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Convierten en libros las fachadas y paredes de muchos de sus monumentos. Narran historias divididas en pequeños azulejos, como píxeles, como si cada uno de ellos fuera una palabra que vamos leyendo hasta conocer la historia que nos cuentan.

Fue el siglo XIX cuando se vivió la edad de oro del azulejo.  Hoy, nuestros sentidos se ven atrapados por esas enormes obras de arte y se detiene el tiempo para poder interpretarlas. Ver como cada uno de los azulejos compone un puzzle gigante. Son varios los monumentos en los que podemos admirar estos extraordinarios trabajos:

1. Iglesia del Carmen.

Su autor Silvestre Silvestri ilustra la leyenda de la fundación de la orden carmelita. 1912

2.Capilla de las Almas.

Sus espléndidos paneles muestran escenas de la vida y muerte de varios santos. “Muerte de San Francisco de Asís” “Martirio de Santa Catalina”, “El santo en presencia del papa Honorius III”. En total existen 15.947 azulejos, obra todos ellos de Eduardo Leite.

3. Iglesia de San Ildefonso.

Sus paredes están decoradas con 11.000 azulejos de Jorge Colaço, con escenas de la vida de San Ildefonso y alegorías de la Eucaristía. 1932.

4. Iglesia de San Nicolás.

Otra buena muestra de la arquitectura religiosa que se realizaba en la ciudad a finales del siglo XVII. Su fachada se encuentra recubierta de azulejos, de composición geométrica en azul y blanco. 1671.

5. Iglesia San Antonio de los Congregados.

Su fachada es de un barroco sereno con enormes ventanales, en la que destaca la decoración de azulejo azul narrando la vida de San Antonio, obra de Jorge Colaço.

6. Estación de San Bento.

La colección más extraordinaria de la decoración con azulejos que podemos encontrar en Oporto, diseñados por Jorge Colaço en 1930, y que consta de unos veinte mil azulejos mostrando escenas de batallas históricas. Estas composiciones se encuentran en el vestíbulo principal de la estación y decoran las cuatro paredes del mismo.

BEATA OCAÑA, ARTE Y FILOSOFÍA.

José Pérez Ocaña,  artista multidisciplinar, director de teatro, guionista, pero sobre todo performan y artista plástico. De origen sevillano (Cantillana, 1947), marchó del pueblo en busca de un mejor futuro y huyendo se las criticas de los vecinos.  

Se instaló en Barcelona en 1971, ciudad en la que sentía que podía expresarse con libertad su sexualidad, ya que se definía como “homosexual reconocido” (palabra que no conoció hasta su llegada a la ciudad condal). Se definía como anárquico, afiliado a la CNT y ateo, aunque tenia una estrecha relación con la religiosidad. Cantillana es un pueblo de profundas tradiciones católicas ya que la vida del pueblo durante 4 meses se para para vivir las fiestas de las Asunción y la Pastora. El se nutrió de toda esta religiosidad hasta que se marcho hacer el servicio miliar y es cuando comenzó a dejar de creer. No por ello dejo de admirar y destacar el arte religioso, comentaba que el al ver y engrandecer a las imágenes religiosas lo sentía como un elogio a la trayectoria a los artistas que las han hecho. 

Murió prematuramente haciendo lo que más le gustaba, actuar. Durante el carnaval de su localidad, se vistió de Sol, que realizo con papel mache alambre y bengalas. Este salió ardiendo, provocandole severas quemaduras que le llevarían a morir pocos días después tras agravarle una hepatitis que padecía. 

su trayectoria artística es muy extensa y variada, muy sonadas son sus performance por las Ramblas, en las que en escasos minutos se reunían junto a el y sus amigos cientos de personas. Según el propio artista su intención era llamar la atención y hacer feliz a quien las viese. Habitualmente se solía pasear travestido por las calles sin topa interior, levantándose los vestidos al pasar junto a personas mayores o el clero. Ademas con frecuencia actuaba en bares locales cantando temas populares cambiando la letra. Su primera performance, la hizo en las jornadas libertinas de Barcelona, donde cuando comenzó a llover se empezó a desnudar sobre el escenario ante mas de 7000 personas. Acto por el cual casi le prohíbe la CNT que volviese actuar , por la cual se plantearon retirar su afiliación.

Las obras que mas se conservan de el aunque la mayor parte de ellas nunca han visto la luz son pictóricas y escultóricas, ya que están en poder de la familia que aun esperan la realización de un museo en su pueblo natal. Entre todas sus esculturas destacan cuatro notablemente, la Asunción y la Pastora de Cantillana, la Macarena y el Sol con el que murió. Estas esculturas las usaba también para sus teatros y performance. Entre sus pinturas destacan las escenas cotidianas de la vida del pueblo, las viejas, los entierros, la religiosidad o los campos. Su estilo como muchos dicen no puede catalogarse, pero podría decirse que es algo naif.

Toda su obra podría decirse que fue muy atrevida y reivindicativa en una sociedad que comenzaba a vivir cambios, tras años de represión. Como su amigo el dibujante Nazario decía “si no hubiese muerto joven seria un artista mucho mas reconocido”.

Tras su muerte fueron numerosos los artistas que le hicieron su pequeño homenaje, entre ellos antonio gala que escribió “Romance a Ocaña” al cual le puso voz Carlos cano y actualmente versiona Pasión Vega. desde su apertura, la galeria Rosa la Vietnamita esta haciendo una importante labor en divulgar la obra de Ocaña.

Fotos 1/2/3: https://larosadelvietnam.blogspot.com.es/2008/07/los-modelos-de-la-ocaa.html

Foto 4: https://larosadelvietnam.blogspot.com.es/2013/01/ocana-en-andalucia-1-la-exposicion.html

Foto 5: https://comunadeicaria.blogspot.com.es/2013/05/ocana-pintor-naif.html

Foto 6: http://yosoypastoreno.blogspot.com.es/2014/02/iconografia-de-la-pastora-de-cantillana.html

Información:

- https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_P%C3%A9rez_Oca%C3%B1a

- Homenaje a Ocaña, programa la Edad de Oro de TVE, https://www.youtube.com/watch?v=QXBPTDGbtfs

-Conferencia Ateneo de Barcelona, https://www.youtube.com/watch?v=QKWb8n___yo&t=2s

ATBAT ÁFRICA

Sus arquitectos fueron  Georges Candilis y Shadrach Woods.  En 1951, marcharon a África para dirigir la filial de Atelier des Bâtisseurs, fundado por Le Corbusier. 

El proyecto se centro en la construcción de numerosos edificios residenciales en las antiguas colonias francesas del norte de África (Casablanca).

El proyecto surgio de forma experimental con la intención de romper la tradición de la vivienda musulmana con patio, pasando esta a la altura, formando patios en discontinuidad, a modo de amplias terrazas. La posición de las terrazas permite refrescar las viviendas de la radiación directa del sol, pero permite una buena iluminación y ventilación en el interior de las viviendas.

el acceso a las viviendas se realiza a través de un corredor que se comunica entre plantas mediante una escalera en sus extremos del edificio. Las viviendas de planta rectangular están superpuesta unas sobre otras y los patios poseen un desfase de media vivienda entre plantas.

En la actualidad el proyecto se ha distorsionado y presenta un avanzado estado de dejadez. los patios originales en la mayoría de los casos han sido eliminados, tapiándolos e incluyéndolos en las viviendas para conseguir mayor habitabilidad. 

Museo Soumaya es una institución cultural sin fines de lucro fundada en 1994 que cuenta con dos recintos en la Ciudad de México, Plaza Loreto y Plaza Carso.  Su labor principal es compartir la colección de Fundación Carlos Slim que ofrece más de 30 siglos de arte americano y europeo, en espacios de encuentro para todos, que motiven la reflexión y el diálogo en el panorama cultural latinoamericano, mediante el compromiso y la acción social.  El nombre del museo honra la memoria de Soumaya Domit,esposa del empresario y fundador del museo, Carlos Slim, fallecida en 1999.

El edificio de su sede en Plaza Carso fue diseñado por el arquitecto mexicano Fernando Romero. Se inauguró el 19 de marzo de 2011. Está abierto los 365 días del año y el acceso es gratuito. El museo conserva una amplia colección de arte cercana a las 70,000 piezas.

El Museo Soumaya forma parte de un proyecto a gran escala de uso mixto y desarrollo urbano en el borde del distrito de Polanco, una de las zonas más exclusivas de la ciudad de México D.F. Se encuentra ubicado en una antigua zona industrial que data de la década de 1940 que hoy presenta una muy alto potencial comercial.

Con el fin de crear una nueva identidad para el lugar y adquirir una presencia urbana, el Museo Soumaya se concibió como una construcción escultórica única y contemporáneo. Su vanguardista morfología y tipología defininen un nuevo paradigma en la historia de México y la arquitectura internacional.

La estructura del edificio se construye con 28 columnas de acero curvado de diferentes diámetros, cada uno con su propia geometría y forma, ofrece al visitante una circulación irregular a lo largo del edificio. Situado en cada nivel del piso, siete anillos (vigas) que proporcionan un sistema de apoyo de la estructura y garantiza su estabilidad. El piso superior es el espacio más amplio del Museo, su techo se suspende de un voladizo que permite que la luz natural del día fluya en libertad.

El espacio público circundante se activa a través de una gran escalera que conduce a la entrada del museo, y que sirve como una plaza informal para los visitantes y lugareños del complejo adyacente Carso. Una piel de 16,000 fichas hexagonales y espejadas de acero, hace referencia a las tradicionales fachadas de cerámica de tejas coloniales y le da al museo una apariencia muy diversa, dependiendo de la hora, la época y el punto de vista del espectador, mientras se optimiza la conservación y durabilidad de todo el edificio.

Beatriz Colomina, es historiadora y teórica de la arquitectura. Reconocida internacionalmente, se especializa en la relación entre arquitectura y medios de comunicación y autora de numerosos libros y artículos. Nació en Madrid, en 1952 y vive desde hace más de 30 años en Nueva York. Docente de posgrado de la Escuela de Arquitectura de Universidad de Princeton y fundadora y directora del programa Medios y Modernidad de la misma Universidad, es una de las más influyentes teóricas y escritoras de arquitectura contemporáneas.

 En 1982, decide trasladarse a Nueva York, donde estudia en el New York Institute for the Humanities. Comparte esa experiencia con personajes como Wolfgang Schivelbusch, Carl Schorske y Susan Sontag, quien le causó una enorme impresión por su manera interdisciplinaria de pensar y trabajar, todavía no frecuente en el campo de la arquitectura.

 En 1994 se edita Privacy and Publicity: Modern Architecture as Mass Media. Este trabajo recibió en 1995 el premio International book award del American Institute of Architects y ha sido traducido a varios idiomas. Es un estudio sobre Adolf Loos y Le Corbusier y su relación con los nuevos medios de comunicación: la fotografía, las revistas y el cine. Esta investigación fue controvertida, y transformó el modo en que entendemos la arquitectura moderna y la crítica de la arquitectura en general.

 Fue jurado de la Bienal de Venecia en el año 2010, jurado del concurso de arquitectura para la nueva sede de la Corporación Andina de Fomento en Caracas, Venezuela. Y presentó Las Mujeres en la Arquitectura en la conferencia Female Forces, 100 years anniversary en la Royal Academy Copenhagen. Beatriz Colomina curará junto a Mark Wigley, su marido, la Bienal de Estambul 2016, cuyo marco conceptual darán a conocer en diciembre de este año.

Frentes de Batalla, E1027.

LA ARQUITECTURA EFIMERA (TEXTIL) DE SEVILLA 

presentamos dos obras que pertenecieron al arquitecto  José Miguel de Prada Poole, experto en estructuras textiles. 

La primera de ella se trata de Heliotron una pista de huelo que se inauguró en Sevilla en 1973. se trataba se una estructura textil inflada, o de neumático como las define su autor, se basa en una cimentación y un sótano realizados en hormigón armado y una cobertura realizada por unos toldos ignífugos. Su parte centrar la formaba una gran pista d hielo la cual se comunicaba con otras de menor tamaño mediante pasillos, en los cuales se proyectaban imágenes en sus lonas. Fue un centro deportivo de gran tirón en la ciudad, teniendo que instalar una linea de lanzaderas desde el prado hasta Montequinto, pero con el paso de los años perdió popularidad y esta obra que fue premio nacional de arquitectura pasó al olvido y abandono.

La segunda se trata del famoso Palenque de la EXPO92, se situaba en los terrenos que ocupa actualmente la torre Pelli, se basaba en una consecución de mástiles  metálicos, con bases de hormigón, los cuales autotensaban las lonas que cubrían una gran extensión, mediante cables de acero. En su interior se encontraban zonas ajardinadas y diferentes puestos y tiendas durante la EXPO, al finalizar esta se instalaron en el diferentes salas d fiesta, destinadas principalmente a la epoca estival. Finalmente el deterioro, abandono, y la carencia de mantenimiento, junto con un nuevo proyecto, provocaron que se perdiera esta construcción. 

En la actualidad aun se conserva una pequeña obra se este arquitecto, en la Gerencia de Urbanismo (AV. Carlos III) esta aunque algo deteriorada por el paso del tiempo, aun se mantiene intacta y con un leve mantenimiento. 

 INFORMACIÓN Y FOTO

https://twitter.com/coasevilla/status/900986484018302976

http://micajondelamemoria.blogspot.com.es/2015/03/hielotron.html

http://www.elcultural.com/revista/arte/De-Prada-Poole/33928

http://dmluna.blogspot.com.es/2015/07/sevilla-perdida-iv-hielotron.html

http://sevilla.abc.es/sevilla/20131221/sevi-palenque-cartuja-derribo-201312202331.html

http://sevilla.abc.es/20120418/sevilla/sevi-agesa-aduce-urbanismo-cumplio-201204180021.html

http://www.verdeden.com/plog/20-anos-de-paisajismo-de-expo-92-xi-los-espacios-publicos-y-iii/