Open Set

​Lighting Control System

Licht ist die Voraussetzung der visuellen Wahrnehmung und leitete die Entwicklung der Kulturgeschichte des Menschen. Ursprünglich waren die Sonne und der reflektierende Mond die einzigen Lichtquellen. Mit der Erfindung des elektrischen Lichtes im vorletzten Jahrhundert wurde der Mensch gänzlich unabhängig vom Tag-Nacht-Rhythmus. Das Beleuchten von Architektur und Innenraum, das Inszenieren von Film und Theater und schließlich die Nutzung des Lichtes als eigenständiges Medium in der Kunst sind weiterführende Anwendungen dieser Erfindung.

Unter dem Begriff Lighting Control System werden technische Anordnungen zur computergestützten Kontrolle von Licht bezeichnet, die beispielsweise eine dramaturgische Steuerung erlauben. Licht kann so als eigenständiges künstlerisches Medium kreativ gestaltet werden oder mit anderen Elementen wie Klang, Video oder Mechanik in multimedialen Umgebungen miteinander vernetzt werden.

In dem Workshop werden die Künstler Bang & Lee anhand eigener Arbeiten die Grundlagen digitaler Lichtsteuerung erläutern und über den künstlerischen Einsatz von Licht referieren. Es werden programmiertechnische Herangehensweisen für die Steuerung von DMX Modulen über Pure Data, Max MSP und Python beschrieben sowie die korrekte Verwendung der zugehörigen Lichtsteuergeräte und die ästhetische Wirkung verschiedener Leuchtmittel besprochen. Ziel des Workshops ist es, die Studierenden mit dem vermittelten Wissen in ein eigenständiges Arbeiten mit Licht einzuführen.

Der Workshop ist offen für alle Fachbereiche und es können Scheine erworben werden. Die Teilnehmerzahl ist begrenzt. Interessierte werden gebeten, sich unter [email protected] anzumelden.

Bang & Lee

Das koreanische Künstlerkollektiv Bang & Lee, Jayoung Bang und Yunjun Lee, lebt und arbeitet in Seoul. Ihre prozessualen Medienenvironments greifen aktuelle gesellschaftspolitische Geschehnisse auf und arbeiten mit historischen, kulturellen und intertextuellen Referenzen. Immaterielle Phänomene der digitalen Netzkultur werden in ihren Installationen auf eine physikalische Ebene übersetzt. Elemente ihrer interaktiven Arbeiten sind Ton, Video, Licht, Text und Schrift.

http://twoonionrings.tumblr.com

Literaturliste

John Huntington: show networks and control systems, Brooklyn, 2012 (Zircon Designs Press)

Audio art, performance_Lab techniques, sensors, speakers, glass tubes, digital audio_Dimensions variable_2013 교류, 진동 및 분자 운동은 궁극적으로 소리의 음향 현상으로 이어지는 무수히 연결된 과정에 자리한다. All Going Out, Nothing Coming In?의 설치와 퍼포먼스에서 로렌쯔 슈바르쯔는 소리의 유형과 무형의 속성을 깊이 탐구한다. 그의 퍼포먼스는 증류 공정을 통해 소리 변형의 가역성을 보여준다. 연금술에 가까운 세레모니는 어떤 존재론적인 맥락에서 호출되는 화염 중심을 맴돈다. 사운드를 제어하기 위해 온도나 불꽃의 스펙트럼과 같은 물리적 변수를 측정하고 디지털 사운드 시그널을 통한 분광식 화염 분석 등 복잡하고 정교한 과정을 거친다. 이러한 디테일은 최면을 걸듯 보는 이의 마음을 사로잡는다. 설치를 동반한 그의 퍼포먼스는 우리의 감각과 지각에 관한 또 다른 네러티브를 담고 있으며 오디오의 공간을 재정의하는 실험을 추구한다.

Alternating current, oscillations and molecular motions are among the myriad process chains that ultimately lead to the acoustic phenomenon of sound. In All Going Out, Nothing Coming In? Lorenz Schwarz investigates the tangible and intangible characteristics of sound. In this performance, he demonstrates the reversibility of sound transformation with the distillation process. His alchemical ceremony centers on a flame that is called into existence. Measuring physical parameters (e.g. temperature) to control sound and spectrometric flame modulation through digital sound signals shows a complex and exquisite process, which is mesmerizing. As an experiment, his performance explores a new space-defining quality of sound.

Sound, improvisation_Typewriter, electronics_Dimensions variable_2013 왼쪽으로 움직이는 문장은 타자기를 하나의 악기로써 바라보기 시작한 이후 발표한 솔로 작업 다른 것을 위한 서술법과 소설가 김태용, 시인 로위에와 함께 결성한 프로젝트 A.Typist의 퍼포먼스 중에 생성된 문장 중 하나다. 이 문장은 사전에 생각했던 것이 아니라 퍼포먼스 과정에서 함께하는 행위자의 행동과 소리의 경험 사이에서 우연히 발생한 것이다. 이와 같은 우연성과 즉흥성을 통해 새롭게 환기되는 부분들은 행위와 경험의 가능성을 재조명하게 한다. 타자기라는 근대적 글쓰기 기계가 작동하기 위해서는 쓰이고 있는 문장이 왼쪽으로 움직일 수밖에 없다. 이러한 사실은 행위와 이를 통한 생성, 그리고 그 사이에 발생하는 물리적이고 기계적인 조건들과 불가분의 관계를 형성한다. 그리고 여기서 획득된 경험은 일종의 작은 사회적 조건들로 대입하게 되는 것과 같은 착각, 혹은 환영을 불러일으켜 또 다른 불가분의 관계에 놓인 환경 속에서 어떻게 작동할 수 있는지 탐색할 수 있게 한다.

Sentence moving to the left is a sentence generated from the solo work Description method for other things as well as a performance of A.Typist in which the typewriter is used as a musical instrument. This sentence has not been created for the performance in advance, but generated by chance among performers by their performance and sound experience. The quality of aleatorism and improvisation opens a possibility for reviving unrecognized chance for action and experience. The typewriter, which is a modern writing machine, only moves to the left. Actions, the production based on the action, and its physical and mechanical processes are inseparable; thus, the experience resulting from such circumstance momentarily resonates with illusion that comes to a part of social conditions in which one can explore to reconsider the inseparable relation among them.

Audio art, performance, computer music_Horn loudspeaker, robot, camera tracking system_Dimensions variable_2013 몸짓, 자세, 정지로 표현되는 작품에서 파울 모들러는 전통적인 전자 음악의 한계를 극복하고자 한다. 제스처는 음조, 음량, 음색이 인위적으로 바뀌는 사운드를 만들어낸다. 이것은 행위와 자세, 언어에 기반한 의미 있는 몸짓으로 사운드를 만들어내는 동시에 사운드를 제어한다. 그리고 동시에 공간은 예술적 미디움으로 사용된다. 기계적인 사운드 작품은 음향으로 공간을 가득 채운다. 프로젝트를 위해 개발된 스피커 오브젝트는 인터랙티브 사운드와 퍼포먼스를 위한 것이며, 따라서 제스처에 의해 제어 가능하다. 인터랙션이 일어나는 순간은 신체와의 관계를 상기시킨다. 또 전자 음악에서 우리가 종종 잊어버리는 부분이기도 한 표현과 구성 방식의 연결성에 관한 개념을 재고하게 한다. 이 소리의 공간과 무대 위에서 그의 비언어적 의사소통(non-verbal communication)은 표현의 한계를 극복하고 소통의 사회적 의미를 확장하는 새로운 예술적 시도로 다가온다.

In this work, Paul Modler seeks to push the envelope of the traditional presentation forms of electronic music. Gestures create sound, in which the pitch, volume, and timbre are manipulated. Gestures, postures, and stills – all these actions make and control a sound that becomes a language itself. The space is used as an artistic medium. A mechanical sound sculpture lights up the room acoustically. The loudspeaker as an art object developed for this work is interactive; thus, it can be controlled with gestures as well. The moment of interaction brings us back to the relationship with the human body, and to expression and composition – often forgotten aspects of electronic music – and allows for staging of an audio space. In the space of sound, and on the stage, this non-verbal communication expands the quality of expressions and suggests deeper meanings of communication beyond any representation of electronic music.

Installation, performance_Film projector, speakers_Dimensions variable_2011 – present 퍼포레이션(perforation)이나 스프라킷 홀(Sprocket hole)이라 불리는 필름에 있는 이 좁은 틈(slit)은 카메라와, 인화장치, 편집기, 영사기 속에서 필름을 움직이기 위해 톱니바퀴와 맞물린다. 필름 퍼포레이터(film perforator)가 있다면 쉽게 균일한 간격과 크기로 구멍(물질로서 필름을 규정하는 유일한 단서)을 뚫을 수 있다. 필름의 구멍은 프레임의 수와 시간을 정확히 측정할 수 있게 해준다. 카메라와 영사기 속의 톱니바퀴와 게이트는 매 프레임마다 정확히 같은 움직임을 반복한다. 구멍은 이 움직임에 정확히 응대한다. 2011년부터 시작한 Film Walk 퍼포먼스는 이 구멍을 움직임이 아니라 옵티컬 사운드 헤드(Optical Sound Head)를 위한 것으로 대치시킨다. 이제 구멍은 게이트의 운동에 의한 이미지를 생산해 내는 것이 아니라 작가의 손이 가진 힘과 걷는 속도에 따라 ‘하나의 구멍에 하나의 소리’를 만들어 낸다. 그리고 이 소리의 수는 정확히 시간의 길이와 일치한다. 퍼포레이션 사운드의 축적(sound accumulation)은 프레임의 축적을 대신한다. 이것은 아주 투명하고 교육적이며 동시에 누구나 할 수 있는 그런 형태의 퍼포먼스다.

The slit called perforation or sprocket hole that engaged with gears moves the film in camera, printing equipment and projector. If one has a film perforator, it would be easy to punch equal size of holes, which is only a clue to define film as a material. The holes allow measuring accurate number of frames and time in film. Gears and gate in camera and projector repeat the same movement in every frame. The holes match exactly to the movement. Film Walk performance replaces the hole with optical sound head instead of the movement. The hole does not create image produced by the gate movement, but makes ‘a hole a sound’ by the artist’s hand and his step speed. And, the numbers of sound coincide with the length of time. Sound accumulation of perforation is substitute for accumulation of frame. This performance is very simple, somewhat educational, and can be done by anyone.