FLARE

Del origen y la distancia, Elisa Bergel Melo, 2015

Elisa Bergel Melo, born in Caracas in 1989, is a visual artist who uses photography as her main medium. She studied at the New England School of Photography (United States), Grisart (Spain) and obtained her degree with emphasis in photography at the Veritas University in Costa Rica. Her work explores the inherent possibilities of photography, those related to the documentation of movement and time, the transformation through tautology, and its direct relationship with reality but also memory as two forces that meet in the image. She has participated in multiple exhibitions in Latin America, the Caribbean and the United States, in addition to having been selected for international residences such as SOMA Summer in 2016 in Mexico City. She currently lives and works in Santo Domingo, Dominican Republic.

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Elisa Bergel Melo, née à Caracas en 1989, est une artiste plasticienne qui utilise la photographie comme médieum principal. Elle a étudié à la New England School of Photography (États-Unis), à Grisart (Espagne) et a obtenu son diplôme avec spécialisation en photographie à l'Université Veritas au Costa Rica. Son travail explore les possibilités inhérentes à la photographie, celles liées à la documentation du mouvement et du temps, la transformation par la tautologie, ainsi que sa relation directe avec la réalité mais aussi avec la mémoire, entendues comme deux forces qui se rencontrent dans l'image. Elle a participé à de nombreuses expositions en Amérique latine, dans les Caraïbes et aux États-Unis, en plus d'avoir été sélectionnée pour des résidences internationales telles que SOMA Summer en 2016 à Mexico City. Elle vit et travaille actuellement à Santo Domingo, en République Dominicaine. 

Die Sexualisierung der Auster

«Think of oysters. Try not to think of sex.”[1] (Rebecca Stott, 2004).

Obwohl die moderne Wissenschaft den Austern ihre aphrodisierende Wirkung abspricht, wird sie seit Jahrhunderten vom Mythos umrankt, eine lustfördernde Wirkung auf den menschlichen Körper zu haben. Wie kam es zur Sexualisierung dieser Meeresfrucht?

Joiri Minaya, Containers (performance documentation), 2016. Performer Francheska Alcantara photographed by Corinne Spencer

Joiri Minaya (*1990) is a New York based Dominican-United States multi-disciplinary visual artist. Her work navigates binaries in search of in-betweenness, investigating the female body within constructions of identity, multi-cultural social spaces and hierarchies. Recent works focus on questioning historic and contemporary representations of black and brown womanhood in relation to an imagined tropical identity from a decolonial stance. She attended the ENAV (Santo Domingo), the Altos de Chavón School and Parsons / The New School. Her work has been exhibited across the Dominican Republic, the United States and internationally.

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Joiri Minaya (*1990) est une artiste plasticienne multidisciplinaire basée à New York. Son travail est une exploration des binaires, à la recherche d'entre-deux, explorant le corps féminin au sein des constructions d'identité, des espaces sociaux multiculturels et des hiérarchies. Ses travaux récents remettent en question les représentations historiques et contemporaines de la féminité noire et de couleur en regard d’une identité tropicale imaginée à partir d'une position décoloniale. Elle s’est formée à l'ENAV (Santo Domingo), l'école Altos de Chavón et Parsons / The New School. Son travail a été exposé en République dominicaine, aux États-Unis et à l'étranger.

Dans le cadre de mes recherche sur les similitudes dans l'organisation géographique et temporelle des agglomérations humaines, je compose des assemblages d'images de villes dans mon atelier: formes, grilles, structures, destructions. Cette réutilisation et (ré)appropriation de matériel visuel existant puisé dans des livres a pour but d'inventer et de reconstruire une ville fictive, un lieu universel, qui se manifeste sous forme d'installation, de montage cinématographique et sous une forme libre de livre. Une approche et un processus fragmentaires où des extraits de textes et d'images, les ébauches et l'inachevé, me mettent au défi, tout comme le spectateur, d'associer, d'assembler et de combler les lacunes. Une nouvelle étape dans le développement de cette installation sera présentée à la Cantonale de Thoune en décembre.

A brief History of Food Porn

The visual capture of food today works with minimal effort. The intention behind it is often the immortalisation and artistic presentation of delicious food. However, while our Instagram feeds are littered with tasty foods, most people eat quite normal meals in their daily lives. So a future analysis of our eating habits based on Instagram or Pinterest would result in a historically completely distorted picture. Similar things happen when you interpret paintings of food for a realistic representation of early modern eating habits.

Scientists from the Food and Brand Lab at Cornell University have examined 140 paintings of food made between 1500 and 2000.[1] It was discovered that the most frequently displayed foods did not correlate with the most commonly eaten foods. Artists and clients tended to paint or have painted special, desirable or aesthetically pleasing foods.  Paintings of food thus did not serve the historically correct representation of reality. Instead, the viewer was to be provided with an aesthetically pleasing visual experience that would display the wealth of the commissioning family, present the artist’s craft repertoire, or visualize a nation’s extensive trading networks.

Flare begins in the „Pick up your ears" section a new series of articles, dedicated to artists from a particular scene that we still know too little about. We ask an artist from our network to introduce us to a dozen artists from a scene that is very familiar to them, and publish on Flare a series of images and a presentation of their work.

Karla Hiraldo Voleau inaugurates this series with Dominican artists.

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Flare débute dans la rubrique „Pick up your ears" une nouvelle série d'articles, dédiés aux artistes d'une scène particulière que nous connaissons encore trop peu. Nous demandons à un artiste de notre réseau de nous introduire à une dizaines d'artistes d'une scène qui leur est très familière, et publions sur Flare une série d'images et une présentation de leur travail.

C'est Karla Hiraldo Voleau qui inaugure cette série, avec des artistes dominicains.

Hola Mi Amol, photobook, 2019

Karla Hiraldo Voleau was born in the Dominican Republic in 1992, and is based in Lausanne. She graduated in 2018 from the art school ECAL, with a MA in photography.

Her work was featured at the Rencontres d’Arles 2017 or at Plat(t)form 2019. Her diploma project, the photobook ‘Hola Mi Amol’ has been shortlisted for the Unseen Dummy Award 2018, and was the 3rd prize winner of Swiss Young Talents for Photography VFG 2018. It is being published by SPBH Editions and ECAL.

Her practice revolves mainly around the changing status of intimacy in what appears to be a tenderless era. Personal engagement with her visual narratives, use of her own archive and involved participation create a framework where an intimate conversation unfolds into a visual experiment.

She explores the common points between performance and photography, using her own body and identity, to emphasize on her female gaze.

While investigating the borders of the allowed in human interactions, love, sexuality, friendship, she stands on the thin line that separates ‘real life’ and art.

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Karla Hiraldo Voleau, née en République Dominicaine en 1992, vit et travaille à Lausanne. Elle est diplômée de l'ECAL avec un Master en photographie, obtenu en 2018.

Son travail a été présenté aux Rencontres d'Arles 2017, à Plat(t)form 2019, et son projet de diplôme 'Hola Mi Amol', fait partie de la sélection des Unseen Dummy Awards 2018. Elle est également lauréate du 3ème prix VFG Jeunes Talents pour la Photographie Suisse 2018. 'Hola Mi Amol' est en cours de publication, par les éditions SPBH et ECAL.

Fascinée par le statut et le sens de l'intimité dans une époque digitalisée, elle observe les relations humaines - et elle observe surtout les hommes.

À travers des projets où elle mêle performance et photographie, elle s’intéresse à ce qu’est la masculinité ou la virilité, au sein de différentes communautés. L'utilisation d'archives personnelles ou encore la participation physique au sein de ses projets créé un cadre propice pour entretenir des conversations intimes avec l'autre. Les portraits et images qu'elle réalise appuient son étude du female gaze, étude centrale de son travail.

Cover of Hola Mi Amol, photobook, 2019

Bilder: ohne Titel, Silbergelatineabzüge, je 102 x 72 cm

Ces nouvelles images s'inscrivent dans le genre de la photographie de rue et se distancient radicalement des strictes compositions de mes photographies au contenu essentiellement architectural. L'été dernier, j'ai essayé pour la première fois d'utiliser ma caméra grand format d'une manière inhabituelle, sans trépied, à main libre, au milieu du flux dynamique des zones piétonnes très fréquentées de Berlin. La mise au point fixée à 80 cm, je me suis approché des gens dans la rue pour prendre des photos à cette courte distance. J'ai recherché un condensé de la scène dans les postures, les textures de peau et de vêtements ou dans les cheveux traversés par la lumière et le vent, le plus souvent sans montrer le visage des gens. Dans cette façon spontanée de travailler sans viseur, le détail de l'image et la distance peuvent difficilement être contrôlés. Elle permet une vision fugitive, presque intime, dans laquelle des détails inhabituels tels que le jeu d'ombres dans les plis d'une jupe, rendus avec une grande précision grâce au format 13 x 18 cm du négatif, déterminent la composition.

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Diese neuen Bilder fügen sich ins Genre der Street Photography ein und stehen hinsichtlich der Arbeitsweise in einem radikalen Gegensatz zu den strengen Kompositionen meiner Fotografien mit vorwiegend architektonischen Bildinhalten. Im vergangenen Sommer habe ich erste Versuche unternommen, die Grossbildkamera auf eine unübliche Weise einzusetzen, nämlich ohne Stativ aus der freien Hand, mitten im dynamischen Geschehen stark frequentierter Fußgängerzonen in Berlin. Den Fokus fest auf 80 cm eingestellt, näherte ich mich den Menschen auf der Straße um aus dieser kurzen Distanz Bilder zu machen. Dabei suchte ich in Körperhaltungen, Texturen von Haut und Kleidung oder in von Licht und Wind durchfahrenem Haar nach einer Verdichtung der Situation, zumeist ohne die Gesichter der Menschen zu zeigen. Bei dieser spontanen Arbeitsweise ohne Sucher lässt sich der Bildausschnitt und die Distanz kaum kontrollieren. Sie erlaubt einen unbemerkten, fast intimen Blick, bei dem ungewöhnliche Details wie das Schattenspiel im Faltenwurf eines Rocks, deren präzise Zeichnung eine Negativgröße von 13 x 18 cm ermöglicht, die Komposition bestimmen.

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Collective Actions group was founded 1976 by a group of artists based in Moscow and it marked the beginning of Moscow Conceptualism, even if this term came only later.Following this link you will find the catalogue of the actions, from the very first one in 1976 to the most recent in October 2018.Here photography is a very important tool for documenting the actions, and thanks to this documentation the work can be seen by many people, and not only the spectators of the actions, who are invited by the collective.

http://conceptualism.letov.ru/KD-ACTIONS.htm

A conversation between Jan Verwoert and Matheline Marmy, talking about recent works.

JV: Are we running?

MM: Yep.

JV: We are in the exhibition space, what are we looking at?

MM: So we are looking at pieces made out of a certain kind of plastic which is a copolyester. It’s something that I could form as the melting point is super low, so I could work on it with a simple heat gun and then construct it in a very empirical way, both of them. They unfold from previous research on containers for water. They are basically the follow-up of this research of how to create a container for experiments that I’ve been working on previously. These were experiments around rusting elements and into small transformations that happen autonomously under certain conditions.

JV: So on the inside we have certain substances that are exposed to water and then the chemicals cause the rusting. Or what happens on the inside?

MM: Basically yes, this is it. Right now, they are not fully activated so some of the small canals or veins, however you would like to call them, contain only water, or water and salt. Where the reaction is actually happening, there’s a copper wire that I dismantled from an electric cable and the reaction is happening with an acid, salt and water that were poured into this tube. And yeah, the process simply continues to happen. So at first it takes an hour or two to take a slightly darker color and then the blue appears. And now there is also black happening inside. So I don't really know how it will unfold.

JV: What we are witnessing is a chemical reaction in real-time?

MM: Yes, and also as I said previously, some of the tubes or veins will be activated at the beginning of the exhibition and some will dry during the exhibition due to the evaporation.

JV: And this work has evolved from another body of works where you were working with algae on photosensitive paper.

MM: I would say it was maybe another thread of the same kind of ideas. Last year I was working on this algae-based emulsion that was itself coming from a more photographic process. I stopped trying to obtain images coming from that kind of constellation and I became more interested in the algae itself, what it was bringing as a sphere of reflection and in terms of resonances.

JV: But also, what we were witnessing there was a real-time process because the algae all the time were changing color as they were interacting with the light.

MM: Yeah, exactly so that algae basically contain a high level of green pigmentation and like every kind of natural pigment, it is supersensitive to UV, right? Sunlight. And what I've done with this series of work was to cover a surface with an emulsion made of this algae and then I choose not to fix them or protect them as a final stage of what could be a photograph or a photographic process. So in this way they still potentially react if shown in space or are shown to the sunlight by slightly fading and changing color. Actually it's not algae but cyanobacteria. Maybe I need to be precise, so it’s a unicellular bacteria. So the one I worked with had a high range of green and also a range of blue. So what happens is that the green tends to disappear before the blue. The timing now is slightly different. And also what is different with the plastic work, is that it doesn't fade away, it is more that there is this oxidation layer that appears on the wire. So it's something that grows rather than something that fades. So maybe there is a small inversion here in terms of how the works parallel each other.

JV: In both cases this stuff is alive, in a way. Like the bacteria are alive in the same way that the metal in the oxidation is somehow a live process.

MM: I'm interested into provoking a sort of feeling that something could eventually be alive or whatever you mean by this, well active in a sense at least. And also the fading of the bacteria's and the apparition of the copper rust, are depending on their own time lapse, so I think this is something important. The apparition of the oxidation and how it continues to grow or stops at some point is something that is actually independent from any timing decision of mine.

JV: I remember you started working in photography and went for photography in installation and you once wrote that in this transition, you were interested in finding these pockets of time. A work that could be its own pocket of time and now it feels like time is almost breaking out of the pocket.

MM: That's an interesting idea. I've read something somewhere I think in a book of Timothy Morton that things can emit time and I'm very interested in this idea, because somehow it gives a possibility for a material experiment that is also very simple like rust appearing on the surface, to be observed through another kind of lens. All the works that I've done, had either an interest in time, in the sense that time is maybe not a tool but a piston, in addition with a main provocative element such as water here.

JV: It's a powerful thing to say that these elements don't exist in time but they emit time, they create, time is emerging from them, it's copper time and algae time.

MM: I hope that this is something that eventually we can grasp from the work so that they study their own form of evolution, and once provoked by me, the solution can just appear in the space. And I also think that the possibility that the work can emit a form of time just gives it its autonomy in an exhibition space, or in constellation with others.

JV: It's life other than we know, and that is a state of autonomy I guess. But you once said these memorable things regarding the collaboration with a material both in relation to the bacteria now and in relation to water that you admitted that you had chosen to work with an uncooperative element or uncooperative agent I think you said.

MM: (Laughs)

JV: On one hand you evoke the economy of something that is emitting its own time. On the other hand we have a trans-human collaboration where the human agent has chosen to collaborate with an uncooperative agent because the water goes wherever it wants to go and bacteria goes wherever they want to go. So after working with these uncooperative agents for a sustained amount of time, what's your experience?

MM: I think that I have learnt a lot about how to work with these materials and every time working with a new material requires a certain amount of experience before being able to find a way in its qualities, somehow. As I said that those two pieces were made in a super empirical way and it happens that it breaks, and it happens that it leaks, and I also have to deal with that and try to find working tools. It's very much a matter of fact, how to deal with things. For me it has been as much as we talked about this philosophical ideas of how to work with the agency of materials, and try to deal with that, it also has been super down-to-earth to try to achieve this and find solutions to actually make it happen. I would say that there is also a romantic idea of how to work with water as an element, a change provoking element, but also it has been very much concrete decisions.

JV: I keep thinking how did the farmers relate to the changing seasons when I assume a lot of things that you said would relate to your art practice but traditionally it would've also related to people farming.

MM: Yeah, maybe, because when you're into it it's a lot about how to find the right plastic, making tests that week and then you have to find another way. Remember the time you came into my studio and I filled the first bag with water and it broke at that point. Art to me is also every time about how to find solutions to these small problems.

JV: While there is this wider horizon of understanding the elements that you've chosen to interact with.

MM: Yes, I think this cooperation or this comprehension or incomprehension of an element comes just for me from the making, and then with a little bit of distance, there is another level of dialogue with it.

Matheline Marmy and Jan Verwoert, 04.07.2019

Avez-vous un jour rêvé de fêter la nouvelle année au musée ? Pour le passage à l’an 2000, se fût chose faite au Faubourg du Lac 71-73. Le Photoforum Pasquart et Centre d’Art Pasquart inauguraient leur « cube de béton » sur fond de champagne et cotillons, après 2 ans de travaux de rénovation.

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Haben Sie jemals davon geträumt, das neue Jahr im Museum zu feiern? Der Jahreswechsel zum 2000 wurde in der Seevorstadt 71-73 gefeiert. Das Photoforum Pasquart und das Kunsthaus Pasquart haben nach zweijährigen Renovierungsarbeiten ihren «Betonwürfel» mit Champagner und Konfetti eingeweiht.

Le Matin, 4.1.2000, n°4, p.14

Dès l’inauguration, la presse salue le concept architectural qui allie l’ancien bâtiment et sa nouvelle extension, une occasion pour revenir sur l’histoire du Pasquart.

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Seit der Einweihung begrüsst die Presse das architektonische Konzept, das den Altbau mit dem neuen Anbau verbindet und Gelegenheit bietet, auf die Geschichte des Pasquart zurückzublicken.

24 Heures, 12.1.2000, n°9, p.20

Une année après l’inauguration du nouveau bâtiment, 2001 débute avec l’exposition « Feux biennois » de Francis Boillat

« Feu » est la dénomination ancienne de foyer, lieu habité par une ou plusieurs personnes. Autrefois le « feu » constituait l’unité de recensement de la population.

Depuis 1995 j’ai récolté des photographies de « Feux » d’aujourd’hui, simplement ceux de connaissances et amis biennois qui ont bien voulu participer à ce projet. Les auteurs des « Feux biennois » sont toutes ces personnes qui ont fait un don d’une image d’eux et d’un lieu qu’ils ont choisi dans leur appartement. « Feu » par « feu » ces Biennoises et Biennois sont venus créer leur image sous la lumière des flahs dans le studio photo. Ils ont fait don ensuite d’un endroit de chez eux, éclairé tel quel, de jour ou de nuit. Ces images ne sont pas à vendre, chaque feu a reçu la sienne et la ville les gardera toutes en mémoire.

Un grand merci à toutes celles et ceux qui ont participé à ce projet.

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Ein Jahr nach der Einweihung des neuen Gebäudes, beginnt 2001 mit der Ausstellung «Feux biennois» von Francis Boillat

«Feu» ist der alte französische Ausdruck für Herd, ein von einer oder mehreren Personen bewohnter Ort. Früher war der «Herd» die Volkszählungseinheit.

Seit 1995 habe ich Fotografien von heutigen «Feux» gesammelt, von Bekannten und Freunden, die einverstanden waren, an diesem Projekt teilzunehmen. Die Autoren der «Feux biennois» sind alle diese Leute, die ein Bild von sich selbst und von einem ausgewählten Raum ihrer Wohnung geschenkt haben. «Feu» nach «Feu» sind diese Bielerinnen und Bieler ins Studio gekommen, um unter Blitzlicht ihr eigenes Bild zu gestalten. Dann haben sie einen Raum ihres Heimes gescheckt, so beleuchtet wie er war, am Tag oder am Nacht. Diese Bilder sind nicht zu verkaufen. Jeder «Feu» hat sein eigenes bekommen, und die Stadt wird sie alle in Erinnerung behalten.

Allen, die an diesem Projekt teilgenommen haben, danke ich bestens.

Francis Boillat, 2001

From July 15 I will be in Moscow for three months, researching about Russian cosmism. Here you’ll find a link to a timeline conceived by Anastasia Gacheva, Arseny Zhilyaev and Anton Vidokle. This is a very good tool to get a first impression about cosmism and its historical context.

https://cosmism-timeline.e-flux.com/#/

En 1998, de grands travaux se préparent au Photoforum et Centre d’art Pasquart. Le bâtiment, initialement un hôpital construit en 1866, prévoit d’être assaini et agrandi pour son entrée au XXIème siècle.

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1998 wurden im Photoforum und im Kunsthaus Pasquart wichtige Bauarbeiten vorbereitet. Das Gebäude, ein 1866 erbautes Krankenhaus, soll für den Beginn des 21. Jahrhundert renoviert und erweitert werden.

Pour l’occasion, le Photoforum lance un concours de prise de vues des travaux.  Voici l’annonce du concours telle qu’elle apparaissait le 28 juin 1998. On vous offre en prime le design du site web du Photoforum des années 90 ;)

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Aus diesem Anlass startet das Photoforum einen Wettbewerb, für den die Bauarbeiten fotografiert werden. Hier ist die Ankündigung des Wettbewerbs, wie er am 28. Juni 1998 erschien. Als Bonus bieten wir Ihnen das Design der Photoforum-Website der 90er Jahre an ;)

http://pasquart.ch/, 28.6.1998, via https://web.archive.org/

Voici une sélection de photographies du concours, dont certaines ont été remises en contexte devant l’actuel bâtiment Pasquart.

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Hier finden Sie eine Auswahl von Fotografien aus dem Wettbewerb, die teilweise vor dem aktuellen Pasquart in Szene gesetzt wurden.

© Ursula M. Seiler, 1998

© Roland Dähler, 1999

©Francis Boillat, 1998

Le jeune Stefan Guggisberg de Thun avait remporté la première édition du concours.

C'était ma première participation à un concours dans le domaine artistique. J’avais 18 ans, je venais de terminer le cours préparatoire à la SfG-Bienne et bien sûr, grâce à ce prix j’étais encore plus motivé à commencer à travailler dans les arts visuels. Je me souviens que les membres du jury avaient été surpris qu'un homme si jeune se présente à la cérémonie de remise des prix.

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Der junge Stefan Guggisberg aus Thun hatte die erste Ausgabe des Wettbewerbs gewonnen.

Es war meine erste Teilnahme an einem Wettbewerb im Kunstkontext. Da war ich 18 Jahre alt, hatte gerade den Vorkurs an der SfG-Biel abgeschlossen und war durch die Auszeichnung natürlich noch mehr motiviert ins bildnerische Schaffen einzusteigen. Ich erinnere mich das die Jurymitglieder damals überrascht waren, dass ein so junger Mann zur Preisvergabe erschien.

Stefan Guggisberg, 2019

Le Photoforum Pasquart fête ses 35 ans cette année! A cette occasion on vous propose un voyage dans le temps, au travers de différents médias, pour revenir sur les moments forts de la galerie.  Coupures de presse, photographies conservées au Photoforum, reliques de l’ancien site internet, le Photoforum met ses archives au grand jour sur sa plateforme FLARE !

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Das Photoforum Pasquart feiert in diesem Jahr sein 35-jähriges Bestehen! Bei dieser Gelegenheit bieten wir Ihnen eine Reise in die Vergangenheit, durch verschiedene Medien, um die Highlights des Photoforums zu entdecken. Presseausschnitte, Fotos aus unseren Ablagen, Relikte der alten Website: das Photoforum bringt sein Archiv auf seiner Plattform FLARE ans Licht!

If you are planning to go to Zurich, you may be interested in visiting this group show, where I am showing my work: Fly me to the Moon. The Moon landing: 50 years on. At Kunsthaus Zürich, curated by Cathérine Hug Until June 30, 2019 And later from July 20 to November 3rd, 2019 to see at the Museum der Moderne, Salzburg

Click here for more information about the exhibition.

There, you can discover, among many works, the sketches made by Hannah Höch, while looking at the TV during the Apollo 14 Moon landing, 197 (Apollo 14 - Skizzen zur Mondlandung der Apollo 14, 1971). But also the Space Capsule by Pipilotti Rist, (Deine Raumkapsel, 2006).

Maia Gusberti Konstruktion oder Palimpsest – ein Layout im Raum

Ich lege das Material einer langjährigen Recherche aus und versuche Fragmente miteinander zu einem grösseren Ganzen zu verbinden. Ich versuche etwas zusammenzusetzen, von dem ich nicht genau weiss was es wird. Die ursprüngliche Idee ist, eine fiktive Stadt aus fragmentarischem Bildmaterial verschiedener Städte zusammenzufügen und dies in filmischer und in Buchform parallel zu tun, bzw. die Bilder zwischen Buch und Film hin und her zu schicken. Ich erstelle ein Layout im Raum, welches als Einstieg, Landschaft und temporäre Installation für ein weiteres Vorhaben dient. Die Kamera hält dabei immer wieder Details und Momente fest, bevor sich die Anordnungen im Raum verändern. Es sind meine üblichen Strategien des Bilder- und Medientransfers sowie das Zusammensetzen von Fragmenten zu einem grösseren Ganzen – hier von Bildern verschiedener Städte, die sich zu einem fiktiven Ort, einer allgemeingültigen Stadt, die für viele steht, zusammenfügen. Es ist eine Versuchsanordnung und ein Experimentierfeld, mit noch ungewissem Ausgang…

Weitere Informationen

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Maia Gusberti Construction ou palimpseste – une disposition dans l'espace Je sors le matériel issu de nombreuses années de recherche et j'essaie de combiner les fragments en un tout plus grand. J'essaie d'assembler quelque chose dont je ne sais pas exactement ce qu’il sera. L'idée originale est d'assembler une ville fictive à partir d'images fragmentaires de différentes villes et de le faire en parallèle sous forme de film et de livre, ou de faire circuler en allers-retours les images entre livre et film. Je crée une disposition dans l'espace, qui sert d'entrée, de paysage et d'installation temporaire pour un autre projet. La caméra saisit à plusieurs reprises les détails et les moments qui précèdent le changement de disposition de la pièce. Ce sont mes stratégies habituelles de transfert d'images et de médias ainsi que l'assemblage de fragments en un tout plus grand - ici d'images de différentes villes, qui se combinent pour former un lieu fictif, une ville universelle qui en représenterait une multitude. Il s'agit d'un dispositif expérimental et d'un champ d'expérimentation dont le résultat est incertain…

Solène Gün (*1996) a reçu le Prix Photoforum, doté de 5′000 CHF, pour son travail intitulé Turunç (Bitter Orange). Il s’agit d’une immersion dans le quotidien de jeunes hommes issus de l’immigration turque dans les banlieues berlinoises et parisiennes, qui a séduit le jury par son écriture photographique forte et singulière.

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Der mit 5′000 CHF dotierte Prix Photoforum ging dieses Jahr an Solène Gün (*1996). Ihr Projekt Turunç (Bitter Orange) taucht in den Alltag junger, aus der Türkei emigrierter Männer ein, die in den Vorstädten Berlins und Paris leben, in denen die Fotografin selbst auch einen Teil ihrer Kindheit verbracht hat. Die Jury war von der starken und einzigartigen Bildsprache sowie der Subtilität und Komplexität ihrer Annäherung an ein üblicherweise von Gewalt und stereotypen Darstellungen gezeichneten Thema überzeugt.