lapizmáster

04 EJERCICIO COMPUTACIONAL

Bitácora de Práctica: Performatividad y Espacio en RV

Asignatura: Dibujo y Creatividad Computacional

Introducción:

El objetivo de este documento es tomar un momento para reflexionar sobre la práctica que realizasteis ayer en Open Brush. La meta no es solo "hacer", sino "entender".

Queremos conectar la experiencia que acabáis de tener con los conceptos teóricos que vimos en clase (el dibujo expandido, la corporeidad, la descorporeización y la performatividad).

Por favor, tomaros unos minutos para responder con sinceridad y detalle a las siguientes preguntas sobre los dos ejercicios realizados.

Ejercicio 1: "El Cuerpo-Pincel" (El Gesto Performativo)

La Experiencia Corporal: ¿Cómo describirías la sensación física de dibujar en el aire, usando todo el brazo o moviendo la cadera?¿Te sentiste libre, desorientado, cohibido por los gestos físicos, o algo diferente?

Efecto wow al principio, me ha sorprendido lo fluido y natural de la experiencia. A pesar de que iba con cierto prejuicio acerca el dispositivo. De forma casi inmediata me atrapó, por eso me intento acercar con cautela a la tecnología, me atrae y me absorbe. Hay que atarla en corto sino quieres que te arrastre. El sentimiento de entrar en otro mundo es total. Invita a la desinhibición porque te olvidas del entorno real.

Proceso vs. Resultado: La instrucción era "olvidar el resultado". ¿ Te costó mucho dejar de pensar en crear algo "bonito" o "coherente"? ¿En qué momento conseguiste centrarte solo en el gesto?

Podría afirmar que entré rápido en el espacio y el juego, en cuanto entendí cómo navegar con el menú fue todo ganas de explorar. Jugar.

El Trazo como "Rastro": Al ver el resultado final de tu "coreografía", ¿ qué relación ves entre la forma que quedó en el espacio y los movimientos que sentiste que estabas haciendo? ¿Sientes que el dibujo es un "rastro" directo de tu performance corporal?

De nuevo me sorprendió lo fluido y preciso del dibujo. Considero que por el poco tiempo que tuvimos el dibujo era un rastro directo de lo que hicimos. Me recordó a esos dibujos de luz en el aire que hacía ya Picasso

Ejercicio 2: "El Dibujo Habitable" (El Campo Expandido)

Doble Percepción (Escultura): Al caminar físicamente alrededor de tu dibujo, ¿Lo sentiste realmente como un objeto tridimensional, una escultura?

Sí pero no, el espacio virtual lo sentí tridimensional pero sin peso, sin materia, atravesable y ligero, no lo sentí como algo físico ni escultórico.

La Experiencia Inmersiva (Arquitectura): Describe con detalle la sensación de "entrar" en tu propio trazo. ¿Qué sentiste al habitar tu dibujo? (¿Vértigo, desorientación, poder, claustrofobia..?)

Sentí principalmente curiosidad, muchas ganas de explorar, probar y llevar al límite las posibilidades del dibujo, me faltó tiempo para poder investigar los posibles aspectos arquitectónicos que ofrece la herramienta. Soledad, cierto aislamiento del mundo exterior, menos mal que podía oír y hablar con el "exterior"

Dibujo Expandido: Después de esta experiencia, ¿entiendes mejor la idea de que el dibujo en RV rompe las fronteras? ¿Por qué crees que podemos decir que ese objeto que creaste fue a la vez un dibujo, una escultura y un espacio arquitectónico?

Si, Poder modificar escala y posición desde una percepción subjetiva ( punto de vista ) es decisivo para poder valorar los aspectos espaciale propios de la arquitectura y la escultura. Esto me ha llamado la atención. La experiencia tan inmersiva e individual a la vez dejando fuera al resto de compañeros, no se como sería la experiencia múltijugador, pero al entrar en este espacio, se queda uno sólo era soledad no es propia de la arquitectura. Sin embargo, al pasar las gafas al compañero la sensación fue de compartir cierta intimidad, como exponer un espacio interior creado propio.

Conclusión Final

Plano vs. Espacio: Después de estos dos ejercicios, ¿cuál dirías que es la diferencia fundamental que has sentido entre dibujar en un papel (un plano) y dibujar con el cuerpo en el espacio (RV)?

Encuentro la pregunta difícil de responder porque no creo que sea una comparación entre iguales, aunque lo parezcan. Dibujar en un soporte físico plano ya es distinto si se trata de algo físico o digital. Experiencias también a menudo comparadas al mismo nivel sin serlo. Aunque no he tenido tiempo suficiente para comparar, la experiencia de dejar un rastro con el movimiento corporal en el espacio lo he sentido más cercano a una construcción de cierto andamiaje tridimensional. Echo en falta las dimensiones del papel a la hora de dibujar, por empezar a acotar las diferencias.

Reflexión Abierta: ¿Qué idea, sensación o descubrimiento de esta práctica te ha resultado más revelador o te ha sorprendido más?

Personalmente soy muy tecnológico pero a la vez encuentro que depender de aparatos y tecnologías es un engorro para poder ver/contemplar/leer un dibujo , el soporte físico más basíco es imbatible. Pero mi parte tecnológica se ha sorprendido para bien, se me han generado preguntas y muchas ganas de explorar este tipo de herramientas.

Me ha hecho reflexionar sobre la máquina, el cyborg, la herramienta, la mano, el cuerpo…en el dibujo.

'the third hand, yokohama, nagoya, tokyo, 1981' in stelarc: the monograph - edited by marquard smith (2005)

El tema de el cuerpo alucinado o alterado visto desde fuera y el cuestionamiento de la realidad

The Congress. Dirigida por Ari Folman, Drafthouse Films, 2013.

Comentario sobre eXistenZ (David Cronenberg, 1999)

La película eXistenZ de David Cronenberg plantea una compleja relación entre el juego y la realidad, un entramado en el que ambas dimensiones se confunden hasta volverse indistinguibles. El videojuego “eXistenZ” no es simplemente una simulación: es una experiencia corporal y sensorial que absorbe por completo a los jugadores, haciéndoles dudar de su propia existencia. La película sugiere que la frontera entre lo real y lo virtual es frágil y permeable, y que nuestras percepciones —mediadas por la tecnología, el deseo o el miedo— son las que dan forma a lo que llamamos realidad.

La línea entre realidad y ficción se difumina progresivamente. Los personajes entran y salen del juego sin saber con certeza en qué nivel de realidad se encuentran. Cronenberg introduce esa ambigüedad a través de gestos y sensaciones táctiles: el contacto físico, la textura de los objetos y la carne funcionan como anclas frente al vértigo de lo virtual. El tacto se convierte así en la única forma de comprobar la “realidad” del mundo, un modo primario de verificar la existencia cuando la percepción se ve manipulada por interfaces tecnológicas.

En eXistenZ, el cuerpo ocupa un lugar central. No es solo un medio de acceso al juego —a través del “bioport”, esa conexión orgánica entre máquina y carne—, sino también el único territorio donde la muerte y el dolor conservan su autenticidad. En un universo donde todo puede ser una simulación, el cuerpo sigue siendo la última frontera de lo real. Cronenberg, fiel a su obsesión con la biología y la tecnología, muestra cómo la identidad humana se construye desde esa relación carnal con el entorno, y cómo el cuerpo, al mismo tiempo que posibilita la experiencia, se vuelve vulnerable a la manipulación tecnológica.

La película cuestiona así la identidad y la percepción de la realidad. Los personajes no saben si actúan por voluntad propia o si son simples avatares dentro de un guion preestablecido. Esta idea conecta con la reflexión de Joan-Carles Mèlich en Escenario de la existencia, donde el autor propone que la vida es una representación, un drama que interpretamos sobre un escenario heredado, lleno de gestos y relatos que nos anteceden. Al igual que en eXistenZ, el yo aparece como un ser ficcional, frágil y cambiante, que se construye entre la carne y la narración. La huida hacia los mundos virtuales del juego puede entenderse, en ese sentido, como una forma de escapar de “la carga de lo real”, de ese dolor y abandono que acompañan la existencia, tal como señala Mèlich.

Cronenberg anticipa en eXistenZ muchas de las preocupaciones actuales sobre la realidad virtual, la inteligencia artificial y la mediación tecnológica. La película es profética en su representación de monopolios tecnológicos que buscan controlar la percepción humana, moldeando la experiencia subjetiva a través de dispositivos inmersivos. En ese sentido, su visión se adelanta a los debates contemporáneos sobre el metaverso y la pérdida de la autenticidad en la era digital.

Personalmente, encuentro en eXistenZ una obra fascinante por su capacidad de anticipar el presente. Aunque los guiones de Cronenberg puedan parecer densos, su insistencia en el cuerpo como eje de la experiencia me resulta profundamente actual, sobre todo en un mundo que tiende hacia la desmaterialización y el desapego físico a través de las pantallas. El arte, como demuestra esta película, no solo usa la tecnología como herramienta: la precede, la inspira y le da sentido. La tecnología, por avanzada que parezca, siempre va detrás del arte, necesitando de la imaginación para expandir sus límites y, quizás, recordarnos lo que significa estar verdaderamente vivos.

Tanto eXistenZ como La sustancia exploran el cuerpo como territorio de transformación y conflicto. En la primera, la herida del “bioport” une carne y tecnología, borrando los límites entre lo humano y lo virtual; en la segunda, la materia viva que duplica el cuerpo revela la violencia de los ideales de perfección. En ambas, la herida es umbral y símbolo: en Cronenberg abre paso a lo virtual, en Fargeat deja salir lo reprimido. La carne, en los dos casos, es pensamiento y escenario donde la identidad se descompone y se renueva.

En Vértigo, los cambios de peinado de Madeleine/Judy expresan el paso entre lo real y lo imaginado, el deseo que fabrica una identidad. En eXistenZ, los distintos niveles del juego cumplen esa misma función: transforman a Allegra hasta borrar la frontera entre realidad y simulación. En ambas, la apariencia —el peinado, la imagen— es signo de lo virtual y del poder del deseo para crear mundos irreales.

Resulta significativa la presencia de Ian Holm tanto en Alien como en eXistenZ, pues en ambas películas encarna la tensión entre lo orgánico y lo artificial. En Alien, su personaje —el androide Ash— es destruido y diseccionado, revelando bajo su apariencia humana una maquinaria viscosa y amenazante. En eXistenZ, en cambio, Holm participa en la creación de un dispositivo biotecnológico hecho de carne viva, un híbrido entre animal y máquina. En una es la materia artificial la que se disfraza de cuerpo; en la otra, la materia viva adopta forma de tecnología. Su presencia une ambos mundos y subraya la obsesión del cine por explorar el límite incierto entre lo humano y lo inhumano.

En eXistenZ, el tacto funciona como ancla a lo real, como esa “prueba de continuidad” de la que habla El escenario de la existencia: una forma de confirmar que seguimos habitando un cuerpo, un mundo. Cuando todo puede ser simulado, el contacto —la textura, la herida, la piel— se convierte en la última garantía de existencia. Sin embargo, Cronenberg nos hace dudar incluso de esa certeza: ¿hasta qué punto podemos fiarnos de nuestros sentidos si también pueden ser programados? Vivir implica, quizá, aceptar esa fragilidad perceptiva; porque si cuestionáramos la realidad a cada instante, acabaríamos perdiendo el propio suelo de la experiencia.

En los apartados “Ante los dioses algorítmicos” y “Cuestionar la IA a través del arte”, Pau Waelder establece un paralelismo entre el antiguo recurso teatral del deus ex machina y la percepción contemporánea de la inteligencia artificial (IA). En la Grecia clásica, el deus ex machina consistía en la aparición súbita de un dios que, descendiendo mediante una máquina, resolvía de manera inesperada e inverosímil los conflictos de una obra. Aristóteles ya criticaba este recurso por su falta de coherencia interna, considerándolo un desenlace artificioso. Waelder recupera este carácter peyorativo para describir la forma en que la sociedad actual, y especialmente los discursos corporativos, presentan la IA: como una entidad todopoderosa capaz de solucionar de un golpe problemas tan complejos como el cambio climático, la pobreza o la guerra. Así, la tecnología se convierte en una especie de “dios moderno” que promete un final feliz sin explicar los medios, una narrativa que resulta tan seductora como engañosa.

El autor introduce además el concepto del “abismo de la IA”, acuñado por los investigadores Gary Marcus y Ernest Davis, para nombrar la distancia abismal entre las expectativas que proyectamos sobre la IA y sus logros reales. Según estos autores, ese abismo surge por tres factores principales: la tendencia a humanizar las máquinas, atribuyéndoles personalidad e intenciones; la confusión entre avances muy concretos —como que un algoritmo gane al ajedrez— y un progreso general hacia una inteligencia comparable a la humana; y la extrapolación ingenua de logros en entornos controlados a contextos complejos, como suponer que un coche autónomo que circula en el desierto funcionará igual en una ciudad. Esta brecha tiene implicaciones decisivas: alimenta la ilusión de que la IA posee capacidades casi mágicas, dificulta una evaluación crítica de sus riesgos y puede orientar políticas y expectativas públicas en direcciones irreales.

En “Cuestionar la IA a través del arte”, Waelder sostiene que el arte es un medio privilegiado para desmontar estas fantasías. Frente a las estrategias de las grandes corporaciones, que buscan consumidores fascinados y poco críticos, el arte genera un espacio de reflexión y de participación. Al apropiarse de los avances científicos y tecnológicos, los artistas crean un marco cultural que permite comprender, experimentar y cuestionar la IA. La exposición D3US EX M4CH1NA reúne obras que exploran cómo percibimos la inteligencia artificial y qué retos plantea, invitando a los espectadores a dialogar con sistemas algorítmicos o a descubrir sus límites. Como señala el propio Waelder, arte, ciencia y tecnología pueden alimentarse mutuamente: los artistas abren caminos de pensamiento y ofrecen metáforas que facilitan una comprensión social más rica y crítica.

Conclusión

El texto forma parte de un catálogo o presentación curatorial de arte digital, y se nota en su tono que combina reflexión teórica con una invitación a la experiencia estética. Esta aproximación: convierte lo que podría ser un ensayo puramente técnico en un discurso culturalmente relevante. Me parece acertado que el autor recupere el carácter peyorativo del deus ex machina como “recurso facilón” o tramposo, pues describe bien la tentación de presentar la IA como una solución milagrosa. También comparto su advertencia sobre las excesivas expectativas que proyectamos sobre la tecnología, así como su crítica al craso e inevitable error de humanizar la máquina: para el usuario común, la IA se siente casi mágica, pero sigue siendo un conjunto de algoritmos diseñados por personas, con todas sus limitaciones y sesgos. Este texto demuestra que el arte puede ser un antídoto contra esa visión encantada, ofreciendo un espacio crítico en el que comprender de verdad qué es la inteligencia artificial y cómo queremos integrarla en nuestra sociedad.

Términos a definir (aclarar)

¿Qué es Realidad Extendida [RE] ?

• Es un término paraguas que incluye tecnologías como realidad aumentada (RA), la realidad virtual (RV), y realidad mixta (RM). 

• RE describe la gama completa entre el entorno físico real y los mundos generados digitalmente, permitiendo experiencias que van desde añadir capas digitales sobre lo real hasta sumergir al usuario totalmente en un entorno virtual.

realidad aumentada [RA]

La realidad aumentada (RA) es una tecnología que superpone elementos digitales (imágenes, sonidos, texto u objetos 3D) sobre el mundo real, a través de dispositivos como teléfonos, tablets o gafas especiales.

En otras palabras, combina lo que ves en la realidad con información virtual en tiempo real.

Ejemplo:

El juego Pokémon GO, donde puedes ver y capturar Pokémon que aparecen como si estuvieran en tu entorno real a través de la cámara del móvil.

realidad virtual [RV]

la realidad virtual (RV) es una tecnología que crea un entorno totalmente digital e inmersivo en el que el usuario puede interactuar, normalmente mediante gafas o cascos especiales y, a veces, controles de movimiento.

A diferencia de la realidad aumentada, aquí el mundo real queda completamente reemplazado por uno virtual.

Ejemplo:

El juego Beat Saber, donde el usuario se coloca un visor VR y corta bloques de colores al ritmo de la música dentro de un escenario completamente virtual.

realidad mixta [RM]

La realidad mixta (RM) combina el mundo real y el virtual de forma que los objetos digitales no solo se superponen, sino que interactúan en tiempo real con el entorno físico.

El usuario puede ver, tocar o mover elementos virtuales como si compartieran el mismo espacio.

Ejemplo:

Con las Microsoft HoloLens, un arquitecto puede colocar un modelo 3D de un edificio en una mesa real, caminar a su alrededor y modificarlo, mientras ese modelo responde a la luz y a los movimientos del usuario.

La diferencia clave está en el nivel de interacción entre lo virtual y lo real:

• Realidad aumentada (RA):

Añade elementos digitales encima del mundo real, pero esos elementos no “entienden” ni reaccionan al entorno.

Ejemplo: Filtros de Instagram que ponen orejas de gato sobre tu cabeza.

• Realidad mixta (RM):

Integra objetos virtuales que reconocen y responden al espacio físico, permitiendo que parezca que comparten el mismo lugar.

Ejemplo: Un holograma 3D que se apoya en tu mesa y se oculta si lo tapas con la mano.

En resumen: RA = superposición, RM = interacción real-virtual.

• Obra interactiva:

Requiere la participación activa del público para modificarse o completarse. La pieza responde a acciones como tocar, moverse, hablar o elegir, cambiando su forma, sonido o imagen según esa interacción.

Ejemplo: Una instalación de luces que varía su color y ritmo cuando el visitante se acerca o aplaude.

• Obra inmersiva:

Envuelve al espectador en un entorno multisensorial (visual, sonoro, a veces táctil u olfativo) que lo hace sentir dentro de la obra, aunque no tenga que intervenir para que esta suceda.

Ejemplo: Una sala 360° que proyecta imágenes y sonido envolvente para que el público se sienta “dentro” de un paisaje o historia.

Diferencia clave:

La obra interactiva necesita tu acción para transformarse; la inmersiva te rodea y te absorbe, aunque solo seas un observador.

OBRA ELEGIDA :

Bitch Slap

descripción y funcionamiento

Bitch Slap es una pieza de neon-LED interactiva que reinterpreta el meme “Batman slapping Robin”. Presenta una viñeta de cómic donde Batman abofetea a Robin mientras aparece el diálogo que puede modificarse al dar palmas “¿WARHOL?” / “¡POLLOCK!”. Dimensiones aproximadas (según otras obras similares de island6): alrededor de 60 × 80 cm. Se basa en tiras de LED programadas y sensores que permiten una ligera interacción luminosa.

Marco contextual del artista

Island6 es un colectivo artístico con sede en Shanghái fundado en 2006 por el artista francés Thomas Charvériat. Su trabajo fusiona arte, tecnología y cultura pop, explorando la relación entre lo digital y lo urbano en Asia contemporánea.

Diálogo interactivo y rol del espectador

El espectador interactúa con la obra aplaudiendo: un sensor de sonido detecta las palmas y hace que el LED cambie la información del texto, emulando el golpe del meme. Así, la bofetada “suena” a través del gesto del público. El usuario funciona como activador sonoro, reforzando la relación entre acción real y acción representada.

Conceptos

La obra juega con la historia del arte (Pop Art vs. Expresionismo Abstracto) y la cultura de internet (el meme). Tiene una connotación cultural e irónica, cuestionando jerarquías artísticas y el choque entre corrientes icónicas.

Producción e interactividad

Se emplean diseño digital, tiras LED, microcontroladores y programación para lograr la animación y la respuesta al sonido. El proceso combina dibujo digital, corte de soporte y montaje eléctrico.

Valoración personal

Lo que más me atrae de Bitch Slap (que podría traducirse al español como “Bofetada”) es cómo traslada un meme, algo puramente digital y efímero, a un soporte físico propio del arte tradicional, convirtiéndolo en un cuadro interactivo que hibrida tradición y tecnología. La obra incorpora humor y crítica, al reinterpretar de manera irónica el choque entre corrientes artísticas (Pop Art vs. Expresionismo Abstracto) a través de un gesto exagerado del meme. Además, la participación del espectador es clave: al dar una palmada, activa el sonido y la animación del golpe, integrando su acción física y sonora en la obra. También me resulta especialmente interesante explorar el origen del meme, el diálogo entre cultura popular y “alta” cultura, y el contraste de que esta obra se presente en Shanghái, China, mientras referencia temas y figuras muy occidentales.

VIDEO DE LA OBRA INTERACTIVA:

Otras referencias y reflexiones

Bofetón:

Origen del meme barman y robine:

OTRAS cuestiones sobre REALIDADES :

¿Qué es la Realidad?

respuesta de chat gpt :

La realidad es el conjunto de hechos y procesos que existen y ocurren independientemente de nuestras creencias o percepciones, aunque solo podamos acceder a ella a través de nuestra interpretación.

Realidad aumentada vs reducida, sesgada, digitalizada…

buscando referencias de libros sobre el tema:

1. Talbot, M. (2011). El universo holográfico (3.ª ed.). Palmyra.

• Resumen: Michael Talbot expone la hipótesis de que el universo funciona como un holograma, donde cada parte contiene la información del todo. Combina física cuántica, neurociencia y fenómenos paranormales para cuestionar la naturaleza de la realidad y de la mente.

2. Gabriel, M. (2015). Por qué el mundo no existe. Pasado & Presente.

• Resumen: El filósofo alemán Markus Gabriel argumenta que el concepto de “el mundo” como totalidad es una ilusión. Sostiene que solo existen “campos de sentido” múltiples e independientes, ofreciendo una crítica a las visiones tradicionales del realismo y del relativismo.

3. Watzlawick, P. (2013). ¿Es real la realidad? Confusión, desinformación, comunicación. Herder.

• Resumen: Paul Watzlawick analiza cómo la comunicación humana moldea nuestra percepción de la realidad. Mediante ejemplos de lenguaje, cultura y psicología, muestra que lo que consideramos “real” depende de interpretaciones subjetivas y construcciones sociales.

¿Qué es un meme?

Un meme es una idea, imagen, frase, broma o estilo que se difunde de persona a persona, especialmente en internet, adaptándose y transformándose en el proceso.

El término proviene del libro The Selfish Gene (1976) del biólogo Richard Dawkins, quien lo acuñó a partir de la palabra griega mimema (“lo que es imitado”). Dawkins lo usó para describir cómo ciertos elementos culturales se replican y evolucionan de forma parecida a los genes.

Tanni, V. (2023). Memestética. Turner Publicaciones S.L.

Realización de un trabajo que suponga un siguiente paso en la producción gráfica, basado en la asignatura. Puede tener la siguiente estructura:

A partir del primer trabajo que se presentó como identitario personal, incorporar aquello que más os ha interesado o que hayáis aprendido y hacer una propuesta nueva del trabajo inicial (como una versión 2.0)

Puede ser un trabajo completamente nuevo a partir de lo que hayáis aprendido de los diferentes temas tratados.

Puede ser una propuesta mixta de ambas.

Lo importante es que recoja lo que haya sido interesante para cada uno y se haya transferido a vuestra creación personal.

El día 12 de enero todos los trabajos se expondrán y se explicarán en directo si resulta necesario.

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PROPUESTA FINAL :

De manteles a lapizmonios

Desde los manteles, obra inicial, hasta los lapizmonios, proyecto rescatado, mi punto de partida ha sido la exploración de los manteles, donde a lo largo de este proceso, he llegado a ser cada vez más consciente de mi enfoque en la unión y vinculación de ideas y conceptos. Esta reflexión me ha llevado a retomar un proyecto antiguo, fusionándolo con una nueva investigación inspirada por el ejercicio del liquen.

El ejercicio del liquen, en particular, ha guiado mi indagación hacia la exploración de formatos que buscan representar la tridimensionalidad, dimensiones adicionales e incluso lo metafísico. Este trayecto me ha llevado a sumergirme en lecturas como la "Introducción a la Metafísica" de Heidegger y "Planilandia a la Cuarta Dimensión" de Edwin A. Abbott, Charles H. Hinton y Claude Bragdon. Asimismo, mi investigación se ha extendido al estudio de la obra de Edward Muybridge, donde he encontrado un formato satisfactorio para los lapizmonios.

La exploración de la inteligencia artificial ha surgido directamente de la forma en que he venido abordando los ejercicios de esta asignatura dentro del máster, lo cual ha influido significativamente en mi enfoque creativo. Aprovechando la tecnología, he descubierto la capacidad de imprimir imágenes de baja calidad en alta resolución, abriendo nuevas perspectivas creativas para los lapizmonios. Este diálogo entre lo antiguo y lo nuevo, entre la materialidad y lo abstracto, crea un espacio en el que mi práctica artística se expande y se enriquece.

La decisión de llevar los lapizmonios del entorno virtual-digital al soporte físico surge como una necesidad imperante de lo tangible. En un mundo saturado de experiencias digitales, esta elección representa un intento consciente de recuperarse de una especie de resaca digital, una pausa deliberada para reconectar con la experiencia física. La aspiración es más que la simple materialización de la obra; implica el deseo de tener y compartir un objeto palpable con las manos, proporcionando una conexión tangible que va más allá de la pantalla del teléfono móvil. Este traslado del virtual al físico busca resaltar la importancia del obleto físico ofreciendo una oportunidad única de explorar y apreciar los lapizmonios en un formato que trasciende la frialdad de lo digital, listos para compartir y jugar con ellos.

A pesar de las ocasiones en las que mi labor me puede parecer trivial, persisto, no por alguna razón justificada, sino porque es lo que debe ser. Mi obra se gesta en un espacio íntimo, destinado a mi propio entendimiento, una referencia al dibujo transcendente que discutimos en clase. La elección del formato no solo se vincula con la búsqueda de representar la tridimensionalidad en un plano bidimensional, sino también con la intención de reflejar la dicotomía intrínseca que todos llevamos, la lucha interna entre conceptos aparentemente antagónicos, como ilustración y dibujo, como lo señaló un compañero de clase.

Asimismo, la estructura de los lapizmonios se entrelaza con la noción de que, al igual que a partir de un formato bidimensional, como estereografías o anaglifos, se genera la percepción de una imagen tridimensional en nuestro cerebro, estos lapizmonios actúan como la fusión de dos imágenes, dando lugar a una narrativa de interpretación libre en la mente del espectador. Es como si las imágenes se convirtieran en una suerte de locución visual, reconfigurando significados en la mente del observador mediante la amalgama de imágenes, creando un nuevo sentido en cada experiencia.

Finalmente, deseo expresar mi gratitud por la oportunidad de contemplar el trabajo de mis pares y presenciar cómo se valora. Este proceso contribuye significativamente a valorar mi propia obra, incluso en medio de mis dudas e inseguridades. La interacción con otras expresiones artísticas enriquece mi perspectiva, permitiéndome situar mi propio trabajo en un contexto más amplio y apreciar su singularidad.

Lapizmonios a presentar en clase :

Documentar el proceso realizado en clase mediante la descripción del proceso realizado e incorporando imágenes de lo dibujado. Tener en cuenta que fueron cuatro las fases realizadas:

Espacio individual. Ruido, ruido blanco y lluvia.

Espacio individual. Música: Manuel de Falla y Bocherini

Espacio colectivo. Música: Stavinsky

espacio individual

Architecture comes from The Making of a Room, Louis I. Kahn, 1971.

La cabaña primitiva, Marc-Antoine Laugier, 1755.

En este texto voy a describir el proceso que se desarrolló en la clase al recibir un papel de aproximadamente 120 cm de longitud, extraído de un rollo suministrado en la misma. Entendí que la tarea consistía en darle un propósito a este papel, y decidí colocármelo a modo de lámina protectora. Al hacerlo, experimenté la creación de un espacio de resguardo, procurando acomodarme debajo de él mientras resonaban diversos sonidos en el entorno.

Inicialmente, se percibió un murmullo, y aproveché para trazar líneas continuas con un lápiz, utilizando el peso del papel. Al cambiar el sonido hacia algo más acuático, adapté la forma de las líneas para que fueran más sinuosas y fluidas. Posteriormente, al identificar sonidos urbanos y mecánicos, procedí a arrugar el papel. Aunque al principio parecía que lo desgarraba, en realidad le confería volumen a la lámina, transformándola en una suerte de techo de cueva.

Las sensaciones resultantes siempre evocaron refugio y protección, creando la ilusión de volverse invisible al mirar a través del arco formado por el papel sobre mi cabeza. Este arco actuaba como una ventana desde la cual podía observar discretamente mi entorno, otorgando a la imagen un interés peculiar y una sensación de privacidad. Asimismo, recordé la propuesta del mito de la cabaña primitiva de Laugier en arquitectura, así como los evocadores dibujos del arquitecto Louis Kahn.

La experiencia me lleva a reflexionar sobre cómo una simple lámina de papel puede generar un espacio íntimo y arquitectónico. Este fenómeno también me remonta a la infancia, cuando colocarse debajo de una sábana confería la creencia de estar protegido del mundo exterior, ya fuera de Drácula, monstruos o cualquier peligro imaginable.

espacio intimo y protegido, dibujo hacia arriba, marcando el techo:

arrugar confiere cuerpo al papel

desde aqui cotilleo, y observo a través de un marco:

espacio individual

En la segunda propuesta, se nos insta a realizar algo opuesto a lo inicialmente hecho. Me posiciono en el suelo, antes era un techo, ahora sirve como suelo con un papel que funciona como alfombra, actuando como soporte o lámina protectora, definiendo un espacio. Este me evoca la magia de los cuentos árabes, donde las alfombras también desempeñan un papel mágico. Además, resalta la importancia arquitectónica del suelo, que define el espacio que pisamos, marcando un límite. Observo el entorno desde aquí, aunque ahora soy visible, la alfombra actúa como una suerte de ritual sagrado, brindándome cierta protección.

Este cambio de perspectiva hace que sea más consciente de mi cuerpo, al ver mis piernas y pies, incluso intentando dibujar hasta donde alcanza mi cuerpo. Estar más próximo a la tierra altera mi punto de vista, proporcionándome una conciencia corporal más aguda. No obstante, el punto común con la propuesta anterior es el efecto mágico de protección, ahora derivado del suelo, cuando anteriormente provenía del techo. La lámina crea un espacio de resguardo, manteniendo ese elemento mágico inherente.

espacio desde donde estar y observar siendo visto

desde aqui alcanzo hasta donde me permite el cuerpo

espacio colectivo

Cuando el resultado es lo que menos importa:

espacio colectivo

Espacio individual.

En la cuarta y última actividad, cuando ya estamos cansados, nos piden que nos sentemos y cerremos los ojos. Mientras escuchamos unos minutos de música tranquila (aunque no recuerdo exactamente cuál era la música), intento aplicar mi escasa experiencia en meditación. No hacer nada a veces resulta complicado para mí; detenerme es un desafío que creo compartimos todos. Después de ese breve período de meditación y relajación, nos solicitan que dibujemos lo primero que nos venga a la mente. A mí se me ocurren ideas sobre el papel, como una lámina que se coloca encima o debajo, pero no quiero pensar demasiado, y esto es lo que ha surgido. Personalmente, considero que es un buen cierre para esta actividad.

Ahora apagamos la luces y detenemos el tiempo, parar la actividad frenética que tenemos dentro, parada obligatoria:

Y dibujar lo primero que nos venga a la mente/mano/cuerpo: