Fuentes Revista ccp

La Brígida Orquesta encendió Concepción: una noche de vientos, rap y compromiso cultural…

Concepción fue testigo, el pasado jueves 14 de agosto, de la potencia arrolladora de La Brígida Orquesta, que arrancó puntual a las 19:30 en la Sala Principal del Teatro Biobío. Aunque ya brillan en estudio, en escena lograron algo más: una conexión auténtica y consciente con el público penquista.

La agrupación, bajo la dirección del pianista y compositor Gabo Paillao, trazó un repertorio que fusionó rap, hip-hop y jazz, acompañado de visuales y luces que transformaron el show en un viaje sensorial completo. Desde los primeros compases, la sala se entregó: cantos colectivos, gritos de apoyo y euforia se propagaron desde la Generación Z, mayoritaria en la audiencia, pero también desde quienes llegaron de generaciones más grandes, demostrando la transversalidad de la propuesta.

No es casualidad que los más jóvenes hayan respondido con tanto entusiasmo. El proyecto que Paillao encabeza hunde sus raíces en Conchalí y en la Conchalí Big Band, un espacio de formación musical comunitaria que ha servido como semillero artístico y social. Ese mismo legado se proyecta hoy hacia nuevas generaciones, mostrando que la música puede ser un camino de identidad y expresión más allá de lo que dicta la industria. En esa línea, La Brígida Orquesta aporta un horizonte cultural distinto, alternativo al reguetón predominante, y que se siente propio, cercano y transformador.

Durante la velada, cada integrante tuvo su espacio, pero fueron los trompetistas, saxofonistas, trombonistas y clarinetistas quienes se lucieron con solos precisos y cargados de energía, levantando aplausos espontáneos y confirmando que la sección de vientos es el corazón sonoro de la orquesta.

Tras más de 90 minutos de concierto, el público pedía más. Sin embargo, la agrupación debía continuar su viaje rumbo a Chillán, donde esa misma noche ofrecerían un nuevo show, manteniendo el pulso intenso de su gira “Live en tu ciudad”.

Con un sonido impecable en vivo, una complicidad genuina con su público y un despliegue que unió música, visuales y energía, La Brígida Orquesta dejó claro que no solo se escucha: se vive.

🎭 “Tiene momentos bien extremos, radicales, con una teatralidad muy desbordada”:

Esta noche, “¿Estás ahí, Yin?” llega al Teatro Biobío con Marcelo Alonso

Un profesor de Vicuña, solo en el escenario, se obsesiona con una figura trágica: Yin Yin, el hijo adoptivo de Gabriela Mistral, quien se suicidó en 1943 tras ingerir arsénico. Así comienza “¿Estás ahí, Yin?”, un monólogo intenso y sobrecogedor protagonizado por el destacado actor Marcelo Alonso, bajo la dirección de Cristián Plana. Esta noche, la obra se presenta en el Teatro Biobío, en una única función a las 19:30 hrs.

Inspirada en el cuento homónimo del escritor Cristian Geisse, la obra retrata el descenso emocional de un hombre que, impulsado por el duelo, la admiración y un afecto casi místico, intenta invocar la presencia de Yin Yin y rescatarlo del infierno, cumpliendo así el deseo más profundo de una madre rota por la pérdida.

🔥 La fuerza del lenguaje y la potencia del cuerpo en escena

Para el director Cristián Plana, llevar a escena este texto fue una necesidad visceral: “Apenas leí el cuento me entusiasmé con la idea de ponerlo en escena. Nunca había leído una ficción literaria tan radical relacionada con la figura de Yin Yin. El cuento está escrito, casi en su totalidad, como un monólogo teatral. Me fascinó la escritura, me pareció que tenía un lenguaje nuevo, como los monólogos de Juan Radrigán”.

Pero además del texto, estaba la decisión del intérprete: “A Marcelo [Alonso], porque lo conozco hace mucho tiempo, hemos trabajado juntos... Yo creo que también es la fuerza que requiere tomar este texto, el interpretarlo, porque tiene momentos bien extremos, radicales, digamos, con una teatralidad muy desbordada. Y por ser un monólogo, además, requiere una confianza con el intérprete que es importante. Hacer un monólogo es como crear una obrita que se vuelve propia, muy, muy personal”.

🕯 Entre el cuerpo y la sombra: Mistral, el duelo, y la memoria encarnada

La puesta en escena desdibuja los límites entre la representación y lo representado. El personaje de Alonso entra en un estado de sugestión tan profundo, que comienza a ver una doble imagen de la realidad: él no solo es el profesor, también es Gabriela Mistral en el año de la muerte de Yin. Desde el silencio de la ciudad de Vicuña, la obra se convierte en un ritual íntimo de resistencia, afecto y recuperación de la memoria colectiva.

📅 Una función única hoy en Teatro Biobío

🗓 Jueves 25 de julio 🕢 19:30 hrs 📍 Sala Principal, Teatro Biobío 🎟 Entradas disponibles en teatrobiobio.cl

Hace exactamente 8 días se inauguró Te Amo de Mon Laferte Visual, una aclamada exposición que aterrizó en el Teatro Biobío el pasado 15 de mayo, marcando un hito en los esfuerzos de descentralización cultural impulsados en conjunto por el Teatro Biobío y Fundación Teatro a Mil, alianza vigente desde 2018.

Como equipo de Fuentes Revista CCP, tuvimos la oportunidad de asistir a esta inauguración e ingresar a este universo íntimo en el que la cantante chileno-mexicana comparte su imaginario visual, biográfico y emocional.

El recorrido comienza por los pasillos del Teatro Biobío hasta llegar a la Sala Multipropósito, un espacio que desde 2022 se ha abierto a obras artísticas no convencionales. Al ingresar, se inicia un viaje por su faceta musical con un enfoque biográfico. La sala multimedial reúne objetos personales, fotografías, su primera guitarra heredada de su abuela —cantante y compositora de boleros—, restaurada y entregada como obsequio por su hermana, vestuarios icónicos, videos interactivos, audífonos de escucha y piezas plásticas que van dando forma a su universo visual.

Entre las obras destaca “Protectora” (2020–2021), una imponente pieza en técnica mixta sobre tela (170 x 320 cm). En general, el uso de técnicas mixtas predomina en la muestra: acrílico sobre tela y papel, dibujos cargados de color y textura, veladuras superpuestas que refuerzan capas de sentido.

El recorrido continúa por un pasillo que despliega una colección de dibujos en papel enmarcados, seguido de una serie de poemas donde su voz poética emerge con fuerza. Una escritura íntima que devela verdades personales y colectivas, con versos que invitan a detenerse y resonar con lo vivido:

“La última vez tenía tanto miedo

Esa ciudad es tan violenta

Que descansa en asilos

Me bastó comer un poco de tierra para volver a la vida…”

—Extracto del poema “Toma la Violeta”

La muestra avanza hacia su última sección, presidida por la obra “Gracias 009”, imagen que da vida al afiche oficial de la exposición en Concepción. Esta área concentra buena parte de sus monstruos, tanto internos como sociales: su relación con la prensa, la denuncia, la crítica, la arpillera, la instalación “Monstruos Perra”, y la serie pictórica “Gracias”, en la que destaca la profundidad emocional de los que parecen ser autorretratos de distintos ciclos vivenciales.

También resalta una serie de seis retratos de mujeres privadas de libertad, que con fuerza y dignidad interpelan desde la mirada de la artista. Las miradas contienen una verdad cruda y silenciosa, casi incómoda por lo directa, que nos obliga a mirar de vuelta. Es en esos ojos donde habita gran parte de la potencia emocional de su trabajo.

El arte contemporáneo de Mon Laferte se manifiesta aquí como una propuesta honesta y visceral, donde las categorías estilísticas tradicionales se diluyen. En Te Amo conviven el multiculturalismo, las tradiciones, las circunstancias personales y una sinceridad artística que se impone. Vivimos hoy en una sociedad que mezcla lenguajes, derriba fronteras y valora lo íntimo; por ello, toda propuesta visual auténtica —como esta— se convierte en un testimonio valioso y necesario.

Por todo esto, y mucho más:

Te amamos, Mon Laferte Visual.

Aquí les entregamos apenas una pincelada en imágenes de lo que fue esta potente inauguración. La invitación es a que recorran la exposición con sus propios ojos, se detengan, escuchen, se conmuevan y habiten este universo íntimo creado por Mon Laferte.

Texto y registro: Fuentes Revista CCP

El pasado 14 de mayo, en la Sala Principal del Teatro Biobío, se presentó AWA, una experiencia escénica que desborda los límites de la danza y la performance contemporánea. Más que una obra, AWA es una invocación líquida: un proyecto interdisciplinario que une danza, ciencia, prácticas somáticas y filosofía para repensar nuestra relación con el agua como organismo vivo.

Una escena sin fronteras

En esta ocasión, la disposición tradicional del teatro fue completamente transformada. El público no se ubicó frente al escenario, sino dentro de él: rodeando el espacio escénico desde todos los flancos, en una disposición circular que acentuaba la cercanía y la inmersión.

Al centro del espacio colgaba un gran bloque de hielo suspendido como un artefacto ritual. Su lento derretimiento marcaba el ritmo interno de la obra. El agua, en sus diferentes estados —hielo, vapor, saliva— se hizo presente como materia y como símbolo. Cuatro performers (Claudio Muñoz, Varinia Canto Vila, Rodrigo Chaverini y Javiera Peón-Veiga, quien también dirige la pieza) se desplazaban con una intensidad dictada por la temperatura, la condensación, el cambio constante.

El agua como cuerpo, memoria y ecología

Dirigida por la coreógrafa y artista escénica Javiera Peón-Veiga, AWA también hereda la sensibilidad del trabajo anterior HAMMAM: Human on Human, una performance que proponía un baño de vapor colectivo como experiencia sanadora, íntima y política. Allí, el vapor de agua era tanto cuerpo medioambiental como canal sonoro y térmico. En AWA, esa materialidad se densifica, se congela y luego se evapora: es un ciclo coreográfico y físico.

La obra invita a sentir el agua, a habitarla como geografía en resistencia y como entidad viva, capaz de desdibujar los bordes entre lo humano y lo geológico, lo corporal y lo climático.

Laboratorios y activaciones desde el cuerpo

Las funciones fueron complementadas por dos laboratorios gratuitos de exploración corporal, abiertos a personas mayores de 16 años, realizados en el contexto del Teatro Biobío. Estas instancias ofrecieron un espacio de conexión somática con las materialidades presentes en la obra: no solo el agua, sino también el sonido, la respiración y el contacto como formas de escucha profunda.

Titulados “El agua vino del sol” y “Aguas transcorporales”, los encuentros activaron prácticas sensibles para experimentar con el flujo, la evaporación y la disolución de límites entre cuerpos, invitando a pensar el agua no solo como recurso, sino como medio vital, resonante y afectivo.

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AWA

Dirección: Javiera Peón-Veiga

Nota final por equipo @fuentesrevistacco : Nos gustaría que obras como esta volvieran a presentarse. Necesitamos más experiencias escénicas que no solo representen el mundo, sino que nos transformen junto a él.

El equipo artístico incluye a Natalia Ramírez Püschel (@natalialablanca) en documentación, Rodrigo Sobarzo (@tiempOtecnologia) en diseño sonoro, Antonia Peón-Veiga (@antoniapeon) y Manuela Mege en iluminación, Cristo Riffo (@cristoriffo) en investigación de biomateriales, Simón Sepúlveda (@sepulvedasimon) en diseño gráfico, y Lupe Abaca (@lupe_abaca) en diseño de vestuario. La producción fue co-realizada con NAVE (@centro_nave), junto a las colaboraciones en Concepción de Francisco Cancino (@panicocancino) en la producción en terreno y Valentina Pizarro (@falsafreelance) en la gestión de medios y prensa.

Este proyecto se realiza en el marco de la circulación nacional 2025, financiada por el Fondo Nacional de Fomento y Desarrollo de las Artes Escénicas.

Mon Laferte Visual"

aterriza en Concepción.

💋‘TE AMO Mon Laferte Visual’: aterriza en Concepción

Gracias a la gestión de @teatrobiobio, la aclamada muestra llega por primera vez a la Ciudad Creativa de la Música.

🏢🖼️🎨El Teatro Biobío se transforma en un verdadero museo del arte para recibir esta exposición, con un trabajo curatorial excepcional que da vida al universo visual de Mon Laferte. @monlafertevisual

Un recorrido íntimo y multidisciplinar con pinturas, poemas, bordados, objetos personales y piezas icónicas de su carrera.

🖼️Exhibición del 15 de mayo al 2 de agosto

🗓️🕰️Miércoles a sábado, de 12:00 a 19:00 h

Sala Multiuso, Teatro Biobío

Agradecemos al Teatro Biobío por la invitación a esta jornada inaugural.

Para más información visita: www.teatrobiobio.

✍🏻📸💻🎨📹: @fuentesrevistaccp

Estuvimos en la inauguración de

la exposición 'Una historia para el mural de la Farmacia Maluje.

🎙️Compartimos la invitación de Bárbara Lama @gunterina, parte del equipo investigativo y curatorial, para que asistan y disfruten de esta importante exposición.

Una oportunidad para reflexionar sobre la memoria, el arte y el patrimonio en torno al mural de la Farmacia Maluje de Julio Escámez. @fundacionescamez

Les recordamos que la muestra se encuentra disponible desde el 13 de mayo al 24 de agosto de 2025.

° Casa del Arte - Pinacoteca Universidad de Concepción,Chacabuco esquina Paicaví.

¿Horarios de visita:

Mar - Vie: 10:00 a 17:45 hrs

Sáb: 10:00 a 16:45 hrs

Dom: 10:00 a 13:45 hrs

#JulioEscámez #MuralismoChileno #ArteChileno

#PatrimonioCultural #ArteYMemoria #FarmaciaMaluje

#ConcepciónChile #CasaDelArteUdeC

#PinacotecaUdeC #ArteEnConcepción #MuralAlFresco

#HistoriaVisual #ExposiciónDeArte

#ArteLatinoamericano #CulturaPenquista

#ArteYPensamiento #RedesCulturales

#RescatePatrimonial #fuentesrevistaccp #сср

🖼️💊Una historia para el mural de la Farmacia Maluje

13 de mayo al 24 de agosto de 2025

📍 Casa del Arte - Pinacoteca Universidad de

Concepción

Chacabuco esquina Paicaví.

Entre 1957 y 1958, Julio Escámez pintó el mural

Historia de la Medicina y la Farmacia en Chile en la ex Farmacia Maluje, ubicada en calle Tucapel 676,

Concepción. Hoy, el tiempo, la desidia y las malas políticas públicas lo han dejado en estado de abandono.

'La exposición Una historia para el mural de la

Farmacia Maluje -investigación y curaduría de Bárbara

Lama Andrade y Leslie Fernández Barrera— se pregunta:

¿Por qué cuidarlo? ¿Para qué valorarlo? ¿Cuál es el sentido de su guarda?

Nos invita a regresar a la época en que María Maluje y Luis Eguidio Contreras soñaron su casa y su espacio de trabajo, y a conocer las redes de sociabilidad política y cultural que hicieron posible este mural:

Maco Gutiérrez, Betty Fischman, Sergio Bravo, Carlos Martner y, por supuesto, Julio Escámez, quien supo pintar al fresco como en el Renacimiento.

Dirección y colaboración: Orietta Duvauchelle Escámez.

•Horarios de visita:

Mar - Vie: 10:00 a 17:45 hrs

Sáb: 10:00 a 16:45 hrs

Dom: 10:00 a 13:45 hrs

y edición de ®

-: @fuentesrevistaccp

🖼️Ayer, lunes 12 de mayo a las

19:00 hrs, el edificio de la Seremi de las Culturas, las Artes y el Patrimonio @culturas_biobio (Ongolmo 196, Concepción) se transformó en un lienzo de luz con la intervención Habitantes de la Naturaleza, parte del ciclo de mappings desarrollados por @actos.sinestesicos .

•Esta nueva puesta en escena da

continuidad a Habitantes del Bosque, incorporando nuevos personajes que amplían el imaginario natural de la obra. Entre ellos: la Ballena, el Cóndor, el

Chungungo, las Garzas, el Puma, las Gaviotas, las Abejas, entre otros seres que habitan y simbolizan nuestros paisajes.

•¿ El video que acompaña esta publicación conserva el audio ambiente original, sin música añadida ni filtros. Solo el sonido real del momento, para revivir colectivamente esa experiencia.

Recados Luminosos, la segunda parte de esta presentación proyectada sobre este nuevo lienzo —el frontis de la Seremi—, será compartida pronto por este mismo medio.

•• ¿Estuviste ahí? ¿Cómo lo viviste tú? Te leemos.

: @fuentesrevistaccp

#HabitantesDeLaNaturaleza #RecadosLuminosos

#ActosSintéticos #VideoMapping

#MappingConcepción #ArteLumínico #SeremiCulturas

#ArteEnElEspacioPúblico #NaturalezaY Memoria

Surrealismo en Chile: de Mandrágora a la Casa de la Luna Azul

Llevo días investigando sobre el surrealismo en Chile desde que me encontré con las obras de Iván Veliz Villalobos en Instagram. Así fue como, entre lecturas intercaladas, llegué a la revista Mandrágora, conformada por un grupo surgido en 1938 y liderado por Braulio Arenas, Teófilo Cid, Jorge Cáceres y Enrique Gómez-Correa. Inspirados por el surrealismo europeo, establecieron lazos con nada más y nada menos que el mismísimo André Breton (autor del Manifiesto Surrealista) y otros exponentes internacionales. A pesar de su corta existencia (7 ediciones), el impacto del grupo fue significativo.

Mandrágora fue esencialmente un grupo de surrealismo literario, cuyo origen creativo se dio en Talca, para luego trasladarse a Santiago, donde su mayor actividad se concentró entre 1938 y 1944. Este impulso estuvo mediado por los viajes de Vicente Huidobro a Francia, desde donde trajo publicaciones clave como la revista Littérature y el propio Manifiesto Surrealista. Los integrantes de Mandrágora escribieron a Breton, quien, sorprendido de tener seguidores en estas latitudes, los acogió y les dio permiso para usar el nombre del movimiento, adaptándolo e integrando elementos de la cultura chilena.

El 11 de julio de 1938, en la Universidad de Chile, anunciaron públicamente el nacimiento del grupo con el lanzamiento de la revista Mandrágora: Poesía, Filosofía, Pintura, Ciencia, Documentos. Su legado se reflejó posteriormente en exposiciones surrealistas como la de 1948 en la Galería Dédalo, donde se exhibieron obras de Matta, Magritte, Leonora Carrington y Dalí. Más tarde, con su retorno a Chile, Roberto Matta presentó en esta misma galería su primera muestra individual.

Matta y el arte como revolución

Roberto Matta es el nombre más reconocido del surrealismo chileno. Su vinculación con Breton, su activismo político y su inconfundible estilo pictórico lo convierten en una figura clave del movimiento a nivel mundial. En 1971 regresó a Chile y colaboró con las Brigadas Ramona Parra (BRP) en la creación del mural El primer gol del pueblo chileno en San Miguel, con motivo del primer aniversario del gobierno popular. El mural fue pintado en quince días, con la participación de jóvenes muralistas como Alejandro “Mono” González, y fue inaugurado el 28 de noviembre de 1971. Durante su creación, Matta viajó brevemente a Isla de Pascua, experiencia que revitalizó su imaginería con la iconografía Rapa Nui. Tras el golpe de Estado de 1973, el mural fue destruido.

El "Mono" González, figura fundamental del brigadismo muralista y del arte público, es heredero de la sensibilidad surrealista de Matta, en tanto ambos usaron el arte como herramienta de transformación social, poética y política.

Ludwig Zeller y Susana Wald: los fecundadores

Fundamentales en la consolidación del surrealismo en Chile fueron Ludwig Zeller y Susana Wald, quienes se conocieron en 1963 y desde entonces desarrollaron una intensa actividad creativa. En 1968 fundaron la "Casa de la Luna Azul", en calle Villavicencio, Santiago, donde se realizaron exposiciones, charlas y debates. Allí confluyeron artistas como Mario Murua, Gonzalo Cienfuegos, Hugo Marín, Rolando Toro y Enrique Lihn. También editaron una revista del mismo nombre, de la cual aparecieron dos números.

En 1970 organizaron la muestra colectiva Surrealismo en Chile: El entierro de la castidad, en la Universidad Católica, una exposición sin censura que reunió a artistas como Roberto Matta, Haroldo Donoso, Rodolfo Opazo, Carmen García, Valentina Cruz, Susana Wald y Ludwig Zeller, entre otros. “Pero todo acaba con la polarización política y el fin de la democracia en septiembre de 1973”, testifica Aldo Alcolta en Hacia una historia del Surrealismo en Chile.

Tras la crisis política, Zeller y Wald emigraron en 1971 a Toronto, Canadá, donde fundaron Oasis Publications. Más tarde se establecieron en Oaxaca, México. Ludwig Zeller falleció en 2019, mientras que Susana Wald continúa su labor artística en dicha ciudad.

Grisalla: un surrealismo penquista

El colectivo Grisalla surgió en Concepción a mediados de los años 80, consolidándose como una agrupación clave en el panorama artístico nacional. Lo integran Jaime Petit Breuilh, Óscar Barra, José Fernández Covich, Mario Sánchez, Gustavo Riquelme y Vicente Rojas Ruggeri. Su primera exposición fue en 1991, en la Casa del Arte de la Universidad de Concepción, y su punto culmine llegó en 1992 con la muestra Viaje hacia el ocio, la locura y la muerte en el Museo Nacional de Bellas Artes, evento patrocinado por Nemesio Antúnez.

 "Grisalla, reunión de varios pintores de Concepción acoplados a una figuración fuertemente híbrida y colorida, y que según Barra es “un rescate de la buena pintura sobre tela y una continuidad de una tradición pictórica hermanada con la generación del trece y de Forma y Espacio, con arraigo principalmente en el Surrealismo”.

Dato: pueden ver en YouTube el documental Grisalla: Lo eterno del pasado, dirigido por los penquistas Mauricio Montecinos Toloza y Javier "Januka" Sanhueza. Montecinos relata: “El rodaje fue una especie de road movie... Como el maestro Akira Kurosawa nos presenta a los siete samuráis, nosotros descubríamos a cada uno de los pintores”.

¿Y las mujeres en el surrealismo?

En la búsqueda por ahondar en esta corriente en Chile, apareció el tema de la participación femenina. Para mi asombro el surrealismo fue uno de los movimientos con mayor presencia de mujeres en varias disciplinas y oficios : Remedios Varo, Gala Dalí, Frida Kahlo, Alejandra Pizarnik, Germaine Dulac, Leonora Carrington...

¿ Y en Chile, donde estaban esas exponentes?. Fue a si como tuve que retomar mi lectura hacia los inicios, con los colaboradores y participes activos de este movimiento, como lo eran Ludwig Zeller y Susana Wald, llegando justamente a dar con su gran legado de la mano de Macarena Bravo Cox.

El legado de Susana Wald

Fue gracias a Macarena Bravo Cox, historiadora del arte, que profundicé aún más. Ella ha trabajado junto a Susana Wald durante años documentando y difundiendo su obra. En su cuenta de Instagram En el espejo retrovisor, con más de 2.300 seguidores, relata la historia de esta chilena-canadiense, una de las mayores curadoras, aliadas y exponentes del surrealismo en Chile.

Antes de ser pintora, Susana fue ceramista. Se graduó de la Escuela Nacional de Cerámica de Buenos Aires, y ya en Chile instaló su taller en El Arrayán. Su vínculo con el surrealismo se selló una tarde en que llevaba sus cerámicas rumbo a una exposición. Manejaba su auto cuando, de pronto, un bache hizo saltar las piezas. Al detenerse, vio que muchas estaban rotas, deformadas, inservibles según el criterio tradicional. Pero Susana, en vez de desecharlas, decidió mostrarlas tal cual: deformadas, resquebrajadas, surrealistas sin querer. Ese accidente marcó el giro: abandonó lo utilitario y abrazó la estética del azar, del inconsciente, de lo inasible. Aunque formalmente se unió al movimiento en 1963, su trabajo ya contenía los principios surrealistas: azar, inconsciente, erotismo, sueños.

El trabajo de Macarena Bravo trajo frutos: el 6 de julio de 2021, se inauguró en el Museo Nacional de Bellas Artes la exposición retrospectiva En busca de lo inasible. Curada por Bravo, la muestra reunió 40 piezas de Susana Wald, entre pinturas, cerámicas y archivos.

En nuestra publicación mencionamos al colectivo Grisalla dentro de un contexto surrealista. Aunque no se define como tal, hay algo en sus formas, su imaginario y su tratamiento del símbolo que conecta con lo onírico y lo poético. Nos interesa observar esos cruces más allá de las etiquetas.

El surrealismo en Chile sigue latiendo, como un cofre imaginario con un corazón palpitante en su interior.

Por: Joselin Fuentes, estudiante de Comunicación Audiovisual.

Diseño y Ediciones: @fuentesrevista

Fuentes y créditos: https://tarquinia.cl/blogs/editorial/hacia-una-historia-del-surrealismo-en-chile?srsltid=AfmBOoqH1AV32ptwL9NZhW_-Zsh01I0qQQxJMpE5dHAEhvR9KFkwCluj

https://triplov.com/revistaTriplov/el-surrealismo-y-su-manifestacion-en-chile/

Mientras la música contemporánea encierra a las mujeres en estéticas predecibles, Amy Taylor lidera Amyl and the Sniffers con una propuesta que desborda energía y rebeldía. Su banda es ruido crudo, actitud descontrolada y una declaración de independencia dentro del rock actual.

Punk Hecho a la Carrera

Amyl and the Sniffers nació en Melbourne en 2016 con un espíritu DIY que se mantiene intacto. Grabaron su primer EP, Giddy Up, en solo 12 horas, y al año siguiente lanzaron Big Attraction, con el que empezaron a ganar notoriedad en la escena underground. Su explosión llegó con su álbum debut homónimo en 2019, producido por Ross Orton (exbaterista de Add N to (X)), que les valió el premio al Mejor Álbum de Rock en los ARIA Music Awards y los llevó de gira por Europa y Estados Unidos.

Dos años después, con Comfort to Me (2021), reafirmaron su estilo salvaje, compartiendo escenario con bandas como Weezer, Fall Out Boy y Green Day en el Hella Mega Tour.

Amy Taylor: Furia y Desafío

La esencia Amy Taylor: una vocalista que no canta para agradar. Su voz rasposa y su actitud en escena transmiten una energía visceral que se siente en cada canción. En “Me and the Girls”, lanza líneas directas y sin concesiones:

“Yo y las chicas queremos aborto gratis, tú y los chicos ni siquiera pueden depilarse.”

Con su imagen de rockera sin pulir y una presencia escénica incontrolable, Taylor no busca encajar en la industria ni suavizar su mensaje. Ella es la anomalía que el punk necesitaba.

Actualmente… • La banda ha estrenado recientemente el videoclip de “Jerkin’”, una muestra más de su provocador estilo. El video, con contenido explícito, tiene una versión censurada en YouTube, mientras que la versión sin filtros está disponible en su página web. • Amyl and the Sniffers se encuentran de gira por Estados Unidos y Canadá, con la mayoría de sus fechas agotadas. Con Sheer Mag como banda invitada, recorrerán ciudades como Portland, Vancouver, Seattle, Denver, Toronto, Nueva York y Nashville, consolidando su presencia en la escena internacional.

El Punk Como un Acto de Resistencia

En un panorama donde el rock parece haberse domesticado y la provocación se usa como estrategia de marketing, Amyl and the Sniffers recuerdan que la música aún puede ser incómoda, caótica y real. Sin filtros ni concesiones, siguen demostrando que la furia sigue siendo necesaria.

Los muros de Chile llevan su firma sin necesidad de rúbricas. Alejandro "Mono" González no pinta solo imágenes: imprime memoria, gritos de lucha y latidos de quienes caminan las calles. Su obra no se encierra en museos ni busca silencios solemnes, sino que dialoga con la gente, con la historia y con la ciudad misma. Sus colores no solo embellecen el cemento, lo convierten en testigo de la vida popular.

Brigada Ramona Parra: Pinceles que Cuentan Historias Los primeros trazos de González en los muros nacieron en la Brigada Ramona Parra (BRP), ese colectivo que transformó el muralismo en un acto político. No eran solo murales; eran consignas de esperanza, resistencia y futuro. Con su estilo inconfundible de líneas gruesas y figuras humanas cargadas de expresión, González y la BRP llenaron las calles de un Chile convulsionado con arte que no pedía permiso para existir.

Durante la Unidad Popular, los pinceles de la BRP se convirtieron en una herramienta de lucha. Mientras otros usaban discursos, ellos pintaban. En cada trazo, González descubría que el arte podía ser una manera de hablar con quienes no tenían voz. No pintaban por encargo, sino por necesidad, porque las paredes también pueden ser libros abiertos. A través de sus murales, la historia tomaba forma y color, convirtiéndose en un testimonio vivo de quienes habitaban esas calles.

Murales que Hablan Uno de sus trabajos más emblemáticos es "Vida y Trabajo: Los Ojos y las Manos del Esfuerzo", ubicado en la estación Parque Bustamante del Metro de Santiago. Con 223 metros de longitud y 673 m² de pintura, este mural es uno de los más grandes de Chile. La obra retrata una serie de rostros humanos cargados de emociones, que reflejan la identidad del pueblo chileno y su conexión con el trabajo y la vida cotidiana.

Otro de sus murales destacados es su intervención en el Estadio Nacional, realizada en 2023 en colaboración con la cantante Mon Laferte. Este mural, plasmado en un silo del recinto, conmemora los 50 años del golpe de Estado en Chile y rinde homenaje a los miles de detenidos en ese espacio durante la dictadura. Con su característico trazo, González transformó un sitio de memoria en un espacio de resistencia y reflexión.

Además, su mural en la costanera de Laraquete, en la región del Biobío, destaca por ser una obra profundamente conectada con el entorno natural y la comunidad local. Este mural fue el resultado de un proceso de consulta con los habitantes de la zona, quienes decidieron que el mural reflejara un cordón umbilical entre la tierra y el agua, simbolizando la relación de la comunidad con su entorno. La obra, que se ubica en un espacio de gran carga histórica y simbólica, es un claro ejemplo de cómo González no solo usa la pintura para expresar su arte, sino también para generar un diálogo entre la obra y las personas que la habitan.

Exposición "Colección para el futuro" en el Museo Nacional de Bellas Artes

Alejandro "Mono" González está de vuelta en el centro de la escena cultural con la exposición "Una colección para el futuro: nuevas obras para el MNBA" en el Museo Nacional de Bellas Artes, celebrando sus 145 años. Esta muestra incluye entre sus nuevas adquisiciones las serigrafías de González, específicamente la serie 27F, que ahora forma parte de la colección del museo.

Esta serie de serigrafías, que puede ser visitada hasta junio de 2025, suma a la narrativa visual de González, quien ha plasmado en sus murales y obras gráficas la memoria y la identidad del pueblo chileno. Esta exposición se abre al público con acceso liberado y se convierte en una oportunidad única para conocer más de la obra gráfica de González, un arte que ha dejado una marca indeleble en la cultura popular.

Del Muro a la Memoria Colectiva Con los años, González trascendió las brigadas y dejó su huella en espacios de todo el mundo. Aunque sus murales hoy están en galerías y exposiciones, su esencia sigue en la calle. Cada nuevo muro que pinta no es solo una expresión artística, sino una conversación silenciosa con la ciudad y sus habitantes.

Su candidatura al Premio Nacional de Artes Plásticas es un reflejo del impacto de su obra. En 2017 y 2021, miles de voces lo respaldaron, reconociendo que su trabajo no es solo muralismo, sino un lenguaje que habla de la identidad chilena. Hoy, en 2025, una nueva campaña ciudadana busca que finalmente reciba este galardón. Sin embargo, más allá de los reconocimientos oficiales, su verdadero premio está en cada rostro que se detiene a mirar sus murales, en cada niño que crece reconociendo su arte como parte de su entorno cotidiano.

El Arte que Sigue Latiendo En diciembre de 2024, González recibió el Premio Metropolitano de las Culturas, un reconocimiento a su trayectoria. Sin embargo, la ausencia del Premio Nacional de Artes sigue siendo una deuda con su historia y con el arte público en Chile. Raúl Zurita comparó su obra con la Cordillera de los Andes o el océano Pacífico: elementos que no necesitan validación porque son parte de la esencia del país.

Alejandro "Mono" González no necesita títulos para que su arte siga latiendo en las calles y en la memoria colectiva. Su legado se refleja en cada mural que inspira nuevas generaciones de artistas y en cada ciudadano que se detiene frente a sus colores para leer la historia del pueblo. Desde la Brigada Ramona Parra hasta hoy, su obra nos recuerda que la calle es un museo abierto y que el arte es un acto de resistencia. Mientras haya muros en Chile, su mensaje seguirá vibrando, testigo inmutable de un país que aún tiene mucho que contar.

Foto: lira arte publico/ @astrografias , metro.cl, memoriaestadionacional.cl, La Tercera/ CULTO, instagram Alejandro "Mono Gonzales" y fotógrafos asociados a créditos.

🎶✨ ¡Una noche inolvidable para cerrar este ciclo especial del Mes de la Mujer! Ayer asistimos a la última presentación en Café de la Historia, ubicado en el Parque Ecuador, #Concepción. 🎷

En esta ocasión, Carla Romero nos ofreció un set espectacular, acompañada de Pablo Vidal y Marlon Andrés, cerrando con broche de oro este ciclo de conciertos dedicados al talento local femenino, que se llevaron a cabo durante los jueves de marzo. A lo largo del mes, tuvimos el placer de disfrutar de artistas como Carla Verdugo, Liss Morales, Carolina Aguilera (Canarito) y, por supuesto, Carla Romero. 🌸

Gracias a Café de la Historia por la confianza y por permitirnos documentar y registrar estos momentos tan especiales. 🙌💫

¡Nos llevamos la música, la magia y, sobre todo, el talento de nuestras mujeres artistas! 🎤🎸🎶

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La noche del miércoles 26 de marzo, el emblemático Campanil de la Universidad de Concepción se transformó en un lienzo vivo gracias a la intervención lumínica Habitantes del Bosque. Esta obra de videomapping, presentada por la Corporación Cultural Actos Sinestésicos en conjunto con @campusnaturalezaudec, llevó a los espectadores en un viaje visual a través del ciclo del día y la noche en la naturaleza, resaltando la flora y fauna del territorio.

Con una secuencia de ocho escenas animadas proyectadas sobre la estructura histórica, la obra permitió a los asistentes sumergirse en una narrativa que alternaba entre la belleza serena del ecosistema y la urgencia de su conservación. La mirada de los seres del bosque nos interpeló directamente, recordándonos la fragilidad de su existencia ante la presión humana.

El espectáculo, diseñado para repetirse en loop entre las 21:00 y las 22:00 horas, ofreció una experiencia envolvente de 15 minutos que capturó la atención del público, invitándolo a revivir la proyección más de una vez.

Además de su impacto artístico, Habitantes del Bosque sirvió como una poderosa herramienta de sensibilización sobre las especies en riesgo. En sintonía con su compromiso ambiental, la Universidad de Concepción desarrolla un programa integral a través de @campusnaturalezaudec, abarcando reforestación, educación ambiental y la integración del arte en la concientización ecológica.

Este trabajo es una creación de Actos Sinestésicos, una corporación cultural dedicada a la integración del arte y la ciencia mediante el uso de tecnologías con fines artísticos y reflexivos. Su enfoque en las artes mediales permite generar experiencias inmersivas que inspiran la reflexión y el compromiso con el entorno.

El arte y la fotografía se han convertido en herramientas poderosas para resignificar la representación femenina. En este contexto, la artista belga Céline Chariot presenta su serie Mujeres, un proyecto que inició en 2007 y que continúa hasta el día de hoy. Cada retrato de esta serie es el resultado de un encuentro fortuito, donde Chariot permite que sus modelos elijan cómo y dónde ser fotografiadas.

"Intervengo lo menos posible en la toma, pues me parece importante que la mujer elija mostrarse en su universo tal como lo desea. Este trabajo es lo opuesto a 'sé bella y cállate'. Mi deseo es mostrar a la mujer tal como es: auténtica, única en su estilo, sus colores, sus costumbres, su cotidianeidad" – Céline Chariot.

Su obra se opone a la visión estandarizada de la mujer promovida por la publicidad y la cultura de consumo. En contraste con la imagen de la muñeca Barbie, ícono creado en 1959 que instauró un ideal de belleza hegemónico y consumista, Chariot propone una mirada cruda y sincera.

"Un estudio reciente confirma que la representación de la "mujer muñeca" ha influido en la percepción social del género, transformando a la mujer en un instrumento de marketing. La publicidad explota su imagen para generar deseo y consumo, reduciendo su identidad a un producto más en el mercado."

Exposición en Concepción

La serie Mujeres de Céline Chariot llega a la Casa del Arte José Clemente Orozco, en la Universidad de Concepción. La exposición estará abierta al público desde el 25 de marzo hasta el 1 de junio de 2025, en la sala 5 CAP.

Horarios de visita:

Martes a viernes: 10:00 - 17:45 hrs.

Sábados: 10:00 - 16:45 hrs.

Domingos: 10:00 - 13:45 hrs.

La icónica artista y poeta Patti Smith trae a Santiago su exposición inmersiva Correspondence, una muestra que fusiona arte, literatura y música en un viaje sensorial único. La exhibición, presentada con éxito en distintas ciudades, sumerge a los asistentes en el universo creativo de la legendaria cantante y escritora.

En su versión para Chile, Correspondence incluye piezas inéditas de Smith y el artista sonoro Stephan Crasneanscki. Curada por Santiago Gardeazábal, la muestra combina poesía, música, arte visual y tecnología, invitando a reflexionar sobre la memoria, el medio ambiente y la relación del ser humano con su entorno.

Como parte de su adaptación local, la exhibición integrará piezas del Museo Chileno de Arte Precolombino y el Observatorio Manuel Foster, estableciendo un diálogo entre la visión artística de Smith y el legado cultural e histórico del país. La cosmovisión precolombina, con su fuerte vínculo con la naturaleza y la espiritualidad, amplía el significado de la muestra, conectando el pasado con las preocupaciones contemporáneas sobre el planeta y nuestra existencia.

La exposición se presentará en la Sala de Artes Visuales del Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) del 14 de marzo al 15 de mayo de 2025, con entrada gratuita. Además, contará con conversatorios, proyecciones y lecturas en vivo para profundizar en la obra de Patti Smith y su impacto en la cultura global.

Para más información sobre horarios y programación de actividades, se recomienda visitar gam.cl .No te pierdas la oportunidad de sumergirte en el universo creativo de una de las artistas más influyentes de nuestro tiempo.

Fuente: GAM

Ayer jueves, en este conjunto de presentaciones organizado por el Café de la Historia ( @cafedelahistoria)para conmemorar el Mes de la Mujer, se llevó a cabo el show de Carolina Aguilera, más conocida como Canarito. Actriz y cantante, Carolina deleitó al público con su interpretación en un evento cargado de talento, energía y emoción. Su poderosa voz resonó en el espacio, atrapando la atención de todos los presentes y creando una atmósfera íntima y vibrante.

El Café de la Historia, ubicado en el Parque Ecuador, comparte estructuralmente el espacio con la Galería de la Historia, lo que convierte este lugar en un punto de encuentro cultural y patrimonial de la ciudad.

Esta serie de presentaciones ha contado con la participación de destacadas intérpretes de la región. Hasta ahora, han pasado por el escenario Carla Verdugo, Liss Morales y Carolina Aguilera (Canarito), y el cierre estará a cargo de Carla Romero el próximo jueves 27.

Durante su presentación, Canarito estuvo acompañada por Paola Gutiérrez, profesora de canto popular y miembro del Dúo Carey, quien aportó con su voz imponente, percusiones y composición. También se sumó Karina Ayelén, integrante de Flor de Guayaba, quien agregó su talento en coros y semillas, complementando con armonías envolventes que enriquecieron la experiencia musical.

El repertorio de la noche incluyó interpretaciones de gran fuerza y emotividad. Se destacaron temas como Paloma ausente y Lo que más quiero, de Violeta Parra. Además, Paola Gutiérrez presentó dos de sus propias composiciones, Arrebol y Despertar, cautivando al público con su sensibilidad artística. Canarito, por su parte, ofreció un conmovedor declamé de un poema de María Sabina, la reconocida Curandera Mexicana, añadiendo un momento de profunda conexión espiritual a la velada. Junto a estas piezas, también resonaron algunas de las canciones más representativas de Canarito, como Penas canto, Mujer diosa y El viento eres tú, reafirmando su identidad musical y su mensaje de fuerza y empoderamiento.

Los instrumentos utilizados en esta inolvidable presentación incluyeron guitarra, cuatro, cajón, bombo, tambora, llamador, maracas, chajchajs y guacharaca, los cuales enriquecieron aún más la atmósfera sonora y rítmica del espectáculo.

La Tierra: Un Canto a la Conservación y la Biodiversidad

El nuevo videoclip de Rocío Peña, "La Tierra", es una manifestación artística que nos invita a reflexionar sobre la relación entre el ser humano y su entorno natural. La canción, cargada de simbolismo y mensajes profundos, encuentra en su videoclip un complemento visual que realza su esencia y potencia su llamado a la conservación de nuestros ecosistemas.

Una Letra con Mensaje Profundo

Desde los primeros versos, "La Tierra" establece una conexión con la naturaleza, evocando la renovación y el despertar con la imagen de una madrugada que estalla en luz. La letra nos habla de la importancia de escuchar el entorno, valorar la diversidad y aceptar que cada espacio de tierra tiene su propio ciclo y razón de ser.

El estribillo, con la poderosa frase "No toda la tierra tiene que producir igual", nos recuerda que la relación con la naturaleza no debe estar marcada exclusivamente por la explotación y la productividad, sino también por el respeto y la armonía con los ciclos naturales.

A lo largo de la canción, Rocío Peña nos habla de la importancia de la tradición, la autosuficiencia y la acción colectiva. La siembra y el cultivo se transforman en metáforas de la resistencia y la conexión con las raíces, dejando un mensaje claro: la tierra no sólo nos da alimento, también nos brinda identidad y sustento emocional.

Un Videoclip que Da Vida a la Canción

Para materializar esta poderosa letra en imágenes, el videoclip de "La Tierra" fue grabado en escenarios naturales de gran valor ecológico y cultural: el Parque Museo Pedro del Río Záñartu, el Humedal Vasco de Gamma y el Fundo Ramuntcho. Estos paisajes se convierten en protagonistas junto a Rocío Peña, quien a través de su interpretación nos transmite un profundo respeto por la biodiversidad y la necesidad de proteger nuestros ecosistemas.

La dirección del videoclip estuvo a cargo de Francisco Arias (@dandiwarhol), con la realización audiovisual de Gatobomba (@gatobombacl), quienes lograron capturar la esencia de la canción en imágenes que combinan belleza, fuerza y un mensaje claro: la naturaleza es un tesoro que debemos preservar.

Con "La Tierra", Rocío Peña reafirma su compromiso con el arte como herramienta de conciencia y transformación. Su música no solo nos emociona, sino que también nos llama a la acción. Un estreno que nos recuerda que la tierra es vida y que su cuidado es responsabilidad de todos.

🎥Mira el videoclip completo aquí: