Hard Verdict

65daysofstatic "Silent Runnig"

VOTO: 7.5/10

Album Best Track: Burial Scene

by Babylon

Quinto album  in studio (live albums esclusi) per questa band strumentale nata a Sheffield, Inghilterra.

Si tratta di una colonna sonora. O meglio, I 65DaysOfStatic quasi un anno fa si sono cimentati in una live-soundtrack al Glasgow Film Festival per la pellicola "Silent Running", un lungometraggio di fantascienza del 1972. Quel progetto live ora è un album accuratamente rimasterizzato, diventato colonna sonora ufficiale del film, in convivenza a quella originale del ’72.

La band già di per sé è perfetta per un ruolo del genere, il mondo di riferimento infatti è quello dei Mogwai, dei Sigur Ròs,  in un’ ottica compositiva di stampo post-rockiana, con alcune derivazioni e influenze specifiche del math-rock, cioè un prodotto musicale psicheledico ma con una base ritmica più vicina alla concezione jazzistica. Ma i 65DaysOfStatic hanno come particolarità propria quella di intrecciare al suono distorto delle chitarre una fortissima componente elettronica, caratteristica che gli ha sempre permesso di distinguersi sensibilmente dalle altre band sopracitate e di ritagliarsi uno spazio proprio nella scena musicale alternativa. E’ grazie a questa caratteristica che il progetto li trova perfettamente a loro agio nel muoversi all’interno di un’atmosfera “spaziale”. Il disco si destreggia sapientemente tra atmosfere dilatate e momenti psicheledici, suoni minimali e chitarre in distorsione, aperture calme e grandiose e passaggi dal ritmo forsennato. L’album si regge da solo, non ha bisogno del film per stare in piedi, ma il mondo disegnato dalla pellicola è un ottimo punto di riferimento per dargli una collocazione mentale ed immaginifica.

Ascoltando il disco,oltre a trovare una spontanea continuità con il lavoro di band più propriamente post-rock, come in particolare gli Explosions In The Sky(la traccia The Announcement o Safe Distancing ne sono un esempio), mi ritrovo a pensare anche ad artisti di tutt’altro genere.  Lo Space Theme(traccia numero 2) per esempio potrebbe benissimo far parte  della colonna sonora digitale di Tron dei Daft Punk, Burial Scene mi ricorda la musica al piano di Nils Frahm, Broken Ship Ruse gli esperimenti sonori del dj/produttore Rival Consoles o alcune cose del più consolidato Aphex Twin.

Ed il disco scorre in questo slalom coinvolgente e leggiadro senza sbiellare o stufare, ed arriva al  traguardo dell’undicesima traccia con naturalezza. L’ultimo pezzo è intitolato accademicamente Finale e rappresenta un ottimo esempio di sintesi; 4,40 minuti in cui convogliano le diverse caratteristiche e l’approccio alternativo di questa band rispetto al genere in cui vengono per facilità incastonati; il pezzo parte rarefatto, note di chitarra perse nella nebbia, samples elettrici in sottofondo, e poi a metà arriva l’esplosione improvvisa tra batteria, campionamenti e distorsioni in un brano tra il post-rock e la dance (in questo caso, un po’ slegata).

Puscifer "Conditions Of My Parole"

Album Best track: Man Overboard

VOTO: 8/10

by Babylon

- MJK è il leader dei Tool e degli A Perfect Circle.

- Puscifer è un progetto in cui MJK sfoga più liberamente ed individualmente le sue “altre” passioni musicali, che non può convogliare nel lavoro con i due gruppi precedentemente nominati per questioni di intenti.

- E’ il secondo disco per questo progetto chiamato Puscifer.

- Il primo non aveva convinto i suoi fans, due i motivi per il sottoscritto:

1. I suoi fans si aspettavano qualcosa di più in linea coi gruppi pre-menzionati.

2. Il lavoro era incompleto, un esperimento senza troppe pretese, un divertimento.

* *credo che in realtà ci fossero comunque ottimi spunti. Ne è dimostrazione un numero considerevole di rielaborazioni ufficiali da parte di celebri manipolatori sonori.

- Il secondo album è stata una sfida. L’ha vinta. L’album è una piccola bomba, un C4. - Disco registrato in Arizona, deserti e vini… i suoi.

- Una band creata ad hoc per esaudire desideri.

- Musica rock, alternative, elettronica.

- Sintesi concettuale del disco è il Contrasto: voci vs voci/ voci vs strumentazioni elettroniche industrial/ voci vs suoni minimali/ voci vs chitarre. musiche vs testi/impegno vs ironia.

- Cardine dello svolgimento è l’uso della voce; principalmente… Della Sua Voce. Una capacità modulare ed una portata emozionale che, all’opinione del sottoscritto, non trovano pari al mondo. Secondariamente di una voce femminile, Carina Round, personaggio la cui biografia annovera già partecipazioni vicine al mondo di MJK.

- Principali gruppi di riferimento per l’ascoltatore: Depeche Mode, Massive Attack, A Perfect Circle, Tool, Nine Inch Nails, Apparat. - Singolo “Man Overboard”, sovrapposizione graduale di voci eterogenee sovrapposte in un crescendo elettro-rock, con presenza di alcuni suoni precisi e centellinati che ricamano il brano. Metafora sinestetica: foglio di ghiaccio che prende fuoco.

Oneothrix Point Never "Replica"

VOTO: 7.5/10

Album Best Track: Replica

by Hard Verdict

Un disco sperimentale che smuove le viscere, risveglia stati sensoriali che neanche Altered States di Ken Russell. Un prodotto della mente che viaggia alla velocità della luce. Tutto si fa improvvisamente morbido e tangibile.

Replica è un lavoro complesso. Il solo avvicinarmi al disco con questa sua copertina tanto meravigliosa quanto cadaverica mi fa tremare , le mani, di curiosità.

Oneothix Point Never fonde gli elementi fondamentali che sono: tantissime tastiere ed effetti, astrattismo come se non ci fosse un domani, i miei cari Tangerine Dream che si prendono a cazzotti, fanno la pace e limonano con Aphex Twin.

 Ci sono due maniere di ascoltare questo disco. La prima è quella che si addice al folle uomo moderno che sa tutto di ogni argomento che riguarda la sfera underground. Leggendo tutto il leggibile sull’artista, avviando una conoscenza profonda che si limiterebbe a vedere la sua pagina web e che ne dice la gente in rete. E’ il tipico esemplare di essere umano a cui tu chiedi se ha ascoltato Replica e la risposta che riceverai è la seguente:

“ormai Point Never non ha più nulla da dirci”

 Oppure fai come noi e te ne freghi. Metti su il disco, consapevole che nel 2008 il buon Daniel Lopatin aveva tirato fuori perle tipo Ruined Lives, ascolti tutto comodamente pietrificato sul tuo divano mentre immagini scenari psichedelici e altre vite parallele.

Le 10 tracce ti portano in tutti i livelli dell’essere conosciuti. Le prime, di iniziazione, servono ad avviare il processo di clonazione biologica e spirituale che tocca il climax con Replica. Diventiamo aria, cellule, ci scomponiamo in mille pezzi. Prendiamo fiato per l’immersione di Nassau. Nelle acque profonde della genesi siamo avvolti dalle note di Submersible.

Emergiamo primitivi e danziamo come facessimo parte di una tribú mai esistita (Up) fino ad evolverci all’inifinito, e in una spirale reversibile, diventando bambini futuristici (eh? non lo so bene cosa voglio dire...ma è così). Alla fine del tutto Explain, una bomba, l'alba del nuovo mondo.

Replica, già nel titolo, ha la chiave di lettura del tutto. Un disco nero come la peste inglese del XIV secolo che vi fa entrare in contatto con la parte nascosta del cosmo.Giuro che non ho assunto alcun tipo di sostanza durante la scrittura di questo pezzo.

Keep Shelly In Athens – Our Own Dream

VOTO: 6.5/10

Album Best track:  DIY

by Babylon   

Mi hanno incuriosito. Arrivano dalla Grecia, prendono il nome da un quartiere di Atene.

Sono ufficialmente un duo. Hanno fatto un po’ parlare di sé con il disco omonimo, fatto girare prima dell’estate da un’etichetta giapponese i cui proventi andavano ai terremotati nipponici. Due greci con tutti i loro guai, pensano a chi sta peggio … pensa te…

La loro musica crea davvero un evidente contrasto onirico se la si mette in relazione con la situazione della loro città natìa, dove imperversano rivolte, barricate, rabbia e sconforto. Ma si sa proprio dal fango e dai terreni impervi a volte nascono rarissimi e coloratissimi fiori, segno di una possibile grande rinascita. 

Our Own Dream è un Ep di 6 pezzi, e la prima volta che l’ho ascoltato non l’ho ben capito… l’ho rimandato perché mi dava l’idea di essere un’accozzaglia di musica fuori tempo massimo nel 2011,  e con poca personalità propria. Rimane il fatto che volevo tornarci sopra, e così ho fatto.

E’ successo che dopo l’ho riascoltato più volte. Ho dovuto ammettere a me stesso che c’è qualcosa di evidentemente seducente in questo Ep. Cerco di capire cos’è.

L’Ep si apre con il suono di onde che si infrangono calme,  poi dei samples e note di tastiera, giro di basso di ricamo ed entra una voce femminile docile. Il risultato è una traccia intitolata Lazy Noon, che ha un po’ del Cafè Del Mar, meno patinato ma più casereccio, ed un po’ ricorda i primi Morcheeba. Our Own Dream è la seconda traccia; l’atmosfera è più anni 80, mi verrebbe da dire Visage. Mi piace il contrasto tra il suono profondo e scuro dei synth e la voce rarefatta di lei; i suoni elettronici presenti nel brano sono in stile dream progressive anni 90, l’effetto è nostalgico. Il brano è sinuoso nella prima parte ma nel finale cambia e si apre in distorsioni che lo rendono più luminoso, fino ad un finale in crash di suoni che sfumano. La terza traccia è California Birds (remix), (l’entrata mi ricorda tantissimo un brano di Luca Carboni, perdonatemi! ), ora canta il maschio del duo, sempre alto con le note, ed immerso in atmosfere stra l’ambient e il softdark… 

E così l’Ep sembrebbe aver detto tutto, riferimenti lounge e anni 80, tra i Morcheeba e i Cranes.

 Ed invece la quarta traccia DIY allarga il tiro. L’inizio potrebbe benissimo essere l’incipit di un pezzo dance,  l’atmosfera è più frenetica, entra una base al limite della dubstep, inaspettate trombe jazzy nel mezzo del brano dicono la loro prima di far partire un momento puramente dance in 4/4 che torna sincopato a fine brano… e così si perde la bussola, non è più chiaro dove vogliano andare a parare questi due ateniesi,  e la cosa comincia a piacermi.  

Arriva Fairytale ed ora siamo assolutamente negli anni 80 dei New Order, i Keep Shelly in Athens sembrano diventati improvvisamente imparentati con le Ladytron.

David Lynch "Crazy Clown Time"

VOTO: 5,5/10

Album Best Track: Pinky's Dream

David Lynch a mio parere è il miglior regista onirico di sempre. Sono uno dei suoi più grandi fan in assoluto, convinto, che nessuno sappia mettere in scena con la stessa forza le visioni nere del regista del Montana. Adesso sarà capace di avere lo stesso talento come musicista?

Diciamo subito una cosa. Se questo album fosse stato registrato senza linee vocali forse sarebbe stato meglio. Le parti strumentali, sole, magari abbinate a immagini, avrebbero sicuramente avuto più pregio. Le voci invece sono, come struttura e sviluppo, un pò datate. 

Questo lavoro è esattamente quello che ti aspetteresti da chi ha girato Lost Highways. Riverberi, quasi nessun cambio di accordi, chitarre distorte, nessun riff ma solo discorsi recitati come monologhi. Perchè allora un disco così? Forse lui, dall’alto del suo spirito trascendentale, vi dirà “perchè io sono io, e voi, non siete un cazzo!”. Perchè Lynch sperimenta e se ne frega e, a parte Good Day Today, il resto è pura anima nera. Si diverte così David e vuole continuare a divertirsi.

Miles Davis "Kind Of Blue"

VOTO: 9/10

Album Best Track: So What

by Loris

Apparat  "The Devil’s Walk"

VOTO: 6,5/10

 Album Best Track: Ash/BlackVeil

by Babylon

Era inevitabile che finisse qui, in questa atmosfera, in questo territorio sonoro.

Era annunciato che mettesse da parte l’egemonia dei beat che l’hanno reso celebre negli ultimi dieci anni, tra dj set e dischi e collaborazioni.. Dopo Moderat (progetto di Modeselektor più Apparat) con il loro omonimo album(del 2009)diventato già culto per gli appassionati di musica elettronica minimale, era difficile pensare che si sarebbe ripetuto e che avrebbe continuato con quell’approccio. Già nel suo bellissimo dj Kicks dell’anno scorso, sintesi perfetta di un intero movimento, si poteva notare comunque uno spostamento di fondo verso atmosfere sonore più eteree. E’un disco che sicuramente lascerà delusi i ragazzi dei dancefloor chimici, quelli che vogliono spappolate le sinapsi, se no nisba.

 Il Cammino Del Diavolo” (ispirato ad un lavoro poetico di Percy Bysshe Shelley del 1812) di Sascha Ring, aka Apparat, registrato in Messico, insieme a  Patrick “Nackt” Christensen dei Warren Suicide e Joshua Eustis dei Telefon Tel Aviv, è un inferno che brucia lento.

Si apre con Sweet Unrest, un chiaro preludio di quello che sarà il mood dell’album, suoni minimali centellinati, piccoli ricami di suono che ad un certo punto vengono scaldati da voci ancestrali. Song Of Los, la seconda traccia, è il singolo; un battito profondo e cauto su cui si appoggia la voce di Apparat… Eh si, canta Sascha, canta per quasi tutto l’album. , e non solo!, impugna pure una chitarra. Sono soprattutto questi due, gli elementi inediti di questo “diverso” corso del musicista berlinese. Alla terza traccia, Black Water, iniziano ad essere chiari i nuovi riferimenti…c’è molto Thom Yorke in questa produzione, ma anche qualche nitido colpo di Sigur Ròs, l’influenza contemporanea del “collega” Pantha du Prince, addirittura il timido tentativo di aprire le tracce verso qualcosa di più post-rock. Reputo una piccola grande perla, Goodbye, la traccia con quella maledetta/benedetta strega di Soap&Skin, il suo malinconico pianoforte arriva dall’oscurità di suoni desolati e tenebrosi, un sussuro prepara all’entrata della sua voce, ed è una lama nell’anima, che cresce in questo dolce-tremendo addio. Il vuoto che questa traccia lascia è riempito da Candil De La Calle, la successiva, dove i toni sono più spensierati e c’è molto del progetto Moderat.  L’ultima pezzo che vorrei mettere in evidenza come momento particolarmente riuscito è Ash/Black Veil. Archi tesi e sincopati, accolgono gradualmente suoni percussivi e cuciture elettroniche, atmosfera perfetta per la voce di Sascha che arriva puntuale, seguita da arpeggi di chitarra. Il suono complessivo del brano si fa più profondo, acquista spessore e suspence, al 3° minuto si scatena la fuga degli strumenti in toto, i ritmi sono veloci e di contrasto le note vocali sono lunghe...fino a che il brano non si placa e i suoni scompaiono in lontananza.

Ora parliamo del lato negativo. Il disco è monocorde, troppo fragile per risultare (positivamente)compatto, la formula che segue praticamente in tutti i pezzi non ha ancora la personalità per giustificarne la ripetizione, invece di imporla, la impoverisce.

Atlas Sound "Parallax"

VOTO: 7/10

Album Best Track: Terra Incognita

Bradford Cox non si ferma mai. Dopo averci riempito di materiali di ogni sorta adesso è ancora qui per dipingere nuove atmosfere con Parallax.

Poche volte capita di vedere un’artista che da solo pubblica qualcosa come 50 brani in un anno. Molti passano da un genere a un altro con una facilità disarmante e un invettiva unica. Ricorda un poco Bowie dicono alcuni, per molti è un genio. Quello che è certo è che tutte le cose che vengono fuori da questo ambiguo personaggio sono formidabili.

A parte un brano che esalta le doti dream-pop (Mona Lisa) il resto del disco è Atlas Sound e la sua singolare concezione della musica. Il suo genere unico che lui ama definire “Sci-Fi Fever Dreams” è un cocktail di effetti, riverberi, devozione per le produzione anni ’60, chitarre. Parallax suona come qualcosa che arriva dal futuro, un pianeta disperso sul quale vive solo Cox.

Com Truise “Galactic Melt”

VOTO: 6/10

Album Best Track: Ether Drift

Domenica di pioggia. Fa freddo. Mangio gli avanzi della cena, mi faccio una doccia e apro le riviste e i siti cercando qualcosa di interessante. Non ho molta voglia di scrivere e, onestamente, vorrei stare sul divano tutto il tempo fissando un punto x della stanza aspettando che la bavetta mi cada dalla bocca.

Però cercando scopro questo Galactic Melt di Com Truise (un nome senza dubbio orrendo) che però gli perdono visto il contenuto. Vengo attratto più che altro dalla copertina del disco che ricorda quella famosa dei Joy Division.  Lo cerco in giro e lo becco in Spotify allora via con  cuffie, silenzio e luce soffusa; vediamo che mi aspetta.

Terminal è una sorta di intro che vuole accompagnarci in un microcosmo di suoni che profumano di orgasmi pornografici come in VHS Sex o Cathode Girls. L’energia dei corpi si disperde nell’aria e diventa Air Cal, si trasforma in energia vibrante in Flightwave e si poggia sulle labbra di Hyperlips.

Brokendate spezza la sequenza e abbassa il discorso di un semitono; si vola in scale minori che rendono il viaggio più amaro; risaliamo con Ether Drift un vero viaggio verso altre galassie che ci fa atterrare in Future World; la visione trascendentale del suono di Com Truise.

La Bonus Track, Karova, chiude il cerchio e lancia i titoli di coda.

Lou Reed & Metallica "Lulu"

VOTO: 4/10

Album Best Track: Frustration

by Babylon

Prendiamo i Metallica e Lou Reed, due figure musicali discretamente distanti, che però in comune hanno entrambe del bagaglio storico-simbolico notevole. Prendiamo le loro carriere che di certo non hanno più niente da dimostrare, i primi sono praticamente la band Metal più famosa del mondo; passando per diversi periodi musicali, tra alti e bassi, hanno ormai raggiunto quel punto in cui non c’è più molto da discutere, sono per molti un punto di riferimento del loro genere e hanno un posto di grande rispetto nella storia della musica in generale. Poi se parliamo di Lou Reed, non c’è neanche bisogno di dire niente, è un monumento vivente che ha visto tutto, creato molto, influenzato parecchio dagli anni 60 a oggi. Quando uscì la “notizia bomba” che i Metallica stavano facendo un disco con Lou Reed, la prima reazione della maggior parte delle persone immagino sia stata di straniamento.

Poi pensandoci bene, poteva anche venire fuori qualcosa di buono… assemblare la potenza del suono dei Metallica con la portata poetica e vissuta del grande Lou… 

Peccato che è successo il contrario, i Metallica si sono scaricati e Lou Reed  si è spoetizzato.

Invece di essere un mix esplosivo il risultato sembra uno spegnimento di entrambi.

La tamarraggine dei Metallica e la figura mitologica di Lou Reed non si amalgamo come dovrebbero; si certo sono professionisti, c’è dell’impegno ma il risultato è davvero faticoso. I brani in fin dei conti invece di essere “impegnati”, risultano noiosi, in alcuni casi anche decisamente banali. Sono il lato negativo dei Metallica, quelli che invece di fare i cazzuti fanno i Nickelback nelle ballate, quelli che fanno i finti duri e tenebrosi ma poi sono puliti, quelli che non sanno adattare con credibilità il loro stile a diverse atmosfere, e così non aggiungendo nulla a questo lavoro che invece dovrebbe essere un atto di devozione alla teatralità e all’interpretazione. Loro invece di mettere del sentimento in questa storia antica, suonano di accademia. Mentre Lou Reed invece di essere una sorta di Poeta Maledetto ne è più spesso la sua caricatura. Forse la colpa non è né sua, né del gruppo americano, è proprio il lavoro insieme che non funziona.

Il disco si apre con Brandeburg Gate, ed è proprio un brutto inizio.  Parte intimo con chitarra acustica e voce parlante di Lou, poi si trasforma in un pezzo rock che sembra ben presto interminabile ma che in realtà dura regolari quattro minuti.  La seconda voce di Hetfield, che ad un certo puntoentra con prepotenza nel brano,  è addirittura fastidiosa. La seconda traccia è The View, il singolo, un brano tenebroso in cui Lou e Hetfield cantano alternati, ma l’accostamento anche solo vocale dei due fa male ad entrambi e li trasforma in una caricatura di loro stessi.  Arriva Pumping Blood che combacia anche con l’arrivo degli archi che tentano di dare timidamente sentimento all’opera, ma è troppo poco. Con questa traccia ci si ricorda che si tratta pur sempre di una trasposizione di una piece teatrale, già il fatto che però me lo debba ricordare porta in sé qualcosa di sbagliato di fondo. Mistress Dread è cattiveria dei Metallica con voce fuorviante di Lou, Iced Honey e Cheat On Me sono due brani facilmente dimenticabili. Il secondo disco parte con

Frustation che non è neppure orribile, una cavalcata rock scura e qui le cose vanno meglio perché si rispetta maggiormente la natura di entrambi, eppure rimane sempre un certo straniamento nel sentire Lou Reed più vicino ad un Ozzy Osbourne che non a sé stesso.

Real Estate "Days"

VOTO: 6/10

Album Best Track: Out Of Tune

Il mondo corre sempre più velocemente. Martin Courtney e Matt Modanille vogliono camminare lentamente.

Days è un album dolce, un album da ascoltare al mare tra surfisti e sognatori. Dal New Jersey entra nelle nostre cuffie ed è come un respiro soave.

Tornano alla mente le onde, i Beach Boys e l'oceano infinito. Il potere dei Real Estate è di creare tutto questo senza nessun aiuto artificiale dell'elettronica. Senza un effetto moderno o modernizzante cercano il loro suono giocando sulle chitarre.

C'è spazio per qualcosa di corposo e emozionante come Green Aisles o Out of Tune. Canzoni che si sviluppano senza fretta e trasmettono pace. 

Ci sono brani fatti per "passarsela bene" come Kinder Blueman. Easy e It’s Real vogliono stabilire invece un collegamento con lo stile riverberato dei nostri giorni.

Alex P Dj Set - Ottobre 2011

Tracklist

1. The Naked and Famous - The Source

2. Ludovico Einaudi - Nightbook

3. Deep Space Orchestra - Arrakis

4- Vincenzo - Tasmania

5. Gusgus - Over (Life and Death Rmx)

6. The Selph - Bond of union

7. Andre Lodemann - Together

8. Reagenz - The Labyrinth

9. Rich Nxt - Bristle

10. Rhythm & Sound - Queen in my empire

11. Roska - Error code

12. Fairmont - Bercy

13. Ripperton - Farra (Deetron edit)

14. Adam Port - Weekend

15. Cavalier - Kaimanawa

16. Gesaffelstein - The lack of hope

17. Luke Hess - Kratos

18. Maxim Buldakov - 2517

19. Ryan Elliott - Steadyrockin

20. Alex Smoke - Make my day (Ryan Crosson Rmx)

21. The Parallel - Analogue City

Florence + The Machine "Cerimonials"

VOTO: 7/10

Album Best Track: Shake it Out

E' difficile identificare esattamente tutti gli artisti che possono aver inspirato Florence in questo lavoro. In Cerimonials sono presenti Bjork, Kate Bush, Fiona Apple e Tori Amos. Un suono plasmato bene, compatto che emerge da un muro di strumenti che non è proprio facile in un album che vuole definirsi pop.

In questo lavoro Florence mostra e mette in risalto ancor di più la sua voce che diventa poderosa in Shake It Out. Creare un pop oscuro che non rinuncia a sviluppare la sua forza nera intorno ai riff vincenti e ai crescendo inarrestabili.

Arpe, timpani, harmonium, pianoforti e cori sono gli elementi che lasciano emergere e avvolgono la voce della cantante inglese mentre si mischia con i ritmi e un gusto anni 80.

Chissà come avrebbe suonato questo Cerimonials se, invece di essere lavorato agli Abbey Road Studios, fosse stato prodotto in america. Alla fine Florence ha scelto bene affidandosi a Paul Epworth che l'ha sicuramente aiutata ad avvicinarsi al suono dark, forte e solido che cercava.

Youth Lagoon "Year Of The Hibernation"

VOTO: 7/10

Album Best Track: Bobby

"Don't stop imagining. The day that you do is the day that you die."

Il giovane Trevor Powers realizza il sogno di tutti gli hipster della sua generazione: diventare musicista con un gran disco al debutto. Il disco, nel suo genere, è sicuramente uno dei migliori prodotti dell'anno.

Fat Possum è l'etichetta che ha creduto in questo progetto che ci ricorda un poco Beach House o Perfume Genius. I riff di Youth Lagoon sono semplici come i temui di tastiera e si ripetono ciclicamente cercando un crescendo emotivo. La voce registrata volutamente con una qualità che sembra essere bassa dona un tocco enigmatico allo stile di Trevor.

Tutto registrato in casa l'album ha un suono diy riconoscibilissimo come è riconoscibile l'immagine di una camera piena di poster e dubbi.

I demoni di Afternoon e l'atmosfera giocosa di Daydream aprono la strada alla notte di un estate passata a sognare di fronte all'esplosione di fuochi d'artificio. E' questa l'atmosfera descritta in July e che, come per ogni brano, ci incanta con una creatività esemplare. 

Dovremmo apprendere molto da questo ragazzo.

Hauschka Salón Des Amateurs

VOTO: 7/10

Album Best Track: Girls

Volker Bertelmann, pianista di Dusseldorf, rappresenta un’avanguardia sonora importante. Incarna le variazioni tipiche della musica minimal, le fonde con l’eredità elettronica della sua città (i Kraftwerk si sentono chiaramente nei suoi lavori) e le inchioda al piano seguendo attentamente il manuale John Cage ha regalato all’umanità intera.

Tutto è vero anche quando piega l’elettronica ai voleri della sua fantasia; perfino quando il beat si fa più incalzante, il dominio della ritmica e del susseguirsi di suoni è eccellente.

Il brano da segnalare è Girls che, come quasi tutti quelli presenti nel disco, segue una ritmica di 4 quarti morbida; l’impianto di riff minimalisti, suoni metallici reali e l’entrata di un basso elettronico sembra costruiscono un elisir musicale meraviglioso.

Justice "Audio, Video, Disco"

VOTO: 4/10

Album Best Track: Civilization

Chi si era legato al suono dei Justice non troverà un bis in questo Audio Video Disco.

I primi due brani in realtà sembrano voler trasmettere la sensazione del “non è cambiato nulla tranquilli”.

Horsepower e Civilization (primo singolo estratto dal disco) sono brani forti e adatti a muovere le dancefloor anche se si nota subito che c’è perdita di potenza.

Ohio invece già inizia a suggerirci che forse le cose sono cambiate. La velocità sfuma e il cantato si fa più tenue. La consistenza non c’è e sembra un brano messo lì giusto per riempire il disco; stesso discorso per Canon; un mix di sequencer che in fin dei conti non dice nulla.

On’n’on ti fa diventare quasi isterico perchè inizi a pensare che forse non è il disco che cercavi e allora si passa a Brianvision che sposta l’asse del tutto.

Qui entriamo in un altro campo e siamo più vicini alle schitarrate dei Daft Punk o, per gli appasionati del genere, dentro un tema videoulico. Sembra di ascoltare un Moroder tritato e passato in un vasetto di miele. Il buon Giorgio ha dalla sua l’aver sempre creato qualcosa di contundente; cosa che manca fino a questo punto del disco.

Forse dopo il livello si alzerà, penserai?

Purtroppo no.

E’ arrivato il momento di Parade ed Helix e scopri che il discorso non cambia, tanto rumore e poca sostanza. Newlands vorrebbe forse essere il tema mancante di un b-movie anni 70 ma non è all’altezza dello stile che cerca.

Finalmente l'ultima, Audio Video Disco, ¡ e ti sembra di sentire il Felix Da Housecat di 10 anni fa e dici ok basta.

The Drums "Portamento"

VOTO: 7/10

Album Best Track: Book Of Revelation

Quello dei The Drums è un disco affascinante, per varie ragioni. É un discorso diretto, è pieno di belle idee e fin dalla prima traccia ti conquista.

La band di Brooklyn si migliora, apre ai synth usati con parsimonia e gusto e tira giù dei testi semplici e d’effetto.

“And I believe than when we die, we die. So let me love you tonight”

Solo per una frase così varrebbe la pena avere questo disco nello scaffale, se poi aggiungiamo che il brano, Book Of Revelation, da cui è estratta è altrettanto appassionante, allora, qualsiasi dubbio viene cancellato.

In Portamento si parla di amore, di soldi, di assenze importanti e, la band, te ne parla sempre con un discorso diretto in cui sembrano avere bisogno di te come interlocutore fisso. L’ascoltatore si fa amico, fratello, compagno o compagna del gruppo nel lungo sfogo tirato fuori con occhi lucidi e rassegnati.

E’ di noi che hanno bisogno per trovare conforto e confessare i loro segreti. Il tema dell’amore è ossessionante nella sua accezione di perdita; l’immagine è di una luce che ci guida nella nebbia e che, piano piano, sfuma lasciandoci soli e persi. Questa strana sensazione è presente ovunque nel disco: nella voglia di amare di Days, nell’amore senza via d’uscita in What You Were, nell’amore impossibile di Hard To Love o un amore finito di I Don’t Know How To Love.

Si parla di come resistere e sopravviere in questo mondo che di fanciullesco non ha nulla. Money ne è un esempio; si grida la voglia di essere se stessi in If He Likes It Let Him Do It; una lotta che però sembra rassegnata e costretta all’apatia.

Searching For Heaven (una delle migliori del disco) a tratti risulta inquietante; i sequencer gommosi e taglienti allo stesso tempo confermano lo stato d’animo di Jonathan Pierce e Jacob Graham; siamo in un limbo.

Portamento è senza dubbio uno dei migliori dischi usciti fino ad ora che prende allo stomaco e ci fa tornare in mente sensazioni di innocenza perduta, delle prime passioni e dei primi rifiuti che diventano macigni nel nostro animo. I vecchi sogni di un'adolescenza scompaiono nel momento in cui gli occhi si aprono davvero sul mondo e iniziano a scoprire il marcio che c’è in esso. Il portamento, dopotutto, nei synth e nella musica non è solo un mero rallentamento tra la nota precedente e la successiva, ma uno scorrimento di voltaggi da un valore iniziale a uno finale, in un determinato tempo.

Il portamento è per i The Drums un tempo che scorre fluido e che non si può fermare; un tempo che però non viene accettato dal cuore. Un insieme di energie che cambiano e mutano il nostro corpo.