iris

La Virgen de Magallón, en su leyenda y en la canción de Juanjo, huyó aterrorizada ante la ira de unos hombres que la amenazó a ella también. Huyó ante el egoísmo de otro hombre que creyó que ella podría salvarlo cada una de las veces sin pedir permiso, sin pedir perdón, sin arrepentirse solo por miedo, por pánico, porque la fe tiene la puerta abierta y promete que te va a proteger. Y su trágico final, fue el final trágico de la virgen. Una virgen que tuvo que correr, que marcharse y por primera vez no protegió y sintió ira y dejó a todo un pueblo sin lugar donde buscar perdón, alivio y respuestas.

Huyó por culpa de unos hombres que la entendieron como una compasión sin límite, que creyeron que ella lo entendería, que les perdonaría, que sería el lugar al que correr cuando la culpabilidad no les dejase dormir. Se esperó, como históricamente se ha esperado, que una mujer soportarse el peso de errores ajenos, que tuviese la gracia para comprender, de aliviar el dolor y la culpabilidad, que fuese lugar seguro como una madre, como una virgen.

Y esto también ocurre en la literatura.

Melibea en La Celestina ve anulada su propia voluntad por el capricho de un hombre. Calisto, después de ser rechazado por ella, acude a Celestina en busca de algún método para lograr que Melibea se enamore de él. No tiene en cuenta sus deseos, su voluntad porque no le importan, porque no le interesan y porque van en contra de los suyos propios, porque se ha encaprichado y no parará hasta conseguir lo que se propone. Un conjuro usando un hilado y una prenda de Melibea será aquello que le robe la voluntad y también el elemento que la convertirá en aspecto y personaje trágico de la obra convirtiendo así a La Celestina en una tragicomedia.

Es la muerte absurda de Calisto la que termina por culminar el final trágico de Melibea. Está perdidamente enamorada de él, lo entiende como su razón de ser, está completamente entregada a él y hay que entender también que en la Edad Media —aunque nos encontramos al final de esta— el amor era comprendido como una enfermedad, una enfermedad con consecuencias físicas e incluso como una causa de muerte. Por ello, Melibea no se ve capaz de soportar la profunda tristeza que le provoca la muerte de Calisto y termina por suicidarse. Este suicidio tiene aún más peso teniendo en cuenta que este tipo de muerte es considerado pecado, a Melibea un hombre le robó la voluntad y también el perdón y la paz en la muerte. Su propia muerte contrasta con la de Calisto que muere por caerse de un pequeño muro, es absurda, es evitable y es estúpida haciendo énfasis en el carácter patético del propio personaje.

Este narrador no conoce la realidad completa, conoce su versión o una versión pero no la verdad objetiva de los hechos. Este narrador rellena huecos y conecta hechos según su parecer, así, su realidad está construida con su visión subjetiva, su opinión y aquello que ha decidido como real. Cómo podemos conectar esta realidad fragmentada o vacilante con mu1? Gracias a la nostalgia.

La nostalgia dulcifica, idealiza, suaviza y transforma ligeramente la luz y color de nuestros recuerdos, por tanto, es nuestro narrador no fiable. Recuerda de una manera concreta aquello a lo que más apego, cariño le tenemos y es capaz de quitarle encanto al presente, de hacerlo menos brillante y dibujar el pasado como una época dorada. Evidentemente esto no significa que no puedan existir los buenos recuerdos, lo hacen pero aún así la nostalgia insiste en todos esos aspectos positivos, los ensalza y crea versión de nosotros mismos, de lugares, de situaciones y las hace más luminosas y procurar que tengan un tinte de irrepetibles.

Otra posible conexión con esta idea de narrador no fiable es la posibilidad de que los sueños también sean tratados en el disco, en mu1. Los sueños, desde el concepto de que pueden ser confundidos con recuerdos o crear una duda, puede tratarse también de un narrador no fiable en el extremo de la definición. Los sueños se apropian de elementos de nuestra realidad, de nuestros recuerdos y crean algo que se parece a sitios en los que ya hemos estado, a gente a la que ya conocemos. Es decir, con elementos que sí son reales, rellenan huecos e inventan.

se entendió que el lenguaje estaba contaminado, manoseado por el poder y a ese lenguaje usado, toqueateado llegó incluso a ser denominado como "habladuría". durante esos años 50 se planteó la idea de que la palabra crea, transforma. la palabra es creadora y hay que aspirar al concepto de "palabra recién hecha" y existe una defensa de esa forma primaria del lenguaje. esta ansiada pureza del lenguaje podría relacionarse con la inocencia de la infancia, con no haber conocido aún el lado más contaminado del mundo y ser capaz de crearlo de manera imaginaria porque no hay nada que pueda destruir la ilusión, la idealización, no hay un choque de realidad ni un concepto pesimista o más realista del mundo que pueda impedir crear ciertas ideas sobre el mismo. en la infancia imaginamos como será la adultez o el mundo cuando nos encontremos en esa etapa e imaginamos y no tenemos prejuicios, ideas ni discursos pegados en las paredes de nuestra imaginación, no hay influencia, no hay mirada que vió mucho o demasiado, hay mirada que simplemente observa y descubre.

esta idea cambia a partir del 68 —toda esa corriente anterior era defendida por autores como Valente— y toma forma sólida en los 70. aquí se rechaza el concepto de palabra creadora y se ha llegado a la conclusión de que no puede llegarse a la forma pura y primaria del lenguaje, que el lenguaje está lo suficientemente manoseado, manipulado y usado por el poder como para que jamás pueda desprenderse de sus significados, siempre convivirá con huellas ajenas. en este caso, la relación con el video de nadadora la encontramos no tanto en el propio vídeo sino en la suposición de lo que continua tras explorar el mundo desde una mirada inocente. según este pensamiento la palabra ya no crea, sino que es encontrada. la palabra se encuentra y el autor ya no es autor, ya no existe la propiedad, ya no se es dueño del lenguaje ni de las palabras.

estas dos pérdidas suponen un desajuste en su su percepción de la realidad pero también de ella como personaje. perder a jere y perder una parte tan integral de su identidad como su papel de mariliendre implica incluso una construcción de una idealización del tiempo en el que eso aún formaba parte de ella, de su vida. una época que quizá consta de pocos elementos que la permitan ser idealizada y elevada, lo será únicamente porque ahí, en ese momento, sí tenía a jere, sí tenía su título de mariliendre y era alguien importante, imprescindible. por ello recuerda ese tiempo con esos colores tan vibrantes y luminosos, por eso anhela volver, por eso el tiempo presente es azulado, es gris, es pesado y denso.

no es el tiempo el que sufre una decadencia, son las vivencias de meri las que hacen que su percepción, la del tiempo, sea vista desde una visión negativa porque el presente es lo que ella ya no es, lo que fue y nunca podrá ser otra vez.

la pérdida de la amistad de jere tiene sus propias señales y premonición en el pasado, momentos pequeños como ellos bailando juntos, meri cantando "y no te olvidarás de mí jamás" y jere yéndose hacia un chico justo en ese momento. también los numerosos paralelismos que se establecen entre el fin de su título de mariliendre y el funeral del padre: ese plano de ella siendo llevada por una multitud en una discoteca y el féretro de su padre siendo cargado durante dime.

el título de mariliendre está profundamente conectado a su amistad con jere, y por ello, al perderle a él, pierde también eso. él fue quien la convirtió en una y él será quien le arranque esa parte de sí misma.

por otro lado, la pérdida del padre implica la desaparición de su otro lugar seguro. con jere, perderá el ser mariliendre pero también un espacio seguro que no la juzgaba, que la hizo importante, que la hizo especial, imprescindible y la hizo sentir necesaria. el padre será un lugar parecido, será la persona de su familia que la adore, la comprenda, la entienda, la apoye y se esfuerce en ser un espacio amable, cálido en un mundo, un entorno que es áspero, que critica, juzga y te analiza.

así, perder a ambos significa no tener un lugar al que correr, significa vivir de manera impuesta en la hostilidad del mundo fuera de eso, enfrentarse a lo afilado, a la incomprensión. significa e implica una soledad, una grieta en la identidad porque era parte fundamental de sí misma, porque ya no sabrá qué hacer con aquello que ella construyó de sí misma cuando tenía estos espacios seguros ahora que este lugar hostil no lo acepta ni quiere comprenderlo.

este dilema se da también en el cuento el inmortal de jorge luis borges. en este cuento, su protagonista joseph cartaphilus, es inmortal y además ha vivido ya durante varios siglos, es capaz de hablar cualquier idioma y ha leído prácticamente todas las obras literarias existentes porque dispone del tiempo, un tiempo ilimitado. es por ese tiempo ilimitado por lo que sus acciones, sus vivencias pierden trascendencia, dejan de importar hasta el punto en el que el olvido es algo tangible que le persigue. irónicamente, parece que la muerte será aquello que haga que seamos recordados. vivir eternamente lograría justo lo contrario porque nada de lo que pudiésemos vivir importaría, no existirían los grandes logros ni las historias de superación. las cosas que hacemos importan, se quedan grabadas en nuestra historia y en la vida de quien nos acompañó porque somos mortales, porque nos morimos, porque la vida termina y de ella tiene que quedar un álbum de fotos y un diario.

esta importancia y peso de las acciones también encuentra su conexión en virgen de magallón. si la muerte no fuese una posibilidad, si el tiempo vital de juan de albir hubiese sido ilimitado como el de joseph, la venganza tampoco hubiese existido y la virgen no hubiera huido escandalizada. es decir, la única razón por la que esa necesidad de venganza y su posterior tragedia existieron fue porque podían matar a aquel hombre. si solo hubiesen podido herirlo el final sería distinto, no hubiese tenido las mismas consecuencias emocionales en la familia rival, no se hubiese despertado ese sentimiento de ira profunda ni la ya mencionada sed de venganza. y no lo hubiese hecho porque no hubiese importado, porque hubiese sido solo una herida, porque tampoco hubiera tenido sentido atacar al asesino porque para empezar ni siquiera sería un asesino y para continuar, no se hubiese podido llevar a cabo un daño real ni un ejercicio real de tomarse "la justicia por su mano". no hubiese tenido trascendencia, el conflicto no hubiera importado.

para la virgen tampoco hubiese sido un hecho traumático, herir a un hombre en su altar no tiene el mismo carácter definitivo e irreversible de un asesinato. el suceso fue terrorífico por el mero hecho de que pudo ocurrir, de que es posible acabar con la vida de alguien y eso es trascendental, importante, grave y no tiene una solución. así mismo las huidas del asesino tampoco tendrían la misma carga emocional, no tendría que huir, ni que pedir a la virgen su protección y su horrible acción hubiese caído en el olvido. el pueblo, la familia hubiese olvidado que hirió a un hombre porque no había nada en riesgo, porque nada iba a terminar, porque todo hubiese seguido igual.

vemos esto en los villancicos de la época (en ese entonces no se trataba de canciones navideñas) donde se nos presentan distintos tipos de pena de amor pero los más relevantes y similares para este caso son: la pena por la ausencia o el insomnio. el primero siendo esta clásica angustia y ansiedad, dolor y tristeza por estar alejado de la persona amada. en estos villancicos se habla del enamorado echándose al mar por algún viaje, con lo peligrosos que eran los viajes por mar en la época, o yendo a la guerra. otro tipo de pena, era el insomnio por ese amor. un amor tan fuerte que su ausencia o no correspondencia podía causar falta de sueño o pesadillas, podía afectar de una manera más tangible y real a la persona enamorada.

siguiendo este hilo de consecuencias más reales del amor nos topamos con el concepto o pensamiento que se tenía en la edad media sobre el amor. se entendía como literalmente una enfermedad por los efectos físicos que era capaz de causar como falta de apetito, de sueño, tristeza severa, cambios bruscos de humor... esta concepción del amor se representa muy claramente en la celestina, en esta obra de teatro donde nos encontramos con la historia de calisto y melibea —existen muchísimos más personajes pero estos son los más relevantes ahora—, y su tragicómica historia de amor. por un lado, calisto siente el denominado "loco amor" la versión contraria al amor extendido y entendido como válido y decoroso en la edad media, es decir, el amor cortés el cual sigue una serie de reglas y un largo cortejo antes de siquiera intercambiar dos palabras.

calisto considerará que la forma de "curarse" de esta "enfermedad" que es el amor será logrando estar con la persona amada y deseada lo que le llevará a hacer cualquier cosa, romper cada regla y soprepasar aquello no ético convirtiéndose en el elemento patético, y en consecuencia, la comedia de la historia.

por otro lado, melibea es el elemento trágico de la misma. melibea se enamorará, estará "enferma" de ese amor, será la víctima de la inconsciencia de calisto. ella estará verdaderamente enamorada y cuando el final de calisto llegue, ella sufrirá esa pena de amor por la ausencia. no podrá soportar la idea de vivir sin él, de quedarse con todo ese amor y dolor y tener que vivir con ello llevándola así a su propio final trágico.

en nuestra forma de hablar ese lidiar con la ausencia de la persona amada no es trágica pero sí que existe este sentir que echar de menos pesa, que el hueco que deja esa persona está ahí, muy vacío, dolorosamente obvio y silencioso. echar de menos porque no puedes evitar notar la ausencia de esa persona, saber que no está, ser consciente de ello y que tenga un efecto en ti. y sentir que da miedo, que dan miedo esos efectos, ese pesar por si duran, por si no se van por si no vas a poder echarle de menos de otra forma que en la que no te falte el aire. con ese último elemento también se ven esos efectos más físicos de la pena de amor en el enamorado: la falta de aire o la incapacidad de caminar como si el cuerpo también se hubiese rendido y se negase a funcionar hasta que esa persona vuelva.

evidentemente existen matices ya que en el caso de aquiles no es exactamente una imagen preconcebida sino aquello que debe ser, aquello que se espera que sea y esta aspiración amenaza constantemente a su parte humana, a su parte vulnerable y una parte que teme perderse y que la figura de héroe acabe con su humanidad. pero en esencia, se mantiene, seguimos viendo una capa exterior que intenta ser más resistente, más dura para proteger algo que es más complejo, más delicado, y a veces, asustado en el interior. en recardelino, como en las historias de héroes como la mencionada de aquiles, encontramos también la razón por la que la vulnerabilidad y la "humanidad" se mantienen cuidadas, cálidas y vivas.

en ambos casos, será el amor. en recardelino será el amor en muchas formas y un buen ejemplo de como el amor cuida y mantiene a salvo y sin vergüenza a la vulnerabilidad es la plaza y el río en frases como "esquivo los disparos si estas a mí lado" o "me siento menos raro porque te he encontrado". otro ejemplo lo tenemos en últimamente cuando se pregunta dónde están sus raíces o dónde están sus padres dando así a entender que son su toma a tierra y un lugar que le da seguridad.

en la canción de aquiles se da prácticamente durante todo el libro pero especialmente a partir de la etapa de la guerra de troya. patroclo será quien parezca recordarle a aquiles que existe esa humanidad, esa vulnerabilidad y ese corazón en él, que no puede ni debe reducirse a ser héroe. será probablemente el único personaje que no lo trate solo como un gran guerrero o un héroe porque para patroclo, aquiles es el chico con el que creció y se enamoró casi sin darse cuenta como si aquello fuese simplemente el orden natural. fue el único que jamás dejó que la heroicidad se intentase llevar al aquiles que él conocía desde niño incluso cuando el orgullo intentó tirar más fuerte:

"i wanted to be able to listen, to digest de bloody images, to paint them flat and unremarkable onto the vase of posterity. to release him from it and make him achilles again"

existen otras formas de presentar esta idea errónea y ajena sobre uno mismo, esta la vemos en blank space de taylor swift. en esta canción taylor recoge y hace suya una narrativa construida por la prensa en la que se asegura que tiene un modus operandi con los hombres, que los atrapa en su red y luego juega el papel de víctima cuando sale mal. abraza con ironía esa narrativa y concepto sobre sí misma, se burla y se ríe de ella. la lleva al extremo tanto en la propia canción como en el vídeo con líneas como "baby, i'm a nightmare dressed like daydream" haciendo referencia a que su belleza es inevitable e irresistible pero una vez te adentras en su personalidad, tal belleza no existe.

así, en lo que no ves de mí, se adelanta ya que queda mucho por contar, que tiene mucho que decir, que hay más capas que quitar, de las que desprenderse y recardelino es eso, es parte de todo lo que tiene que contar, de las historias y experiencias vitales que llevaba consigo. y realmente podríamos considerar lo que no ves de mí como el prólogo de su carrera en general.

pero no solo hay prólogo en este hilo narrativo, en el mundo narrativo de recardelino también hay un bosque encantado y este bosque es el destello. ¿de dónde me nace esta idea? en la literatura caballeresca, como he explicado en otros posts, el proceso de crecimiento vital del caballero se inicia al dejar el lugar considerado como hogar, en el caso de estas novelas es la corte, para adentrarse en un bosque que les permitirá la consecución de una identidad tras superar pruebas, enfrentarse a sucesos y elementos que no entiendan y se escapen de su razón, a sus miedos, a la toma de decisiones... y es un proceso que recuerda mucho al universal y común de un ser humano real. en recardelino se da este proceso, este camino hacia saber quién eres. se narra una infancia, se explica la sensaciones de anhelar algo más y alejarse y justo ahí, cuando se deja el hogar y juanjo se marcha a madrid, se adentra en este bosque.

aunque este bosque, en este caso, tendría particularidades. entiendo el bosque como un lugar dividido en dos secciones: en la primera nos encontramos con aventuras, con nuevas experiencias, con la inocencia de quien mira por primera vez (esto sería golondrinas, me sabe mal y mis tías) y conforme se avanza en este bosque, llegamos a la parte encantada. hablo de bosque encantado por ciertos elementos de el destello (la propia estética, el concepto del trueno y una gran luz...) y porque podemos entender el amor como algo mágico, en ese caso, y teniendo en cuenta el contexto de un bosque encantado en una novela caballeresca, se entiende que ya nos referimos a elementos casi sobrenaturales que la razón no sabe explicar, que son inevitables y simplemente suceden. normalmente, y según también el género fantástico que acogerá esto así como el romanticismo, esto provoca inquietud derivando a miedo y en el destello, no existe un miedo como tal pero sí una inquietud o nerviosismo ante lo inevitable de unos sentimientos.

en este bosque encantado también encajan la plaza y el río y nuestra forma de hablar y estarían justo al inicio y darían paso a ese elemento "sobrenatural" o "mágico", que es el amor.

esta conexión literaria se remonta a la literatura renacentista y la conexión se da cuando al observar las letras de estas dos canciones de juanjo se aprecia una introspección de unos sentimientos amorosos, es decir, se expresa cómo se siente el yo poético, el yo enamorado. se habla de cómo este yo enamorado considera a la persona amada su hogar, su paz e incluso su valentía. esto, este acto de análisis de unos sentimientos, en la poesía del momento, será la poesía introspectiva. en la poesía del renacimiento la persona amada era casi una excusa para el autoanálisis e identificación de los sentimientos propios.

otra conexión está concretamente en nuestra forma de hablar donde en el estribillo menciona que cuando la persona amada se va el vacío que deja no le permite andar o respirar, prácticamente como si la capacidad para eso o para funcionar con normalidad se fuese con esa persona y esto, que haya algo yéndose junto con al persona amada cuando está se aleja recuerda a dante. en el caso de dante será algo incluso más dramático, él sentirá que su amada al morir se lleva parte de su corazón y no podrá recuperarlo hasta que se reúna con ella. así el amor es algo que atraviesa barreras y que no solo se da o permanece en el ámbito terrenal. el amor, por tanto, es visto como lo más cercano a un camino hacia lo divino y la plenitud espiritual.

lorca consideraba que debías ver los huesos y la sangre de los personajes, puede que con esto se refiriese a que los personajes deben sentir hasta las últimas consecuencias, deben mirar a la fatalidad que les espera al seguir sus pasiones y aún así, seguirlas porque están casi destinados a ello, a la fatalidad de cerrar los ojos y caer en lo que quieren, necesitan, sienten que tienen que hacer y en la humanidad que en realidad tiene ese hecho.

y precisamente esta forma visceral de sentir recuerda a la manera en la que lo hacen, en la que sienten algunos personajes de la leyenda que cuenta virgen de magallón. el odio, la ira y el rencor siendo tan profundos que da la sensación de que crecieron como raíces bajo tierra hasta enredarse en sus terminaciones nerviosas y les nubló, no les dejó ver solo empuñar un arma y avanzar hacia un cuerpo caliente hasta que enfrió.

es una visceralidad que recuerda a los personajes de bodas de sangre, obra donde acontece un asesinato por celos y para más insistencia en ese sentir desde lo más puro, desde lo más desnudo y lo más primitivo este asesinato ocurre en la naturaleza, entre tierra y árboles. y mientras esto se aleja del espacio de la tragedia en virgen de magallón, el ser movido por un sentimiento que en circunstancias normales podría controlarse y llevar a cabo una atrocidad por ello, sigue teniendo su conexión. también existe otro símil cuando recordamos que en bodas de sangre se dan rencores y conflictos enquistados entre dos familias durante años, ya que la muerte del hijo y padre del personaje del novio siguen ahí, latente y en el aire. y que uno de los involucrados sea el hombre del cual el personaje de la novia estuvo y está enamorada hará estallar del todo la situación. en virgen de magallón vemos de igual modo un enfrentamiento entre familias que lleva años gestándose a causa de unas tierras y tendrá el mismo final fatídico.

en la canción, por ciertas frases de la misma, se aprecia su ira, su enfado, su indignación y no la esconde, no la oculta. y la mejor parte de esa ira además de lo explícita que puede llegar a ser, es que no se dulcifica, no se ablanda pero tampoco se demoniza o se ridiculiza. la virgen está enfadada y a pesar de que la virgen es una figura entendida como maternal, compasiva, afable no cambia de opinión, no perdona, no vuelve al pueblo a pesar de las súplicas de los hombres. esto se ve en líneas como "dice que se queda, no hay negociación" o "si yo en vuestros líos no me meto no os liéis a tiros en mi casa" . Y esta no demonización o ridiculización de la ira femenina es relevante porque en la historia de la literatura o arte en general no es algo común, muchísimas figuras femeninas son convertidas en villano, en el objeto destructor, en aquello que arruinará la vida de un hombre, casi como si tuviesen el día del juicio final gestándose en sus entrañas. hay ejemplos como en la literatura medieval donde muchos personajes femeninos por enfados, por errores son condenadas a transformarse habitualmente en reptiles y es que como bien sabemos los reptiles, particularmente las serpientes, son la representación del mal en el imaginario religioso y cristiano. así, se convierten en justamente eso, la representación de la destrucción, del mal, del "mal camino", de lo condenable. porque la ira femenina durante siglos ha sido inmoral, ha sido histeria, ha sido enfermedad, ha sido locura porque la figura femenina debía ser maternal, cuidadora, dulce, femenina, delicada, tender al perdón, a la compasión.

pero la virgen en esta leyenda y concretamente en la canción de juanjo no es eso, no quiere ser eso. está indignada, está enfadada y en la canción, como he mencionado anteriormente, no se ridiculiza ni se convierte a esta figura en un villano, parece ser un enfado entendido incluso por la voz que representa al pueblo en la canción. parece un enfado que en la propia canción es justificado, parece que hasta la propia canción condena las acciones de esos hombres con esa voz del pueblo ya mencionada cuando dice "era un hombre malo" y hablan de descaro y como el altar no es un lugar para disparos.

en matilda, harry dice:

you can let it go

(puedes dejarlo ir)

you can throw a party full of everyone you know

(puedes organizar una fiesta con la gente que conoces)

and not invite your family, 'cause they never showed you love

(y no invitar a tu familia porque nunca te mostraron afecto)

you don't have to be sorry for leaving and growing up

(no tienes que sentirte culpable por irte y crecer)

este dejar ir aquello o esas personas que una vez te hicieron daño o no te quisieron de la manera correcta sin sentir una culpabilidad que no te corresponde recuerda a golondrinas cuando juanjo dice:

y no quiero que me acompañe

quien tanto me hizo mal

tendré que abandonarles

y no volver atrás

pero la similitudes no terminan ahí, y cuando en matilda, harry habla sobre cómo puedes irte, viajar y ver el mundo y como no tienes que creer que hay algo malo en hacerlo por tu cuenta también recuerda a golondrinas cuando juanjo menciona que quiere verse en otro jardín dando así a entender que quiere explorar, ir a otros lugares, vivir otras experiencias.

es aquí donde se da la conexión literaria y esta conexión será con el concepto del bosque en la literatura caballeresca o artúrica (literatura referente al rey arturo). aparece el elemento del jardín, que en otras circunstancias en la literatura significaría otra cosa y haría referencia a otra cuestión, pero aquí se entiende como el lugar donde, como ya se ha comentado, explorar, vivir otras experiencias, crecer y evolucionar. esto recuerda a cómo se entendía el bosque en la literatura caballeresca, era el sitio donde se daban las aventuras que el caballero debía vivir y superar con éxito para adquirir una identidad, para literalmente tener un nombre, ser alguien.

el bosque es la contraposición al castillo que será el lugar seguro, el lugar civilizado o directamente lo que el caballero considerará como casa. el bosque, en cambio, se entiende como el lugar de la magia, de lo desconocido, de la incertidumbre, de la aventura, de los peligros, de lo sobrenatural incluso. unas aventuras que de ser superadas lograrán que el caballero construya un honor, una identidad. en algunas obras el caballero no llega a ser referido por su nombre hasta que ha superado esas pruebas con éxito. el jardín, el volar de golondrinas podría ser esto, podría ser el momento de la aventura, del superar obstáculos, del crecer y solidificar una identidad que quizá antes vacilaba. es, en definitiva, la experiencia del autodescubrimiento. en el caso de juanjo, evidentemente, se trata más de un reafirmar la identidad que la consecución de una como en el caso de un héroe de la literatura caballeresca, pero la idea de la identidad y saber exactamente quién eres al superar un proceso se mantiene.

cada imagen relativa a la naturaleza que se observa en la obra de lorca es negativa aunque a causa de algo ajeno y externo a ella, el elemento que tendrá unas connotaciones negativas intrínsecas y en su esencia desde el inicio será aquello que sea metálico, el metal será prácticamente un mal augurio al ser un símbolo o una referencia a esa deshumanizacion, industrialización y tecnología que traía consigo el capitalismo.

se nos presentan elementos como diversos animales que viven en un entorno que parece estar en contra de su vida, de la vida y atenta directamente contra ella y aparecen habitualmente sin cabeza. también encontramos agua y se habla de agua "podrida" haciendo así de referencia a la falta de vida o la esperanza de que pueda haber una futura. se habla también de lunas falsas o de árboles que son comparados con muñones al estar desnudos y carecer de hojas, y de nuevo, de la incapacidad de crear vida, de hacerla crecer, de florecer.

pero esto en la música de martin y en la estética dada a su sonido, cambia. la naturaleza es capaz de convivir con lo metálico, con lo cegadoramente brillante y robótico. la naturaleza, de hecho, crece entre ese metal y vive y sobrevive. y de repente, el metal, lo tecnológico siente, puede crear vida, puede mantenerla, no la amenaza, no la daña. los animales y los pájaros concretamente se deshacen de estas etiquetas negativas, de este atentado y amenaza contra su vida y se cargan de otras significaciones, pueden volver a significar libertad o nostalgia. y aunque el surrealismo se mantiene en estas imágenes mentales en las que el sonido de martin se basa, aquí, el surrealismo, vuelve a ser únicamente una huida. en este caso, no una huida porque la realidad sea criticable o angustiante sino una huida en el sentido de viaje porque la nostalgia es una huida a lo que todo solía ser antes muchas veces solo porque fue bonito, fue importante y no porque el presente no lo sea.

y esta idea, este destino escrito, decidido y prácticamente inquebrantable aparece ya en la tragedia griega. aunque en este caso, en el de juanjo, el final no es trágico ni nada remotamente similar pero el concepto de destino que se seguirá porque así está marcado, se mantiene. en la tragedia griega, el protagonista, al tratarse en su caso de un destino trágico, intenta evitarlo. se toman decisiones con el objetivo de desviar ese destino, de cambiarlo. el protagonista viajará, se alejará, luchará contra una fuerza más grande que él para finalmente terminar perdiendo. existen ejemplos como édipo o aquiles que a pesar de retrasar su enfrentamiento con héctor, el destino logrará que su dolor y su ira tras la muerte de patróclo esto suceda y el final marcado por la profecía también lo haga.

hay otros casos en esta literatura no tan trágicos donde encontramos a un héroe, no tanto con un destino decidido y escrito, sino con la misión se superar obstáculos para poder ser merecedor de su propio final feliz, de su propia victoria. aquí podemos poner el ejemplo de ulises en su odisea, que tras años y años, de luchas, de mares furiosos, de resistir a cantos de sirenas, a cíclopes, podrá volver con su esposa penélope. en cierto modo esto también puede recordar a estas tres canciones de juanjo, en especial a golondrinas o moncayo. puede que no se especifiquen estos obstáculos pero se entiende y se sobreentiende la intención de cumplir unos sueños, unas metas y tener la convicción de querer cumplir, luchar por ello.

siguiendo por el aspecto musical y avanzando en el tiempo, en la literatura también vemos cancioncillas premonitorias como en el caballero de olmedo. una obra de teatro escrita por lope de vega donde este caballero procedente de olmedo, don alonso, se enamora de la prometida por conveniencia de don rodrigo, doña inés. la canción avisándole de su terrible destino le acompaña durante gran parte de la obra mientras esos encuentros secretos entre don alonso y doña inés no dejan de darse pero la ignora hasta que, inevitablemente y a pesar de los avisos, ese destino se cumple.

la canción, por cierto, decía:

que de noche lo mataron al caballero.

la gala de medina, la flor de olmedo.

sombras le avisaron que no saliese

y le aconsejaron que no se fuese al caballero;

la gala de medina, la flor de olmedo.

las primeras conexiones se dan entre moncayo y golondrinas. en moncayo encontramos elementos como rejas, amores que vuelan pero que el yo poético observa desde la ventana o ese "pensando en escribir sobre amor" haciéndonos saber que el yo poético vive mucho en sus propios pensamientos, que sueña, que anhela. y en golondrinas esa libertad que parecían impedir las rejas mencionadas en moncayo se obtiene y ahora se habla de volar y no lo harán otros, lo hará él. y se habla de ir a otros lugares, no se deja de soñar y de repente lo sueños parecen más tangibles, más reales, más posibles y no solo una ensoñación o una idealización de algo que aún no se conoce. habla de querer ir a otros jardines, de saber qué dejar atrás y decidir que no quiere volar solo. además, parece prometer a ese niño que miraba por la ventana en moncayo que estará bien, que volverá y le contará lo que ha visto ahí fuera.

este hilo narrativo, esta historia continúa en mis tías. en golondrinas se menciona también la humana necesidad no solo de compartir tu camino vital con otros sino la de anidar, encontrar un lugar que se parezca a la casa, al hogar que dejaste. en mis tías encuentra ese lugar, encuentra un lugar cálido, familiar y seguro en el que "anidar" al menos un tiempo y conoce a gente con la que volar acompañado. podríamos incluso pensar que el jardín que se nombra en golondrinas es el lugar al que llega en mis tías:

"quiero anidar en cualquier esquina"

"hay tanto de mi por cada esquina"

"(...) yo me senté y pude encontrar mi nuevo hogar"

esta conexión entre las 3 canciones se da también visualmente. moncayo en su estética es azulada y en algunas imágenes, en algunos momentos parece el final de una tarde, el inicio de una noche. la noche es el espacio, el tiempo en el que se sueña, donde se empezarían a construir esos sueños de la niñez pero no solo eso también da paso a un amanecer, a una nueva luz, un nuevo día, por tanto, una nueva etapa. así, golondrinas, es más cálida, más anaranjada y se habla de cambios, de querer llevar a cabo esos sueños, de marcharse del lugar donde se creció, avanzar, crecer. además, en literatura, en muchas ocasiones, la luz es también símbolo de razón, de lucidez algo que podríamos relacionar con el inicio de una etapa más madura, más adulta, menos ingenua, más despierta, más consciente. en este punto se da mis tías, con unos colores sólidos, intensos, con luces y sombras dando así por terminada esa etapa de cambio, dando a entender que ya existe una madurez, ya se ha terminado la infancia.

juanjo le ha dado la vuelta al concepto, ha creado algo nuevo a partir del ya existente. es un nuevo romanticismo, un romanticismo que tiene esperanza, que sueña, que está agradecido por lo vivido. un romanticismo brillante, soleado sin lluvias torrenciales y tormentas en noches cerradas. en el romanticismo creado o propuesto por juanjo, se piensa en escribir sobre amor, se recuerda con cariño el sitio en el que creciste, se crean nuevas conexiones con personas que no conocen ese lugar y se llama casa a otros sitios aunque nunca sean hogar. en el romanticismo de juanjo hay sueños, la ciudad no es siempre el enemigo y existen espacios cálidos y familiares en ella, existe la certeza de que todo irá bien, de que las heridas sanan y dejan de sangrar, de que el amor no es un tormento sino la parte de estar vivo que te recuerda que lo estás y cualquier forma de este será un fuego pequeño, estable que te acompaña ahí, escondido, en tu pecho y ahí en tu habitación a oscuras.

el romanticismo de bécquer eran oscuras golondrinas que volverían pero hermosura, felicidad y amor que no lo haría. el romanticismo de juanjo es amor que te acompaña, te acuna y son recuerdos que forman parte del tejido cálido de tu piel, es soñar y tener la esperanza pegada en las paredes de tu habitación de la infancia y que en algún punto se pagasen también a la ropa que te llevaste al salir al mundo de ahí fuera.

pero volviendo a la nostalgia y los recuerdos, ambos son elementos, especialmente el primero, que pueden llegar a "deformar" en cierto modo la realidad. el antes, el pasado se suele recordar dulcificado, más luminoso, mejor siendo así un buen lugar al que huir, al que correr, al que considerar un escape. y algo que también hará el surrealismo es darle gran importancia a lo visual, al impacto de las imágenes mentales y tendrá tal importancia que muchas veces tendrá un tinte antinarrativo. en mu1, y en la forma de crear en general de martin, también parece tener mucha relevancia lo visual, lo que somos capaces de imaginar y el impacto que pueda tener en nuestras emociones. es también una estética, como ya se ha mencionado, irreal y este es un aspecto que en cierto modo coincide con mu1 cuando pensamos en elementos comentados por martin como una naturaleza casi robótica o tecnológica.

lo cual nos lleva a la hipotética, posible e imaginaria creación de una nueva vanguardia, al que aquí y en secreto, llamaremos naturalismo robótico. con los pocos datos que tenemos podemos decir que es una naturaleza muy brillante, azul, blanca, a veces verde y sorprendentemente humana, porque el elemento robótico no implica la ausencia de emociones, de hecho, cada elemento las tiene, es capaz de tener humanidad.