nero fremdsand

Album des Jahres: Borknagar - True North (Progressive / Folk / Black Metal)

Wenn man mir gesagt hätte, dass am Ende dieses Jahres ausgerechnet Borknagar an der Spitze meines Rankings landen würden, wäre meine Reaktion vorsichtig formuliert wohl leicht skeptisch ausgefallen. Ich meine, natürlich - die Norweger sind eine fantastische Band mit einer an Highlights wirklich nicht armen Diskografie, aber es wirkte für mich immer, als hätten sie mit “Universal” ihren Zenit bereits im Jahr 2012 erreicht. Nach dem noch vergleichbar guten Nachfolger “Urd” ließ mich das bislang aktuellste Album, “Winter Thrice”, dann etwas ernüchtert zurück. Obwohl im Grunde alle Bausteine da waren, die Borknagar definierten und einzigartig machten, schien die Formel irgendwie auserzählt und ich kann mich mittlerweile nicht mehr an sonderlich viele Momente des Albums erinnern. Und jetzt das: Mit “True North” kehren Borknagar nicht einfach bloß zur alten Form zurück, nein, sie pulverisieren den Qualitätsstandard, den sie vor sieben Jahren gesetzt haben, scheinbar mühelos und liefern ihr absolutes Karrierehighlight ab. Von der ersten bis zur letzten der 59 Minuten sind Øystein G. Brun, ICS Vortex und Konsorten (Vintersorg ist nicht mehr dabei, was der Gesangsvielfalt aber kaum einen Abbruch tut) in absoluter Höchstform und lassen ein Ausrufezeichen auf das andere folgen. Und da es sich hierbei um mein Album des Jahres handelt, können wir uns ja ruhig mal Zeit für ein Track-by-Track-Review nehmen.

1. Thunderous (8:35)

Was für ein Auftakt. Kurz hören wir im Hintergrund ein Gewitter grummeln, dann steigt die gesamte Band - inklusive Gesang - ohne jegliche Vorankündigung direkt mit Vollgas ein. Hymnisch, melodisch, pfeilschnell und doch schwebend. “Thunderous” ist ein wilder Ritt durch alles, was die Band ausmacht, wechselt zwischen dem typischen mehrstimmigen Klargesang und beißenden Screams, ist mal folkig, mal pechschwarz, nimmt sich Zeit für eine Ruhepause, nur um dann Schritt für Schritt zum großen Finale emporzusteigen.

2. Up North (6:30)

Huch. Das war wohl die vorherrschende Reaktion, als “Up North” als Vorabtrack veröffentlicht wurde. Mehr rockig als metallisch swingen sich Borknagar unter brillierenden Hammondorgeln und großen Melodiebögen durch diese sechseinhalb Minuten. Auch wenn hier durchaus zwischendurch auch mal Doublebass und Blastbeat ausgepackt werden, hat dieser Song schon fast mehr von Deep Purple als von Emperor, und es funktioniert blendend.

3. The Fire That Burns (6:33)

Da schlägt der folgende Song schon eher in bekannte Kerben und hätte genauso auch auf “Urd” stehen können. Das bewährte Wechselspiel aus unnachgiebig durch die Landschaft pflügendem Black Metal und pathetischen Refrains (”The independent nature of maaaan - A creaaatoooor and destroooyeeeeer”) findet hier seine Perfektion und lässt sogar die, soviel muss man zugeben, etwas albern-klischeehafte Titelzeile “FIRE! FIRE THAT BURNS!” verzeihen. Ja, Feuer brennt und macht aua. Borknagar lassen hier hingegen nichts anbrennen (höhö... hö) und, ja gut, ich mach ja schon mit dem nächsten Song weiter.

4. Lights (5:04)

Vielleicht der Hit des Albums, und das, obwohl der Song gar nicht mal so unvertrackt strukturiert ist. Dafür warten aber Strophen, Bridge und Refrain jeweils mit derartigen Ohrwürmern auf, dass der Kopf sich gar nicht entscheiden kann, welchen Teil von “Lights” er einem gerade ungefragt vordudeln möchte. Ist es “My heeeros, they all died so long agooo”? Doch lieber “And the lights shone through forever, and the sky would never hold”? Oder doch einer der ungefähr siebzehn anderen Kandidaten?

5. Wild Father’s Heart (5:42)

Was wäre ein Metalalbum ohne seine Quotenballade? Okay, fies formuliert, aber ein bisschen ist da schon dran. Wo aber viele Songs nach “Wir brauchen unbedingt einen ruhigen Song irgendwo in der Mitte, so als Atempause und für die Vielfalt” klingen, ist “Wild Father’s Heart” ein unverzichtbarer, gleichberechtigter Stein im Fundament dieses Albums. Absolut herzzerreißend gesungen, liebevoll instrumentiert und gerade im Mittelteil geradezu unerträglich atmosphärisch. “Wild father’s heart, driven by nature’s excellence.”

6. Mount Rapture (6:08)

Dass ein Song in der Qualität von “Mount Rapture” auf diesem Album vielleicht der ist, an den man sich am wenigsten erinnert, spricht ja nur für das Gesamtwerk an sich. Einfach eine klassische Borknagar-Nummer, die auf keinem der letzten paar Alben fehl am Platz gewesen wäre und sich mit ihrer Stilvielfalt und den gelungenen Wechselspielen aus Epik und Härte nahtlos ins Bild einfügt.

7. Into the White (5:58)

Dieser Song hingegen ist wieder einer von denen, bei denen man sich einfach nicht entscheiden kann, welcher Part jetzt der hervorstechende ist. Ein absolutes Melodiefeuerwerk, das sich knapp vor der Fünf-Minuten-Marke mit den seltsam wabernden Synthesizern auch nochmal erfrischend abhebt.

8. Tidal (9:33)

Was wäre ein Borknagar-Album ohne ein Epos der Marke “The Winter Eclipse” oder “Abrasion Tide”? Und auch, wenn “Thunderous” natürlich rein längentechnisch in diese Kategorie passen würde, hatte es doch hauptsächlich den Job, das Album standesgrmäß zu eröffnen. “Tidal” hingegen gibt sich vollkommen der großen Geste hin und wäre ein absolut würdiger Abschluss für dieses Album, wenn, ja, wenn...

9. Voices (5:04)

...wenn da nicht “Voices” wäre. Mit nichts, das Borknagar jemals gemacht haben, wirklich vergleichbar (soweit ich weiß - mit den früheren Alben bin ich nicht sehr vertraut), aber vielleicht das Beste, was sie jemals gemacht haben. Durch den gesamten Song zieht sich eine einzige Gesangsmelodie, die klagend vorgetragen wird und zuerst (wie es typisch für mittelalterliche Musik oder aber auch den ursprünglichen Blues ist) über einen einzigen, unveränderten Akkord gesungen wird, der dann aber mit Einsetzen der Gitarren plötzlich aufbricht und dem Song eine unvergleichliche Weitläufigkeit und Dramatik verleiht, die ihn unendlich wirken lässt, gleichzeitig aber absolute Endzeitstimmung verströmt. Und spätestens, wenn Borknagar nach zwei Minuten zum finalen Crescendo ansetzen, öffnen sich alle Tore. Was für ein alles überstrahlendes Meisterwerk. Was für ein Ende für ein Album, das an sich schon so gut wie makellos war, aber mit “Voices” den allerletzten Funken entzündet, der es als klar bestes Album des Jahres zementiert. Vielleicht ist es genau dieser eine Augenblick nach 3 Minuten und 14 Sekunden, in dem die Zeile “They’ll always find me, oh yes, they’ll find me” gesungen wird und beim zweiten “me” nochmal um einen Ton nach oben steigt, in dem sich “True North” auf den Thron emporhebt. Was sollte auch ganz oben sein, wenn nicht der Nordpol? Eben.

Highlights:

Thunderous

Up North

Lights

Voices

Platz 2: Jordsjø - Nattfiolen (Progressive Rock / Folk Prog / Art Rock)

Müsste ich eine Antwort auf die Frage geben, welche Art von Atmosphäre, welche ganz spezielle Stimmung ich in der Musik von allen am liebsten mag, würde ich der Person, die fragt, einfach wortlos Jordsjøs “Nattfiolen” in die Hand drücken. Ein Album, das in den hintersten Tiefen des norwegischen Nadelwalds aus einem feuchten, nach seltsamen Kräutern duftenden Erdloch gekrochen zu sein scheint und vermutlich nicht vorhat, bis Tagesanbruch außerhalb von selbigem zu verweilen, weil es weiß, dass es beim ersten Strahl der den fahlen Dreiviertelmond ablösenden, tief stehenden Nordsonne zu Stein erstarren würde. Leicht neben der Spur wirkende Flöten, geistesabwesend im Licht der Glühwürmchen umhermäandernde Gitarren und rastlose Orgeln, die mal ausgelassen umherhüpfen, mal bedrohlich dröhnen, führen einen mysteriösen Beschwörungstanz auf, dessen Zweck sie vielleicht selbst nicht vollständig begreifen, und werden dabei von Håkon Oftungs (dessen anderes Betätigungsfeld hört übrigens auf den Namen Tusmørke und dürfte Fans dieses Stils wohl ebenso ein Begriff sein) meist recht zurückhaltendem, aber perfekt passenden Gesang an die Hand genommen, damit sie sich nicht im Unterholz verlieren. Jordsjø nehmen hier gleichermaßen Einflüsse von Prog-Klassikern wie Genesis, Procol Harum und King Crimson sowie aktuelleren Retro-Kapellen der Marke All Traps On Earth, Anglagard oder eben Tusmørke und servieren auf genau richtig dosierten 40 Minuten ein Destillat aus den besten Zutaten, das man in dieser Form einfach unmöglich besser machen kann. “Nattfiolen” (Nachtveilchen) hat das Zeug zum Klassiker und ist für alle, die etwas mit der verschrobeneren Ecke der Siebziger anfangen können, absolut unverzichtbar. Großartig.

Highlights:

Stifinner

Solens Sirkulaere Sang

Mine Templer II

Platz 3: Wilderun - Veil of Imagination (Progressive/Symphonic/Folk/Melodic Death Metal)

Vor vier Jahren veröffentlichten die US-Amerikaner von Wilderun mit “Sleep at the Edge of the Earth” ein Album, das sich einen festen Platz in meinen Favoriten erarbeitet hat und mich auch heute noch durch seinen perfekt dosierten Mix aus eingängigen Folk-Metal-Melodien, Prog-Strukturen und Death-Metal-Epik begeistern kann. Auf so ein Album ein ebenbürtiges folgen zu lassen, ist natürlich keine einfache Aufgabe, und so dürften Wilderun sich irgendwann zusammengefunden und überlegt haben: In welche Richtung wollen wir gehen? Welchen Aspekt unseres Sounds wollen wir weiter ausarbeiten, was wollen wir in den Vordergrund stellen, wo können wir noch eine Schippe drauflegen? Die Antwort auf diese und alle anderen Fragen scheint schlicht und einfach “Ja” gewesen zu sein. “Veil of Imagination” ist von allem mehr: Es hat zwar einen Track weniger als der Vorgänger, dauert dafür aber ganze zwölf Minuten länger. Die Songs sind teilweise noch deutlich komplexer geworden, die opulenten Orchester- und Chor-Arrangements, die zuvor noch relativ pointiert eingesetzt wurden, sind jetzt quasi allgegenwärtig. Beim ersten Durchlauf fühlt man sich regelrecht erschlagen, und ehrlich gesagt verschwindet dieser Eindruck auch bei mehrmaligem Hören nicht vollständig. Das ist jetzt natürlich Kritik auf extrem hohem Niveau, aber wohl auch der einzige Grund, warum sich “Veil of Imagination” nicht ganz oben auf dem Jahresthron wiederfindet. Nichtsdestotrotz, dieses Album ist einfach dermaßen gigantisch, majestätisch und übermächtig, dass dieses Gefühl der Überforderung vielleicht auch fest dazugehört. Uneingeschränkte Hörempfehlung, für die man aber eine Menge Konzentration und Zeit  mitbringen sollte.

Highlights:

The Unimaginable Zero Summer

O Resolution!

Scentless Core (Budding)

Far from Where Dreams Unfurl

Platz 4: Tirill - Said the Sun to the Moon (Nordic Folk)

Tirill Mohn dürfte nicht vielen ein Begriff sein. Die Norwegerin spielte eine Weile lang Violine in der relativ obskuren Progrock-Band White Willow, die Songs ihrer bislang fünf Soloalben haben maximal 2000 Wiedergaben auf Spotify. Und das, obwohl es im Bereich des elfenhaften Nordic Folks nur sehr wenige Personen geben dürften, die ihr das Wasser reichen können. Während der Vorgänger “Um Himinjoður” noch stärkere Prog-Einflüsse aufwies, konzentriert sich “Said the Sun to the Moon” vollkommen auf minimalistische Arrangements aus Akustikgitarre, Streichern und wenigen anderen Instrumenten wie Harfe und Hackbrett, so dass der Fokus klar auf Tirills sanfter, meistens halb gehauchter Stimme liegt, die Geschichten von Sonne und Mond, Träumen und Geistern, Tages- und Jahreszeiten erzählt. Ein unheimlich intimes, “kleines” Album, das aber in seiner großartigen Ausführung zu den besten des Jahres gehört und trotzdem leider wieder nur ein Geheimtipp bleiben wird.

Highlights:

Autumn

Clothes of Sand

Under the Harvest Moon

Winter

Shapes of a Dream

Platz 5: Mephorash - Shem Ha Mephorash (Occult/Melodic Black Metal)

Hin und wieder kommt es vor, das ein Genre, dessen Hype gerade bereits dabei ist, wieder abzuflauen, sich plötzlich nochmal zu neuen Höhepunkten aufschwingt. So geschehen mit Mephorash, deren Viertwerk “Shem Ha Mephorash” mich völlig unvorbereitet getroffen hat und den großen Alben der okkulten, rituellen Spielart des Black Metal nicht nur ein weiteres Highlight zur Seite stellt, sondern vielleicht sogar neu definiert, was innerhalb dieses ja schon recht speziellen Sounds alles möglich ist. Die Eröffnung des Openers “King of Kings, Lord of Lords” mit ihren düsteren Chören, verhallten Orgeln und Gewittersounds (ja, wirklich) müsste eigentlich klischeehaft und effektheischerisch wirken, verfrachtet den Hörer bei Mephorash aber tatsächlich innerhalb von Sekunden in die fackelbeleuchteten Katakomben tief unter unheiligen, skelettartigen Kirchtürmen, deren Bild andere Bands über ganze Alben nicht zu erschaffen vermögen. Wenn die Gitarren einsetzen und von (ebenfalls nicht klischeehaften, sondern regelrecht monumentalen) Kriegstrommeln vorangepeitscht werden, wähnt man sich in einer um ein vielfaches bedrohlicheren Version von Behemoths “Blow Your Trumpets Gabriel”, die von Sarumans Uruk-hai in den tiefsten Abgründen von Mittelerde dargeboten werden. Und es ist ja nicht so, als würden Mephorash nach diesem Song (der im Grunde erst nach der Hälfte seiner Spielzeit so richtig in Fahrt kommt, dann aber umso mehr mitreißt) nachlassen. Im Gegenteil, der Opener gehört noch nicht mal zu den Höhepunkten dieses 74-Minuten-Blockbusters. Die Krone bleibt “Relics of Elohim” vorbehalten, dem vielleicht besten Song, den ich in diesem Genre jemals hören durfte. “Shem Ha Mephorash” ist ein so gut wie makelloses Album, das eine vollkommen eigene Welt erschafft, die ich in dieser Form noch nicht erlebt habe. Was soll denn bitte danach noch kommen? Mephorash werden es uns vermutlich in ein paar Jahren zeigen.

Highlights:

Sanguinem

Relics of Elohim

Shem Ha Mephorash

Platz 6: The Soft Cavalry - The Soft Cavalry (Dream Pop / Shoegaze)

Ich erkläre es jetzt einfach mal zum Naturgesetz: Alles, was Rachel Goswell anfasst, wird zu Gold. In den Neunzigern prägte sie mit Slowdive das Shoegaze-Genre mit (und veröffentlichte 2017 ein sehr gutes Comeback-Album), gründete 2015 mit Musikern von Mogwai und den Editors das wunderbare Projekt Minor Victories, und jetzt veröffentlicht sie zusammen mit ihrem Mann unter dem Namen The Soft Cavalry das gleichnamige Album. Auch hier herrschen natürlich schwelgerische, schwebend-melancholische Klänge vor, den Gesang teilt sich das Ehepaar. Und auch wenn Musik dieser Art aktuell wieder weit verbreitet ist und viele sehr gute Bands (beispielsweise Beach House, Cigarettes After Sex oder Death And Vanilla) den Sound aufgreifen, zeigt Rachel Goswell hier allen, das sie immer noch eine der “Original Gangster”-Figuren des Genres ist. Ob postrockige Epik wie in “The Velvet Fog” und “The Ever Turning Wheel”, wohlige Wärme wie in “Never Be Without You” und “The Light That Shines on Everyone” oder sphärische Düsternis wie in meinen beiden Favoriten, “Passerby” und “Spiders”: The Soft Cavalry haben hier eins der besten Alben des Jahres und dessen definitives Genre-Highlight veröffentlicht.

Highlights:

Passerby

Spiders

The Light That Shines on Everyone

Platz 7: Nyss - Dépayser (Progressive Black Metal)

Ich weiß nicht genau, was an Nyss’ zweitem Album es ist, das es für mich so sehr von anderen Releases aus diesem Genre abhebt. Vielleicht ist es einfach die Tatsache, dass auf “Dépayser” all die Kleinigkeiten, die bei anderen Alben dafür sorgen, dass sie mich nicht restlos begeistern, eben nicht vorkommen. Unpassende Produktion? Nein, das Album ist unheimlich druckvoll und klar produziert, springt dir mit voller Kraft entgegen und ist doch beinahe zärtlich zu seinen eigenen Details. 08/15-Black-Metal-Passagen mit schon tausendfach gehörten Gitarrenfiguren? Fehlanzeige, “Dépayser” erfindet zwar das Rad nicht neu, aber gibt sich auch niemals irgendwelchen Klischees oder Genrestandards hin. Übermäßige Komplexität, die zum reinen Selbstzweck verkommt? Auch nicht. Zwar sind die vier Songs zwischen 8 und 14 Minuten alles andere als eingängig und entfesseln hin und wieder völliges Chaos, aber immer zu dramaturgisch sinnvollen Punkten und in der richtigen Dosierung. Und so wirkt die Musik auf diesem Album gleichermaßen perfekt durchgeplant und natürlich gewachsen, was auch durch die verwirrende Mischung aus Natur und verarbeitetem Metall auf dem Cover repräsentiert wird. Wenn euch die angesprochenen Punkte auch oft davon abhalten, euch wirklich für ein Album zu erwärmen, könntet ihr mit “Dépayser” sehr glücklich werden.

Highlights:

Let the Devil In

Bitter Tears and Grave Dirt

Platz 8: Bryan Beller - Scenes from the Flood (Progressive Rock / Metal)

Alles an “Scenes from the Flood” lässt mich erst mal mit den Augen rollen. Bei Bryan Beller handelt es sich um einen Bassisten, der bereits mit Interpreten wie James LaBrie, Steve Vai und Dweezil Zappa zusammengearbeitet hat und außerdem Mitglied der zwar ganz witzigen und natürlich technisch großartigen, für mich aber auch irgendwie völlig verzichtbaren Supergroup The Aristocrats ist und es im Jahre 2019 für nötig hält, ein 87-minütiges Album herauszubringen und es mit einem zwar ganz hübschen, aber völlig beliebigen Sonnenuntergangs-Cover zu versehen. Alle Voraussetzungen für ein anstrengendes, völlig überladenes Frickel-Album, das nach maximal zwei Durchläufen seinen Reiz verliert, weil man halt auch nicht unendlich oft darüber staunen kann, dass die beteiligten Musiker sehr gut darin sind, ihre Instrumente zu bedienen, sind also erfüllt - aber Bryan Beller weigert sich stur, selbige zu erfüllen. Im Gegenteil, “Scenes from the Flood” wird zu keinem Zeitpunkt langweilig oder anstrengend, sondern bietet einen wilden Ritt durch Progrock und -metal, ein wenig AOR, wohldosierte elektronische Elemente und Einflüsse aus Soundtracks, Ambient und Post Rock, der so ungefähr ab der Hälfte bei jedem neuen Track Zweifel weckt, ob es denn nicht langsam mal gut wäre, dann aber doch noch einen draufsetzt. Der Höhepunkt dieses Feuerwerks ist zweifellos der Neunminüter “World Class”, dessen Titel ich nichts hinzuzufügen habe und das von einem Freund treffend als 2019er-Version von Dream Theaters “Dance of Eternity” bezeichnet wurde.

Highlights:

The Scouring of Three & Seventeen

Steiner in Ellipses

The Storm

As Advertised

World Class

Platz 9: Soen - Lotus (Progressive Rock/Metal / Art Rock)

Zu Anfang ihrer Karriere wurden Soen gerne noch als überflüssiger Tool-Klon abgetan, was ich schon damals zu kurz gegriffen fand, was aber mittlerweile definitiv nicht mehr zutrifft. Auf ihrem vierten Album “Lotus” haben die Schweden längst ihren eigenen, unverkennbaren Stil gefunden, der mittlerweile seinerseits Bands wie z.B. Mother Of Millions beeinflusst. Atmosphärische, komplexe und dennoch sehr zugängliche Rockmusik, die man in dieser Nische kaum besser machen könnte. Mit dem Titeltrack findet sich hier sogar der bisher beste Soen-Song überhaupt, der näher an Pink Floyd und Opeths “Damnation” ist als alles, was die Band bisher aufgenommen hat - Letzteres ist auch nicht so überraschend, schließlich ist der ehemalige Opeth-Drummer Martin Lopez Gründungsmitglied. Soen sind das perfekte Beispiel dafür, wie man sich als Band von seinen Vorbildern freischwimmt und eine eigene Identität aufbaut, mit der man selbst stilbildend wird. Und toll sind sie sowieso.

Highlights:

Lotus

Penance

River

Platz 11: Great Grandpa - Four of Arrows (Indie Rock/Pop)

Wie ich schon neulich bei Big Thief schrieb: Es gibt Bands, die man einfach gern haben muss, und Great Grandpa gehören zweifellos dazu. “Four of Arrows” klingt so warm und herzlich, so ehrlich, als wäre man seit Ewigkeiten mit diesem Album befreundet und würde sich nach einiger Zeit an einem warmen Sommerabend wiedertreffen. Wunderbar erdig und klar produziert, die seltsam vertraut klingende Stimme von Sängerin Alex Menne wird gerne mal von Harmoniegesängen ihrer Bandkollegen begleitet, die Songs sind herrlich unaufgeregt und trotzdem detailverliebt arrangiert. Wer ein Album sucht, das wirklich ans Herz geht und dabei trotz oft mitschwingender Melancholie eher optimistisch als traurig stimmt, ist hier genau an der richtigen Adresse.

Highlights:

Digger

Mono No Aware

Endling

Mostly Here

Platz 12: Josin - In the Blank Space (Electronic / Art Pop / Indie)

Ich weiß nicht mehr, wer mir damals Josins EP “Epilogue” empfohlen hat, aber ich muss mich nochmal bedanken. Erstens, weil selbige sehr gut war, und zweitens, weil ich ohne diesen Hinweis garantiert auch nicht das nochmal bessere Debütalbum der Hamburgerin, die bürgerlich Arabella Rauch heißt, gehört hätte. Klar von Interpreten wie Radiohead, Massive Attack und Ólafur Arnalds beeinflusst, aber dennoch mit sehr eigenem Charakter und einer Stimme, die kaum noch mehr Melancholie und Wehmut transportieren könnte. Wenn nicht die letzten drei Songs ein wenig hinter dem Rest verblassen (was nicht heißt, dass sie nicht immer noch sehr gut sind), wäre “In the Blank Space” ein klarer Kandidat für die Top 5 gewesen.

Highlights:

Healing

Evaporation

Once Apart

Feral Thing

Platz 13: The Neal Morse Band - The Great Adventure (Progressive Rock)

Vor mittlerweile 17 Jahren verließ Neal Morse seine (immer noch aktive und nach einer gewissen Durststrecke inzwischen wieder hervorragende) Band Spock’s Beard, um sich fortan vor allem seinem Glauben zu widmen. Das passiert seitdem, wer hätte es gedacht, mit so ungefähr der gleichen Musik wie vorher, nur halt mit deutlich mehr Jesus, um es mal stumpf zu formulieren. Wer sich daran nicht stört, erhält von Morse regelmäßig höchstwertigen, melodieverliebten Progrock. “The Great Adventure” ist die Fortsetzung von “The Similitude of a Dream” und basiert wie selbiges Album lose auf einem christlichen Text aus dem 17. Jahrhundert namens “The Pilgrim’s Process”. Musikalisch schlägt es im Grunde in die gleiche Kerbe (was weder bei einer direkten Fortsetzung noch bei der Tatsache, dass es nun mal ein Neal-Morse-Album ist, irgendjemanden wundern dürfte), gerät aber tatsächlich noch ein bisschen überzeugender und ist noch dichter mit absoluten Gänsehautmomenten gespickt. Für Morse-Fans sowieso Pflichtprogramm, aber auch generell ein Album, mit dem man nichts falsch machen kann und sehr viel Freude haben dürfte. Trotz Jesus und so.

Highlights:

Dark Melody

I Got to Run

To the River

The Great Despair

Freedom Calling

A Love that Never Dies

Platz 14: Tool - Fear Inoculum (Progressive / Alternative Metal / Art Rock)

Ich verkneife mir an dieser Stelle mal jegliche Kommentare zur Vorgeschichte von “Fear Inoculum”, weil die erstens sowieso jeder kennt, der sich für Tool interessiert (und vermutlich sogar die meisten, die sich nicht für Tool interessieren) und diese Kurzbeschreibung sonst allein im eröffnenden Absatz schon länger wäre als eine vollständige Review. Im Grunde hat sowieso jeder Mensch auf diesem Planeten, für den “Fear Inoculum” irgendwie relevant sein könnte, das Album mittlerweile gehört und sich seine eigene einzig wahre Meinung dazu gebildet. Sollte das bei dir tatsächlich noch nicht der Fall sein und solltest du dich fragen, ob es sich lohnt, sich mit dem Album auseinanderzusetzen, möchte ich dir aber natürlich dennoch helfend zur Seite stehen und dir mit meiner detaillierten, ausführlich argumentativ belegten Meinung zur Seite stehen:

Ja.

Highlights:

Invincible

Descending

7empest

Platz 15: A Swarm Of The Sun - The Woods (Post Rock / Ambient)

Wenn das vor vier Jahren erschienene “The Rifts” den langsamen Abstieg in einen tiefschwarzen Abgrund vertont hat, so ist “The Woods” nun das Aufwachen nach mehreren Jahren Schlaf an dessen Boden, das ziellose Herumwandern und das Nachdenken über die Frage, wie und warum man dort hingelangt ist und wie man dort sein restliches Dasein fristen soll. Ab und zu huscht mal ein schwach glimmendes, irgendwie quallenartiges Wesen zwischen den nur schemenhaft erkennbaren Baumskeletten umher und gibt dir für einen kurzen Moment die Möglichkeit, einen Blick auf den ausgewaschenen Zettel zu werfen, den du auf dem Boden gefunden hast und seitdem mit dir herumträgst, aber die Symbole sind immer noch genauso rätselhaft wie beim letzten Mal - wann war das noch? Vor zwei Minuten? Vor sechs Monaten? In einem anderen Leben? Du weißt es nicht und im Grunde ist es auch egal, weil Zeit bei A Swarm Of The Sun keine Bedeutung hat, weshalb sie “The Woods” auch aus drei jeweils ungefähr 13 Minuten langen Stücken zusammensetzen und sich erst im zweiten davon überhaupt erinnern, dass sie einen Sänger haben, mit dem sie einen aber nicht aus dem Abgrund hervorholen, sondern viel mehr die Wände noch höher wachsen lassen, bis sie auch die letzte Erinnerung an das fahle Mondlicht, das du über dir irgendwann mal erahnen konntest, auslöschen.

Highlight:

The Woods

Platz 16: Thank You Scientist - Terraformer (Progressive Rock)

Ich könnte jetzt versuchen, “Terraformer” mit Worten zu beschreiben, aber ganz ehrlich, nichts könnte das Erlebnis, das einen auf diesem Album erwartet, so gut zusammenfassen wie dieser Trailer und das Musikvideo zu “FXMLDR”. Also los!

Highlights:

Son of a Serpent

Everyday Ghosts

Chromology

Platz 17: Chelsea Wolfe - Birth of Violence (Dark / Gothic Folk)

Die beiden letzten Alben von Chelsea Wolfe, “Abyss” und “Hiss Spun”, wurden von Kritikern wie Fans euphorisch aufgenommen und nicht selten als Meisterwerke bezeichnet, aber irgendwie hatte ich schon die ganze Zeit das Gefühl, dass das noch nicht der Höhepunkt ist. Und auch, wenn “Birth of Violence” entgegen dem, was der Titel vermuten lässt, die Einflüsse aus Doom Metal und Drone, die die Vorgänger prägten, vollkommen zurückfährt, sich auf ein größtenteils akustisches Klangbild verlegt und damit im Grunde zu Wolfes Wurzeln zurückkehrt, haben wir es meiner Ansicht nach mit dem bisher intensivsten und überzeugendsten Album der Sängerin zu tun. Mit “The Mother Road” und den folgenden Songs gibt es eine sehr starke, opulente Eröffnung, doch das tatsächliche Highlight finden wir eher am Ende des Albums, wo “Little Grave”, “Preface to a Dream Play” und “Highway” einen atmosphärisch derart dichten, geradezu unwirklichen Abschluss hinlegen, dass ich das nur als reine Perfektion bezeichnen kann. “Birth of Violence” ist immer noch nicht das große Überwerk, das ich Chelsea Wolfe zutraue, aber es kommt dem bisher am nächsten und lässt sehr auf den Nachfolger hoffen. Ich bin schon jetzt voller Vorfreude.

Highlights:

The Mother Road

Little Grave

Preface to a Dream Play

Highway

Platz 18: Leprous - Pitfalls (Progressive / Art Rock)

Bereits mit dem Vorgänger “Malina” haben sich Leprous zumindest teilweise etwas weiter von den vertrackten Prog-Pfaden entfernt und mehr Eingängigkeit zugelassen, dabei aber noch deutlich stärker auf ihre Wurzeln verwiesen, als das auf “Pitfalls” der, naja, Fall ist. Das Album, das sich mit den Depressionen von Sänger Einar Solberg auseinandersetzt, wird vor allem in der ersten Hälfte stark von sehr melodischen, simpler strukturierten Songs wie “I Lose Hope” und “Alleviate” dominiert, nach letzterem werden die Songs spürbar komplexer und länger, was im cinematischen, auf den ersten Eindruck fast überfrachteten Finale “The Sky is Red” gipfelt. Doch sollte man nicht den Fehler machen, die zugänglicheren Songs als Mainstream-Anbiederung abzutun - natürlich hat das nicht mehr viel mit dem hyperdramatischen, furiosen Progmetal von Songs wie “Rewind” oder “Forced Entry” zu tun, aber ausnahmslos jeder Song auf diesesm Album ist mit Liebe zum Detail arrangiert, hat seine ganz eigenen Stärken und fügt dem Album eine neue Farbe hinzu. Oder vielleicht eher einen neuen Grauton, so das “Pitfalls” am Ende in sämtlichen Schattierungen der Abwesenheit von Farbe schillert. Leprous haben sich schon wieder deutlich verändert und bleiben gerade dadurch unverkennbar.

Highlights:

Alleviate

Distant Bells