3 Pochoclos

Realizar una biopic siempre es complicado. El guionista y el director son los que eligen qué momentos del personaje mostrar, cómo contarlos y, en casos más controversiales como el de Carlos Robledo Puch, qué posición tomar respecto de lo que muestran en pantalla. 

“El ángel” está centrada exclusivamente en el punto de vista de su protagonista. Este no parece vivir en el mismo registro que sus pares y así lo presenta Ortega, siguiéndolo mientras deambula por los lugares, comete crímenes y conoce a otros delincuentes como Ramón (Chino Darín) y su padre (Daniel Fanego). Todo al ritmo de distintas canciones de rock argentino de la época, recordando a los films criminales de Martín Scorsese.

La película explora un poco al personaje y su razón para actuar, pero genera más preguntas que respuestas. Lo mismo ocurre con los crímenes que comete. Nunca se muestran del todo y obliga a que el espectador saque sus propias conclusiones. También hay lugar para crear un pequeño retrato de la época. Y digo pequeño porque más allá de algunos indicios, y la excelente reconstrucción de los años 70, jamás se habla del año en que transcurre. Podría ser un mundo aparte.

Figuras como Mercedes Morán, Cecilia Roth, Luis Gnecco y la breve aparición de Peter Lanzani, completan un sólido elenco que acompaña al debutante Lorenzo Ferro en su debut como actor. A pesar de ser su primera película, Ferro logra un magnetismo en su interpretación que atrae al instante. La dupla que hace con el Chino Darín es muy buena. Además es interesante que exploren, aunque sea poco, la sexualidad del personaje con la relación entre ellos. Se le da cierta importancia en el transcurso de la historia. 

La hermosa fotografía le suma mucho a la dirección de Luis Ortega, que ya tiene experiencia con las historias criminales con series como Historia de Un Clan y El Marginal. Su fascinación por este tipo de personajes del hampa o del bajo mundo, se pasa aquí a un entorno completamente distinto, pero con una ideología parecida. Ya lo dice Ramón: “El mundo es de los ladrones y de los artistas. Los demás tienen que salir a trabajar”.

Desde hace tiempo Netflix se está convirtiendo en el nuevo Directo a Video. Muchas películas encuentran un hogar en la plataforma para llegar a otros países, que de otra forma no podrían. Si bien “Orginal de Netflix” no siempre es sinónimo de calidad, a veces uno puede encontrarse con pequeñas sorpresas como esta.

Peter (Michael Peña) tiene sueños recurrentes sobre unos ataques a la ciudad donde vive. Esos sueños pronto se vuelven realidad cuando unos seres extraños los invade y comienzan a matar a todos. Pete deberá hacer todo lo posible para salvar a su esposa Alice (Lizzy Caplan) y a sus hijas.

Lo que comienza como una típica película de invasión extraterrestre, va tomando distintas formas conforme avanza la trama. La película se guarda varios giros que ayudan a que la historia se destaque un poco. Hay una razón por la que la película se centra en Peter y la familia, y no solamente en la invasión y su supervivencia. El misterio va creciendo durante los primeros actos y, aunque en el tercero todo se cae un poco llegando al final, nos deja con una historia interesante bastante bien ejecutada.

Las actuaciones está bien. Es interesante ver a Peña en el papel protagónico. Es un triunfo para un actor que siempre estuvo de secundario en muchas películas grandes (Ant-Man), además de no ser el típico protagonista blanco. Lizzy Caplan siempre cumple, aunque no se puede decir lo mismo de los niños que a veces resultan bastante molestos con su mala actuación.

Por otro lado, algunos efectos no les quedaron del todo bien, aunque tal vez sea justificable siendo está una película relativamente chica. En toda la primera mitad sacan mucho provecho de los efectos prácticos. Pero luego cuando tienen que usar los efectos visuales se ve un poco barato.

“Extinción” es una historia de ciencia ficción que en este momento y por algunas ideas que tiene, podría haber pasado como un capítulo de “Black Mirror”. De todos modos es disfrutable para cualquiera que guste un poco del género.

La nueva entrega de la saga galáctica más famosa, tuvo muchas complicaciones antes de empezar. El simple hecho de intentar vender la historia de un personaje tan icónico como Han Solo, pero sin el actor que lo popularizó ya parecía muy complicado desde el vamos. A eso sumemosle que los dos directores fueron echados en pleno rodaje por diferencias creativas. Luego de varias discusiones con los ejecutivos, Phil Lord y Chris Miller (La Gran Aventura LEGO, Comando Especial 1 y 2), fueron reemplazados por Ron Howard, un director con mucha experiencia en la industria y que se maneja bien con las grandes producciones. Esto provocó que se retrase toda la producción y que haya poca campaña de marketing. Nadie sabía que esperar de este nuevo spin-off.

En esta historia de origen, se cuenta como Han (Alden Ehrenreich) escapa de un planeta asediado por el imperio, dejando atrás a su pareja Qi’ra (Emilia Clarke). Luego de unos años intentando buscar la manera de volver con ella, se une a una banda de criminales liderada por Tobias Beckett (Woody Harrelson), para poder conseguir dinero y una nave. En el camino conocerá a su amigo Chewbacca e irá formando sus habilidades de contrabandista.

El guion de Lawrence Kasdan y su hijo Jonathan, apuesta por una aventura clásica. Es una “heist movie” (o película de robos) sin muchos rodeos. El protagonista debe robar un objeto, el cual en realidad no tiene relevancia ni para él ni para la trama. Simplemente es una excusa para que se desarrollen los eventos que transformarán al personaje en el Han Solo que todos conocen. Esto es lo que en cine se conoce como “Macguffin”.

Como mencioné antes, la película recupera un poco el espíritu aventurero de Episodio IV. Pero lo hace desde la perspectiva de su protagonista, quien no conoce nada de la mitología que rodea la saga. Acá no van a encontrar ni Jedi, ni Sith, ni la fuerza, ni lado oscuro. Incluso el imperio aparece como un problema en el fondo. Esto puede ser beneficioso ya que se ocupa de contar una historia que el espectador promedio puede ver y disfrutar. Howard hace un buen trabajo pero no se destaca mucho, tal vez por haber tenido que seguir con un proyecto ya empezado.

Ehrenreich hace un buen trabajo como el mítico Han. Por supuesto no podrá reemplazar nunca a Harrison Ford, pero logra transmitir el carisma del personaje. Los demás actores que lo acompañan también cumplen pero lo cierto es que muchos de sus personajes no tienen demasiado desarrollo y algunos hasta están desaprovechados, como es el caso de la actriz Thandie Newton. De todo modos quiero mencionar a Donald Glover como Lando porque es y será el mejor casting de todos. Quiero ver más de él.

El último desprendimiento de Star Wars es un aventura simple que funciona muy bien pero que no aporta nada nuevo al universo de películas ya establecido. Es una película correcta, que rescata el espíritu de la Star Wars original. Apuesta a lo seguro y funciona. Si todo sale bien, parece haber posibilidades de una nueva franquicia para el querido personaje. Le doy 3.5 de 5 Halcones Milenarios.

Las series de la BBC suelen tener una relación cantidad-calidad muy satisfactoria. Sus temporadas generalmente son de pocos capítulos y logran contener buenas historias sin necesidad de estirarlas. En el caso de la serie sobre la que estoy escribiendo, siempre me sorprende la habilidad para abrir y cerrar arcos argumentales en sólo 6 capítulos, y luego tener la libertad de seguir o no con la historia de sus personajes.

Peaky Blinders sigue la vida de la familia Shelby, quien al mando de su líder Thomas Shelby (Cillian Murphy) busca ascender en el mundo criminal en la Inglaterra de 1919. Ellos al principio manejan una casa de apuestas, pero a medida que intentan crecer, irán ganando distintos enemigos dentro de ese submundo.

Hay mucha épica mafiosa y drama familiar. La recreación de la época es espectacular y vuelve muy atrayente a ese mundo que muestra la serie. Los diálogos filosos y las escenas de acción están acompañadas por una banda sonora de rock más actual que se adapta perfectamente al tipo de vida que llevan estos anti héroes en esa época.

El creador de la serie Steven Knight no podría haber buscado un elenco mejor. La caracterización de Murphy logra que el espectador vea los matices de su personaje y aunque no comparta todo lo que hace o piensa, uno siente curiosidad por saber que va a hacer a continuación. Otra de las mejores cosas que tiene son los villanos. Las interpretaciones de actores como Sam Neill, Noah Taylor o el gran Tom Hardy hacen que la historia nunca pierda interés.

Mención aparte merece el desarrollo que tienen los personajes femeninos a lo largo de la serie. Personajes como Ada (Sophie Rundle), la hermana menor o la Tia Polly (Helen McCrory) tienen un gran crecimiento y demuestran su importancia dentro de la familia Shelby. Es muy bueno ver como estas mujeres rompen los estereotipos de esa época y además se roban la serie cada vez que aparecen.

Con sus cuatro temporadas y una quinta en producción, esta serie inglesa se siente muy actual pesar de estar ambientada 100 años atrás. Con buenas historias y grandes personajes, acompañados de una excelente una banda sonora, Peaky Blinder es una de los productos más entretenidos de la televisión hoy en día. Le doy 4.5 de 5 boinas.

Es sabido que los videojuegos y sus adaptaciones al cine han tenido una historia complicada a lo largo de los años. Todas las películas suelen ser mediocres excepto por contados casos donde rozan el regular. A veces es porque no logran capturar el espíritu del juego o de sus personajes. O que la trama poco tiene que ver con lo que el juego trata. Pero el problema principal es que nunca logran una historia interesante con buenos personajes. Muchos culpan a las compañías creadoras de los juegos porque no se involucran en las producciones. Aunque ya vieron lo que pasó con “Assasin’s Creed” (2016) no? Bueno, si no lo vieron mejor.

Pero cuando todo parecía perdido, llegaron Warner y Square Enix a traer un rayo de esperanza para los que habían perdido la fe en estas adaptaciones. Basada en las entregas más recientes de Tomb Raider, la nueva película se deshace de las adaptaciones de Angelina Jolie y cuenta una nueva historia de origen. 

Lara Croft, (interpretada por la gran Alicia Vikander) es una joven que va en busca de su padre (Dominic West), dueño de una importante empresa y que está perdido hace siete años en una expedición secreta a una isla. Lara deberá usar todo su ingenio y destreza para encontrarlo y sobrevivir a los peligros que esconde ese lugar. En el camino, y con la ayuda de un compañero (Daniel Wu), descubrirá los secretos de la investigación de su padre, mientras enfrenta a un malvado villano (Walton Goggins) que quiere robar lo que allí se encuentra.

El foco de la película está puesto exclusivamente en Lara y la relación con su padre. Su objetivo es mostrar un personaje más realista, por lo tanto se centra también en su crecimiento y transformación que la llevarán a ser la heroína que todos conocen. La interpretación de Vikander hace que empatices rápidamente con el personaje y sufras con ella en todos sus contratiempos. Se suma a la camada de grandes protagonistas femeninas que crece cada vez más en películas taquilleras como Wonder Woman, Atómica o Jyn y Rey de Star Wars.

En su primera gran producción, el noruego Roar Uthuag logra una aventura con mucha adrenalina y buenas escenas de acción. Es un producto que podrán disfrutar tanto los fanáticos como los más ajenos al videojuego. Si bien tiene una trama que no se destaca por ser original y el villano es medio genérico, la película apuesta por su protagonista y sale ganando. Tomb Raider puede ser un ejemplo de cómo adaptar bien un videojuego y de paso seguir demostrando que los personajes femeninos en grandes producciones llegaron para quedarse. Le doy 3 de 5 tumbas asaltadas.

El británico Alex Garland empezó su carrera trabajando con Dany Boyle, siendo autor del libro en el que se basó “La Playa” (2000) y guionista de “Exterminio” (2002) y “Sunshine: Alerta Solar” (2007). Años después se largó como director  y guionista de la gran “Ex Máquina” (2014) uno de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos años. Su última película (basada en la novela homónima de Jeff VanderMeer) transita la misma línea que su antecesora y posee toda la imaginación, el impacto visual y los cuestionamientos filosóficos que un buen exponente del género debe tener.

Un meteorito cae en la costa de Estados Unidos y con su impacto crea una extraña zona que el gobierno llama “The Shimmer”. La bióloga Lena (Natalie Portman) se mete voluntariamente para investigar su origen, luego de varios intentos fallidos. La acompaña un grupo de científicas interpretados por Tessa Thompson, Jennifer Jason Leigh, Gina Rodriguez y Tuva Novotny. Con el apoyo del gobierno ellas se adentran en este lugar y pronto descubren que las reglas de la naturaleza son muy distintas allí.

El tiempo en ese extraño lugar transcurre de manera distinta a como lo perciben ellas. Lo mismo ocurre con la película que no está narrada en orden cronológico. Mientras Lena cuenta lo que sucedió en su misión distintos flashbacks se intercalan, algunos mostrando lo sucedido, otros la relación con su esposo (Oscar Isaacs) quien estuvo un año desaparecido en una misión dentro de “The Shimmer” antes que ella. Puede parecer un poco confuso al principio pero logra que el espectador preste atención a lo que sucede.

La historia tiene elementos de cine de aventura, como el descubrimiento de un nuevo mundo con sus propias reglas. También tiene un poco del cine de monstruos. Allí dentro todo parece una versión genéticamente modificada de lo que había en esa zona antes del impacto. El universo creado dentro de “The Shimmer” tiene un diseño hermoso. 

A medida que avanza la película se irán descubriendo las distintas ideas que el director quiere plantear y cuestionar como las relaciones humanas, las enfermedades o incluso la vida en el planeta y los cambios que sufre. Garland  no propone una bajada de línea moral o una respuesta concreta. Prefiere que sea el espectador el que saque conclusiones. Es por eso que para el final de la película puede que haya más preguntas que respuestas. 

De todos modos creo que eso es lo mejor que tienen las buenas películas de ciencia ficción. Crear mundos fantásticos que sirvan para hablar sobre temas universales con originalidad. No subestima al público y no necesita subrayar todo siempre. Es una lastima que la distribuidora no se quisiera estrenarla en los cines varios países del mundo. En cambio le vendió los derechos a Netflix y esa es la única manera de verla de forma legal por fuera de Estados Unidos.

“Aniquilación” cuenta con un elenco encabezado por un grupo heterogéneo de grandes actrices (otro gran logro de la película). Si bien sus historias no son profundizadas del todo, la trama que las rodea es fascinante. La banda sonora compuesta por Ben Salisbury y Geoff Barrow crea un ambiente extraño y atrapante que se suma a los bellos planos de la película. Alex Garland se reafirma cómo un gran director que pudo estar a la altura de su ópera prima y tal vez incluso superarla. Es una obra que provocará muchas discusiones y.que vale la pena ver más de una vez. Le doy 5 de 5 ciervos floreados.

Esta comedia basada en hechos reales, cuenta vida de la patinadora sobre hielo Tonya Harding (una transformada Margot Robbie) lucha por subir en el ranking de patinadores de Estados Unidos mientras lidia con las relaciones que tiene con su exigente madre y su esposo golpeador.

Si, aunque no lo parezca esta película es una comedia por cómo está contado. Comienza con entrevistas a los protagonistas en el presente y a través de flashbacks se irá mostrando la vida de Tonya. 

Todo está narrado con un ritmo y un humor que recuerda mucho al estilo de Scorsese en “Buenos Muchachos” (1990) o la más reciente “El Lobo de Wall Street” (2013). El guion de Steven Rogers va y viene en el tiempo mostrando los distintos puntos de vista de los personajesy las contradicciones en la historia que cuentan. Esto se ve especialmente en un incidente muy importante que marcará la vida de la Tonya.

Además de ser la protagonista, Margot Robbie es productora ejecutiva y la que llevó el proyecto adelante. Su interpretación de Harding es lo mejor de la película junto al personaje de su madre LaVona interpretada por por Allison Janney. Ambas se merecen realmente su nominación al Oscar como mejor actriz y mejor actriz de reparto respectivamente. Sebastian “Winter Soldier” Stan completa el cast personificando a Jeff, el esposo maltratador.

“Yo Soy Tonya” es una película con sólidas actuaciones, una muy buena banda sonora y una historia que narra con humor negro el drama de esta historia real. Le doy 4 de 5 “Triple Axel”.

La nueva gran apuesta de Netflix es una imponente serie de ciencia ficción basado en una novela de Richard K. Morgan, donde en el futuro los cuerpos son simples fundas que los humanos pueden cambiar si tienen el dinero para suficiente, logrando así que la muerte sea algo opcional.

Takeshi Kovacs (Joel “The Killing” Kinnaman) es revivido en otro cuerpo 250 años luego de su muerte gracias al magnate Laurens Bancroft (James Purefoy), quien lo emplea para que descubra al asesino de su funda anterior. A medida que avanza investigación que lleva a cabo el protagonista la serie muestra, a través de flashbacks, su vida pasada como un peligroso terrorista. Toda la información que te van tirando puede llegar a complicar un poco el seguimiento de la trama.

Otro elemento importante a destacar a simple vista es el gran trabajo de producción en los decorados. Tienen un gran nivel de detalles, en especial los exteriores como calles, mercados y algunos edificios. Estos logran una mayor inmersión en el futuro distópico que plantea. Se nota que invirtieron mucho dinero porque en  su mayoría usan sets reales. Si bien me gustó mucho, vuelvo a la idea que mencioné en la reseña de “Mudo”. Tienen que dejar de usar la “estética Blade Runner” y buscar una nueva. Hace que todas las películas y series se vean muy parecidas.

Mientras avanza la trama policial la serie presenta un interesante planteamiento sobre el uso y abuso que se le da a los cuerpo y, en especial, a la importancia que se le da en este futuro, ya que para cierta parte de la población son descartables. Esto choca con la ideología de los neo-católicos, un grupo que está en contra del uso de las fundas, ya que creen que no podrán llegar al cielo. La serie muestra algunos momentos donde se ven estas posturas pero de a poco se va diluyendo. 

Por otro lado, la violencia extrema y los desnudos están muy presentes. Entiendo que se debe a la posición que tienen con los cuerpos en este mundo, pero algunas escenas llegan a niveles de crueldad que no es para todo el mundo. Es discutible si algunas partes son realmente necesarias.

Kinnaman es un buen protagonista y su actuación logra que el personaje de Takeshi se vuelve interesante. Otro que se destaca es Chris Conner haciendo de Poe, la inteligencia artificial que se encarga del hotel done vive Tak. Las demás actuaciones son bastante olvidables pero la historia hace que te las olvides un poco. 

La historia de Altered Carbon gira en torno a una trama policial cargada de violencia y excesos de todo tipo que puede alejar a algunos. Por otro lado es visualmente impactante y sus elementos de ciencia ficción la hacen una serie atrayente para los más fanáticos del género. Le doy 3 de 5 hologramas sidekick.

La primera película que vi de Duncan Jones fue “8 Minutos antes de morir” (Source Code, 2011) y quedé sorprendido, porque a pesar de su título horriblemente traducido, era un gran thriller con viajes en el tiempo. Fascinado me puse a buscar su filmografía y vi que sólo tenía una película anterior “En la Luna” (Moon, 2009) protagonizada por Sam Rockwell. Esta era otra de ciencia ficción muy interesante y más pequeña. A esta altura esperaba con ansias su próximo trabajo. Y llegó “Warcraft”, que en mi opinión estaba bien, pero realmente funcionaba si eras fan del videojuego. Este paso en falso no me desanimó y estos últimos meses fui siguiendo la producción de su nueva película en Netflix, un thriller noir (o policial negro) en una Berlin futurista.

Leo (Alexander Skarsgård), un barman mudo, debe buscar a su novia desaparecida por el submundo de la ciudad. Paralelamente Cactus (Paul Rudd) un cirujano que anda en negocios turbios busca pasaportes y boletos para escapar de la ciudad con su hija. 

La estética de la película es el cyberpunk heredado de Blade Runner que ya se ha visto mil veces. Me duele en el alma como fanático de aquella película decirlo, pero creo que hay que dejar de robar con esto por lo menos por 30 años. Lo interesante de todos modos, es que la historia puede funcionar en cualquier contexto. Podría transcurrir en el presente y tener el mismo efecto. El futuro que plantea Jones no es tan lejano en el tiempo y tampoco lo muestra demasiado.

El personaje de Leo, además de ser mudo, pertenece a la religión amish. Es interesante ver cómo se las arregla en este extraño futuro. Skarsgård logra transmitir mucho la desesperación y el estar perdido en un mundo en el que no se siente a gusto. Algo parecido se ocurre hasta cierto punto con el personaje de Rudd.

Como dije antes la película tiene mucho de film noir pero de los más pesimistas. El submundo que muestra no es para nada amigable y todos los personajes son horribles. No hay ni un con el que puedas simpatizar. Me parece mejor de este modo ya que mantiene el drama y la tensión. En el caso de Leo, uno se siente mal por él y todo lo que le ocurre. La empatía hacía él viene del lado de la lástima y las decisiones que toma lo convierten en un anti-héroe. 

Los actores están muy bien. Además de los dos ya mencionados aparece Justin Theroux haciendo de compañero de Cactus. El problema es que falta un elemento muy importante del cine negro: el personaje de la mujer fatal. El personaje de la novia de Leo es importante para la trama, porque es su motivación, pero aparece muy poco. Y es realmente notable la ausencia de otro personaje femenino relevante.

A pesar de sus fallas y algunos giros extraños en el guion, Duncan Jones logra una película entretenida que encuentra el punto justo entre la ciencia ficción y el drama criminal. No estará a la altura de sus primeros trabajos pero prefiero que haga estas historias más pequeñas antes que esté cuatro años con la nueva Warcraft. Le doy 3 de 5 jarras de agua.

El director y guionista Martin McDonagh tiene un gusto particular por la comedia negra y la violencia desmedida en sus películas. Si bien le funciona muy bien en sus trabajos anteriores como “Escondidos en Brujas” (2008) o “Siete Psicópatas” (2012), no es el caso de su última película, nominada a 7 premios de la Academia.

Ante la incapacidad de la policía local de resolver la violación y el asesinato de su hija, Mildred Hayes (Frances MacDormand) los desafía poniendo tres carteles a las afueras de Ebbing, que denuncian el crimen y la incompetencia del alguacil Willoughby (Woody Harrelson). El enfrentamiento de esta mujer con las autoridades creará una vorágine de violencia que sólo irá creciendo con el correr de la trama. 

Pero más allá de lo crudo del relato y algunos excesos que maneja, el principal problema de la película son las situaciones de humor negro que el director agrega a todo el drama de la historia principal. Quedan muy descolocadas y son ridículas. Lo mismo ocurre con la mayoría de los personajes que parecen un horrible estereotipo del sureño americano.

El personaje de Sam Rockwell, un policía racista y torturador es uno de ellos. Se destaca porque tiene un arco argumental donde realiza una especie de viaje de redención. Rockwell hace un gran trabajo pero lo cierto es que esta transformación sucede tan rápido que uno no termina de creer del todo el cambio en el personaje.

La contracara de todo esto es Frances MacDormand. Su personaje ya no le importa nada y hace caso omiso a la actitud estúpida de los demás. Es una mujer determinada a encontrar la verdad y se hace cargo cuando sus decisiones la llevan a terribles consecuencias. La actuación de MacDorman es muy buena. Hay una escena que involucra a un ciervo inexplicablemente mal hecho por computadora, donde ella logra que no arruiné la película.

La habilidad para narrar de McDonagh es innegable (hay un muy buen plano secuencia hacia la mitad de la película). Además el hecho de que la historia no presente demagogia y salga de los canones de lo políticamente correcto también es una buena elección. Pero es la inclusión de un humor negro que desentona lo que hace que la película no termine de funcionar. Sólo su gran elenco logra que la película no se pierda entre algunas de sus incoherencias. Le doy 3 de 5 ciervos truchos.

Christine “Lady Bird” McPherson intenta terminar su último año en un colegio católico para irse del pueblo y seguir sus inclinaciones artísticas, mientras lidia a su familia y la relación con su mejor amiga y compañeros.

La primera película escrita y dirigida por Greta Gerwig (ahora la quinta directora mujer nominada en la historia de los Oscar) es una típica y encantadora coming of age que se potencia con el carisma de su protagonista Saoirse Ronan. Toda la historia se concentra en ella y el espectador empatiza al instante. Experimenta junto a ella sus éxitos y sus fracasos y vive su paso por su ultimo año de escuela. Por otro lado la relación con su mamá es uno de los aspectos más importantes de la historia. Una madre que quiere lo mejor para su hija pero no siempre la apoya, y una joven que se rebela constantemente frente a sus exigencias.  Los cruces que tiene con su madre (gran trabajo de Laurie Metcalf) es donde está el corazón de la película.

El guion opta por mostrar las situaciones más cotidianas de la vida de Lady Bird. Hay mucho uso de elipsis para saltar de un momento a otro, mostrando todo ese último año de su protagonista hasta que pueda irse. 

En ese sentido la película tiene mucho del cine del director Noah Baumbach, con quien Gerwig escribió “Frances Ha”. Se nota su influencia en el guion y el tipo de humor en los personajes. Porque no deja de ser una comedia. Evita el melodrama que puede suscitar este tipo de historias y logra conmover gracias a grandes interpretaciones y buen guion sobre el paso a la adultez y la búsqueda de sueños. Le doy 4 de 5 nombres artísticos. 

PD: Si les gustó la película, recomiendo que vean la mencionada anteriormente “Frances Ha” (Noah Baumbach, 2012) y “20th Century Women” (Mike Mills, 2016) para apreciar más del talento de Greta Gerwig.

La décimo octava película del universo cinematográfico de Marvel nos muestra la vida del Rey T’Challa (Chadwick Boseman) luego de los eventos de “Capitán America: Civil War” y cómo debe lidiar con su nuevo puesto siendo Pantera Negra y rey de Wakanda, su país natal.

La película intenta alejarse un poco de las demás de la serie presentando un mundo nuevo. Wakanda es una nación ubicada en África pero que está escondida del resto del mundo. Allí ocultan el Vibranio, un metal que les permitió estar tecnológicamente muy avanzados y que además es muy preciado por fuerzas externas. Este país es un personaje más y Coogler (tambien guionista de la película) se encarga de mostrar sus tradiciones y cómo se manejan las tribus que conviven allí. Es muy importante porque forma parte de la cultura de los personajes y sobre todo porque es su motivación para actuar. 

Es interesante la importancia que le da el director a los personajes secundarios. Todos y todas se destacan. Desde los más conocidos cómo Angela Basset o Forrest Whitaker, hasta las caras más nuevas como Daniel Kaluuya (Get Out),  Lupita Nyong'o (12 years a Slave) o Letitia Wright (Black Mirror), interpretando a Shuri, el mejor personaje de la película. Otra mención especial merecen Martin Freeman y Andy Serkis, quienes hacen un muy buen trabajo en sus pequeños papeles.

Por otro lado la película tiene un muy buen villano. Killmonger (Michael B. Jordan) tiene una motivación bien definida y un plan coherente, cosa que siempre se le critica a los antagonista de Marvel. Allí también se ve el trabajo de Coogler sobre los personajes. Como pasó con el Loki de Tom Hiddleston, el carisma de Jordan le suma mucho a su composición.

Otro punto a favor es la música, que está intervenida por Kendrick Lamar junto a otros músicos y logra destacarse más que otras bandas sonoras de películas de superhéroes. 

“Pantera Negra” es muy linda visualmente (aunque con varias similitudes con El Rey León). Tiene buen ritmo, buenos personajes femeninos y grandes interpretaciones, además de un mundo muy interesante. Ryan Coogler logra una historia de Marvel que se siente un poco diferente ya que no repite la misma fórmula a la que nos tienen acostumbrados. Es una película sobre la lucha entre tradición y modernidad, sobre la cultura y además sirve para destacar la importancia de la representación. Le doy 4 de 5 Simbas. 

El asesinato de Marion Crane en la ducha de “Psicosis”(1960) es, posiblemente, uno de los más famosos del cine, y el que ha calado más profundo en la cultura popular. Todos conocen, de alguna forma u otra, la escena y la música que la acompaña. Y es más sorprendente saber que muchos lo hacen sin siquiera haber visto la película.

El personaje de Marion fue interpretado por Janet Leigh, una gran estrella de cine en ese momento y parte de la razón por la que el público iba a ver la película. Lo que Alfred Hitchcock hace es matar a su protagonista en la mitad de la película con una escena muy violenta y provocativa para la época. Al hacer esto, desecha todo lo que estuvo armando hasta el momento y deja al espectador con muchas dudas sobre cómo continuará la historia sin su protagonista. No se había visto algo así antes, al menos en el cine mainstream.

78 planos y 52 cortes son los que componen esta mítica escena y en este documental varios directores, montajistas, periodistas y actores se proponen analizarla. Además comentan el impacto sociocultural que tuvo esta obra de Hitchcock en el cine, en el mundo y en especial en el Estados Unidos de esa época.

Entre los directores que hablan están Guillermo del Toro, Karyn Kusama y  Peter Bogdanovich entre otros. Ellos comentan la influencia que tuvo con ellos Psicosis y la obra de Hitchcock en general, además de alguna anecdota con el propio Hitch, en el caso de Bogdanovich. También es muy interesante ver cómo la película fue precursora del género Slasher, el cual fue popularizado en los 70/80 con “Halloween”, “Viernes 13″ y un largo etcétera.

El revisión plano por plano de la escena es excelente. El análisis de los distintos cortes y planos que tenían como objetivo desorientar al público y horrorizarlos es fascinante. Igual de interesante son los pequeños detalles de la producción que hablan de la habilidad del realizador para adelantarle datos al espectador sin que este se de cuenta.

“78/52″ intenta descifrar qué es lo que convirtió a “Psicosis” en una obra tan emblemática y cómo fue su legado para el cine. El material de archivo, las anécdotas (contiene fragmentos de la entrevista de Truffaut a Hitccock) y el genuino entusiasmo de los que participan en las entrevistas, hacen de este un documental esencial para cualquier amante de Hitchcock, del cine de género y el cine en general. Le doy 5 de 5 Psicosis en HD.

PD: como recomiendan todas las personas que enseñan cine o lo hayan estudiado, si les interesó está película, lean el libro “El cine según Hitchcock” de François Truffaut. Una gran clase de cómo se hace cine.

PD 2: está en Netflix.

Lo nuevo de la directora ganadora del Oscar Kathryn Bigelow narra una serie de disturbios ocurridos en Detroit entre el 23 y el 25 de julio de 1967. Esta era una ciudad con gran cantidad de población negra y la mayoría de oficiales de policía blancos. La película se concentra en la historia real de un grupo de personajes que son detenidos durante una redada policial y las consecuencias de esa noche.

Bigelow opta por contar el relato de la manera más cruda posible. Con el uso de cámara en mano y planos cortos, logra un tensión constante que incomoda mucho al espectador. Al igual que en “VIvir Al Límite” (2008) y “La Noche Más Oscura” (2012), su manera de filmar los hechos quiere acercarse lo más posible al documental. La narración logra que el espectador se sienta muy inmerso en la historia.

La película está dividida en tres partes. La primera pone en contexto lo que ocurre en la ciudad y la violencia que se vive. La segunda parte narra la noche que viven los personajes. Y la tercera recrea el juicio que sufrieron los responsables de lo que allí ocurrió. La directora se maneja muy bien con los distintos tiempos que requiere cada parte y en ningún momento pierde el ritmo, a pesar de sus casi 2 horas y media de duración.

El elenco de jóvenes actores hace un gran trabajo. Por un lado esta el guardia de seguridad Dismukes (John Boyega) que intenta ayudar como puede en medio del conflicto. Tambien está el músico Larry (Algee Smith) tipico caso de “momento y lugar equivocados”. Y por último el veterano de Vietnam interpretado por Anthony Mackie quien, junto a otros personajes más secundarios, completan el elenco coral. Todos logran transmitir la desesperación y la impotencia de ese momento. Como contracara de ellos está Will Poulter quien interpreta a un sádico policía, logrando un personaje malvado y muy odiable. 

Kathryn Bigelow demuestra una vez más su gran habilidad para narrar, dejar las sutilezas de lado y contar un drama crudo y muy actual que involucra al espectador para que viva (y sufra) junto a los personajes estos dramáticos hechos. Le doy 4 de 5 disturbios callejeros.

En esta cuarta entrega de la saga, la parapsicóloga Elise debe volver junto a sus compañeros Tucker y Specs, a la casa de su infancia para enfrentar a una peligrosa entidad relacionada con ella.

La película se concentra exclusivamente en Elise y cuenta en flashbacks su infancia con el poder y como tuvo que soportarlo. También tiene una trama donde intenta reconectar con su hermano a quien dejó cuando se escapó de su hogar. Toda la historia de Elise hace que el monstruo pase a segundo plano. Termina apareciendo muy poco y es una lástima porque la idea y su diseño eran muy buenos y siento que fue desperdiciado.

Adam Robitel (The Taking of Deborah Logan) hace un trabajo aceptable en la dirección pero abusa de los sustos. Por suerte sabe como manejar a los protagonistas, que son lo mejor de la película. Lin Shaye, quien interpreta a Elise, ya se ha establecido como una gran heroína del cine terror. Sus compañeros interpretados por Leigh Whannell y Angus Sampson sirven para el alivio cómico. La dinámica entre los tres hace que uno empatice al instante con ellos y quiera ver muchos todossus casos paranormales.

“La Noche del Demonio” (Insidious), creada por Leigh Whannell y James Wan tiene la particularidad de haber construido una saga con su propio universo, sin estar basada en ningún cómic o novela, y eso me parece muy destacable. Al tener a sus creadores involucrados en el guion y la producción, la serie logra mantener cierto nivel con cada película. Aunque esta última me parezca menor que sus antecesoras, sigue siendo una buena opción para los fans de “Insidious” y para los que disfrutan de buenas películas de terror. Le doy 3 de 5 casas embrujadas.

La paz de una comunidad en un suburbio se ve amenazada cuando una familia afroamericana se muda allí. Mientras tanto, una invasión al hogar deja consecuencias trágicas para una familia en apariencia normal.

La sexta película como director de George Clooney, proviene de un guion escrito por los hermanos Coen que nunca llegaron a filmar. Allí metió mano el actor y reescribió el guion para dirigir este drama con toques de humor negro que no termina de funcionar del todo en su planteamiento.

Suburbicon presenta dos historias que ocurren en simultáneo que desde el principio están planteadas con tonos distintos. Primero está el drama de la discriminación racial que sufre la familia Mayers cuando se muda al barrio. Por otro lado está la historia de la familia de Gardner Lodge (Matt Damon), que comienza como una especie de comedia criminal y se irá volviendo cada vez más oscura, perdiendo totalmente el humor. 

Los personajes demasiado caricaturescos (por ejemplo los de Oscar Isaac y Juianne Moore) quedan un poco fuera de registro luego con las escenas de violencia extrema y cuando quiere mostrar las peores miserias humanas.  Clooney se maneja muy bien como director, pero se nota que al reescribir el guion quiso dejar elementos de los Coen y estos no le terminan de cerrar en lo que quiso plasmar. Hacía el final la película se torna moralista y deja de lado ese mínimo humor que mostró al principio. Allí es donde funciona mejor, en la moraleja y la crítica a la actual era Trump. 

Por más que su mensaje resulte más relevante que lo que está contando, la película cuenta con una gran puesta en escena, una buena dirección y muy buenas actuaciones (en especial la de Noah Jupe, que hace de Nicky). Le doy 3,5 de 5 barrios cerrados.

El fenómeno Cloverfield, creado por JJ Abrams, comenzó con la película homónima del 2008 escrita por Drew Goddard y dirigida por Mattt Reeves. Era una buena película de monstruos en formato “Found Footage” y generó mucho fanatismo a su alrededor, con la gente esperando por una secuela que parecía cada vez más improbable con el tiempo. Ocho años después se estrenó con poca publicidad la muy recomendable “Avenida Cloverfield 10″ (Dan Trachtenberg, 2016) que funcionaba como una secuela espiritual ya que no tenía muchas conexiones con la primera. Ahí fue cuando Abrams confirmó que Cloverfield sería una saga de distintas películas de ciencia ficción que estarían conectadas. Hoy, Netflix estrenó una nueva película de la saga, con sólo un trailer de anuncio el día anterior.

En una base espacial que órbita la tierra, un grupo de científicos se dispone a probar un experimento que serviría para superar la crisis energética. Pronto descubrirán que les traerá peligrosas consecuencias.

La película toma como referencia en parte a Alien (1979) pero jamás logra los climas clautrofóbicos y de terror de ese clásico. Los climas que va construyendo se ven interrumpidos constantemente por la historia de Michael (esposo de Hamilton, la protagonista) en la tierra. Esta trama secundaria no suma nada a la principal y es sólo una excusa para conectar a la película con el resto de la saga. El guion por momentos parece más preocupado por contestar preguntas de otras películas, que por contar la historia que nos presenta. 

El elenco está bien, pero no se destaca. No se llega a empatizar ni con la protagonista ni con los demás personajes. Al ocurrir casi todo dentro de la base, la película no abusa de los efectos por computadora, lo cual es un punto a favor. Pero es un problema que no se puede ni siquiera disfrutar del diseño de la base espacial. Se visitan muy pocos lugares.

Es sabido que lo que JJ y su compañía están haciendo es comprar guiones y adaptarlos al mundo Cloverfield. Eso hace que la serie sea una especie de antología de ciencia ficción, lo cual me parece una idea muy interesante porque les da muchas posibilidades. Con la segunda película les salió muy bien, pero en esta se quedaron a medio camino. El problema es cuando quieren forzar esa conexión entre films. Y acá se nota. Fueron más por el lado del fan service y se olvidaron de contar una buena historia aprovechando los elementos de ciencia ficción que tenían. De todas formas la película entretiene, pero es una más del montón. Sigue siendo una opción para ver en un sábado de flojera. Le doy 3 de 5 Cloversitos.