(82) Reseña escrita por: Aldo M. Tena

Director: Edgar Wright

Guion: Edgar Wright y Krysty Wilson-Cairns

Actúan: Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy y Matt Smith

La nostalgia es algo que constantemente, a algunos más que a otros, alimenta sueños e ideas vagas sobre un pasado que normalmente desconocemos casi del todo. Solemos decir que tal década o tales años en el pasado fueron mucho mejor; que las películas, música, libros, etc, estaban mejor hechos que ahora en el presente. En gran medida se suele acertar, pero es cuestión de gustos al final de todo. Pero no todo fue antes un lugar seguro para el ser humano, o para una gran parte de su población, en el pasado también existían grandes callejones oscuros y sin salida.

Eloise (protagonista de la película) viaja a Soho para matricularse en diseño de modas en la universidad. Al verse agobiada inicialmente por sus compañeras de residencia, decide irse a vivir a una vieja habitación en una calle en el centro de Soho, donde comenzará a tener algunos sueños con una bella rubia de los años sesenta de nombre Sandy, que la dejará encantada mediante su vestuario, la música, un ambiente de fiesta y todo lo que romantiza una década pasada que termina por caerle como anillo al dedo a Eloise, quien ama la música de aquellos años. Sin embargo, los sueños dan un salto hacia la realidad, y la magia que en un principio deslumbraba a Eloise en luces neón, se convierte en una gran sombra de pesadilla.

Edgar Wright se inclina por representar una época que normalmente recuerda la gente por sus momentos buenos, y todo lo que la marcó como una década “ejemplar”, hablamos de los años sesenta. Sin embargo, nos recuerda que no todo es color de rosa. Soho es el escenario perfecto para este ejemplo donde podemos ver mientras avanza como es una película anti nostálgica que retrata el lado oscuro de la calidad de vida de la gente en aquellos momentos. La falta de derechos para las mujeres de la época, el machismo que reinaba en los pubs, bares, y teatros de mala muerte en donde se contrataba bajo engaños a las jóvenes mujeres actrices prometiéndoles un futuro de ensueño, siendo que las forzaban a hacer trabajos sexuales, damas de compañía, y una infinidad de situaciones en las que se veían envueltas y que todo pasaba por debajo de una nube gris que todos ignoraban.

Anya Taylor-Joy interpreta un caso similar. Bajo la piel de Sandy, una joven que se proyecta a si misma como la próxima Cilla Black, y prueba suerte en un club, cuando en la búsqueda se encuentra con Jack, interpretado por (uno de los ex Doctor Who) Matt Smith, quien en un principio se presenta como su futuro manager encantador, que rápidamente la conquista y hace que Sandy caiga perdida en sus brazos. Todo esto lo vemos representado inicialmente mediante pequeños sueños que tiene Eloise que se puede interpretar que son inducidos por la música que ella escucha.

Anya Taylor-Joy se suelta totalmente en su personaje, que junto con Matt Smith en las primeras escenas hacen que el espectador quiera ponerse de pie en la sala de cine para ponerse a bailar las exquisitas melodías que acompañan a los jóvenes amantes. No hay duda de que Taylor-Joy se dirige rumbo a una carrera más que prometedora. Ya la hemos visto en The Witch (2015) en donde debutó en su primer papel protagónico que quedó plasmado en la historia como una de las películas que abrió el regreso al cine de terror “clásico”. Le siguieron una serie de éxitos como: Morgan(2016) en donde se abre paso hacia un formato de ciencia ficción, Split (2016) donde finalmente saltó a la fama a un publico mucho más grande gracias a la dirección de M. Night Shyamalan; y finalmente en el último año The Queen’s gambit (2020) para Netflix y Emma (2020).

A Matt Smith le ha quedado a la perfección este papel que sin hacer más spoiler, su físico y esta armonía corporal con la que se desenvuelve en la pista y los escenarios lo definen como el amante/villano británico por excelencia.

De quien tengo que si o si hacer mención importante, es de quien se lleva toda la película, de principio a fin: Thomasin McKenzie. La actriz neozelandesa de veintiún años cuenta con una filmografía corta, pero muy interesante. Leave No Trace (2018) fue la oportunidad para que los reflectores se direccionaran hacia ella. Un drama enorme que impactó al cine americano en aquellos años y que la llevó a múltiples nominaciones en distintos festivales, ya desde entonces la crítica hablaba mucho sobre su acento y la capacidad de McKenzie de modificarlo de acuerdo a lo requerido. En 2019 viene The King y Jojo Rabbit, donde en papeles secundarios, logró enamorar a la audiencia gracias a su carisma y su enorme talento. Finalmente aquí Thomasin McKenzie brilla por si sola bajo esta trama de terror en Londres, interpreta con una naturalidad y sencillez a una chica universitaria que proviene de una familia en donde su madre se ha suicidado debido a una esquizofrenia no tratada, a su padre no lo conoce, y su única figura a seguir es su abuela, a quien deja en su pueblo natal al mudarse a Soho. Podemos resaltar una infinidad de momentos inolvidables a lo largo de la película, pero me quedo dos de mis favoritos: la escena con la que abre la película en donde ella baila al compás de A World Without Love de Peter and Gordon envuelta en un vestido de periódico, y el momento de la fiesta de Halloween, en donde el maquillaje hace lucir sus hermosos y enormes ojos azules, nuevamente al ritmo de otra gran canción, Happy House de Siouxsie and the Banshees.

La espectacular fotografía está a cargo del surcoreano Chung Chung-Hoon quien ha trabajado en It (2017) y Stoker(2013) entre otras más; queda en la memoria del espectador al recordar cada escena bajo las luces neón azules y rojas que empapaban los rostros de los actores, añadido a esto un exquisito soundtrack con The Kinks, Dusty Springfield, Cilla Black entre muchos otros grandes de la época. (Un paréntesis aquí, Anya ha hecho un cover espectacular de la canción Downtown de Petula Clarkque es increíblemente disfrutable.) La corona para que esta ambientación sea perfecta, se la lleva la británica Odile Dicks-Mireaux quien diseñó cada uno de los vestidos que luce Anya Taylor-Joy y Thomasin McKenzie para lograr este look sesentero.

Edgar Wright junto con la guionista Krysty Wilson-Cairns, han logrado una vez más una película magistral. Tal vez la mejor en toda su carrera. Wright acostumbra musicalizar muy bien cada una de sus películas, anteriormente casi siempre comedias, como la Three Flavours Cornetto trilogy (2004-2013) y Baby Driver (2017) todas ellas cuentan con un soundtrack memorable y muy pegadizo. Incluyendo también su toque cómico, que recordemos, más de la mitad de su trabajo son películas de comedia negra, o sátira.

Además de que en esta ocasión sus personajes principales son mujeres, quienes a lo largo de toda la película tienen un crecimiento reflexivo muy importante, dando énfasis al lado femenino, la búsqueda por la justicia en cierto modo mediante sus respectivos roles.

Last Night in Soho es para mi una de las mejores películas de todo el 2021, buenas actuaciones, una trama nada predecible, buena música, fotografía increíble, y sobretodo una historia que siempre estará vigente no importa que tanto tiempo pase.

(77) Reseña escrita por: Y. G.

Dirige: Barry Levinson

Guión: Barry Levinson

Basada en Sleepers de Lorenzo Carcaterra

Actúan: Kevin Bacon, Brad Pitt, Robert de Niro, Jason Patric, Dustin Hoffman, Ron Eldard, Minnie Driver, Billy Crudup, Brad Renfro, Jonathan Tucker, Geoffrey Wigdor Joseph Perrino.

Si alguna vez han visto Disclosure- protagonizada por MIchael Douglas y Demi Moore- que nos remonta a la década de los noventas en un thriller erótico, o bien se encontraron en su camino con The Bay- terror documental sumamente disfrutable-, estrenada más recientemente, entonces hallarán en Sleepers una forma distinta del trabajo de Barry Levinson, director de estos tres títulos cuyas historias no dejan indiferente al espectador.

Cabe mencionar que es una película fuerte, aunque su contenido no es explícito, hay escenas en las que te imaginas lo que no se muestra y puedes caer en la indignación, la reprobación, el asco, el enojo, etc. Está basada en un libro escrito por Lorenzo Carcaterra, quien cuenta lo ocurrido en modo autobiográfico, aspecto que lo acerca más a una realidad que todos sabemos o sospechamos sucede fuera de la pantalla, en el mundo que nos rodea, en cárceles, en la calle, en nuestros propios hogares.

En resumen, Sleepers cuenta el lazo de amistad entre cuatro amigos que se conocen desde niños y que viven en un barrio peligroso de Nueva York y que por una broma cometida en su adolescencia son remitidos a una reformatorio juvenil donde serán víctimas de múltiples abusos durante su estancia. Su vida después de aquella horrible época los marcará en el futuro, siendo adultos y creyéndola superada se reencuentran con el pasado que les arruinó.

El mensaje que, a título personal, deja la cinta es la importancia de la amistad. El final no es feliz para todos los personajes, pero no tenemos la sensación de su ausencia, puesto que la unión entre los amigos rebasó todo. La vida es brutal en ocasiones y tener a quienes te la hacen llevadera es el motor suficiente para seguir.

Por si no lo habían notado, el elenco es de grandes ligas y los personajes parecen hechos a su medida. Robert de Niro en su papel de cura e incondicional de los cuatro amigos hace que se le quiera aún más ver en la pantalla. Kevin Bacon interpreta al guardia que seguramente odiarás; Brad Pitt se convierte en una víctima y posterior orquestador de una venganza en los límites entre lo legal e ilegal; Dustin Hoffman es un abogado alcohólico y drogadicto que sorprende con su desempeño aún con sus limitaciones; y un gran etcétera porque cada uno de los personajes y actores(ices) merecen quedarse en la memoria.

Barry utiliza varios recursos para contar la historia sin que sea aburrida o atiborrada de elementos. De inicio a fin no te despegas y ansías conocer lo que viene. Es la clase de películas en las que nos sumergimos en la trama. Sin duda de no perderse.

(81) Reseña escrita por: Y. G.

Director: Rogelio A. González.

Guion: Luis Alcoriza.

Basado en “El misterio de Islington” de Arthur Machen.

Actúan: Arturo de Córdova, Amparo Rivelles, Antonio Bravo, Elda Peralta, Guillermo Orea.

Considerada una de las mejores películas en la historia del cine mexicano, El esqueleto de la señora Morales forma parte de la selección de cintas que hemos hecho para este mes patrio. Sin embargo, es necesario tener algunos puntos a considerar con esta recomendación.

Cuando hace algunos años la ví por vez primera se colocó como quizás mi favorita del cine mexicano. Arturo de Córdova me cautivó con su papel y actuación- es la pieza clave que logra que funcione a la perfección-; el manejo de cámaras, las tomas que llegan a recordar a The Hunting (1963) pero con el humor de la que aquélla definitivamente carece por ser de un género distinto; el propio planteamiento de algunas situaciones y personajes que sale del común denominador y que por ende es más atractivo y fresco para los espectadores. Vaya, es una buena película en ese sentido. Hace unos días que la volví a ver, me percaté del cambio de mí frente a ella.

Somos seres en constante cambio, el mundo cambia. Cómo percibimos las cosas hoy no será igual que en un futuro. Y aunque el cine no deja de ser una representación en pantalla, por muy apegada a la realidad o muy alejada de la misma, su repercusión es verdadera y efectiva desde que surgió como técnica y arte. Y menciono esto porque como en muchas cintas, las interpretaciones que le damos a su contenido puede salirse de lugar si como público no somos responsables y no lo dejamos como una simple película. En anteriores ocasiones sentí la necesidad de tener este paréntesis por los temas de varios de los metrajes que he reseñado (abuso sexual, maltrato infantil, gaslighting, etcétera).

Esencialmente El esqueleto de la señora Morales es una sátira de la vida en matrimonio, uno disfuncional que termina en tragedia. Él es un taxidermista que encuentra en su trabajo, el alcohol, sus amigos y sus pequeños gustos como la carne y las cámaras el escaparate a la infelicidad que le causa su esposa. Ella es una mujer con una enfermedad que le ha deformado la rodilla y que la ha acomplejado y alejado del mundo, la religión es todo lo que conoce y cumplirla lo que anhela, es feliz haciendo miserable la vida de su esposo. Ambos caen en un juego de quién aguanta más, llega el crimen y cuando creíamos que al menos uno había salido bien librado, la suerte se esfuma por un despiste del perpetrador.

El feminicidio es un grave problema de nuestra sociedad hoy más que nunca. En cierto modo, creer que porque tu pareja te haga la vida difícil- como lo plasma la película- tienes derecho a matarla, solo justifica la idea y el hecho. El protagonista se sale con la suya y esquiva la ley. En la realidad, los crímenes impunes de esta índole se suman a diario.

No pierde su mérito en cuanto a propuesta técnica, las actuaciones valen mucho la pena, es un género no explorado con frecuencia en México y que pertenezca a él es un punto a favor, su final de vuelta de tuerca también un acierto. El trasfondo de la historia y de lo que significa en el contexto actual es el elemento de cuidado. Pero como ya mencioné, solo es una película.

(78) Reseña escrita por: Aldo M. Tena

Director: Luis Javier Henaine. Guion: Alejandra Olvera Ávila. Actúan: Luis Arrieta y Cassandra Ciangherotti.

He elegido Tiempos Felices para iniciar este Ciclo de Cine Mexicano por la habilidad con la que Luis Javier y Alejandra Olvera ambos responsables detrás de esta pequeña película, lograron hacer de dos géneros tan trillados en los últimos tiempos del cine mexicano, el romance y la comedia, se convirtieran en un material audiovisual bastante atractivo y que recompensara a quienes buscábamos una película con tintes un poco más llamativos a los usuales en la industria del cine nacional. Cómica, arriesgada con sus personajes tan excéntricos en momentos, y en su extraña línea del tiempo; esta película es digna de curar heridas respecto al cine comercial mexicano.

Max (interpretado por Luis Arrieta), el personaje principal de la película, es un adulto joven que no encuentra la forma de cortar con su enigmática novia Mónica (interpretada por Cassandra Ciangherotti) una chica sencilla, súper romántica y en ocasiones muy empalagosa, pero casi siempre divertida. De recomendación en recomendación, Max llega a una agencia de nombre Abadon en donde supuestamente le resolverán este problema y se encargarán de cortar con su novia por él. Después de llenar algunos formularios, y liar con un sistema burocrático y sospechoso, la acción comenzará, pero con los métodos más extraños jamás vistos. Así es como Max y Mónica serán víctimas de esta singular agencia que más que separarlos los tendrá muy confundidos.

Se destaca casi enseguida de iniciar la película la bella fotografía que han logrado. Basada en la Ciudad de México de los años setentas, podemos ver el gran trabajo de escenografía, vestuario, y decoraciones. Desde los autos, las calles, algunos edificios que han podido sobrevivir al paso de los años, el cine y la exquisita dulcería que se muestra en la primera parte de la película, las barberías y un sinfín de locaciones que nos invitan a viajar en el tiempo a la vez que disfrutamos de una comedia bastante inusual y actual.

Luis Arrieta encarna bastante bien a el tipo de hombre que no tiene claros sus propósitos, es inseguro a la hora de decidir, y con respecto a su situación. Más, sin embargo, muy dentro de su personaje sabe que él ama profundamente a su novia. Mientras tanto Cassandra Ciangherotti luce increíble en este papel irreverente de la chica que es casi incapaz de dejar a su novio, y en cambio en ocasiones suele rebasar ciertas fronteras de privacidad, o confianza hasta el punto de lograr que Max se sienta ahogado por su afecto extremo. Destaca en Ciangherotti la naturalidad con la que se adapta a un personaje tan común en la vida real, casi parece que pudiera estar representándose ella misma.

El humor que podemos ver es un tanto inusual, extraño y en ocasiones para algunos gustos especiales o algo obtuso. Los personajes secundarios y los antagonistas se esconden en un velo cómico que conforme avanza la película van destapándose uno a uno como pequeños objetos encontrados. Por mencionar algunos ejemplos tenemos a la familia de Mónica, una familia totalmente contraria a las buenas costumbres de ella. Su hermana Andrea, aparece como un personaje súper ficticio en la mente de Max, incluso a veces podemos pensar que no existe en realidad. Pero se confirma escenas después.

Entre una mezcla romántica, divertida y misteriosa, Tiempos Felices logró ver la luz gracias a un respaldo detrás de algunas grandes empresas de distribución como lo fue Cinépolis, quien se encargó de distribuirla no sólo en la gran mayoría de salas mexicanas, sino también en Latinoamérica. Es una buena oportunidad de verla siempre que se quiera disfrutar de algo familiar, divertido y nada complicado.

(76) Reseña escrita por: Aldo M. Tena.

Director: M. Night Shyamalan Guión: M. Night Shyamalan Basado libremente en la novela gráfica SandCastle de Frederik Peeters y Pierre Oscar Lévy. Actúan: Gael García Bernal, Vicky Krieps, Rufus Sewell y Thomasin McKenzie.

¡Por fin vemos en pantallas la esperada película del gran M. Night Shyamalan! Después de meses de retraso por los evidentes problemas de la pandemia llega a cines Old, que además de ser una película muy en la línea y a la altura de trabajos anteriores de Shyamalan, sorprende por la forma en que aborda el suspenso en un escenario nada ordinario para narrar una historia de este tipo.

Una familia encabezada por Vicky Krieps (Prisca Cappa) y Gael García Bernal (Guy Cappa) junto a sus dos pequeños hijos Maddox y Trent Cappa, viajan de vacaciones a una playa paradisiaca luego de que la esposa encontrará un llamativo anuncio y cupones en una farmacia. Durante su estancia, el dueño del hotel les ofrece a ellos y a otras familias ir a una playa exclusiva en donde solo algunos han podido entrar. Una vez dentro de esta hermosa playa, las cosas comienzan a cambiar a una velocidad tremenda. Es el tiempo el que será su mayor enemigo, envejecerán a velocidades inesperadas y con ello los problemas crecerán. Todo esto rodeado del mar, y una enorme muralla de rocas de las cuales misteriosamente no pueden volver a pasar.

Un distintivo del director a lo largo de su prolífica y aclamada carrera ha sido la forma en que lleva el suspenso, o como experimenta con el en base a la situación. Recordemos que M. Night Shyamalan es director de películas como The Sixth Sense (1999), Signs (2002) y más recientemente The Visit (2015), que con el paso del tiempo ha logrado atraer al público a su trabajo. Ha experimentado en al menos estas tres películas, tres tipos de narrativas diferentes en el suspenso. Tenemos en The Sixth Sense un vistazo hacia el mundo del terror sobrenatural, dando a su personaje principal la posibilidad de ver a fantasmas, y además de poder comunicarse con ellos. Sings, que en lo personal es una de mis películas favoritas de Shyamalan, juega con la ciencia ficción en esta historia en donde un ex sacerdote, junto con su hija y su hermano menor, se ven acosados por lo que al parecer fuesen extraterrestres. Dañando sus cultivos e incluso su casa. En cuanto a The Visit, entremezcla lo que pareciera sobrenatural en un inicio, para después convertirlo en un auténtico thriller, además de que en toda la película utiliza el recurso de cámara en mano, a cargo de sus dos jóvenes protagonistas que documentan la visita por primera vez en toda su vida a casa de sus abuelos.

Old se arriesga creando una atmósfera de terror y de incomodidad cuando vemos después de los primeros minutos que es el tiempo el que está en contra de los personajes. Las tres familias se encuentran en una playa amurallada por enormes rocas que no pueden escalar, ni pasar por ellas de nuevo. El escenario recuerda un poco a una obra de teatro, por ambos lados los personajes se encuentran recluidos entre la muralla y el mar. Haciendo que un espacio vacío y tan cálido como es la playa se vuelva en un ambiente tenso y sofocante. Lentamente los personajes comenzarán a caer, sus cuerpos envejecerán a ritmos desproporcionados, y la histeria colectiva se apoderará de ellos al no saber como detener ni defenderse de algo que no pueden ver.

Se puede ver también la lucha interna por adaptarse al tiempo, que inevitablemente siempre irá en contra. Cada personaje experimenta la crisis de la edad con mayor fuerza. Entre los adultos se resaltan sus enfermedades, la demencia, dolores, padecimientos repentinos, y sobre todo la fatiga. El saber que probablemente a ese ritmo, nunca saldrán de ahí.

La supermodelo australiana Abbey Lee Kershaw, interpreta a Chrystal, una joven mujer que está casada con un hombre mayor, médico director de un importante hospital. En ella podemos ver una enorme caída personal. Debido a sus complejos de belleza exagerados y con una aparente descalcificación en los huesos. Ella es extrañamente una de las últimas en caer, pero quien menos sobrelleva la situación, terminando recluyéndose en una de las cuevas de la playa, encerrada en medio de la oscuridad por miedo a que la vean en este estado de descomposición de su esbelto cuerpo. Incluso tal vez, su nombre haga referencia a la fragilidad del cristal en sí.

En cuanto a los más pequeños son quienes más experimentan los cambios. Empezando con Maddox, la mayor quien en una pequeña charla con otro de los personajes dice algo muy interesante al ser cuestionada sobre cómo se sentía con el repentino crecimiento de su cuerpo y ella responde: Es raro. Ayer veía pocos colores, pero todos eran muy vivos y atractivos, hoy veo más colores, pero todos me resultan apagados.

Kara la más pequeña en una conversación menciona: Ahora comienzo a entender esto. Ya no me asusta. Vienen a mi cabeza muchas ideas que puedo comprender ahora.

Es así como Shyamalan retrata el sufrir el paso del tiempo en un ambiente que prometía ser un espacio de relajación, meditación incluso para uno de los personajes que se encontraba en la playa para tener conexión con la gran naturaleza.

Hay varias referencias a algunas películas, una de las más interesantes y que seguramente sirvió de inspiración para el director como lo ha hecho para otras tantas películas sobre el tema es El Ángel Exterminador (1962) de Luis Buñuel, que como en Old, un grupo de personas asiste a una fiesta en una mansión, pero se sorprender al ver que no pueden abandonar la casa nunca más. La otra referencia es aquellos pensamientos que tiene el personaje de Rufus Sewell, Charles el médico que comienza a perder la cordura por completo y a ratos dice: ¡Sabían que hay Jack Nicholson hizo una película con Marlon Brando!. Y si, en efecto esa película se llama: The Missouri Breaks (1976) y a parte de la mención, no tiene al parecer nada que ver con la trama.

Una de las cosas que más disfruté fue ver a Gael García Bernal en un papel muy distinto a la mayoría de trabajos que ha realizado. Acá tiene un papel muy neutral, un padre que busca lo mejor para su familia a pesar de que está a punto de separarse de su esposa. No tiene estereotipos de nacionalidad, o alguna cosa que lo encasille. Al contrario, se siente la conexión con el resto del elenco mientras lo vemos actuar.

La cereza de este pastel del tiempo es Thomasin McKenzie que a pesar de su corta carrera ha llegado al corazón de su público gracias a su talento, pero, sobretodo a su exquisito acento neozelandés que le ha valido decenas de elogios. Lastimosamente en la película tiene muy poco diálogo, pero pues, es disfrutable.

Fuera de algunos movimientos de cámaras extraños que Shyamalan usa en momentos, Old se puede ver como una película que sobrevivirá en el tiempo muy bien. Interesante, fresca en su género, y lo suficientemente extraña para que haga voltear a nuevos espectadores al cine del director M. Night Shyamalan.