceitos e até opiniões, tenhamos nós, ouvintes,a predisposição para nos deixarmos enlear e enfeitiçar por estas canções.

O disco prossegue e se a crueza e a simplicidade acústica de “Marie Bonheur” parecem evocar a verdade eterna que todos reconhecemos de que tudo é passageiro, a fragilidade perene que tremula nas teclas que nos instigam em “Calle del Amor”, a simultaneamente intrigante e sedutora destreza maquinal e orgânica em que assenta “Yo La Tengo” e a luz que nos faz sorrir sem medo do amanhã que fica defronte ao que sabe a frenética “Danças Marcianas”, são mais momentos altos que comprovam a notável abrangência autoral de um artista que assina neste ‘sem palavaras I cem palavras’ um álbum extremamente comunicativo e repleto de composições contemplativas, que criam uma paisagem imensa e ilimitada de possibilidades que compete a nós destrinçar ou, em alternativa, idealizar, já que as duas abordagens são sempre possíveis na música de Homem em Catarse. Espero que aprecies a sugestão...

Capa do álbum ‘sem palavras | cem palavras’ Tracklist:

Tu eras apenas uma pequena folha

Hey Vini!

Hotel Saturnyo

Lembro-me de ti mesmo quando não me lembro

Marie Bonheur

Calle del Amor

Yo La Tengo

Danças Marcianas

Mar Adentro

Casa dos pequenos pássaros

Ouvir o álbum: homememcatarse.bandcamp.com/

Avaliação pelo HeadLiner: ⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐

(8 numa escala máxima de 10)

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Review escrita por João Tavares.

Já chegou aos escaparates ‘The New Abnormal’ o tão anunciado sucessor de ‘Comedown Machine’, um álbum com atitude e cheio de melodias rock com riffs imparáveis, que em dois mil e treze colocou os The Strokes de Julian Casablancas, Nick Valensi, Nikolai Fraiture, Albert Hammond Jr. e Fabrizio Moretti novamente no caminho certo rumo ao pódio do indie rock  e ao espantoso legado sonoro que ajudaram a criar a partir do longínquo ano de dois mil e um com o memorável Is This It.

‘The New Abnormal’ é o sexto disco deste coletivo nova iorquino ainda fundamental no universo musical indie punk rock e tem um alinhamento de nove canções, produzido por Rick Rubin e com a chancela da Cult Records.

Imagem de apresentação da performance ao vivo para o dia 11 de Julho no NOS Alive

‘The New Abnormal’ solidifica e tipifica com ainda maior clareza a filosofia interpretativa deste projeto nova iorquino que depois de ter começado a carreira com um formato sonoro claramente balizado, foi apalpando terreno noutros espetros, atingindo o auge dessas derivas no festim sintético que banhou ‘Angles’ há já quase uma década. A partir daí, nomeadamente em ‘Comedown Machine’, este projeto que é dos melhores do mundo a trabalhar em estúdio, voltou a fazer marcha atrás, algo que se saúda porque os The Strokes estão, sem dúvida, mais confortáveis a explorar os recantos obscuros de uma relação que se deseja que não seja sempre pacífica entre a mágica tríade instrumental que compõe o arsenal de grande parte dos projetos inseridos nesta miríade sonora, o baixo, a guitarra e a bateria.

‘The New Abnormal’ tem, então, esta espécie de dupla identidade, porque além de culminar com elevado esplendor um regresso ao punk rock como trave mestra da maioria das composições do disco, aquele rock mais enérgico, direto e incisivo a que nos habituámos no dealbar deste século e que nomes tão influentes com os Franz Ferdinand, Radio 4, LCD Soundsystem ou The Rapture repicaram com astúcia, permite que este modus operandi seja adornado por uma mescla entre a típica eletrónica underground nova iorquina e o colorido neon pop dos anos oitenta.

“At The Door”, o primeiro single de ‘The New Abnormal’

“Brooklyn Bridge To Chorus”, uma composição que carrega no seu dorso melódico e instrumental a melhor herança do glam rock oitocentista, espelhado num sintetizador retro bastante incisivo, nostálgico e que casa bem com a voz de Casablancas, que, já agora, em todo o disco volta a evidenciar elasticidade e a capacidade de reproduzir diferentes registos e dessa forma atingir um elevado plano performativo, é, talvez, o melhor exemplo do álbum desta duplicidade. No entanto, “Bad Decisions”, um exuberante tratado de indie rock, festivo, luminoso e dançante, mais consentâneo com a herança do grupo, já que assenta no famoso efeito metálico metálico das guitarras, que é uma imagem de marca inconfundível dos The Strokes, a faustosa ode aquele experimentalismo psicadélico luminoso que conduz “Why Are Sundays So Depressing” e, em “Selfless”, o irresistível swing da guitarra que no refrão se torna particularmente buliçoso ao resvalar para um riff épico e de maior exaltação, são também instantes cativantes, joviais e harmonicamente exemplares do alinhamento e que carimbam com maturidade, força e honestidade esta revisão e enriquecimento de todo um percurso de duas décadas. 

Já a batida sintética abrasiva e o baixo imponente que desfilam pela insinuante “The Adults Are Talking”, assim como “At The Door”, uma longa canção, algo anormal nos The Strokes, assente numa melodia sintetizada de forte cariz retro, são a outra face mais visível desta moeda chamada ‘The New Abnormal’, repleta de sons, tiques e detalhes disponíveis para a descoberta em audições sucessivas, um álbum que ensina que nunca é tarde para recomeçar e que os anos podem passar por uma banda, mas o seu espírito pode manter-se amplamente jovial e criativo. É esta, de certo modo, a melhor descrição que se pode fazer destes renovados The Strokes como entidade.

Espero que aprecies a sugestão...

Capa do álbum ‘The New Abnormal’ Tracklist:

The Adults Are Talking

Selfless

Brooklyn Bridge To Chorus

Bad Decisions

Eternal Summer

At The Door

Why Are Sundays So Depressing

Not The Same Anymore

Ode To The Mets

Avaliação pelo HeadLiner: ⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐

(7 numa escala máxima de 10)

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Review escrita por João Tavares.

### Autor do blogue Man On The Moon no qual publica, desde 2008, análises bem pertinentes às bandas e artistas mais interessantes do momento. Sem dúvida uma das leituras mais aconselháveis sobre música indie e alternativa em português de Portugal. ### Outras análises musicais em: stipe07.blogs.sapo.pt/

Três anos depois do excelente registo ‘Prince of Tears’, o irascível Baxter Dury, filho do icónico Ian Dury, vocalista dos extintos Blockheads, uma das bandas mais importantes do cenário pós punk britânico, está de regresso com ‘The Night Chancers’, dez composições abrigadas pela Heavenly Records, produzidas pelo próprio Baxter com o apoio inestimável de Craig Silvey (Arcade Fire, John Grant, Arctic Monkeys) e gravadas nos estúdios Hoxa em West Hampstead, Londres, na primavera do ano passado Sexto álbum da carreira de Dury, ‘The Night Chancers’ aprimora a já habitual e bem sucedida fórmula interpretativa de um músico e compositor que se serve do rock, da pop e da eletrónica para alimentar a sua áurea de exímio inquieto e provocador, assente em impressivas crónicas e relatos de experiências pessoais mais ou menos aventureiras, mas até comuns e ordinárias,que resultam numa enorme sátira e crítica à modernidade, tudo apimentado com aquele sarcástico humor típico de terras de Sua Majestade.

Assim, num disco idealizado com superior requinte e ousadia, até porque Dury começa dizendo I’m not your fucking friend, se composições como a intrigante “Slumlord”, que nos faz divagar no regaço de uma guitarra planante, ou “Carla's Got a Boyfriend”, um lamento soul intenso, íntimo e sensual, protagonizado por alguém que acaba de descobrir que a ex tem outra pessoa (I spotted him on Instagram / Followed him about for a bit), são exemplos de canções que sobressaem no modo como a gravidade vocal de alguém que se recusa a cantar e apenas declama, como se estivesse constantemente encharcado em álcool e numa manhã difícil depois de mais uma noite plena de aventura, é ampliada pela orgânica das cordas e pelo modo como alguns elementos percurssivos conjuram entre si para arquiteturar inquietude e mistério, já o baixo vigoroso e o sintetizador vintage de “I'm Not Your Dog”, a batida lenta mas indesmentivelmente hipnótica de “Saliva Hog” e, num registo mais clássico e chill, o monumental jogo de cintura constante, que o saxofone e a guitarra executam em “Sleep People”, com tremenda fluidez e incomparável bom gosto, aprisionam-nos nesse tal universo sujo, reacionário e até criminoso, mas de um modo bem mais sereno e contemplativo e, por isso, talvez ainda mais perigoso.

Em ‘The Night Chancers’, o spoken word Dury, na altivez dos seus quarenta e oito anos, assume que vive num período negro e algo conturbado da sua existência. Escuta-se o álbum e percebe-se facilmente que, para ele, todos aqueles que o rodeiam não são de confiança, incluindo o próprio, a vida resume-se ao hoje, ao aqui e ao agora. 

O dia a dia é vivido enclausurado entre quatro paredes de duvidosos quartos de hotel, tendo como única companhia os pensamentos obscuros pelos quais se deixa manipular mais vezes que o recomendável e as noites das quais restam, geralmente, vagas memórias, são, uma após outra, sem intermitências, nada serenas ou agradáveis.

Refletir sobre toda esta trama musicalmente e expo-la sem particular receio ou filtro, do modo que Baxter o faz, com crueza, despudor e até desprezo por quem se queira predispor a ouvi-lo e ajudá-lo, pode não ser um exercício de exorcização minimamente eficaz, mas é um facto que artisticamente resulta, até porque, se calhar são mais do que se pensa aqueles que se podem sentir realmente identificados com toda esta narrativa de vida tão peculiar e realista e que, se todos refletirmos sem medo, espelha aquilo que é a verdade de tantos hoje, na dita sociedade ocidental contemporânea.

Espero que aprecies a sugestão...

Capa do álbum ‘The Night Chancers’ Tracklist:

I’m Not Your Dog

Slumlord

Saliva Hog

Samurai

Sleep People

Carla’s Got A Boyfriend

The Night Chancers

Hello, I’m Sorry

Daylight

Say Nothing

Avaliação pelo HeadLiner: ⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐ (7 numa escala máxima de 10)

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Review escrita por João Tavares.

### Autor do blogue Man On The Moon no qual publica, desde 2008, análises bem pertinentes às bandas e artistas mais interessantes do momento. Sem dúvida uma das leituras mais aconselháveis sobre música indie e alternativa em português de Portugal. ### Outras análises musicais em: stipe07.blogs.sapo.pt/

Já está nos escaparates ‘Man Alive!’, o quarto e novo registo de originais do britânico Archy Marshall, que assina a sua inusitada música como King Krule e que nos oferece mais um alinhamento de catorze canções, gravadas entre os estúdios Shrunken Heads, em Nunhead, Londres e, mais tarde nos estúdios Eve, em Stockport, no norte de Inglaterra, para onde teve de se mudar após o nascimento da sua filha.  Co-produzido por Dilip Harris, ‘Man Alive!’ sucedem ao intimista registo ‘The Ooz‘ (2017) e que fazendo, com a ajuda de Ignacio Salvadores (saxofone), George Bass (bateria), Jack Towell (vocoder) e James Wilson (baixo), interseções únicas entre o rock, a pop, o jazz, o rap, a eletrónica ambiental e o próprio punk lo-fi, proporciona-nos uma experiência sensorial única e até intrigante, já que cada audição é uma janela de oportunidade que se abre para descobrir mais um efeito, uma nuance, um flash, uma corda ou uma nota que ainda não tinha sido captada pelo nosso âmago.

Archy Ivan Marshall, o artista por detrás do projeto King Krule

Guitarrista de formação, mas mestre na arte de sobrepôr a mais variada míriade instrumental que a sua profícua mente o induza a usar para adornar as composições sonoras que cria, King Krule revela-se, neste ‘Man Alive!’, também um exímio contador de histórias, tal é o travo de autenticidade poética das mesmas e que andam muito à volta do nascimento da sua filha, resultado da relação com a fotógrafa Charlotte Patmore e como esse evento o fez mudar de uma vida de bastantes períodos de bonomia, para uma realidade em que existe o foco concreto de ter de ser um bom pai e proporcionar à filha, material e emocionalmente, tudo aquilo que precisa.

Assim, na cosmicidade boémia que abastece, na sobresposição entre guitarra e metais, “Cellular”, no cru minimalismo ecoante de "Supermarché”, no rap nebuloso e futurista de “Stoned Again“, na intrigante “Comet Face”, no rock experimental repleto de groove de “Alone, Omen 3″ ou no soturno blues de “Perfecto Miserable”, encontramos alguns dos melhores momentos de um alinhamento onde não falta luz, optimismo e perseverança, criado por uma das personagens mais queridas da indie britânica atual e que se expõe bem menos caótico e confuso do que antes e mais aprumado e organizado, fruto, certamente, de uma nova dinâmica existencial certamente mais feliz e que ‘Man Alive!’ claramente exala.

Espero que aprecies a sugestão...

Capa do álbum ‘Man Alive!’

Cellular

Supermaché

Stoned Again

Comet Face

The Dream

Perfecto Miserable

Alone, Omen 3

Slinsky

Airport Antenatal Airplane

(Don’t Let The Dragon) Draag On

Theme for The Cross

Underclass

Energy Fleets

Please Complete Thee

Avaliação deste álbum pelo HeadLiner:

⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐⭐

  (8 numa escala máxima de 10)

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Review escrita por João Tavares.

### Autor do blogue Man On The Moon no qual publica, desde 2008, análises bem pertinentes às bandas e artistas mais interessantes do momento. Sem dúvida uma das leituras mais aconselháveis sobre música indie e alternativa em português de Portugal. ### Outras análises musicais em: stipe07.blogs.sapo.pt/