Decibélico

Un parecido que siempre ayuda

Por: Chel

El parecido entre propuestas musicales no necesariamente arruina un disco. Esta semana les traigo dos opciones que, aunque recuerdan a otr@s artistas, no dejan de ser atractivas. Como siempre, los invito a que compartan su opinión.

Keren Ann – Keren Ann. 

De ascendencia holandesa e israelí, Keren Ann podría ser sin problemas la heredera musical de Mazzy Star. En este disco, el quinto de su carrera, nos trae de vuelta esas voces desgarradoras sobre secuencias lentas de folk y blues. ¿Cuál es la aportación? Keren Ann agrega a sus temas recursos pop rock (coros angelicales, aplausos y pianos agudos, entre otros) envueltos en atmósferas folk listos para ser escuchados sin problemas: Un sonido muy sabroso de fácil digestión. Este es un buen disco que tiene entre sus atractivos el ser mezclado por Joe Barresi, quien ha trabajado con Tool, Queens Of The Stone Age y Weezer. 

Sobresalen los temas: Lay Your Head Down, In Your Back y Liberty.

Sobre Keren Ann:

www.myspace.com/kerenann

www.kerenann.com

Bat For Lashes – Fur And Gold

Bat For Lashes es un proyecto armado por la inglesa Natasha Khan. La referencia más próxima es que Fur And Gold, su último album, fue nominado en 2007 para competir por el controversial Mercury Prize, que recompensa cada año al mejor disco inglés o irlandés. La producción tiene un sonido muy energético que remite a Sinnead O’Connor por su forma impetuosa de entrar a los coros, y a Björk en la forma repetir los estribillos con voces más agudas que graves. Además de lo anterior, el atractivo de este disco radica en su variedad musical que no pierde consistencia. Por separado se pueden apreciar las características particulares de cada tema y, al mismo tiempo, en conjunto escuchar un disco bien producido. Sobresalen los temas: Trophy, The Wizard y Sarah.

Sobre Bat For Lashes:

myspace.com/batforlashes

www.batforlashes.co.uk

Tres propuestas mexicanas de rock

Por:Chel

En mi búsqueda constante de propuestas musicales, estas últimas semanas encontré tres interesantes bandas de rock mexicano. Cada una tiene algo que aportar a la escena musical y las tres son buenos ejemplos del enfoque “proponer y no esperar a que las cosas sucedan”. L@s invito a que las escuchen e incluyan sus comentarios. Que las disfruten.

Justina - Justina. 

La respuesta está en la inmersión. Originaria del Estado de México, Justina ofrece un sonido muy compacto. Más que mostrar aportadores arreglos, su enfoque es una sólida propuesta colectiva. Se perciben influencias de David Bowie en los vocales y de Lucybell en la forma de resolver los estribillos. El disco es consistente y expone a una banda muy acoplada. Los temas, compuestos sobre explícitas bases rítmicas (fuertes líneas de bajo y batería), anuncian discursos de amor y decepción. No se mueve un integrante sin otro y este amarre invita a involucrarnos en una propuesta complicada de inicio, pero altamente disfrutable conforme se va escuchando. Sobresalen los temas Julieta, Solos y Silencio.

Sobre ellos: myspace.com/justinarock

Oh My Oh – Momentos. 

Combinación de ingredientes de calidad para lograr otro sonido. Esta banda se forma con músicos que tienen destacados antecedentes: Chavo Isashar (Austin TV), Christian Guijosa (Hummersqual) y Uri Baqueiro. Oh My Oh es una apuesta que se basa en los recursos electrónicos con predominantes rasgueos de guitarras acústicas. En los temas destacan buenos arreglos vocales con coros fáciles de recordar. Predomina el tema de las relaciones interpersonales, sus altas y sus bajas. Si desmenuzáramos el sonido, se podrían tomar como influencia las bandas de donde proceden los integrantes. Sin embargo, en este nuevo esquema, la mezcla se hace un todo que logra otro efecto: un rock pop electrónico que está a punto de ser meloso, pero se mantiene fuerte sin dar el brinco. Sobresalen los temas Aquí respira y NOVYI.

Sobre ellos: myspace.com/ohmyoh

Turbina – Panamerica.

En los detalles está el mensaje. En un primer acercamiento, el estilo de esta banda se puede percibir como una más que utiliza el recurso de las voces lineales (sin agudos y graves). Sin embargo, la falsa alarma es evidente al adentrarse con otros temas de “Panamerica”, su disco debut, en el que llama la atención su enorme potencial musical. Es difícil evitar escuchar con detenimiento los exquisitos arreglos en la instrumentación. “Odisea de un amor radial”, atrapa completamente. “Polifónico”, es un tema electro-rock excelentemente balanceado. En el disco se escuchan guitarras minuciosamente definidas combinadas con secuencias bien elaboradas, que sirven de cómo colchón para potentes coros a tres voces. Sobresalen los temas Multi-Sweet, Polifónico y Mira al cielo.

Sobre ellos: myspace.com/turbinaweb

Gudrun Gut – I Put a Record On

2007. Monika. Electrónica.

Por: Chel

Mujer interdisciplinaria, Gudrun Gut se ha desempeñado como artista plástica, ingeniera de sonido, productora y disc jockey. Es en esta última faceta donde se acomoda, da unos giros y presenta “I Put a Record On”, disco en el que experimenta con sonidos que se ha encontrado en toda su trayectoria y los ubica sutilmente en un esquema que podemos escuchar cómodamente. 

Gut no es nueva en esto. Tiene un largo camino recorrido en la escena musical. Inició en la década de los 80 en el circuito del rock alemán con su banda Mania D. Posteriormente formó parte de la reconocida Einstürzende Neubauten, Malaria! y Matador. A partir de la década de los 90 se enfocó en la música electrónica con el colectivo Oceanclub. En 1997 fundó la disquera Monika Enterprise, a través de la cual comercializa su disco solista.

“I Put a Record On” presenta una propuesta que mezcla lo comercial con lo experimental. Es un disco robusto y consistente en el que se utilizan los recursos tecnológicos sin restricciones, sazonados con una esencia delicada de art rock y con una elaboración minuciosa que pone en evidencia mucha experiencia en la mezcla de estilos.

El sonido de Gut es transparente desde un inicio. “Move Me” arranca con compases manipulados de un tango que por algunos instantes recuerdan a las propuestas tango-rock del argentino Fernando Samalea. Pero, sin pensarlas demasiado, las olvidamos por un corte en la mezcla del bandoneón que hace una breve pausa y da pie a la primera estrofa del tema.

Abundan los contrastes con beats sencillos complementados con estructuras vocales rígidas que son suavizadas con arreglos atmosféricos de sintetizador (“Pleasuretrain”, “Girlboogie 6” y “The Land”). Las letras son introspectivas pero sin llegar a lo oscuro (“Cry Easy”). 

Sobresale la excelente versión de “Rock Bottom Riser”, un cover de Smog, armado con una estructura básica verso-estribillo-verso en la que participa Matt Elliot (Matt Elliot & The Third Eye Foundation) en los vocales. El beat tiene un corte interesante que indica la entrada de cada estrofa dejándola en primer plano. El tema cierra suavemente con una mezcla de la guitarra original del tema.

“I Put a Record On” es un disco diferente, cargado de contrastes armoniosos, que permite escuchar los sonidos que Gudrun Gut ha recolectado en su larga carrera musical. Más sabe el diablo por viejo, sin duda. 

Para más información sobre Gudrun Gut:

www.myspace.com/ggut

www.m-enterprise.de/gut.html

Este DeciBélico se realizó con el apoyo de: Musiclab* Río Tamazunchale 403 Col. Del Valle San Pedro Garza García, Nuevo León. Tel. (81) 8356-6079 [email protected] www.musiclab.com.mx

Electrelane – No Shouts, No Calls.

 2007. Too Pure. Rock.

Por: Chel

Electrelane es una banda inglesa formada por cuatro mujeres con una propuesta interesante que mezcla sonidos del pasado con sonidos actuales. 

La banda ha sido telonera de The Arcade Fire y en abril lanzó “No Shouts, No Calls”, su cuarto disco. Como si se quisiera resumir la propuesta musical, la producción presenta un sonido sencillo y sin complicaciones, característica que al mismo tiempo lo hace sumamente armónico y agradable.

Si eres de las personas que siguen las propuestas básicas, este disco te agradará de principio a fin. Los arreglos en la mayor parte de los temas se enfocan en alinear a todos los instrumentos para que la dulce voz de la vocalista Verity Susman pueda hacer su parte sin obstáculos. No hay solos, sino muchas bases rítmicas con armonías de guitarra y sintetizador.

“To The East”, su primer sencillo, tiene un arreglo que no corre riesgos. El tema inicia en un tiempo que abruptamente se acelera, como si fuera ensayado por primera vez. Sin embargo, el oído se acomoda y termina por involucrarse totalmente. La estructura en la que está construido recuerda mucho la forma que tienen los temas de Stereolab, con secuencias basadas en líneas de bajo y agudos riffs. 

Hay momentos un poco más agresivos como con “Between The Wolf And The Dog”, en el que las guitarras hacen lo suyo. El atractivo de este tema radica en el arreglo de voces que suaviza las guitarras y le da un giro más ligero que finaliza de manera diferente a la que podría esperarse.

El disco también incluye temas lentos que dan un buen balance. “In Berlin” y “Saturday” están muy bien colocados en el orden. El primero sirve para demostrar que la banda no solamente se desenvuelve en cambios de ritmo sino que también lo hace cuidando los tiempos. El segundo, por su parte, cuenta con uno de los arreglos más completos de la producción y nos da la oportunidad de apreciar el desempeño de cada integrante.

Con “No Shout, No Calls”, Electrelane nos recuerda que se puede hacer un buen disco de rock cuidando las bases y explotando recursos conocidos sin necesidad de inventar el hilo negro.

Para más información de Electrelane:

www.electrelane.com

www.myspace.com/electrelane

www.toopure.com/electrelane/

Este DeciBélico se realizó con el apoyo de: Musiclab* Río Tamazunchale 403 Col. Del Valle San Pedro Garza García, Nuevo León. Tel. (81) 8356-6079 [email protected] www.musiclab.com.mx

Al Flaco…Dale gracias.  Homenaje a Luis Alberto Spinetta.

 2007. D-Rock. Rock. Por: Chel

Los discos tributo son una moneda al aire. Así como pueden estar muy buenos, pueden no estarlo. Por lo general, de la recopilación de temas que se realiza, podemos rescatar algunos que valen la pena. 

¿Qué pasa cuando el disco tributo es tan grande que puede darle gusto a todos? ¿Qué pasa si es dividido en varios discos y cada uno tiene características particulares? El resultado puede ser interesante.  Todas las razones por las cuales un tributo se critica, terminan por desaparecer y, en el mejor de los casos, son alabados dos o tres temas. Este es el caso de “Al Flaco…dale gracias”, disco homenaje al reconocido guitarrista argentino Luis Alberto Spinetta.

Este homenaje debe su existencia a Fabián Spampinato, director de la estación de radio argentina D-Rock (www.d-rock.com.ar). En una tarea nada fácil, se encargó de armar el proyecto, juntar a las bandas, ordenar los temas y ponerlos en un disco triple que contiene casi 68 de los más representativos temas de Spinetta.  Por si fuera poco, logró que se donara ropa y alimentos al comedor infantil Fueguitos al obtener la primera edición del disco (según el sitio oficial, están por sacar la tercera edición).

Disco 1. “Al Flaco”. Lo bien hecho, así se quedará.

El primer disco de este homenaje puede identificarse como un conjunto de temas fuertes cuya estructura básica se mantuvo. En él participaron Rodolfo García (quien tocó con Spinetta en la banda Almendra), Lacaja, Xámpari, Panza y Caballero Raynaldo, entre otros. 

Entre las versiones más aportadoras están “Alma de diamante”, tema ejecutado por Cirse al que le doblan el tiempo y refuerzan con guitarras inyectándole potencia. Igualmente está “La herida de París”, hecho por Tribemol y Guillermo Cides en el que, sin arriesgar mucho, logran darle otra presentación con un excelente arreglo de sintetizadores.

Disco 2. “Dale gracias”. El que no arriesga no gana.

El segundo disco cuenta con la participación de talentos como Javier Malosetti (bajista de Spinetta por muchos años), La Ruda, El Orbe, Superextra y Samantha Navarro, entre otros. En este disco se pueden escuchar versiones mucho más arriesgadas con arreglos totalmente diferentes.

Sobresalen los temas “Espejada”, con complicados arreglos de voces e interpretada por Carlos Lambertini y “No te busques ya en el umbral”, con Lisandro Aristimuño explotando de manera exquisita los efectos de un sintetizador. 

Disco 3. “Y Además”. Porque no podían faltar.

El tercer disco incluye los temas más comerciales de Spinetta presentados en estilos que identifican a los artistas ejecutantes. Se pueden apreciar participaciones de Marcelo Marán, Privé, Sur, Ubika, Ezequiel y otros más.

En la lista están temas como “Muchacha ojos de papel” (Privé), “Me gusta ese tajo”(Mad), “Abrázame inocentemente” (Club Astrolabio), “Fuji” (María Elia y Diego Penelas Dúo), “Camafeo” (Domínguez) y “Todas las hojas son del viento” (Blues Motel). 

El tema que más resalta es “Amenábar”, interpretado por Fernando Samalea (actual baterista de Gustavo Cerati) y Ginkobiloba, en el que prestan un rock fuerte y básico que es complementado puntualmente por intervenciones de bandoneón.

“Al Flaco…dale gracias” es un disco que puede ser escuchado en varias sesiones. La nueva manufactura y los minuciosos arreglos de algunos temas permiten que sean escuchados una y otra vez. Es un merecido homenaje a uno de los grandes del rock latinoamericano.

Para más información sobre este disco y Luis Alberto Spinetta:

www.alflacodalegracias.blogspot.com

www.spinettacual.com.ar

www.jardindegente.com.ar

Spam Allstars – Electrodomésticos

2007. Spamusica Records. Acid Jazz/Funk. Por: Chel

El carácter independiente del mercado musical ha permitido  que tengamos acceso frecuente a proyectos con fusiones musicales interesantes. En la búsqueda reciente, me encontré con Spam Allstars, una banda originaria de Miami, Florida.

Al principio pensé que sería una banda más que se amarra a un DJ para resolver todos sus problemas, pero no fue así. Electrodomésticos, su producción más reciente, se encarga de avalarlos en todos sentidos mostrando capas de sonido que permiten apreciar las cualidades de cada uno de sus músicos.

En una primera pasada, parecería un colectivo con bases Acid Jazz y Funk. Sin embargo, la característica que aporta es la fusión de los géneros mencionados con ritmos afrocubanos que terminan de cerrar su propuesta.

Electrodomésticos arranca con Charanga E-350, un tema sabroso que se anuncia con un tumbao apoyado por una guitarra funk que poco a poco se va colando entre las percusiones hasta encontrarse con las líneas de bajo. Esa combinación va subiendo a lo largo de todo el disco hasta llegar a La Mareada, uno de los temas más completos del disco por su instrumentación. En este tema la sección de metales hace su aparición gritando que también tiene lo suyo.

Spam Allstars está encabezado por DJ Spam (Andrew Yeomanson), pero en la alineación hay muchísimo talento que hemos escuchado en otras partes. Por mencionar solamente a algunos, sobresalen Mercedes Abal quien fue flautista de la banda de Albita Rodríguez, así como Lázaro Alfonso en las percusiones, quien estuvo en la banda de jazz latino Irakere.

El disco cierra de manera nostálgica con un arreglo Trip-Hop del conocido tema Oración Acere. La versión del tema compite mucho con otras versiones realizadas anteriormente por grupos cubanos como Síntesis y Yoruba Andavo. Sobre una base de percusiones, una vez más el sampleo le da forma al tema, deja que una guitarra melancólica complete la melodía y construya el camino para una completa sección de metales  que va marcando con notas alargadas.

Por su calidad musical, Spam Allstars es una banda que se. Miami no suena tan lejos, por lo que ojalá pronto tengamos la oportunidad de ternerlos en México.

Para más información sobre Spam Allstars:

www.spamallstars.com

www.myspace.com/spamallstars

Antibalas – Security

 2007. Anti Records. Afrobeat. Antibalas (Antibalas Afrobeat Orchestra) es una  banda originaria de Brooklyn, Nueva York , reconocida por ser una de las abanderadas del género Afrobeat, cuyo máximo precursor es el activista nigeriano Fela Kuti.

Con un extenso historial de energéticas presentaciones,  en marzo de  2007 sacó a luz Security, su cuarto disco, producido y mezclado por John McEntire conocido músico por su participación con Stereolab y Bastro, además de ser el baterista de Tortoise, banda de rock instrumental. 

McEntire, refresca el sonido de la banda permitiéndoles indagar otras variantes de sonido. Security nos muestra detalles interesantes y aportadores al género abrazado por Antibalas quienes en Talkatif, su disco anterior, mostraban un límite: el estilo era identificable y energético, pero no había mayor aportación.

Security es un disco completo y consistente. Los temas están muy balanceados, con arreglos que no llegan a los excesos. El sonido es muy accesible para iniciados en el género y con particularidades para los ya involucrados en él. Antibalas agrega elementos sin comprometer las características del estilo.

A diferencia de las producciones extensas a las que la banda nos tiene acostumbrados, este disco dura poco menos de una hora. Sin embargo, para los amantes de las extensiones, hay dos temas exquisitos de 11 y 12 minutos que se van como agua (Filibuster XXX y Sanctuary). 

La característica principal de este disco es un delicioso sonido de estudio. Anteriormente la banda mostraba un audio cercano a la sesión en vivo y esta vez optó por exprimir las cualidades de la mezcla. Las capas de sonido son claramente perceptibles y esto permite apreciar los excelentes arreglos (Beaten Metal, War Hero). Para no ir más lejos, la mano de McEntire se percibe a distancia. 

Los sintetizadores marcan la pauta y los metales, más que empujar a todos, se unen a la marcha logrando una sola línea. Hay muchos juegos con contratiempos y notas extendidas al máximo (Age). 

El calor está aquí. Disfrutémoslo o hagámoslo más llevadero. Security es un excelente complemento para estos días con temperaturas irreverentes.

Para más información sobre Antibalas Afrobeat Orchestra:

www.antibalas.com

www.myspace.com/antibalas

Jaime López y José Manuel Aguilera – No más héroes por favor/Tomas de laptop

Por: Chel

Hace 12 años un par de músicos se reunió para compartir algunas maquetas de temas que tenían guardadas. Metieron las baterías con una caja de ritmos, hicieron algunos arreglos caseros, terminaron los temas y los registraron en una grabadora de cuatro canales. En ese momento tal vez no lo sabían, pero Jaime López y José Manuel Aguilera acababan de construir uno de los discos más emblemáticos del rock mexicano: Odio Fonky / Tomas de buró.

Difícil de conseguir en su momento, el disco causó revuelo por lograr un sonido complejo que mezclaba el rock de guitarrazo, una métrica atractiva en las letras y contenido urbano de principio a fin. El disco dejó temas que se refrescarían después: Tatuaje, la desgarradora Nuestro amor es este gato negro muerto en el baldío y Chilanga banda, cover que Café Tacuba arregló para su disco Avalancha de éxitos.

Como si no hubieran sido suficientes los elogios para Odio Fonky, la pareja de músicos se reunió de nueva cuenta en 2006 para sacar al mercado No más héroes por favor / Tomas de laptop. Aunque los autores afirman que no es una segunda parte, desde el título hasta el estilo de los temas, el disco tiene todo para ser una excelente continuación que, sin competir con su predecesor, amarra los pequeños cabos sueltos que se quedaron e incluye nuevos elementos que logran un sonido más nítido.

En No más héroes por favor, López y Aguilera dejan la caja de ritmos y se apoyan en la batería de Doc Ordorika y el bajo de Agustín Bernal (¡!) dando como resultado un disco de rock puro. Las guitarras tienen mucha más presencia y en los arreglos se apoyan en el bajo. Los temas suenan mucho más compactos y orgánicos, invitando a ser escuchados en vivo.

El molde del Odio Fonky se reutiliza, pero ahora está hecho con materiales más resistentes que permiten solos a dos guitarras y el manejo de planos más perceptibles tanto en los instrumentos como en la voz. Esta última característica hace que los temas regalen algo distinto cada vez. Las letras retoman el amor y la ciudad como denominadores comunes. Sobresalen los temas Cruel carrusel, Café de chinos, Adivina del diván y Para atravesarnos, que destaca el estilo armónico acostumbrado de José Manuel Aguilera. No más héroes por favor / Tomas de laptop complementa de manera excelente a Odio Fonky (reeditado y disponible desde 2006), convirtiendo a ambas producciones en un solo producto que es deseable tener en la discografía personal.

Para más información sobre Jaime López y José Manuel Aguilera:

www.myspace.com/odiofonky

www.jmaguilera.net

www.myspace.com/eljaimelopez

The Cinematic Orchestra – Ma Fleur.

Por: Chel

Clasificada en una variedad de géneros que van desde el nu jazz, pasando por el jazz comercial, y rematando con la etiqueta lounge al incluirla en cuanto disco acoplado salió al mercado, lo cierto es que The Cinematic Orchestra con el tiempo ha demostrado que su estilo refinado la hace una banda de calidad.

Ma Fleur, la nueva producción de la banda inglesa, tiene un fuerte antecedente que es difícil de hacer a un lado. Every day, el disco anterior, tuvo muchísima aceptación (cien mil copias vendidas) ayudado en gran parte por la inclusión del tema Evolution en gran cantidad de compilaciones. Sin embargo, en Ma Fleur la banda acierta explotando las cualidades de Every Day acomodándolas en un discurso musical diferente, pero igual de atractivo.

Contrario a lo que muchos fanáticos pudieran esperar, The Cinematic Orchestra no se reinventa en este disco, sino que retoma elementos que domina a la perfección y los mezcla en temas suaves que se acentúan en momentos clave. El saxofón vuelve a estar presente como apoyo armónico a las estrofas, y la intervención pausada de la voz es una constante. La parte vocal tiene mayor presencia y la banda invita a reconocidos talentos como Fontella Bass, quien participó en Every Day, Lou Rhodes y el canadiense Patrick Watson, quien también tocó el piano en algunos temas.

En este material, una vez más, la banda incluye puentes extensos en cada tema. En Child Song, el tercer tema del disco, vale la pena apreciar el ligero arreglo jazz funk ejecutado entre un contrabajo que empuja a la batería para dejar un espacio donde interviene un solo de piano, Fender Rhodes. En otro estilo, el tema Prelude incluye un puente con un arreglo de cuerdas que presenta variaciones de una misma melodía.

Ma Fleur es un disco de temas suaves para ser escuchados con calma y The Cinematic Orchestra lo anuncia desde el inicio. Sin ser aburrido, el disco puede ayudar a rescatar un día que se ha dado por perdido.

Para más información sobre The Cinematic Orchestra:

www.cinematicorchestra.com

www.myspace.com/thecinematicorchestras

Björk - Volta.

Por: Chel

Volta, el sexto disco de Björk, ha salido a la luz y con el poco tiempo transcurrido desde su lanzamiento ha generado opiniones encontradas. Esto no es novedad ya que la artista ha sido controversial desde 1993 cuando lanzó su disco Debut, que se particularizaba por sus delicados arreglos incrustados entre poderosos beats. 

La mayor parte de este trabajo es producido por Björk, exceptuando los temas Earth Intruders, Innocence y Hope, co-producidos con Timbaland (Jay-Z, Justin Timberlake) y Mark Bell (LFO, Depeche Mode). El material una vez más presenta a una artista arriesgada con un estilo único que puede deleitar o entorpecer al oído más crítico.

En Volta, Björk incluye sus tradicionales secuencias con mezclas interesantes de instrumentos de viento. Sobresale el tema Wanderlust, que muestra un excelente arreglo con un ensamble de metales que se mueve sin problemas sobre una dominante secuencia.

El estilo de los temas es variado a lo largo del disco. Esta posible inconsistencia puede ser criticable. Sin embargo, para los fieles seguidores de la islandesa, es un atractivo irrechazable ya que podrán tener una muestra de las cualidades de Björk en cada tema. Los arreglos han alcanzado madurez y se presentan suavemente para ser disfrutados con detenimiento.

La producción de Volta contó con artistas invitados de la talla de Antony Hegarty, vocalista de Antony And The Johnsons, quien canta a dúo los temas Dull Flame of Desire y My Juvenile, así como el baterista Chris Corsano, quien ha colaborado anteriormente con Thurston Moore, guitarrista de Sonic Youth.

Volta puede ser considerado uno de los discos más digeribles de Björk, que incluye todas las variantes del estilo que la identifica: participación de instrumentos poco comunes, secuencias recurrentes, melosas baladas, saturaciones en los puentes y fraseos extendidos. Es un buen álbum que permitirá a otras audiencias acercarse a esta compositora que tiene una calidad musical indiscutible.

Para más información sobre Björk:

www.bjork.com

www.myspace.com/bjork

Blonde Redhead - 23 2007. 4AD. Rock.

Por: Chel

Una recomendación me llevó a este disco y tengo que aceptar que llegué a él con cierto escepticismo. Los discos anteriores de Blonde Redhead tuvieron una tendencia que apuntaba al punk y en su penúltimo trabajo, Misery Is a Butterfly,  le dieron un giro interesante a la propuesta pero sin definir una dirección.

En esta nueva producción, el trío originario de Nueva York  permanece con la famosa disquera 4AD, reconocida por manejar grupos como Pixies, Cocteau Twins y Dead Can Dance. Además, esta vez la banda decide producir el disco sin apoyo de un tercero.

Empecé a escuchar el disco y 23, el primer tema, abre paso con un sonido estructurado y sólido. Este pretexto es suficiente para que una voz dulce concrete la combinación con fraseos suaves y bien acomodados. 

Todavía sin asimilar la experiencia, Dr. Strageluv anuncia su entrada con un arpegio agradable que explota a la mitad con un magnífico y pegajoso estribillo. La voz de Kazu Makino, más que cumplir, toma la batuta del tema y lo ablanda haciéndolo más cómodo.

A la mitad del disco, los temas Silently, Publisher y Heroine confirman un rock sin grietas. Los temas no tienen pausas y mantienen una atmósfera. En esta producción Blonde Redhead expone un discurso musical transparente: lo que anuncia al inicio es lo que entrega al final. 

En los arreglos de guitarra de la mayor parte de los temas se nota un innegable pasado punk. Sin embargo, la combinación con las líneas del bajo le dan un sonido distinto, ya que éstas marcan la pauta en todos los temas sin protagonismo. 

El disco agradará mucho a los escuchas que toman en cuenta las letras. Las frases son cortas y sencillas, con la reflexión y el amor como temas centrales. Un ejemplo de esta característica se puede apreciar en el tema SW, que está basado en seis frases repetitivas con expresiones como “It's not what you give but it's what you kept / It’s not who you kill but it's who you left”.

Con esta producción, Blonde Redhead se manifiesta como una banda versátil que concreta los diferentes estilos que maneja. Los invito a escuharla. Vale la pena.

Para más información sobre Blonde Redhead:

www.blonde-redhead.com

www.myspace.com/blonderedhead

San Pascualito Rey - Deshabitado 2006. Discos Intolerancia. Rock

Por: Chel

Después de una serie de eventos con diferentes características - una gran aceptación en el Festival Vive Latino 2005, un EP con remezclas de sus temas y un accidente en la carretera - llega Deshabitado, el segundo disco de larga duración de San Pascualito Rey.

Desde su primer disco en 2003, esta banda originaria del Distrito Federal llamó la atención por exponer una interesante mezcla de rock y trip-hop, adornada con arreglos de música tradicional mexicana y sampleos psicodélicos que le daban un sonido particular. No mal explican su estilo como “dark guapachoso”.

En este disco, la banda presenta un sonido más orgánico acercándose al de una sesión en vivo. La guitarra toma un rol protagónico y las estructuras del bajo y la batería son más fuertes. A diferencia de Sufro Sufro Sufro, su primer disco, las intervenciones del sintetizador son más puntuales y cuidadas.

Las letras están llenas de desgarre y dolor (“Somos iguales tú y yo. No cabemos en el mismo beso”). Las primeras frases de cada tema invitan a conocer más. La voz grave y cadenciosa de Pascual, su vocalista, involucra en las diferentes historias dejando percibir un recurrente romanticismo que lastima lo suficiente para volver a escuchar el disco (“No me mires con esos ojos tristes, que me gritan palabras mudas que me hacen recordar”).

A la mitad de la producción, destaca la participación de José Manuel Aguilera (La Barranca, Sangre Azteka) en el tema La Verdad, uno de los más sabrosos del disco. 

Con Deshabitado, San Pascualito Rey consolida su estilo y nos muestra que enfrentó bien la prueba del segundo disco, ese filtro que ha dejado a muchas bandas en el camino. 

Si están interesados en ver a San Pascualito Rey en vivo,  se presentarán el 26 de abril en Cholula, Puebla y el 6 de mayo en el Festival Vive Latino 2007.

Para más información sobre San Pascualito Rey:

www.sanpascualitorey.com

sanpascualitorey.blogspot.com

www.myspace.com/sanpascualitorey

Ana Carolina & Seu Jorge – Ana & Jorge Ao Vivo 2005. BMG. World Music/Brasil.

Por: Chel

Hagamos la prueba. Mezclemos en un recipiente a los grandes intérpretes de música brasileña (Chico Buarque, Tom Zé, Djavan, Gal Costa, María Bethania, Elis Regina, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Edu Lobo, Ivan Lins, etc.) y añadamos un condimento nuevo. Hay una alta probabilidad de obtener un producto con todas las cualidades de los ingredientes principales, pero con un nuevo sabor. 

Ana & Jorge Ao Vivo es un ejemplo de la mezcla anterior. Un disco grabado en agosto de 2005 en el que Seu Jorge y Ana Carolina Souza, artistas de la “nueva” avanzada brasileña, logran dar frescura a la música popular de su país. Antes de este disco ambos artistas tuvieron historias parecidas: sus discos debut fueron bien recibidos por la crítica y colocaron éxitos rápidamente. Ana Carolina con su disco homónimo colocó Beatriz, tema original de Chico Buarque. Seu Jorge, por su parte, con su disco Samba Esporte Fino colocó el tema Carolina. 

Este disco en vivo, que ganó en 2006 el premio Multishow como la mejor producción del año, es un viaje a través de diferentes estilos de música brasileña que van desde las citas de Tropicalia, pasando por tradicionales bossanovas, sambas, covers con excelentes arreglos, baladas desgarradoras, discursos sociales, hasta combinaciones de secuencias. En resumen, un disco completo que no solamente presenta un homenaje sino que además expresa un reacomodo en el discurso musical. 

Entre los 15 temas que contiene Ao Vivo, destacan los covers Tanta Saudade, conocido en la voz de Djavan, en una excelente versión con un arreglo samba/funk que destaca la ejecución de Ana Carolina en el bajo, así como la versión É Isso Aí, cover en portugués del tema The Blower Daughter que Damien Rice incluyó en la banda sonora de la película Closer, dirigida por Mike Nichols.

La música popular brasileña avanza y con este disco podemos darnos cuenta que no sólo los artistas tradicionales la fomentan, sino que hay artistas que la refrescan y enriquecen. 

Para más información sobre Ana Carolina y Seu Jorge:

www.last.fm/music/Ana+Carolina

www.papelfuleiro.com.br

www.last.fm/music/Seu+Jorge

www.myspace.com/seujorge

www.seujorge.com

Alonso Arreola – LabA Música Horizontal 2006. Discos Intolerancia. Jazz/Rock.

Por: Chel

Alonso Arreola es actualmente el bajista de La Barranca y tiene amplia presencia en el círculo musical independiente. Además de su banda actual, ha participado en proyectos de diversos estilos (Monk, Libélula, Síntesis, Siconauta). También ha sido colaborador en diferentes publicaciones musicales como Pulse de Tower Records, Music Life, Rolling Stone México, así como en los periódicos La Jornada y Reforma. Recientemente sus aportaciones pueden ser leídas en el portal de bitácoras Dixo.com.

A finales de 2006, Arreola presentó su disco LabA Música Horizontal llamando la atención tanto por su producción como por su calidad musical. A través de sus 19 temas (y un silencio) se pueden encontrar momentos relajantes, agresivos, experimentales, absorbentes e introspectivos. El sonido refleja un empeño constante en lograr una identidad que va desde el título del tema hasta la última nota ejecutada.

Anticipándose a la situación nacional, LabA inicia con el tema “Oda a la tortilla”, presentando un arreglo de influencias barrocas con el apoyo de la excelente chelista Mónica del Águila (Cecilia Toussaint, Betsy Pecanins). Este tema anuncia claramente el discurso del disco en el que las bases rítmicas serán la carta de presentación.

Al avanzar en los temas, se pueden apreciar diferentes estilos que van desde rock hasta jazz fusión, sin dejar a un lado la experimentación con sonidos ambientales e instrumentos poco escuchados en los géneros mencionados. Tal es el caso de un expresivo marimbol (antiguo instrumento de percusión utilizado en el son jarocho) que sirve como base para el tema Balada.

Cabe darle un especial reconocimiento al tema Zizou, interpretado por Jaime López como solamente él lo puede hacer. Siguiendo su costumbre, se basa en una expresión común (“ah cabrón”) y la complementa aceleradamente con sonidos guturales. Todo esto sobre un juego de slap que expone la versatilidad de Arreola como bajista.

Para la creación de LabA, el autor se apoyó en un equipo de fanáticos, amigos y organizaciones. En las fichas técnicas de los temas sobresalen nombres de la talla de Trey Gunn (King Crimson), Gerry Rosado (Consumatum Est), José Manuel Aguilera y Chema Arreola (La Barranca) y Alejandro Otaola (Santa Sabina, La Barranca), entre otros. 

La forma de adquirirlo y su justificación hacen de LabA un disco aún más particular: se realiza una donación voluntaria a la organización “Gente por la Defensa Animal” (www.gepda.org), únicamente agregando el costo de envío. Una vez recibido el disco, Alonso Arreola acepta la realidad y se encarga de reiterar su mensaje en el interior del empaque: “Copia o comprime este disco para compartirlo física o digitalmente, pero menciona a su autor y benefactores”. 

Para más información sobre Alonso Arreola:

www.labalonso.com

www.labarranca.com.mx

Manolín, El médico de la salsa – El puente (Live in the U.S.) 2002. Ciocan. Timba.

Por: Chel

Al inicio de este año decidí revisar algunos discos guardados. El evento fue verdaderamente enriquecedor y al final decidí seleccionar las opciones más representativas. Comparto con ustedes una de ellas: “El puente (Live in the U.S.)” de Manolín, El médico de la salsa. Uno de los discos más sobresalientes del género timba. 

Manuel Hernández, “Manolín”, es un cubano graduado en medicina que, para nuestro beneficio, decidió intercambiar el estetoscopio por el piano. Una de sus referencias más comunes es el éxito “Somos lo que hay”, incluido en la banda sonora de la película “¿Quién diablos es Juliette?” del director Carlos Marcovich. 

Como antecedente, este disco estuvo rodeado de situaciones complicadas como el asilo político de Manolín en Estados Unidos y la consecuente desintegración de su banda. Sin embargo, no fueron impedimento para que en 2002 saliera al mercado y tuviera éxito inmediato. “El puente”, en palabras del crítico de timba Kevin Moore, “captura la adrenalina pura de la experiencia timbera como ninguna otra grabación comercial ha podido”.

La producción incluye los éxitos más conocidos del artista: “La bola”, “Somos lo que hay”, “Jaque Mate”, “Es que me la llevo” y “Me pasé de copas”, entre otros. El gran ausente fue “Mascarita”, pero Manolín lo resolvió hábilmente con una introducción a capella con la que logra una integración total del público.

Durante todo el concierto, Manolín recurre al envío de mensajes positivos. Los pregones están llenos de los eslabones que caracterizan al género (“¡A la batalla!”, “¡Dale mambo!”, “¡Camina!”), todos ellos completando una serie de temas con historias cargadas ánimo (“La naturaleza que todo lo repartió, a quien no le dio una cosa, con otra lo compensó”), así como del eterno enamorado golpeado pero triunfante (“Tu que decías que yo, que no podía que no, a que me mantengo”).

El disco alcanza el climax con el tema “Y no lo comentes”, con un arreglo de nueve minutos que expone el tumbao de Eduardo “Chaka” Nápoles (piano) apoyado por las bases de José Armando Gola (bajo). Los altibajos son acentuados por una potente sección de metales, que permite un solo de guitarra (recurso inusual en la timba) y la aparición del pregón que parafrasea el tema “Cobacabana”, conocido en la voz de Barry Manilow.

“El puente” es un disco que tiene tal calidad musical que lo hace excelente ya sea para bailar o para escuchar con detenimiento. Una buena opción energética para iniciar el año. 

Para más información sobre Manolín, El médico de la salsa:

www.timba.com/artists/medico/

www.europejazz.net/mus/manolin.htm

Bengala – Bengala 2006. Universal Music. Rock.

Por: Chel

El tráfico vehicular puede sacarle el demonio a cualquiera y en estas fechas el problema crece exponencialmente. Una actividad recurrente para mí ha sido armarme con varios discos para hacer el momento al volante menos desagradable. Por lo general recurro a discos con sonido asegurado, aunque de repente se cuela una que otra novedad. La semana pasada fue éste el caso y apareció Bengala.

Esta banda es originaria de la Ciudad de México y cuenta con una historia cada vez más común entre las bandas independientes: entran a un concurso (Doritos), mueven un demo, colocan un tema y finalmente graban el disco. Esta vez estaba escéptico pues antes había conseguido algunos temas de Bengala y me pareció que el estilo abarcaba mucho y apretaba poco. 

El disco homónimo de la banda sido una agradable sorpresa. Producido por Tito Fuentes (Molotov), Paco Ayala (Molotov), y Emmanuel Del Real (Café Tacuba), la producción se presenta con un sonido muy versátil. Los 13 temas que contiene manejan dos corrientes muy claras: por un lado estructuras enérgicas con letras sencillas y por otro, melodías pegajosas con arreglos minuciosos. En ambas direcciones la banda se mueve muy bien. Sin embargo, esta división de corrientes puede tomarse como una cualidad (versatilidad) o un defecto (indefinición). Por lo pronto me quedo con la primera.

En lo que se refiere a la primera corriente, sobresalen los temas “Planeador”, “Soñé”, “Pulso”, “Solar” y “Domingo a las seis”. Las estructuras me recuerdan al estilo manejado por The Strokes en el que incluyen arreglos marcados de guitarra entre las frases del tema. Los cierres son mostrados con una potencia que invita a continuar escuchando el disco.

La segunda corriente se expone con los temas “Miente”, “Si quieres yo”, “Pla Pla Pla”, “Abril O’Neil” y “Tírate”, con el primero de ellos como el más sobresaliente. Todos coinciden en establecer una premisa básica que antecede a la parte central que incluye coros a dos voces. Los finales son invariablemente anunciados con riffs de guitarra apoyados con líneas de bajo sin complicaciones. 

Bengala ha estado presente este año abriendo los conciertos de The Killers, así como en el radio y canales de videos con el tema “Carretera”. Los invito a conseguir el disco y darle oportunidad a esta banda que promete bastante.

Para más información sobre Bengala:

www.bengala.com.mx

www.myspace.com/bengalabengala

www.bengalabengala.cjb.net 

Javiera Mena – Esquemas Juveniles

2006. Índice Virgen. Pop.

Por: Chel

La semana pasada decidí buscar nuevas propuestas y seguir algunas recomendaciones que me han hecho en este blog. Una en particular llamó mi atención por su tendencia declarada al pop alternativo, género complejo por la delgada línea que lo separa de la escena comercial.

Javiera Mena es originaria de Chile y a sus 23 años se ha convertido en una de las personalidades más talentosas del círculo independiente de su país. “Esquemas juveniles”, su segundo disco producido por Cristián Heyne (La Ley, Supernova), presenta un discurso musical transparente, así como una identidad definida en sus letras. 

Con bases electrónicas y armonías expresadas en piano, el disco comienza con un tradicional tema bailable que no causa mucho impacto. Sin embargo, los temas siguientes invitan a ser escuchados por sus arreglos retro bien montados y sus letras cargadas de sentimentalismo. 

Sobresalen los siguientes temas: “Esquemas juveniles”, que cuenta con una estructura de coros que recuerda los realizados por Hall & Oates en los 80’s; “Cámara lenta”, que muestra un juego de voces relajante con un solo de guitarra minimalista; y “Sol de Invierno”, que cuenta con una línea vocal que va por su lado hasta encontrarse al final con el resto de la melodía. Como dato adicional, hay un momento kitsch con una versión de “Yo no te pido la luna”, tema que se hiciera famoso en la voz de Daniela Romo.

“Esquemas juveniles” es un disco que tiende mucho a la estructura musical de los 80’s en una versión austera, característica que lo hace interesante y nos confirma que hay gente trabajando para que el buen pop se multiplique.

Para más información sobre Javiera Mena:

www.javieramena.cl

www.myspace.com/javieramena