#chapomr.ui

Por Olmo Balam Juárez González

Según uno de sus entusiastas, el traductor español Miguel Sáenz, responsable de la reedición del teatro completo de Bertolt Brecht en nuestra lengua, hacía falta un Arturo Ui simplificado y actual, “sin tanto letrero explicativo”1 y eso es lo que ha sucedido.

Basada en Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui (1941), título traducido como El evitable (o resistible) ascenso, Chapó Mr. Ui es, sobre todo, una oportunidad de conocer a Bertolt Brecht, autor más leído que representado en escena – y no sólo en México.

A 115 años del nacimiento de dramaturgo alemán, el carro de comedias de la UNAM trae esta parábola, una de las piezas didácticas con las que Brecht intentó llevar a primer plano la función social del teatro en un momento clave en que el Tercer Reich conducía, de acuerdo a la propia interpretación brechtiana de la historia, la evolución política europea del capitalismo al fascismo.

La puesta en escena de Rodrigo Johnson y Diego Sosa, recupera y traduce a términos locales esta obra inspirada en el nazismo, transmutado en trust de coliflores y ahora convertido en un símbolo de la violencia que ha florecido en México durante los últimos siete años. Impresión mexicana del texto original o variación del primero, esta versión libre pero respetuosa se ajusta a un escenario dúctil pues trata sobre ese imponderable que es nuestra realidad política, realidad que ni el arte ha sido capaz de explicar.

El espacio dramático es dúctil como lo debe ser cualquier puesta en escena del carro de comedias. La atmósfera cabaretesca, de terciopelos rojos, sombreros y tirantes, es en gran medida responsabilidad de la encargada de vestuario, Adriana Olivera, quien logró ese espíritu visual de los años de la prohibición en Estados Unidos.

El juego con los espacios es la principal característica formal: la agilidad con que muta la escenografía, el entrar y salir de personajes que emplea a fondo a los actores, que también ejercen de tramoyistas y músicos. A veces el borde del escenario es un abismo, otras, un simple escalón. Afortunadamente la obra no quedó rastrada por el humor slapstick o las groserías como otra obra del carro de comedias, La paz de Aristófanes, puesta en escena de Juan Carlos Vives.

Cabe dudar de la pertinencia de establecer la obra en un sitio tan luminoso y colorido como lo es la explanada del Teatro Juan Ruíz de Alarcón a las once de la mañana; esta conjunción es el contrapunto más violento. Obra sobre gánsteres en un país solar, pues.

Y sin embargo, la obra no confunde al espectador respecto al tono, el tono lúgubre no se desploma, pues no se fuerzan los gestos de los actores hasta el territorio de la mueca. Quizá sea ese el mayor reto de cualquiera que trate de adaptar esta obra de Brecht, no caer en la tentación de la parodia fácil de Hitler o en la de convertir la farsa en una comedia. Los actores y la dirección siguieron con éxito una de las pautas expresas del texto original: “utilizar máscaras, tonos y gestos prototípicos, pero evitando la parodia y lo cómico debe ir acompañado de lo horrible”2.

Lo mejor, como era de esperarse, puesto que es Brecht, son los diálogos y rimas brutales, el raudal de escenas el humor negro en torno a la muerte, la hipocresía y la extorsión. Pero también comparte algunas de los puntos débiles del autor, como lo es su interpretación política de los personajes. Así como muchos nazis en la literatura, los narco-políticos mexicanos excusan cualquier exploración ulterior.

El drama político se acerca peligrosamente a esa tradición de cartones, de la que Rius es padre fundador, o incluso a una sátira fílmica como la de Luis Estrada en El infierno (2010). La enseñanza de la obra, pues es una parábola, de que el gobierno mexicano es igual al narco, es igual de simplista que la conclusión brechtiana de que el capitalismo es el reflejo único del fascismo, una de las obsesiones del autor de La vida de Galileo. 

política (igual que en Brecth) pero necesaria pues vuelve a mostrar como en uno de sus versos, que el enemigo que habla del propio enemigo, proviene de ese vientre aún fértil

que, al parecer, no se detendrá en breve.

Por Amin Vera

“La resistible ascensión de Arturo Ui”, fue escrita apresuradamente por Bertolt Brecht en 1941, durante el cenit de la ofensiva militar nazi sobre Europa. Consistía en una sátira política, que retratara a Hitler desde un ángulo contrario al del victorioso conquistador que recién se había apoderado de Yugoslavia y Grecia. Sino como el capo de un grupo de ladronzuelos, que se habían adueñado del poder político a punta de pistola, y que ahora amenazaban con dominar la URSS por la fuerza de los ejércitos.

Obra cuyos fines rozaban la propaganda de guerra, sobrevivió a su marco histórico por la veracidad de su denuncia. Por mostrar la necesaria simbiosis entre el capitalismo imperialista, el fascismo como forma de gobierno, y la delincuencia organizada. Facetas de un mismo sistema que se asoma nuevamente, con sorprendente nitidez, en el México contemporáneo. De ahí la urgencia por su reinterpretación y puesta en escena.

El trabajo de Rodrigo Johnson como director, no defrauda. Cada actor encarna adecuadamente sus múltiples personajes y no pareciera haber una mejor asignación. La adaptación en colaboración con Rodrigo Sosa, respeta el escenario original de Chicago en los tiempos de Al Capone, pero logra incorporar sutiles referencias a nuestro propio tiempo y lugar. Al final, no faltó quien gritara desde el público las siglas del partido político en el poder.

Junto a Adriana Olivera en el diseño de vestuario, y a Emiliano González en la dirección musical, han logrado para el carro de las comedias una tarea harto compleja. Una comedia teatral incisiva, de época y con arreglos musicales. Pero que al mismo tiempo cabe en un camioncito, tan pequeño que parece que se va convertir en camioneta.

En su papel de Arturo Ui, Luis Rodríguez es el protagonista y cabeza del cártel. Su actuación es seductora y coqueta, aunque no queda claro si por una exigencia del personaje o por un exhibicionismo de los que enloquecían a Stanislavsky. De cualquier manera, el resultado final es bueno.

Porque el Ui mexicano tiene pinta de galán de telenovela. Encarna a un gángster astuto y carismático, pero profundamente inculto e ignorante. Un criminal eficiente, pero mediocre en la arena política; siempre necesitado de asesores que maquillen su imagen frente a los medios. Un mujeriego cuya amante de planta es una puta travestida, pero que logra arrancar el aplauso sincero de los espectadores, con una mezcla de coerción y descaro. Un aplauso que lo transforma en un Electo Por la Nación (o E.P.N.).

David del Águila interpreta a Girivola, fusión de dos personajes en el escrito original, llamados Giri y Givola. Acuse fonético de los nombres de altos mandos de la jerarquía nazi, como Göring o Goebbels. Representa al mafioso ejecutor, mera herramienta de la verdadera mafia de cuello blanco. Un matón de mente especialmente torcida, que disfruta el asesinato al grado de desarrollar con él un repugnante fetiche.

Pero al mismo tiempo, un hombre desesperadamente necesitado de reconocimiento. Débil e incapaz de enfrentarse al jefe que le prodiga un poco de su valiosa atención. Un rasgo psicológico que el actor no alcanza a transmitir con la misma intensidad quemuestra su gusto por la violencia y la vida desordenada. Por lo demás, su desenvolvimiento es constante a pesar de ser el más demandante físicamente. Y es quizá, el más evidente a la hora de agradecer las intervenciones de un público que no siempre está acostumbrado a interactuar con la escena.

Como Ernesto Roma, Ana Belém López es sobresaliente. Como una mujer cuyo familiar fue ejecutado, no tanto. Pero el formato le permite crear un hermoso y devastador espejo: se acerca llorando a cualquier transeúnte, preguntando si acaso alguien la escucha. Y una pareja, de verdad, aprieta el paso para poder ignorarla mejor. Cruel recuerdo de los colegas del Movimiento por la Paz con Justicia y Dignidad.

A Cecilia Ramírez, se le notan la edad y las tablas. Combinación ganadora a la hora de interpretar al viejo Dogsborough, con una pantomima que muestra su hábil manejo del recurso. Pero no tan feliz al momento de entrar en el ajustado y provocador vestido de Betty Dullfeet.

Mariano Linares sufre con la técnica de sus títeres, sobre todo en la voz. Pero deslumbra con la roja peluca del travesti. Al verlo santiguarse ante un Ui crucificado como Cristo, un perplejo niño entre el público pregunta interesadamente al que lo acompaña: -¿Ese es hombre verdad?

-¡Si, es hombre!- le responde el otro con la emoción del descubrimiento. En su actuación resuenan los ecos de Buñuel, cuando afirmaba que “la perversión de la infancia nos parecía una de las formas de subversión más atractivas”i.

Finalmente, Sotero Castrejón representa la reflexión de la obra sobre sí misma. Un actor que da vida a un actor atrapado por la forma y la técnica de los clásicos. Cuyos gestos reflejan tal teatralidad, que el exceso se torna caricatura. Pasos ensayados, para que se note que el personaje camina. Y que nos hacen captar de golpe una realidad solo entonces evidente.

Ese es el gran acierto y el gran error de Chapó Mr. Ui. Quedarse, como su nombre lo indica, en el simple gesto de aprobación al delincuente. El objetivo primordial de la comedia se ha cumplido. El receptor ríe, porque se ha visto a sí mismo y a su sociedad en un reflejo aumentado y grotesco.

Pero un cliché bien usado, por mas difícil que sea de lograr, corre el riesgo de caer en el chiste fácil si no es acompañado por un trabajo que subraye la reflexión. Según el propio Brecht, en su obra “se deben utilizar máscaras, tonos y gestos prototípicos, pero evitando la pura parodia, y lo cómico debe ir acompañado de lo horrible”ii.

  Por Saúl Campos Cadena

Abordar a Bertolt Brech, autor de títulos como “Madre Coraje y sus hijos”, es siempre un trabajo interesante, ya que las visiones de los hechos sociales que el autor alemán plantea sobre sus textos se manejan con entera genialidad y frescura.

Bretch escribe “La resistible ascensión de Arturo Ui” en 1941, contando la historia de un gángster de Chicago en pos de adueñarse del mercado de las coliflores a como dé lugar, con éste personaje, hacía una clara sátira a Hitler y su régimen Nazi. Ahora, cuando veo a la compañía del Carro de Comedias de la Unam tomar el texto de Bretch y montarlo en nuestro país, puedo ver reflejado un gran trabajo de producción detrás, un equipo actoral sólido, y un talento innegable en escena.

Rodrigo Johnson y Diego Sosa básicamente toman el texto original, le quitan a Hitler, lo montan y ¡funciona!, la historia de cómo el deprimido gángster Arturo Ui se vale de varias artimañas como chantajes, amenazas, asesinatos y extorsiones, para lograr tomar el control de la ciudad y más tarde del país entero bien se puede personalizar al panorama político de éste país, sin necesidad alguna de profundizar en situaciones específicas de la historia política de México, el texto se adapta cual divina casualidad dentro de las situaciones viles que el gángster comete a lo largo de la trama, a las situaciones que en México conllevan al poder.

Más allá de la diversión, el Carro de comedias de la Unam siempre se ha caracterizado por acercar al espectador textos que poseen actualidad, es magnífico el hecho de que la Unam no se mantiene ajena a lo que pasa y responde con algo tan bello como lo es el teatro. Así pues podemos entender un sentido de educación social que propone cada montaje, con una base esencial que es quitar totalmente la cuarta pared y confrontar al público con el texto.

La reacción del público para con la puesta es bastante buena, entre cada línea o acción que se desenvuelve la audiencia logra identificar y asociar elementos de la trama con la cotidianeidad y los expresa abiertamente, además, la interacción que la compañía mantiene con el público es fenomenal, ya que hace parte al espectador de la obra, cada persona sentada se convierte en un cómplice más de Arturo Ui y sus secuaces.

Un factor clave que mantiene el ritmo de la obra es la agilidad que mantiene la coreografía, que no sólo aprovecha el escenario, sino que limita a la redonda el territorio actoral para adentrar al público al escenario, el público es entonces como espectador el principal actor. En el escenario, los movimientos son acrobáticos, vertiginosos, firmes y circunstanciales. Toda la obra se desarrolla mediante un cambio de personajes en una estructura metálica que recrea lugares a través del movimiento de sus telones y los efectos de musicalización (originales de Carlos Warman) perfectamente coordinados (e interpretados en vivo por la propia compañía), lo cual permite una fácil digestión de los espacios temporales y entendimiento de las acciones.El vestuario, diseño de Adriana Olivera, va siempre apegado a la época en la que se desarrolla la historia (1930), desde la usanza de las gabardinas y sombreros a los trajes a rayas tan clásicos del mundo gángsteril.

son los talentosos actores que dan vida a ésta historia, siendo diversos personajes, a veces víctimas, otros victimarios, pero siempre cómplices, bajo la dirección de Johnson que con su vasta experiencia guía el montaje para ser entendible para todo el público, guardando un ambiente de humor negro bastante crudo que

aborda de manera directa y con una dinámica participativa.